Discothèque Idéale Qobuz

Le classique de Thin Lizzy en studio (de loin le meilleur album avec Brian Robertson, en dehors du Live and Dangerous, mais qui est lui aussi virtuellement un album studio), avec son impeccable pochette très « comic-book » signée Jim Fitzpatrick, illustrateur quasi attitré du groupe. Personnage incroyablement doué, bourré de talents, Phil Lynott n'était peut-être pas un bassiste révolutionnaire, mais son habileté en tant qu'auteur-compositeur était incontestable : bien sûr, l'album ne saurait se résumer à son hit millésimé « The Boys Are Back In Town » (sa chanson la plus reprise) et à « Jailbreak », toutes les chansons étant mémorables – et ce n'est pas pour rien que la majorité d'entre elles se retrouvera sur le Live and Dangerous. Contrairement à beaucoup de groupes de hard rock de l'époque, les textes du chanteur n'ont rien de macho et il se montre même souvent sentimental et romantique, comme dans « Romeo and the Lonely Girl ». Dans l'intense « Emerald », la pièce de choix de Jailbreak, le sang-mêlé Lynott revendique à nouveau son héritage celte, évoquant les luttes claniques du Moyen-Âge et les légendes les plus fascinantes, qu'il transmet à son tour, à la manière des bardes de sa terre. Un peu comme John Ford, autre Irlandais d'origine, il relate aussi la conquête de l'Ouest dans « Cowboy Song » en vrai gamin pauvre de l'après-guerre, qui rêvait au cinéma devant les westerns. Seul le son (qui fait penser à celui d'un garage dont les murs auraient été couverts d'emballages d'oeufs) fait vraiment défaut à ce très bel album (par manque de moyens, sans doute), mais cela ne l'empêche pas de s'écouler à 100 000 copies à sa sortie et elle se logera même crânement à la huitième place des charts anglais. En plus, dans le sillage de « The Boys Are Back In Town », « Jailbreak » fréquente aussi les hit-parades et Thin Lizzy, désormais lancé, rejoint enfin le peloton de tête des groupes majeurs du moment. Quelque part dans la ville, on s'était effectivement fait la belle et la cavale n'était pas prête de prendre fin. © ©Copyright Music Story Frédéric Régent 2016

Véritable révolution de l’histoire de la musique, le premier album éponyme de Van Halen ouvre la voie pour ce que sera le rock ‘n’ roll pendant plus d’une décennie. C’est en 1978 que le monde découvre la rythmique puissante d’Alex Van Halen et de Michael Anthony, le charisme provocateur de David Lee Roth et surtout la virtuosité d’Eddie Van Halen. Ce dernier, à travers ces quelques chansons, bouleversera à tout jamais le monde de la guitare, poussant à l’extrême toutes les possibilités de l’instrument et lui faisant faire des sons jusqu’alors jamais entendus. Sur Van Halen, le rock est festif, fait pour soulever les foules à coup de riffs, de solos et de « oh yeah » bien placés. Le groupe est là pour s’amuser, donnant naissance à un hard rock plein d’énergie et d’une efficacité redoutable. Eruption reste une pierre angulaire de la guitare rock sur laquelle Eddie démontre tout ce dont il est capable et devenant un modèle pour de nombreuses générations de guitaristes à travers le monde. © LG/Qobuz

Maintenant ! Now ! Tout de suite ! La révolution est là ! Pulvérisé le rêve hippie ! Plastiqué le pacifisme West Coast ! Avec ce premier album (un live) des grands terroristes soniques du Michigan, le rock’n’roll entre corps et âme dans une violence salvatrice et méchamment furibarde. Lors de ce concert enregistré au Grande Ballroom de Detroit en octobre 1968, Wayne Kramer et Fred ‘Sonic’ Smith tabassent leurs guitares comme des bouchers de génie. Micro au poing, Rob Tyner est un James Brown d’ivoire en transe. Evidemment, le génie rock’n’roll du Five ne se limite pas à ce simple tsunami électrique. Il puise son énergie comme sa folie dans le rock primitif des Troggs, le jazz libertaire de Sun Ra et le blues cru de John Lee Hooker. Avec les Stooges d’Iggy Pop, le MC5 fait régner sur l’industrielle Detroit la loi du bruit et de la fureur. Comme ils le scandaient alors, Motor City Is Burning : des décennies plus tard, les braises sont encore incandescentes… © Marc Zisman/Qobuz

Après ...And Justice for All, Metallica décide qu'une simplification et une restructuration de sa musique sont de mise. C'est là une idée qui semble raisonnable du point de vue musical, mais qui offre aussi une occasion de commercialiser la musique du groupe, et Metallica atteint les deux objectifs. Les meilleures chansons sont plus mélodiques et spontanées, les grooves écrasants, épurés de "Enter Sandman", "Sad But True" et "Wherever I May Roam" restent fidèles aux compositions habituelles tandis que la production claire, professionnelle signée Bob Rock rend leur musique plus accessible. "The Unforgiven" et "Nothing Else Matters" évitent les riffs de guitare ardents qui ont toujours ponctué les ballades du groupe. Metallica est un bon album, mais on ne peut pas dire qu'il soit excellent. Ses meilleurs moments se sont emparés à juste titre de la couronne du heavy metal, mais son approche augurait également une déclin de créativité. © Steve Huey /TiVo

Sans être conçu comme un double album et pourtant impossible à séparer en deux opus individuels, Use Your Illusion offre l’exemple parfait d’un groupe soudainement célèbre laissant libre cours à ses ambitions. Sa réalisation s’étalant sur près de trois ans, les guitaristes Slash et Izzy Stradlin essayent de ramener le groupe vers ses racines hard-rock, tandis que le chanteur Axl Rose entend offrir un cocktail de Queen et d’Elton John. On aurait pu concevoir que ces aspirations différentes se soient vu attribuer chacune un disque, mais elles ont en fait été secouées dans un shaker. Si Use Your Illusion I est plus hard-rock que le II, ce n’est que pure coïncidence. Dans l’ensemble, le disque I tape plus fort que le II, même si l’on y trouve pas mal de remplissage, et on a du mal à repérer les moments forts au milieu d’une production somme toute assez pompeuse. © Stephen Thomas Erlewine /TiVo

Déjà une légende peu de temps après sa sortie, ce premier album étonnant appelle la controverse, de la pochette originale de Robert Williams aux comptes implacables que règle Axl Rose avec le côté obscur de Los Angeles. Cette narration un peu facile combinée à leur arrogance collective de sales mômes et à l’approche incroyablement mature de leurs chansons a assuré aux Guns N' Roses une célébrité accélérée qui a brillamment servi leur légende. De la laconique "Paradise City" à la douloureusement belle "Sweet Child O' Mine" ou à la furieuse "Welcome To The Jungle", le disque déborde d’une brutale intégrité. Un album qu’ils n’auraient jamais pu surpasser s’ils étaient restés ensemble. © TiVo

L’année 1986 fut marquante à plus d’un titre pour le thrash metal. Metallica dégaine un Master of Puppets qui met tout le monde d’accord au printemps, suivi de près par Megadeth et son Peace Sells... but Who's Buying? Lors de la rentrée scolaire. Le metal extrême s’installe confortablement au Billboard à la surprise générale. C’était sans compter sur la bombe qui va repousser les limites de la violence et de la vitesse d’exécution puis jalonner le sentier pour les formations plus virulentes qui s’engouffreront dans la brèche. Slayer, maître d’œuvre de cette révolution, dézingue tout en un titre, Angel of Death, qui ouvre son Reign in Blood avec un cri entré dans la légende, celui de son bassiste-chanteur Tom Araya. Le reste déboule peu ou prou avec la même intensité, à vitesse grand V, grâce à une rythmique tranchante comme un rasoir et un jeu de batterie surpuissant qui renvoie les petits camarades des autres formations bosser leur cardio s’ils veulent un jour pouvoir tenir la distance face à Dave Lombardo, marteleur de fûts souvent imité, jamais égalé. Plus agressif, brutal et expéditif que les albums sortis par ses petits camarades (tout est dit en à peine 28 minutes), Reign in Blood est le résultat heureux de la collaboration entre le combo de Huntington Park et le producteur Rick Rubin, fondateur du label rap Def Jam à peine âgé de 23 ans et dont c’est le premier travail avec un groupe de metal. Il va rendre la musique de Slayer plus intelligible sans jamais l’édulcorer. Tout se déroule à plus de 200 bpm. Les solos de guitare flirtent avec une dissonance qui dérange, les thèmes abordés bousculent la pudibonderie de façade du pays de l’Oncle Sam (la religion, la mort, la guerre, l’holocauste…) et le final dantesque, incarné par le magistral Raining Blood fera entrer cet album dans la légende. Un Raining Blood devenu le Highway to Hell (ou le Ace of Spades, à votre guise) de Slayer, passage obligatoire en concert pour faire vriller les fans qui l’ont réclamé à tue-tête pendant des décennies. Slayer atteindra le sommet artistique de sa carrière avec le dantesque Seasons in the Abyss qui fête ses trente ans en 2020. Mais Reign in Blood reste le disque incontournable par lequel tout est arrivé. © Chief Brody/Qobuz

L’année 1986 fut marquante à plus d’un titre pour le thrash metal. Metallica dégaine un Master of Puppets qui met tout le monde d’accord au printemps, suivi de près par Megadeth et son Peace Sells... but Who's Buying? Lors de la rentrée scolaire. Le metal extrême s’installe confortablement au Billboard à la surprise générale. C’était sans compter sur la bombe qui va repousser les limites de la violence et de la vitesse d’exécution puis jalonner le sentier pour les formations plus virulentes qui s’engouffreront dans la brèche. Slayer, maître d’œuvre de cette révolution, dézingue tout en un titre, Angel of Death, qui ouvre son Reign in Blood avec un cri entré dans la légende, celui de son bassiste-chanteur Tom Araya. Le reste déboule peu ou prou avec la même intensité, à vitesse grand V, grâce à une rythmique tranchante comme un rasoir et un jeu de batterie surpuissant qui renvoie les petits camarades des autres formations bosser leur cardio s’ils veulent un jour pouvoir tenir la distance face à Dave Lombardo, marteleur de fûts souvent imité, jamais égalé. Plus agressif, brutal et expéditif que les albums sortis par ses petits camarades (tout est dit en à peine 28 minutes), Reign in Blood est le résultat heureux de la collaboration entre le combo de Huntington Park et le producteur Rick Rubin, fondateur du label rap Def Jam à peine âgé de 23 ans et dont c’est le premier travail avec un groupe de metal. Il va rendre la musique de Slayer plus intelligible sans jamais l’édulcorer. Tout se déroule à plus de 200 bpm. Les solos de guitare flirtent avec une dissonance qui dérange, les thèmes abordés bousculent la pudibonderie de façade du pays de l’Oncle Sam (la religion, la mort, la guerre, l’holocauste…) et le final dantesque, incarné par le magistral Raining Blood fera entrer cet album dans la légende. Un Raining Blood devenu le Highway to Hell (ou le Ace of Spades, à votre guise) de Slayer, passage obligatoire en concert pour faire vriller les fans qui l’ont réclamé à tue-tête pendant des décennies. Slayer atteindra le sommet artistique de sa carrière avec le dantesque Seasons in the Abyss qui fête ses trente ans en 2020. Mais Reign in Blood reste le disque incontournable par lequel tout est arrivé. © Chief Brody/Qobuz

Metallica plus fort que les Beatles ? En termes de puissance sonore, ça faisait peu de doutes, mais, si on s'en tient au travail de rééditions remasterisées accompagnées de "quelques" bonus, la palme reviendra aussi aux Four Horsemen, ne serait-ce qu'en comparant cette édition "deluxe" du troisième album au Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band Anniversary (Edition Super Deluxe) des Fab Four. Ici, vous trouverez l'équivalent de pas moins de dix CD remplis jusqu'au goulot pour ce Master Of Puppets que plus d'un considère précisément comme le Sgt. Pepper's de Metallica, à tort ou à raison. Il est vrai que l'on aura le plus grand mal à trouver un défaut dans la cuirasse de ce monument. Et sa longue gestation, mise en valeur à travers des archives à différents stades de développement, ne manquera pas de renforcer le sentiment que le groupe était touché par la grâce à ce moment précis de son évolution.Ce que quelques rares détracteurs reprochent essentiellement à cet album, c'est de ne pas avoir autant surpris que ses deux prédécesseurs. De fait, la structure générale de Master... et la majorité de ses titres peuvent être mis en parallèle avec Ride The Lightning, depuis le premier titre ultra speedé, Battery, dans la veine de Fight Fire With Fire, jusqu'au final épique sur Damage Inc. qui évoque diablement une version accélérée de Creeping Death, en passant par la fausse ballade à mi-parcours, Welcome Home (Sanitarium), qui reprend sensiblement les mêmes ingrédients que Fade To Black, sans oublier un instrumental finement ciselé, Orion, dont la parenté avec The Call Of Ktulu est toutefois très vague... Mais, si l'on peut effectivement considérer ce troisième effort comme une synthèse des deux précédents, on ne saura contester que Master…. est nettement plus abouti, dans la mesure où, pour la première fois, Metallica a eu le temps et les moyens de peaufiner ses compositions jusqu'à atteindre un stade qui frise la perfection. Même comparé à des productions récentes, l'album reste techniquement imparable et incomparable.Master ne divisait les fans que pour savoir s'il mérite le titre de meilleur Metallica ou celui du second ou du troisième, même si ça ne va jamais jusqu'au quatrième. La nouvelle perspective proposée ici ne pourra que ramener plus d'un vers le premier camp. Mais, au-delà de la mise en valeur méritée et plus que convaincante de Master…, il ne faut pas perdre de vue que c'est aussi l'aboutissement incontestable de la période avec Cliff Burton. Une période assez facile à distinguer dans la mesure où la basse était largement mise en valeur. Et pour cause. Loin d'être un simple bassiste, Cliff était à la fois une force motrice en termes de créativité et d'inspiration, mais aussi un caractère généreux et posé qui équilibrait, ou, mieux, "harmonisait" les relations au sein de Metallica. On le verra plus tard, son rôle de médiateur manquera plus d'une fois entre Lars Ulrich et James Hetfield. Certains pourront même se demander si Kirk Hammett n'a pas plus ou moins cessé de progresser après cet album, sans les coups de booster, mentaux et instrumentaux, de Cliff. 

Lorsqu’en février 1980, Bon Scott, ivre comme jamais, meurt étouffé dans son vomi, personne ne mise un kopeck sur une quelconque suite de l’aventure AC/DC. Pourtant, le gang australo-britannique embauche un remplaçant à leur mythique chanteur. Brian Johnson, échappé du groupe Geordie, relève le défi en imposant un style puissant, éloigné de celui de son prédécesseur en se positionnant vocalement nettement plus dans les aigus. Avec sa mythique pochette noire de deuil, ce Back in Black, acte de naissance du nouvel AC/DC, aligne des compositions imparables, A la guitare, les frères Young – Malcolm et sa Gretsch, Angus et son indéboulonnable Gibson SG – rivalisent de génie aussi bien dans l’efficacité des riffs basiques et épurés que dans les solos (notamment sur Back in Black et You Shook Me All Night Long), faisant du pur AC/DC quand il faut (What Do You Do for Money Honey) mais aussi du boogie graisseux tendance ZZ Top (Have a Drink on Me), du hard théâtral à la Led Zep (Shake a Leg) sans oublier l’allégeance de rigueur au Dieu blues (Rock and Roll Ain't Noise Pollution). Cliff Williams et Phil Rudd finissent le travail en construisant le socle en béton armé d’une rythmique efficace, à défaut d’être d’une grande finesse… A la sortie de Back in Black le 25 juillet 1980, les fans s’étriperont, sans surprise, sur le cas Brian Johnson. Fallait-il continuer sans Bon Scott ? Le succès du disque et de la tournée mondiale qui suivra calmera vite un débat qui n'a plus lieu d'être. Avec ses 50 millions d'unités, ce sera surtout le deuxième album le plus vendu de tous les temps, juste derrière un certain Thriller de Michael Jackson… © Marc Zisman/Qobuz.

Un classique ! Pas de gras, de superflu ou d’enluminures vaines, non. Du blues, du rock, des guitares, une rythmique lourde et une voix gorgée de soul, cette Highway To Hell qui parait en juillet 1979 est un grand moment de rock’n’roll. Le dernier malheureusement que vivra Bon Scott, chanteur écossais d’AC/DC qui meurt sept mois après sa sortie à seulement 33 ans… Le blues a beau être né dans les champs de coton d’Amérique, c’est de l’autre côté de la planète, au pays des kangourous, que son interprétation la plus surpuissante est née, vers 1973. Car même si AC/DC a toujours été étiqueté hard rock ou métal, c’est bien au blues que la formation australienne doit sa naissance. La bande d’Angus Young livre donc ici un rock dignement hérité des grands bluesmen (John Lee Hooker est d’ailleurs l’idole du guitariste en culotte courte) et de celle des pionniers du rock’n’roll (Chuck Berry en tête). Une musique jouissivement binaire, boostée par une rythmique extra-large portée par la basse de Cliff Williams et la batterie de Phil Rudd et des parties de guitares virtuoses et carnassières signées des frères Young, Angus au lead et Malcolm à la rythmique. Au micro, tel un Rod Stewart énervé, Bon Scott joue la carte du rock mâtiné de la soul music comme personne. Un disque essentiel ne serait-ce que pour son single éponyme. © MD/Qobuz

In Hard Rock aurait été plus judicieux comme titre, tant ce quatrième album de Deep Purple paru en juin 1970 fait office de Tables de la Loi du genre. Un disque référence traversant les décennies sans prendre la moindre ride… La guitare de Ritchie Blackmore, ici on ne peut plus habitée, entame un corps à corps furieux avec la voix déchainée de Ian Gillan. Le guitariste virtuose de Weston-super-Mare, ne cachant guère sa fascination pour la musique classique, entame aussi de beaux échanges avec l’orgue Hammond de Jon Lord. A l’arrivée, In Rock est une grande messe de solos furieux, de tsunamis électriques et de rythmiques cataclysmiques (l’impeccable tandem basse/batterie avec Roger Glover et Ian Paice est une pièce elle aussi maîtresse de ce disque) accouchera d’hymnes dantesques comme Speed King et Child In Time, grande symphonie hard jamais égalée. Enfin, cerise sur ce beau gâteau rock'n'roll, une pochette mythique et mégalo montrant les membres de Deep Purple dans une sculpture inspirée du mont Rushmore. Bref, aussi puissant qu’une invasion de Huns ! © MD/Qobuz

Le succès de ce disque a sans doute surpris ses concepteurs eux-mêmes, qui n’en espéraient raisonnablement pas autant. Resserré, dégraissé pourrait-on dire, le line-up d’Iron Butterfly n’a alors plus de frontman et l’habile Erik Braun tient désormais la guitare, Lee Dorman se chargeant de la basse. Très inspiré, Doug Ingle compose tout et, un soir de cuite en studio, aura l’idée du thème principal de l’album, qui sera consigné sur la deuxième face. Ce long morceau-titre (dix-sept minutes au compteur !) sera matraqué en discothèque et suscitera une ferveur inoxydable, devenant très vite en privé la bande-son de bien des pow-wows herborisés et autres ébats amoureux du monde occidental, et le titre favori des démonstrateurs de chaînes hi-fi du monde entier !. Chaque musicien a droit à son solo, celui de Ron Bushy (d’ailleurs pas aussi long qu’on peut le croire) devenant le plus fameux – curieusement, il servira d’inspiration à celui de Ringo Starr dans Abbey Road. Une mélodie aux accents arabisants se mélange ici à de brillants exercices de guitare saturée et à des jeux à rallonge avec la rythmique, toujours aussi simple mais entraînante. Certaines chansons de la première face (« Most Anything That You Want », « My Mirage ») méritent bien plus qu’une écoute, mais la grosse attraction est et reste « In A Gadda-Da-Vida » (« Dans le jardin de la vie »), présente en trois versions sur la luxueuse réédition en CD de Rhino parue en 1995 avec effet 3D : l’originale, puis en forme étirée en concert et, enfin, réduite à trois malheureuses petites minutes pour la sortie en single et les radios de l’époque. Un classique psyché, encore très fréquentable.    © ©Copyright Music Story Frédéric Régent 2016