Discothèque Idéale Qobuz

Dès ce premier album qu’ils publient en 1995, Leftfield se sont imposés comme une entité bien à part de l’électro britannique. Formé en 1989 par Neil Barnes et Paul Daley, le duo d’ex-punks tombés dans la marmite des machines fait partie de ces groupes précurseurs de la scène des 90’s aux côtés d’Orbital, Underworld, Prodigy et Chemical Brothers. Une scène tendant de solides ponts entre sonorités techno et attitude rock. Leftism n’a pas été véritablement conçu comme un album puisqu’il rassemble la production des singles de Leftfield entre 1992 et 1995. Ce qui n’empêche pourtant guère le disque d’être consommable comme une entité, comme un trip unique slalomant entre techno pure, dub, trance, jungle, ambiant et house pour, à l’arrivée, accoucher d’un kaléidoscope original, tantôt planant, tantôt hystérique. Le duo offre le micro à diverses voix (Earl Sixteen, Cheshire Cat, Papa Dee, Djum Djum, Toni Halliday, Danny Red, Lemn Sissay et même l’ex-Sex Pistols et PIL John Lydon) histoire de rendre leur affaire encore plus humaine. 22 ans après sa sortie, cette réédition permet de le redécouvrir, en version remasterisée, la modernité de ce disque on ne peut plus influent. Une réédition 5 étoiles baptisée Leftism 22 qui comprend de nombreux bonus parmi lesquels des remixes signés notamment Skream, Adrian Sherwood, BodyJack ou bein encore Voiski… Le succès de Leftism tant public que critique ne stimula que modérément Leftfield qui ne sortira par la suite qu’un album, Rhythm And Stealth en 1999, avant de relancer la machine en 2015 avec Alternative Light Source. © MD/Qobuz

Sur Play, Moby explore un nouveau territoire, abandonnant le rythme casse-cou de la techno-punk pour des structures plus souples, plus groovy, retranchées dans un hip-hop orienté dance -- une évolution qui ajoute une toute nouvelle corde à l'arc sonique vaste et varié de Moby. Plusieurs chansons, dont le tube "Honey", sont honorées de l'apparition d'enregistrements de bruits ambiants, de boucles de spirituals africo-américains et de chansons folk puisées dans le répertoire d'Alan Lomax. Le goût de Moby pour la composition compliquée est mis en évidence sur ce disque, où les superpositions de couches de synthétiseurs et de percussions (plus guitares et chants) créent une tapisserie riche et profondément texturée. Play prouve que Moby n'a pas perdu son talent raffiné pour le collage sonore et la combinaison de ces expériences soniques extrêmement variées avec des samples à valeur historique unique et des beats plus roots, plus accessibles reflètent la vision en constante évolution de l'artiste.

Au fil des années, la techno de Marcel Dettmann s’est personnalisée comme jamais. Une techno aussi bien inspirée par les maîtres de Detroit ou de Chicago que le clubbing britannique voire des sonorités typiquement berlinoises. Mais de la techno, de la vraie, sans édulcorant, ni velléité deep ou soul. A l’arrivée, cette musique est un magma rugueux, brut, cru, assez sauvage et très épuré. Des caractéristiques qui brillaient au cœur du mix qu'il signa pour Fabric en 2014 et tout aussi épatantes sur ce volume de la série DJ-Kicks.. Pour construire ce collage qui brasse techno, house et même new wave, Dettmann s'est plongé dans sa vaste collection, enquillant les productions originales, des remix et edit en tous genres, sans oublier les featurings. Un éclectisme qui se retrouve aussi côté labels où le Berlinois est parti à la pêche chez Force Inc. Torso, Music Works et autres Multiplex. Ce DJ-Kicks est surtout très personnel, le Berlinois l'ayant conçu à la maison, presqu'en famille, en prenant son temps. A l'arrivée, le résultat fait ainsi davantage office d'auto-portrait que d’éphémère mix d'un soir. Tant mieux ! © MZ/Qobuz

Lorsque le sifflement de Lovely Head retentit, on crût d’abord à un inédit de Portishead. Avec son ambiance de vieille BO 60's chapeautée par une voix un brin sensuelle, le premier album de Goldfrapp ne sera pourtant pas le clone de Dummy. Déjà, l’ADN du tandem londonien composé d’Alison Goldfrapp et Will Gregory est ailleurs. Certes, la chanteuse naviguait en eaux trip hop depuis un certain temps (elle partage le micro avec Tricky sur le Pumpkin de l’album Maxinquaye) mais avec Felt Mountain, les ambitions cinématographiques qu’elle déploie avec son complice multi-instrumentiste sont d’un tout autre calibre. Cet album publié en septembre 2000 semble comme obsédé par le lyrisme ou le mystère de vieilles partitions écrites durant les 60's et les 70's par Ennio Morricone, John Barry, Lalo Schifrin, Henry Mancini, François de Roubaix, Krzysztof Komeda et quelques autres. Moins électronique que ses concurrents, Goldfrapp joue la carte du luxe et de la luxure. Rien de dépressif dans ce trip hop mais un lâcher-prise imposé par la voix de soprano d’Alison Goldfrapp et les compositions empreintes d’une force dramatique de Will Gregory. Pour voir le film qu’illustre Felt Mountain, il suffit de fermer les yeux. © Marc Zisman/Qobuz

Une fabuleuse compilation à la hauteur du bonhomme ! Documentant les multiples facettes de son auteur, Genius Of Time est un impeccable double album disco/soul/funk du maître Larry Levan. Vingt-deux titres dont certains entrés dans la légende des dancefloors mais tous dotés de cette patte si particulière de ce gourou de la house garage disparu à seulement 38 ans en 1992… En deux heures et demi de musique, Genius Of Time encage à la perfection le son de Levan, producteur et DJ vénéré par Frankie Knuckles, François Kevorkian, Masters At Work, Todd Terry, Junior Vasquez et autres David Morales. Parfait pour ne jamais oublier qu’entre 1977 et 1987, il fut le dieu du légendaire Paradise Lounge, cultissime club new-yorkais où Levan fut le premier DJ superstar, le premier à prouver que le travail ne consistait pas exclusivement à pousser des disques les uns après les autres… Magique. © MZ/Qobuz

Après le succès d’Oxygène, Jean-Michel Jarre était attendu au tournant… Avec Equinoxe qui parait en 1978, le maître des synthés prolonge son voyage dans les textures sonores futuristes, mêlant avec ingéniosité les motifs qu’il manipule comme un horloger suisse. Les variations autour du thème central s’enchaînent ainsi brillamment sans jamais qu’un quelconque effet de surplace ou de redite ne vienne brouiller les pistes ou lasser l’auditeur. Avec Equinoxe Part V qui parait même en single, Jarre réussira également à plafonner à nouveau au sommet des charts du monde entier ! Au fil des années, Equinoxe imposera un peu plus son intemporalité. Avec cette version en Qualité Hi-Res 24bits, le trip prend même une nouvelle dimension. © CM/Qobuz

Electron libre du collectif Wild Bunch puis pigiste chez Massive Attack, Adrian Thaws alias Tricky se lance en solo, quatre ans après que le public a découvert son chant caverneux sur les Blue Lines du trio de Bristol. Dès ses premiers maxis en 92, on savait le bad boy fourmillant d’idées dépassant le groove brumeux de la scène trip hop. Et Maxinquaye est l’IRM flippant de son cerveau en fusion. Conçu avec Martina Topley-Bird, égérie à la voix sensuelle, l’album mélange soul nuageuse façon Massive Attack, dub maladif, hip-hop avant-gardiste, cold wave glaciale et sonorités électroniques. En gros fan de rap (Rakim est son dieu), Tricky revisite même dans une version métalloïde bien barge le puissant Black Steel in the Hour of Chaos de Public Enemy. Il sample Isaac Hayes comme les Smashing Pumpkins, Marvin Gaye, KRS-One, LL Cool J, les Chantels et Michael Jackson, et impose sa bande-son kaléidoscopique et novatrice. Du groove en phase terminale, scarifié de partout, mais qui fascine un peu plus à chaque nouvelle écoute… © Marc Zisman/Qobuz

Avec The Virgin Suicides, Sofia Coppola étrenne sa carrière de metteur en scène et Jean-Benoît Dunckel et Nicolas Godin, alias Air, signent leur première bande originale de film. À la manière de Miles Davis avec Ascenseur pour l’échafaud de Louis Malle, le duo versaillais a enregistré au cours de l’automne 1998 ses nouvelles compositions en se calquant sur le rythme des rushes visionnés… sur cassettes VHS ! Angoissante, synthétique et orageuse, la musique de The Virgin Suicides convoque également les influences de La Planète sauvage d’Alain Goraguer et de Michel Colombier pour les parties de Mellotron déshumanisées de The Word Hurricane. Ou encore celles de Get Carter pour les cordes striées de Dirty Trip… L’enregistrement est achevé lorsque le batteur et superviseur de la bande-son, Brian Retzell, appelle ses camarades français en catastrophe de Los Angeles. « On avait remballé les micros et les amplis et il fallait une chanson pour le générique ! C’était un samedi après-midi. On a appelé Thomas Mars de Phoenix, crédité sous le pseudonyme de Gordon Tracks. Il a écrit les paroles, joué de la batterie et chanté sur Playground Love », se souvient Jean-Benoît Dunckel au sujet d’une des chansons les plus célébrées du répertoire du tandem versaillais. Mais les auteurs de Moon Safari ne sont pas au bout de leurs surprises : à la première du film qui a lieu au Festival de Cannes, en mai 1999, ils découvrent que leur musique a été lourdement éditée, 80% des compositions enregistrées ne figurant pas dans le film ! Ce qui n’empêchera pourtant pas The Virgin Suicides de devenir une bande originale culte et l’un des albums les plus marquants de la discographie de Air… Quinze ans après sa sortie, cette B.O. ressort dans une nouvelle version augmentée comprenant l’album original agrémenté de nombreux bonus, dont deux démos inédites enregistrées lors des séances d’enregistrement, un concert inédit enregistré au American Légion Hall de Los Angeles le 22 janvier 2000 et plusieurs extraits d’une session radio KCRW. © CM/Qobuz

Son premier album était aussi attendu que son contenu surprendra. Après plusieurs EP aux beats soutenus et affirmés, Gabriel Legeleux alias Superpoze entre dans l’arène avec un disque planant et on ne peut plus onirique. A seulement 23 ans, le bidouilleur caennais fait ici preuve d’une maturité bluffante en superposant (sans mauvais jeu de mots) les nappes climatiques, sources d’invitation au voyage. On se retrouve comme lost in translation, nageant dans une mélancolie urbaine où la mélodie comme les harmonies sont hautement respectées. Superpoze impressionne car malgré certaines influences cernables (Jon Hopkins, Brian Eno…), il impose un son, une identité rythmique bien à lui. © MZ/Qobuz

2ème album du groupe de Trip-hop de Bristol

Trois ans après le premier Massive Attack, l’attention se décale de quinze bornes à l’ouest de Bristol. Dans la ville côtière de Portishead – prononcez Portissède et non Portichède – pour un autre trio. Mixte cette fois. Geoff Barrow aux machines et Adrian Utley à la guitare encadrent la voix hallucinante de la timide Beth Gibbons (on pense à Tracey Thorn, Sade et Stina Nordenstam). Si leur premier album réunit tous les marqueurs du trip hop (beats hip-hop, langueur dub, ambiance austère…), il ressemble surtout à la BO langoureuse d’un vrai-faux film, noir de préférence. Effet amplifié notamment par le sample mythique de Danube Incident, un vieux thème de Lalo Schifrin pour un épisode de Mission Impossible, sur le single Sour Times. Moins oppressante que celle de Massive Attack, la musique de Dummy reste hautement mélancolique, pour ne pas dire au bord du précipice du désespoir. Un désabusement fascinant à l’âme viscéralement blues et soul. Parfois angoissante comme une partition de Morricone pour un obscur giallo. Et cette sensation d’être accoudé au comptoir d’un bar lounge, obscur et désert, au fond duquel Beth Gibbons joue les Peggy Lee de la fin du monde… © Marc Zisman/Qobuz

Flying Lotus est un nom plus exotique que Steven Ellison. Exotique est justement la saveur de l’electro que ce passionnant producteur expérimental et DJ allumé californien distille depuis une décennie. Des architectures osées, jonglant entre liberté, improvisations et méandres mélodiques. Après Until The Quiet Comes paru en 2012 (un disque Qobuzissime !), le petit neveu d’Alice Coltrane (veuve du mythique John) offre un nouvel instantané passionnant sorti de son cerveau continuellement en ébullition. Et si le ton reste toujours assez expérimental, slalomant entre free jazz, électro, rock azimuté, rap psychédélique et soul décalée, Flying Lotus retombe toujours sur ses jambes de compositeur. En prime, il convie à son nouveau trip deux stars du hip hop : Snoop Dogg et Kendrick Lamar. © MD/Qobuz

C’est en 1994 que Rick Smith, Darren Emerson et Karl Hyde débarquent avec ce premier album qui fait figure de véritable ovni dans la scène électro. Les chansons sont produites avec grand soin et reposent sur des fondations proches de la musique trance tout en conservant des forts éléments de dance. Véritable travail de groupe, Dubnobasswithmyheadman représente un mix de toutes les différentes influences des trois musiciens, allant puiser dans la techno européenne et dans les rythmes endiablés des boites de nuits d'Ibiza, et leur donnant un aspect poétique grâce à des textes réfléchis et des ambiances sombrement enivrantes. L’album constitue une belle démonstration des possibilités sans fin de la musique électronique et reste un classique du genre. © LG/Qobuz

Tirant leur nom d'une réplique de Peter Sellers dans le film The Party de 1968, le quatuor de DJ français est tout autant obscur que passéiste : créée entièrement sur des platines, la musique du quatuor se compose de fragments de vieux disques manipulés de main d'expert, combinés en de nouvelles configurations qui loin de ressembler aux grooves et à l'étalage de prouesses propres au platinisme, évoquent plutôt de vraies compositions pop. Le morceau "Abbesses", de six minutes, rappelle les impros des post-rockers Tortoise avec son violoniste manouche et ses percussions de fanfare. Sa ligne mélodique dynamique et son balancement rythmé témoignent de la virtuosité avec laquelle ces collages pop ont été créés. Des éléments de jazz, de musique classique, de funk, des enregistrements d'effets sonores et des fragments non identifiables de world music apparaissent dans des morceaux pop pleins de charme tels que "Body, Mind, Spirit" et "Rainstorming." ~ Stewart Mason

Il le dit lui-même. « Ces trois dernières années, j’ai rencontré beaucoup de monde et me suis également retrouvé seul assez souvent. Je me suis perdu et me suis retrouvé à nouveau, travaillant frénétiquement. J’ai appris à organiser mon foutoir intérieur que j’ai exploité. Tohu Bohu est une représentation de mon propre chaos que j’ai exploité pour au final l’enregistrer » Avec ce deuxième album pour le label InFiné, Tohu Bohu, Erwan Castex alias Rone signe aussi une missive écrite de Berlin où il est désormais installé. Une missive à la fois planante et urbaine. Un album allemand pourtant plutôt dépourvu de sonorités allemandes justement. Un beau disque à tiroirs surtout, projet electro vraiment dense qui s’apprivoise au fil des écoutes. A noter que cette édition deluxe propose six titres inédits.