Discothèque Idéale Qobuz

Avec la bande originale d'une série B apparemment sans grand avenir, le nom d'Isaac Hayes entre dans l'histoire. Une pédale wah-wah qui racle les fonds de casserole (Charles « Skip » Pitts), des violons jouant à cache-cache avec un bon vieux groove funky et un nom : John Shaft ! En 1971, Hayes signe la bande originale du film de Gordon Parks, Shaft, qu'il place d'entrée à la première place des charts R&B et pop. Encore aujourd'hui, le son du générique de Shaft symbolise ce groove propre au funk. Isaac Hayes inscrit peut être davantage son œuvre dans l'histoire du rhythm'n'blues et de la soul music, il lègue pourtant ici au funk un secret de cuisine incontournable. © MZ/Qobuz

La plus célèbre partition de Ryuichi Sakamato pour le 7e Art est sans doute la plus mal connue. Car si le thème du film réalisé par Nagisa Oshima a quant à lui fait le tour du monde, le reste des compositions écrites par l’ex-leader du Yellow Magic Orchestra sont souvent négligées. Comme à l’accoutumée, Sakamoto jongle ici à la perfection entre sa passion pour la musique française du début du XXe siècle (Ravel et Debussy en tête), la musique répétitive (Reich et surtout Glass) et sa connaissance des musiques traditionnelles de son Japon natal. La fusion de tous ces éléments apparemment disparates trouve ici une cohésion bluffante et qui se savoure même sans les images de ce film pour lequel Sakamoto endossera également son costume de comédien aux côtés d’un certain David Bowie… © MZ/Qobuz

L’œuvre la plus célèbre du grand compositeur Elmer Bernstein ! Si le film Les Sept mercenaires est entré dans la légende comme l’un des meilleurs western de l’histoire du cinéma, c’est en partie grâce à sa musique. Nominée aux Oscars en 1961, cette bande originale reste l’une des plus facilement identifiables et s’inscrit comme un symbole de la culture américaine. Le disque parvient à retranscrire fidèlement les partitions de ce chef d’œuvre avec une qualité sonore excellente mettant en valeur les thèmes et les envolées épiques et tragiques composées par le grand Bernstein. Plus de 50 ans après, la magie opère toujours. © LG/Qobuz

La plus célèbre partition de Ryuichi Sakamato pour le 7e Art est sans doute la plus mal connue. Car si le thème du film réalisé par Nagisa Oshima a quant à lui fait le tour du monde, le reste des compositions écrites par l’ex-leader du Yellow Magic Orchestra sont souvent négligées. Comme à l’accoutumée, Sakamoto jongle ici à la perfection entre sa passion pour la musique française du début du XXe siècle (Ravel et Debussy en tête), la musique répétitive (Reich et surtout Glass) et sa connaissance des musiques traditionnelles de son Japon natal. La fusion de tous ces éléments apparemment disparates trouve ici une cohésion bluffante et qui se savoure même sans les images de ce film pour lequel Sakamoto endossera également son costume de comédien aux côtés d’un certain David Bowie… © MZ/Qobuz

Gato Barbieri est indissociable du Dernier Tango à Paris tourné en 1972 par Bernardo Bertolucci avec Marlon Brando et Maria Schneider et pour le compte duquel il signe cette partition aussi fameuse et torride que le film lui-même et qui lui vaudra un Grammy Award… Arrangée et dirigée par le grand Oliver Nelson, cette musique offre bien plus que son seul célèbre thème. Le saxophoniste argentin souffle ici des lignes sensuelles alternant entre le mélancolique de la romance vécue par Brando et Schneider et ses secousses sismiques dignes du corps à corps propre au tango. Un jazz fusion des plus érotiques qui se sort bien des clichés attenant au genre et qui doit beaucoup à la force des lignes mélodiques de ses compositions. © MZ/Qobuz

Compositeur sous-estimé qui sera notamment victime du maccarthysme et inscrit sur la liste noire d’Hollywood dans les années 50, Jerry Fielding a travaillé à cinq reprises avec Sam Peckinpah. Pour le furieux cinéaste, ce natif de Pittsburgh a signé les partitions d’Apportez moi la tête d’Alfredo Garcia, Junior Bonner, Les Chiens de paille, Tueur d’élite et, leur première collaboration, cette mythique Horde sauvage au casting aussi fou que son scénario : William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O'Brien, Warren Oates, Jaime Sánchez et Ben Johnson ! Fielding joue ici sur les influences, entre saveurs mexicaines (l'action se déroule en 1913 sur la frontière entre Texas et Mexique) et lyrisme des cordes soulignant la mélancolie de loup solitaire de cette embardée de hors-la-loi. Une belle partition à redécouvrir. © MZ/Qobuz

Au début des années 70, Hollywood s’est trouvé un nouveau passe-temps : le film catastrophe. Toutes les thématiques y passent et la surenchère des effets spéciaux est de mise. Même côté casting, les stars du jour côtoient celles d’hier, voire d’avant-hier… Après le triomphe de L'Aventure du Poséidon en 1972, La Tour infernale réalisée deux ans plus tard par John Guillermin et Irwin Allen atteint de nouveaux sommets de démesure, deux grands studios – la Fox et la Warner – s'étant exceptionnellement associés. Réalisme des effets spéciaux et scénario bien ficelé, le film de plus de deux heures et demie déballe surtout son casting pharaonique comptant notamment Paul Newman, Steve McQueen, Faye Dunaway, Fred Astaire, William Holden, Richard Chamberlain, Jennifer Jones, O. J. Simpson, Robert Vaughn et Robert Wagner. A la partition de cette superproduction, John Williams. Le compositeur qui sera associé par la suite à Steven Spielberg a alors la quarantaine passée et une sérieuse réputation. Ayant composé les musiques de L'Aventure du Poséidon et de Tremblement de terre, le New-yorkais maîtrise le film catastrophe. Ici, ses séquences symphoniques de toute beauté épaulent à la perfection les multiples tensions qui surgissent tout au long de cette Tour infernale. Chaque arrangement épouse les formes de l’action et dans les instants plus apaisés (les scènes de bar et de soirées notamment), on se laisse charmer par sa lounge music un brin kitsch et tellement seventies. A l’arrivée, une B.O. à (re)découvrir d’urgence, pas si anecdotique que cela dans la vaste discographie de son auteur. © MZ/Qobuz

De toutes les musiques qu’il a composées, celle de Léon a toujours eu la préférence de son compositeur. Serra y aborde une palette riche de sonorités variées dans un style épuré, à travers la musique ethnique où s’allient cordes frottées, flûtes, percussions et voix. Les rythmes synthétiques et les éléments symphoniques mineurs sont réunis dans cette partition orientalisante en mode majeure. Les mélodies accompagnent parfaitement le film de Besson sorti en 1994 qui a révélé Natalie Portman au côté de Jean Reno alias Léon, tueur à gage à New York. Dans ce thriller, Léon prend sous son aile une fillette de douze ans dont la famille a été assassinée et lui apprend les rouages de son métier pour qu’elle venge son petit frère. Récompensé par de nombreux oscars, le film est servi par des harmonies parfois macabres, lancinantes ou sensuelles, qui nous emmènent aux confins d’un monde lointain. © TDB/QOBUZ

Après une plongée dans les abysses, Nikita nous propulse dans l’enfer urbain. C’est un changement de registre radical pour le tandem Serra/Besson. Et là où la mise en scène se surpasse, la musique suit elle aussi le rythme. Prolongement du Grand Bleu dans l’exploration synthétique, Nikita trouve une certaine force de renouvellement. Au final, une partition jouant un rôle majeur, au même niveau qu'Anne Parillaud , Tchéky Karyo et Jean-Hugues Anglade. © MMM/Qobuz