5 de Diapason

Après les succès critiques de ses deux derniers albums solo, Célimène Daudet nous revient avec son projet le plus personnel. "Haïti mon amour" est une déclaration passionnée à ses origines caribéennes, à travers le prisme de sa musique et de ses compositeurs classiques méconnus. Lamothe, Elie et Saintonge sauront vous surprendre et vous embarquer dans un voyage musical qui raconte les rythmes, les paysages et les couleurs du pays. Fasciné par Chopin qui l'influença beaucoup, Ludovic Lamothe fut même surnommé "le Chopin noir" tant sa musique onirique, profondément sensible et lyrique, s'en approche. Autant de joyaux inédits qui n’attendent qu’à être partagés et connus ! © nomadmusic

La nostalgie pour l’Ancien Régime prend depuis quelques années un essor sans pareil parmi le très riche vivier des musiciens français et étrangers. Si la musique était un des plus importants instruments du pouvoir de la monarchie absolue en France, elle était aussi fort goûtée à tous les niveaux de l’état et de l’aristocratie, à commencer par les souverains eux-mêmes. Le jeune Louis XIV était un excellent danseur et excellait aussi à toucher le clavecin. Partant de ce postulat, Fabien Armengaud a construit cet intéressant album sur les traces d’Etienne Richard, compositeur, instrumentiste et, objet de cette parution, professeur du jeune roi de dix-neuf ans, lequel, semble-t-il, fut très admiratif de son maître. Les trois Suites d’Etienne Richard sont ici entourées de pièces contemporaines figurant sur le même manuscrit déposé à la Bibliothèque Nationale. Enregistré sur un clavecin Alain Anselm, construit en 2014 dans l’esprit de la facture française de la fin du XVIIe siècle (au diapason de 392 Hz et accordé selon un tempérament mésotonique), ce manuscrit contient également des pièces éparses de Chabanceau de La Barre, Marin Marais, Jacques Hardel, Louis Couperin, Luigi Rossi et quelques autres. Mais laissons la parole à Fabien Armengaud : « Pour conclure, écrit-il dans les notes du livret, je ne dirai pas que Richard est un petit maître obscur. L’originalité de ses préludes, la poésie touchante de ses allemandes, la stature racée de ses courantes, la douce mélancolie de ses sarabandes, son énigmatique gigue à quatre temps, tout laisse à penser pour moi à un maître de premier plan qui mérite pleinement sa place au Parnasse ». © François Hudry/Qobuz

Pour ses différents labels (Deutsche Grammophon, CBS, RCA, etc.), Michael Tilson Thomas défendit peu le répertoire de la Seconde École de Vienne. Ce nouveau programme publié par le San Francisco Symphony a donc valeur d’événement, d’autant que le chef d’orchestre américain s’illustre ici dans deux ouvrages fondateurs de la modernité du début du XXe siècle, les Trois Pièces pour orchestre (1914-1915) et le Concerto « À la mémoire d’un ange » (1935). C’est dans le triptyque orchestral des années 1910 que cet album restera précieux, tant la direction fluide de Michael Tilson Thomas établit un subtil et rare équilibre entre l’écriture fondamentalement nouvelle de Berg (dans les alliages de timbres) et le mouvement élancé des lignes encore teintées de ce Romantisme décadent hérité notamment de Gustav Mahler, et qui n’a pas encore totalement disparu dans cet opus : les musiciens extrêmement souples du San Francisco Symphony y sont impressionnants. En ouverture, Gil Shaham dans le Concerto pour violon : sa sonorité de soleil noir est un parfait compagnon dans cette œuvre guidée par l’influence de J. S. Bach. En milieu de programme, la soprano Susanna Phillips défend avec une grande ardeur les Sept Lieder de jeunesse, elle ferait merveille chez Korngold. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

Ce nouvel opus du Trio Karénine nous emmène en voyage dans l’aire germanique de la seconde moitié du XIXe siècle, en s’emparant ici de la transcription pour piano, violon et viioloncelle de Vallée d’Obermann de Liszt (renommée "Tristia"), ou encore de la Nuit transfigurée de Schönberg ou encore des Six Études canoniques de Schumann. Comme un hommage, un manifeste pour le médium du trio avec piano, les membres du Trio Karénine nous font donc découvrir quelques étonnantes transcriptions rares, que ce soit sous la plume d’autres compositeurs ou du créateur lui-même. © Mirare

Mort il y a exactement cinq siècles (1521) à Condé-sur-l’Escaut (dans l’actuelle région des Hauts de France près de Valenciennes), Josquin des Prés est une des grandes figures de l’école franco-flamande et un des plus grands compositeurs de l’histoire de la musique occidentale. La réputation de ce musicien-voyageur s’étala dans toute l’Europe de son vivant où on le suit à la trace en Bourgogne, en France et dans toute l’Italie. Il est membre de la chapelle du pape à Rome, après avoir assumé des charges à Milan et à Ferrare au service de la famille Sforza. Largement diffusée grâce à l’invention de l’imprimerie, sa musique nous est restée avec plus de deux cent quarante œuvres. Le présent album fait partie d’une trilogie d’enregistrements prévus par Decca pour constituer un portrait de Josquin des Prés selon les pratiques et les connaissances actuelles. Enregistré en juillet 2020 par l’ensemble Stile Antico, il présente des œuvres maîtresses : la sublime Messe Pange lingua, assortie de motets et de chansons, dont Vivrai-je tousjours, enregistrée pour la première fois. Issu de la tradition chorale anglaise d’Oxford et de Cambridge, Stile Antico nous offre une vision décantée, hors du temps et privée de toute sensualité, comme pour mieux souligner l’abstraction des recherches harmoniques de Josquin. © François Hudry/Qobuz

Éternel oublié de l’histoire de la musique anglaise, John Eccles (1668-1735) en est pourtant un des maillons les plus importants. Appartenant à une grande famille de musiciens, membre des « Vingt-quatre violons du roi », il consacra le meilleur de sa production à l’opéra. Son chef-d’œuvre, Semele, emprunte les innovations françaises et italiennes tout en conservant la spécificité propre aux conceptions anglaises. Longtemps privée d’une édition moderne, la musique d’Eccles recommence à faire surface comme en témoigne cet enregistrement de concert de la reconstitution de sa Semele, captée en 2019 lors d’un concert donné à la chapelle du Trinity College de Cambridge, sous la direction et la réalisation de Julian Perkins, à la tête d’une douzaine d’excellents solistes et des forces conjointes de la Cambridge Handel Opera Company, du Cambridge Early Music et de l'Academy of Ancient Music. Cette Semele est restée dans quelques mémoires grâce à son livret utilisé par Haendel pour son dernier oratorio en 1743. Quant à l’opéra d’Eccles, il a fallu attendre 1972, soit deux-cent cinquante années après sa création, pour le réentendre dans une version incomplète. Cette nouvelle version est une véritable révélation et l’on ne peut qu’être étonné d’un si long oubli. L’oeuvre, d’une grande beauté, alterne les ressorts de la comédie et de la tragédie en décrivant l’humanité face aux Dieux qui représentent les miroirs de ses propres passions. © François Hudry/Qobuz

Testament de sa musique de chambre, les Suites de viole de François Couperin constituent un sommet du répertoire dédié à l’instrument. A cette langue résolument personnelle, Claire Gautrot et Marouan Mankar Bennis associent le Troisième Concert Royal à l’origine destiné pour les concerts privés du « feu-Roy » Louis XIV. Obéissant à l’art de la conversation, les deux instruments, tour à tour soliste et accompagnant y font succéder grandeur aristocratique et évocations pastorales ; une sérénité qui, en comparaison à l’éloquence passionnée des Suites, se teinte, sous les doigts des interprètes, d’une indicible mélancolie. © L'Encelade

Quel violoniste a su captiver l’imagination des générations suivantes comme l’a fait le Roumain-Américain Jascha Heifetz ? Sans doute aucun. Il n’est donc pas étonnant de constater qu’un petit nombre de récitals soit régulièrement consacré aux transcriptions virtuoses d’airs populaires de Heifetz, qu’il utilisait comme récitals de rappel (bien que, fait fascinant, ces derniers aient tendance à être moins réguliers que les récitals en direct). Pourtant, alors que ce sont le plus souvent des violonistes de la jeune génération qui enregistrent ce répertoire éblouissant, le présent programme de Benjamin Schmid et de son épouse Ariane Haering, pianiste, en l’honneur du 120e anniversaire de la naissance de Heifetz, se distingue par le fait qu’il s’agit de l’œuvre d’un violoniste qui en est maintenant à sa quatrième décennie de carrière.Dès les premières notes mordantes et les premiers portamentos résolus de la Marche tirée de L’amour des trois oranges, de Prokofiev, qui ouvre le cycle, on peut entendre résonner toute la confiance et l’assurance technique acquises au fil des ans. Cette œuvre, dans l’ensemble, est interprétée à la fois de manière imposante, audacieuse et riche en nuances, avec un fantastique mouvement de l’archet dans les passages dont le rythme s’accélère. Il en va de même pour les rythmes rapides en pizzicato du Banjo and Fiddle de William Kroll. Par ailleurs, des morceaux comme It Ain’t Necessarily So sont parfaitement adaptés aux talents de jazzman de Schmid, et ouvrent le champ à quelques morceaux modernes tout aussi divertissants dans l’esprit de Heifetz comme l’arrangement de Mish Mash du Roumain Antoni Donchev et deux morceaux, inspirés de Duke Ellington, de Sabina Hank, la compatriote de Schmid. Ajoutez à cela l’inévitable complicité musicale entre Schmid et Haering, une interactivité dynamique et instantanée, et vous obtiendrez un plaisir d’écoute total. © Charlotte Gardner/Qobuz