Discothèque Idéale Qobuz

Guitariste adulé par Jimi Hendrix, chanteur au falsetto dément vénéré par Prince, auteur engagé dans l’Amérique de la lutte pour les droits civiques et songwriter de haute volée, Curtis Mayfield a signé des grandes symphonies groovy et lancé de solides ponts entre funk, jazz, blues, tradition gospel et soul en cinémascope. Après s’être fait un nom au sein des Impressions durant les 60's, il se lance en solo en 1970. Ce coffret Keep On Keeping On réunit donc, en version remasterisée, ses quatre premiers albums studio : Curtis (1970), Roots (1971), Back to the World (1973) et Sweet Exorcist (1974). Avec eux, le rhythm’n’blues trouve une seconde jeunesse, poussé par une guitare wah-wah, des percussions judicieuses et une section de cordes toujours aérienne. Chaque thème est une minitragédie, socialement engagée, ancrée dans la tradition gospel. Et les arrangements magistraux de ces disques (surtout Curtis, son chef-d’œuvre, et Roots) sont des pendants au What’s Going On de Marvin Gaye. A noter que ce coffret 1970/1974 ne comprend pas la BO de Superfly, le film de Gordon Parks Jr. de 1972, portée par les singles Pusherman et Freddie’s Dead. © Marc Zisman/Qobuz

Évidemment, s'il ne fallait en garder qu'un, beaucoup hurleraient en chœur : Thriller ! Michael Jackson fait à nouveau équipe avec Quincy Jones pour ce qui deviendra l'album le plus vendu de tous les temps ! L'ère est à l'apogée de MTV et Bambi rêve aussi bien de toucher les fans de funk que de rock et de pop. Véritable superproduction, le feu d'artifice de groove est total et les compositions tubesques à souhait : Billie Jean, The Girl Is Mine (où il s'offre un duo avec Paul McCartney), Thriller ou Beat It, Michael excelle à dompter ce funk rock emblématique des 80's. À l'assouplir quand il le faut. Ou l'enflammer si nécessaire. Dans tous ses excès, Thriller, qui sort le 30 novembre 1982, touche au génie. © MZ/Qobuz

Avec la bande originale d'une série B apparemment sans grand avenir, le nom d'Isaac Hayes entre dans l'histoire. Une pédale wah-wah qui racle les fonds de casserole (Charles « Skip » Pitts), des violons jouant à cache-cache avec un bon vieux groove funky et un nom : John Shaft ! En 1971, Hayes signe la bande originale du film de Gordon Parks, Shaft, qu'il place d'entrée à la première place des charts R&B et pop. Encore aujourd'hui, le son du générique de Shaft symbolise ce groove propre au funk. Isaac Hayes inscrit peut être davantage son œuvre dans l'histoire du rhythm'n'blues et de la soul music, il lègue pourtant ici au funk un secret de cuisine incontournable. © MZ/Qobuz

Coffret monumental de 23 disques, le bien nommé The RCA Victor and T-Neck Album Masters (1959-1983) retrace l’évolution musicale du gang Isley. De leurs débuts dans le doo-wop et le gospel dans les années 1950 jusqu’à leurs tubes funky à souhait, ce coffret met en valeur les titres composés (à l’exception des reprises), arrangés, interprétés et produits par le groupe. Une anthologie définitive, masterisée à partir des bandes analogiques originales. La plupart des albums ici réunis contiennent des bonus (plus de 80 titres rares et inédits !). The RCA Victor and T-Neck Album Masters (1959-1983) propose également, pour la première fois dans son intégralité, le célèbre et introuvable album du groupe : Wild In Woodstock: The Isley Brothers Live At Bearsville Sound Studio 1980. Conçu dans un premier temps comme un double live (avec des cris du public ajoutés au mixage final), cette performance récemment restaurée offre un regard immersif et inédit sur un chapitre crucial de l’histoire des Isley Brothers, un moment charnière de la fusion du rock et du funk dans une époque rythmée par le son de leurs chansons. © CM/Qobuz

Tout est dans le titre de ce coffret magique : The Complete Studio Albums Collection. Tout ce que le plus grand chanteur de soul de tous les temps a capté en studio pour le compte du label Atlantic durant sa malheureusement très courte carrière. Et plus précisément dix albums (dont certains sont posthumes) : Pain In My Heart (1964), The Great Otis Redding Sings Soul Ballads (1965), Otis Blue: Otis Redding Sings Soul (1965), The Soul Album (1966), Complete & Unbelievable: The Otis Redding Dictionary Of Soul (1966), King And Queen (1967, avec Carla Thomas), The Dock Of The Bay (1968), The Immortal Otis Redding (1968), Love Man (1969) et Tell The Truth (1970). La voix d’Otis Redding n’aura résonné que 26 années… Lorsque l’avion personnel du chanteur s’écrase dans un lac du Wisconsin le 10 décembre 1967, il n’aura guère eu le temps d’enregistrer des tonnes de pépites. Juste assez cela dit pour graver son nom au sommet du panthéon du genre. Quelle voix ! Quelle énergie ! Quelle palette de sensations ! Un coffret de 115 titres enfin disponible en Hi-Res et que chaque discothèque idéale digne de ce nom doit posséder. © MD/Qobuz

Ce Faith And Grace: A Family Journey 1953-1976 est le premier coffret consacré aux Staples Singers. Un bon moyen de découvrir en 4CD l’ensemble de leur carrière. Le groupe formé par Pop Staples avec ses enfants Mavis, Cleotha, Pervis et Yvonne étaient un ovni. Les Staple Singers avaient créé leur propre style en mêlant blues, gospel, folk et soul. Figures emblématiques du mouvement pour les droits civiques des années 60, ils connaîtront le succès dans les années 70, notamment avec Respect Yourself repris entre autres par Joe Cocker, les Temptations et Aaron Neville. Un groupe faisant partie intégrante du patrimoine musical américain au même titre qu’Elvis, Dylan et Ray Charles. © CM/Qobuz

L’un des plus grands bassistes de l’histoire du funk n’a pas uniquement agi en home de l’ombre. Car s’il a évidemment excellé derrière James Brown et autres George Clinton, Bootsy Collins a également fait des étincelles sous son nom. Pour preuve ce Ahh...The Name Is Bootsy, Baby! paru en janvier 1977 et qui réussira à se hisser à la première place des charts R’n’/Soul, chose qu’aucun disque venu de la galaxie P-Funk n’avait réussi à faire jusqu’ici… Produit par George Clinton et Bootsy, ce deuxième album solo est un feu d’artifice de funk 100% seventies. Tout est là : le groove tout puissant, les cuivres bouillonnants, les chœurs sexy, les paroles aussi bien humoristiques que très portées sur la chose et, évidemment, la basse maousse du maître des lieux, plus élastique que jamais. Dire que le dancefloor est en feu avec un tel opus est un doux euphémisme… © MD/Qobuz

Les Ohio Players évidemment mais aussi Slave, Lakeside, Sun, Heatwave, Roger Troutman de Zapp : à Dayton dans l’Ohio, on connait le funk sur le bout des ongles. La preuve avec les cultissimes Faze-O dont l’éphémère carrière ne doit pas pour autant expédier aux oubliettes le premier album, Riding High publié en 1978 sur She Records. Des petits protégés de Clarence Satchell des Ohio Players… Riding High est un vrai sommet de l’idiome funk avec basse maousse, cuivres ardents, guitare wah wah jouissive et groove implacable. Le claviériste Keith "Chop Chop" Harrison, le guitariste Ralph "Love" Aikens, le bassiste Tyrone "Flye" Crum, le batteur Roger "Dodger" Parker et le percussionniste Robert "Bip" Neal, Jr. livrent ici un funk encore totalement gorgé de soul music et pas encore noyé dans la mélasse disco. La sensuelle chanson d’ouverture qui donne son titre à l’album est un vrai sommet smooth qui sera joliment samplé par EPMD en 1989 sur leur single Please Listen To My Demo. C’est d’ailleurs dans les ballades que Faze-O impose sa vraie classe, à l’image de You And I, slow imparable. Un opus 100% funk à déguster en peignoir de soie, chaine en or autour du cou, coupe de champ’ à la main et boule à facettes au-dessus de la tête… © MZ/Qobuz

Culte et ressuscité ! Ce premier album éponyme impose le charisme de Nona Hendryx, blouson de cuir sur les épaules, couteau affuté en main et moue rageuse. Mais en cette année 1977, sa maison de disque ne sait guère dans quelle case faire entrer celle qui alterne entre rock’n’roll quasi hard, funk furieux et soul agitée ! Aussi, cette cousine de Jimi Hendrix et tiers du trio Labelle ne réussira jamais à percer en solo malgré tous les points forts de ce disque à redécouvrir d’urgence si l'on aime les tigresses comme Betty Davis ou Chaka Khan. © CM/Qobuz

Terrassé de chagrin suite à la mort de sa complice Tammi Terrell, emportée par un cancer le 6 mars 1970 à seulement 24 ans, Marvin Gaye se retire du business, sombrant dans une intense dépression. Il se lance dans le football et signe chez les Detroit Lions. En juin de la même année, il revient pourtant à la musique, poussé par la situation sociale et politique. Alors que l'Amérique se bat avec ses propres démons, intérieurs (la ségrégation) et extérieurs (le Vietnam), il publie un chef d'œuvre de soul consciente. Avec sa prose engagée, What's Going On qui parait le 21 mai 1971 sort le label Motown du gentil rêve américain pour le confronter aux réalités de son temps. Mais Marvin Gaye, poète entertainer avant tout, fait groover son serment politique et social comme nul autre. Une magistrale symphonie, savamment dosée, où les cordes hypnotisent le rythme et les chœurs. La pierre angulaire de la musique noire américaine qui ne fut pourtant guère aisée à poser tant Berry Gordy, le patron de Motown, craignait que cette ouvre très politisée ne casse l'image toujours très (trop ?) positive de son label et de son poulain. Avec What's Going On, Marvin Gaye oblige Gordy à regarder en face le conflit vietnamien, les tensions interraciales et la dégradation des grandes métropoles américaines. Le succès du disque est pourtant immédiat et impressionnant, What's Going On raflant des tonnes de récompenses. Pour la première fois surtout, un album Motown est conçu différemment, sans le contrôle total de Gordy. Marvin Gaye signe un nouveau contrat avec son label, cette fois d'un million de dollars, le plus important pour un artiste noir à l'époque. Quant à What's Going On, il restera comme l’’un des plus grands albums du XXe siècle. © Marc Zisman/Qobuz

Cloitré durant deux ans pour accomplir ce grand œuvre (un double album accompagné d’un EP !), Stevie Wonder atteint avec Songs In The Key Of Life qui parait en 1976 un pinacle de fusion entre soul noire et pop blanche. Au cœur d’un genre qu’il a créé à lui seul, le génie déploie sa poésie unique gorgée d’harmonies. Ces chansons renferment sophistication de l’écriture, union des genres qu’ils soient soul, funk, reggae, jazz, rock ou même classique, expérimentations instrumentales et éclectisme des thèmes abordés, légers ou graves. Un arc-en-ciel de saveurs, symphonie de tubes éclectiques, qui servira plus tard à de nombreux rappeurs. © MZ/Qobuz

Seulement sept mois après Music of My Mind, Stevie Wonder enchaîne avec Talking Book, un quinzième album qui sort le 28 octobre 1972. Il accentue ce qu’il a mis en place sur son précédent enregistrement. Comme un certain Paul McCartney, l’Américain est obsédé par les mélodies. Des constructions qu’il pense avant tout vocalement. Non pas que l’instrumentation soit anecdotique, mais la mélodie doit pouvoir tenir avec la force d’un simple chant. A l’image du tubesque You Are the Sunshine of My Life qui ouvre les hostilités et sur lequel il joute vocalement avec Jim Gilstrap et Lani Groves. Mais sa fascination pour les machines découvertes avec Margouleff et Cecil prend encore plus d’ampleur sur Talking Book. Sur Maybe Your Baby et surtout son chef-d’œuvre Superstition, le TONTO fait sauter les codes du genre. Le TONTO ? Cinq lettres qui cachent un immense orchestre de synthétiseurs conçu par les deux ingénieurs du son. Acronyme de The Original New Timbral Orchestra, le TONTO mélange des Moog, des SEM de chez Oberheim, des ARP 2600, des Clavinet de chez Hohner et d’autres machines fabriquées par Roland et Yamaha. Boostées par ce clavier polyphonique, les compositions de pop sucrée ou de funk percussif font des étincelles inédites. © Marc Zisman/Qobuz

Avec What's Going On, Marvin Gaye avait plongé la Motown dans l'âge adulte doté d'une conscience. Avec Let's Get It On qui parait deux ans plus tard en 1973, il revient à des considérations nettement plus sensuelles, charnelles et ouvertement sexuelles ! Sa voix sublime d'amant redoutable atteint ici des sommets d'érotisme. Entre un voile de cuivres bouillants et une accolade de violons discrets, sa soul originelle se déhanche dans un groove langoureux qui ne peut que mener l'auditeur dans un kingsize bed aux draps de soie. Magique. © MZ/Qobuz

Après une premier album en forme de mise en condition, Lionel Richie atteint indéniablement le sommet de son art avec Can’t Slow Down. Si les points de comparaison avec Thriller (1982) restent ténus, le succès planétaire de Michael Jackson semble avoir bien inspiré un Lionel Richie s’apprêtant à composer et enregistrer ce disque (entre mars et septembre 1983). A l’instar de son ami, cadet de dix ans et ex-camarade de label, Lionel Richie fait le pas qui le sépare d’une grande notoriété dans son milieu au statut de méga-star tout public, Can’t Slow Down se vendant à dix millions d’exemplaires lors de sa sortie. Autre similitude dans le contenu, la quasi-totalité de l’album se retrouve dans les meilleures places des classements, avec en l’occurrence, cinq titres sur les huit compositions que totalise cet opus. La comparaison peut s’arrêter là. Autant Thriller est doté d’une dynamique époustouflante, l’album de l’ex-Commodores reste dans un tempo plus sage, conforme à la personnalité de son auteur. Le plus enlevé des titres, le funky « All Night Long (All Night) »  – qui en est le plus grand succès – est célèbre pour son pont calypso, comme « Wanna Be Startin’ Something » de Jackson empruntait au standard de Manu Dibango, « Soul Makossa ». Le clip mis en scène par Mike Nesmith (ex-Monkees) est aussi connu pour sa chorégraphie à la manière de. « Running With The Night », l’autre chanson au tempo enlevé mise à part, Richie ne peut ralentir le rythme. « Love Will Find A Way » et « Stuck On You » groovent à minima, le reste du disque est donc composé de ballades langoureuses, notamment avec son précédent n°1 « Truly » inclus pour capitaliser, et le slow suprême « Hello » (…is it me you’re looking for ?), pilier des boums de l’époque. Numéro un toutes catégories confondues, Can’t Slow Down est certifié Disque de diamant en 1984, remportant le Grammy Award « Album de l’année », et plaçant cinq titres au sommet des charts. L’impressionnant casting de musiciens réuni à cette occasion sembla donc un excellent choix, avec David Cochran et Greg Phillinganes (partenaires réguliers aux arrangements et claviers), David Foster (production), Darryl Jones (guitares), Paulinho Da Costa et Abraham Laboriel (percussions), et les Toto Steve Lukather et Jeff Porcaro. Françoise Bachmann & Loïc Picaud © ©Copyright Music Story Loïc Picaud 2021

L’enfance, l’Afrique, la route, les Grammy Awards, l’au-delà et un piano à perte de vue…la pochette résume la vie et les préoccupations de Stevie Wonder, musicien béni qui a goûté aux pires difficultés comme aux plus grands honneurs. C’est dans un état d’esprit apaisé, après le brûlant Innervisions, qu’il aborde sa nouvelle œuvre. Un disque de transition, qui revient à ses thèmes de prédilection et réunit sa famille musicale habituelle : les choristes Jim Gilstrap, Deniece Williams, les sœurs Syreeta et Yvonne Wright, la grande Minnie Riperton, les éminences Cecil et Margouleff…et Paul Anka, les Jackson 5, le bassiste James Jamerson et le guitariste pedal-steel « Sneaky » Pete Kleinow en invités-surprise. Ces deux derniers sur « To Shy To Say ». Fullfillingness First Finale paraît en plein été 1974 au sortir d’un grave accident de voiture qui l’a plongé dans le coma. Il dut son salut à la perspicacité de son ami Ira Tucker le réveillant au son de ses mélodies. Un événement qui a conditionné l’enregistrement de ce disque plus intimiste, privilégiant toujours les nappes de piano électrique mais écartant les contrastes et effets des albums précédents. Seul « You Haven’t Done Nothin’ » et son riff familier sort de la réserve pour énoncer un bilan politique désastreux. L’autre hit « Boogie On Reggae Woman » balance entre un groove synthétique et le retour de l’harmonica et du piano boogie. Rien de révolutionnaire donc, mais il possède à son avantage une atmosphère entêtante qui en fait un parfait disque de soul easy listening réhaussé de précieuses mélodies telles « Please Don’t Go ». Les amateurs de sensations fortes ne seront pas déçus par la suite. © ©Copyright Music Story Loïc Picaud 2016

L’année 1978 est en pleine folie disco et ce deuxième album de Chic va devenir l’une des pierres angulaires du genre. Mais comme Bernard Edwards et Nile Rodgers sont loin d’être des musiciens/producteurs lambda, leur approche est évidemment bien au-dessus de la mêlée. Porté par les tubesques Le Freak et I Want Your Love, C’est Chic est assez proche de son prédécesseur – l’album éponyme Chic – mais cette fois la production est encore plus léchée, plus soignée et plus efficace. Alternant entre slows imparables et compositions groovy comme jamais, voilà un disque qui propose une vision enrichie du disco avec parties instrumentales soignées comme le somptueux solo de guitare sur Savoir Faire. Un indispensable – indémodable – du dancefloor. © CM/Qobuz

Avec James Brown et George Clinton, Sly Stone est le troisième membre du triumvirat qui inventa le funk. Totalement azimuté, le musicien texan innovera dans de nombreux domaines à la tête de sa Family, multiraciale avant l’heure. Mélangeant la soul à des éléments pop et rock, les albums de Sly & The Family Stone influenceront toute la planète musicale. Sans Sly Stone, point de Prince ! Ce superbe coffret de 77 titres (dont 18 inédits) présente à la perfection la musique kaléidoscopique d’un génie musical fou et toujours en avance sur son temps. Essentiel. © MD/Qobuz

Et de deux ! Avec One True Vine, la grande Mavis Staples a une fois de plus confié sa voix cinq étoiles à Jeff Tweedy. Après l’impeccable You Are Not Alone paru en 2010, le tandem signe une nouvelle merveille de soul gospel imbibée de rock et de blues comprenant notamment des compositions signées Alan Sparhawk du groupe Low, Nick Lowe et Tweedy lui-même pour trois titres. Mavis Staples se lance également dans des relectures personnelles de Can You Get To That ? de Funkadelic et I Like The Things About Me des Staple Singers dont elle était la cadette. Sans jamais sombrer dans la taxidermie gratuite d’une production rétro, le cerveau de Wilco offre çà la chanteuse une production sobre, épurée et surtout toujours juste dans son instrumentarium d’une grande intelligence. Un beau disque de soul roots porté par l’une des plus grandes voix de l’après-guerre qui, à 73 ans passés, offre un grain toujours aussi bouleversant. © MZ/Qobuz