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« [...] c'est par la qualité et l'investissement de chaque musicien — les deux violonistes, d'une invention folle dans la moindre ritournelle, le continuo, les cinq chanteurs — que l'équipe de Jos Van Veldhoven tape dans le mille. C'est-à-dire au cœur des élans tendres du cantique des cantiques et des visions sanglantes du Christ que Buxtehude superpose, une heure durant, dans sept cantates : cycle du piétisme triomphant. » (Diapason / Gaëtan Naulleau)

Les parallèles ne manquent pas entre Caldara et Vivaldi : tous deux Vénitiens, tous deux à la tête d’un impressionnant répertoire de plusieurs centaines d’œuvres en tout genre, tous deux morts à Vienne (dans la même rue et dans la même déchéance !), même si Caldara a composé plus d’opéras et d’oratorios que le Prêtre roux. Voici précisément l’un de ses trente-deux oratorios connus, Maddalena ai piedi di Cristo écrit à Venise vers 1698 ; il s’agit d’un « oratorio volgare », c’est-à-dire récité en italien et non plus en latin. Conçu à l’origine pour inciter aux exercices spirituels, l’oratorio prit la place de l’opéra profane durant les périodes de fermeture des salles de spectacle, en particulier de novembre à Carême. Il en a revêtu les habits, et utilise nombre de ses artifices : nefs et autels (re)décorés, machineries, costumes. En réalité, c’est tout simplement un opéra avec argument sacré… Le texte et l’intrigue de Maddalena ai piedi di Cristo sont parfaitement adaptés à ces mois de pénitence. Il s’agit de rendre sensible la fracture morale torturant la pécheresse qui doit choisir entre l’amour profane et l’amour sacré, entre mener une vie de luxure ou bien devenir la fiancée du Christ. L’ensemble Le Banquet céleste, mené par Damien Guillon (qui chante également la partie d’alto de L’Amour céleste), se saisit de cette rareté avec ferveur et bonheur. © SM/Qobuz

En 1668, Dietrich Buxtehude, alors âgé de trente et un ans, accéda au poste fort convoité d’organiste titulaire de l’église Sainte-Marie de Lübeck, alors une métropole hanséatique de considérable importance ; l’organiste occupait une position sociale des plus enviables. Il y fit bientôt sensation par les concerts d’église qu’il organisait en dehors du cadre des services religieux et qui avaient lieu chaque année, en fin d’après-midi, lors des cinq dimanches précédant Noël. Au cours de ces « Abendmusiken » (musiques vespérales), ainsi qu’on les appelait, étaient parfois interprétées de grandes œuvres relevant du genre de l’oratorio, mais on y jouait plus souvent un mélange de pièces instrumentales, d’airs d’église, d’arrangements de psaumes et d’œuvres apparentées à des cantates. Dès les années 1700, ces séries de concerts étaient devenues un événement culturel majeur de la ville. Déchargé du soin routinier de la musique religieuse dont s’occupait le Cantor de l’église Sainte-Marie – comme il était alors souvent habituel en Allemagne du Nord –, Buxtehude ne composa ses œuvres vocales que de sa propre initiative et parvint ainsi à leur donner un niveau de qualité sensiblement plus élevé que le Cantor, par exemple, obligé de composer des œuvres à la chaîne, d’un dimanche à l’autre. Les cantates enregistrées ici témoignent des hautes ambitions artistiques de ces œuvres vocales : elles s’éloignent souvent des conventions stylistiques et génériques de leur temps et répondent aux tâches qu’imposent les textes par des solutions musicales hardies, aventureuses et tout à fait splendides. Les sonates de Buxtehude qui complètent le programme vocal de ce disque se caractérisent elles aussi par leur caractère expérimental nettement marqué. L’Ensemble Masques d’Olivier Fortin – flûte à bec, cordes, orgue positif – et Vox Luminis de Lionel Meunier rassemblent leurs forces pour nous offrir ces beautés du tournant du XVIIIe siècle nord-allemand, des beautés telles que le jeune Bach n’hésita pas, en 1705, à faire le voyage à pied d’Arnstadt – 100 lieues par trajet – pour venir écouter Buxtehude, son jeu d’orgue et sans doute ses célèbres Abendmusiken. © SM/Qobuz

Les « cantates en dialogue » de Bach mettent généralement en scène le personnage de Jésus dialoguant avec l’âme de l’humain, tourmentée puis finalement rassérénée. Les trois cantates choisies par l’Akademie für Alte Musik de Berlin, qui rassemble depuis 1982 (et depuis plus d’un million de disques vendus !) des musiciens de divers orchestres de la ville – initialement ceux de la zone sous dictature soviétique, puis de tous les orchestres depuis la chute du Mur –, appartiennent à ce genre ; toutes datent de la grande époque lipsienne, en l’occurrence le troisième cycle composé par Bach pour Leipzig en 1726. On ne s’étonnera guère, considérant l’argument de ces cantates, que les premières arias soient d’essence éperdue, déchirantes ; et qu’au fur et à mesure de l’évolution, on s’oriente vers toujours plus d’apaisement et de joie. C’est dans les premiers moments que l’on découvre le Bach le plus intense, douloureux, chromatique, terriblement moderne aussi dans sa vision à la fois romantique, profondément lyrique et pourtant rigoureuse du discours musical. La plus superbement originale est sans doute la Cantate BWV 49, qui commence avec une Sinfonia avec orgue obligé – dans laquelle l’auditeur reconnaîtra le dernier mouvement du Concerto pour clavier en mi majeur, que Bach recycla une dizaine d’années plus tard –, et se poursuit avec une aria dans laquelle figure encore l’orgue solo, puis une seconde aria avec violoncelle et hautbois, tous deux solistes s’enveloppant autour de la joyeuse voix de soprano ; pour s’achever sur un magnifique choral avec aria – l’aria étant confiée à la basse enrubannée de l’orgue solo, tandis que la soprano énonce, du haut des cieux, le thème du choral : un effet d’une modernité ébouriffante. © SM/Qobuz

Au XVIIe siècle, les églises romaines rivalisaient de faste pour les célébrations de leurs saints patrons. En ces occasions, on donnait trois services extraordinaires où il était d’usage de réunir de nombreux musiciens, chanteurs et instrumentistes, venant se joindre aux musiciens ordinaires, pour de somptueux offices souvent exécutés par plusieurs chœurs vocaux et instrumentaux. Une description d’époque en donne une idée : dix chœurs et ensembles se répondent, deux dans les tribunes fixes, et huit autres répartis symétriquement le long de la nef sur des praticables construits pour l’occasion. Chaque tribune supplémentaire était pourvue d’un orgue positif, tandis que divers instruments venaient ajouter au faste sonore. Pour que tous ces musiciens jouent bien ensemble malgré la distance, on faisait appel à des « capi di coro », des « batteurs de mesure » dont les gestes étaient synchronisés. Orazio Benevolo (1605-1672) fut l’un des plus remarquables créateurs de ces extravagants monuments polychoraux. Benevolo fut enfant de chœur à l’église Saint-Louis-des-Français de Rome, avant d’en gravir les échelons hiérarchiques jusqu’à la charge de Maestro di Cappella en 1638. Le compositeur nous a laissé une œuvre abondante, ne comprenant pas moins de trente-quatre motets pour divers effectifs, dont Regna terrae conçu pour douze parties de soprano réparties en six chœurs de deux voix, chacune pourvue de sa propre basse continue. On lui doit également douze versions du Magnificat, de huit à vingt-quatre voix, dont une à seize voix, en quadruple chœur, ici proposée. Hervé Niquet et son Concert spirituel ont investi l’ample acoustique de l’église Notre-Dame-du-Liban à Paris, parfaitement architecturée pour accueillir les mises en espace des nombreux chœurs et ensembles disposés de toutes parts de l’édifice, pour créer la sensation d’enveloppe et de plénitude spatiale désirée par le compositeur. © SM/Qobuz « [...] Au grand spectacle d'une Missa Azzolina, qu'il exhumait en 1996 pour Naxos, Hervé Niquet ajoute cette Missa Si Deus pro nobis [...]. Il y a de l'ivresse dans cette musique née de la Contre-Réforme, de la surabondance, parfois du grandiloquent (l'Amen extravagant du Credo). Elle est tellement "trop" qu'elle en devient souvent poignante, comme ce triptyque du Kyrie passant de l'intime à une progression monumentale dont Wagner aurait pu se féliciter. [...] Au disque, une telle musique risque d'épuiser, une fois passé la surprise de l'effet "pièce montée". Problème résolu en insérant des pauses de plain-chant ou des pages instrumentales, pour mieux reprendre ensuite l'escalade.» (Diapason, juillet/août 2018 / Maximilien Hondermarck)

On pourrait se dire : encore un n-ième enregistrement des Vêpres de Rachmaninov. Si dans l’absolu, la chose est vraie, on dispose ici d’une lecture fort différente de ce qui se fait d’habitude – l’habitude en question étant de noyer le discours dans une intense réverbération, naturelle ou artificielle, et d’enregistrer un peu de loin, pour faire « église ». Point de ça ici : le chœur – exemplaire, superbe – de l’Opéra et de la Philharmonie de Podlachie en Pologne, une institution basée à Białystok, est ici enregistré d’assez près, presque dans l’intimité, sans réverbération rajoutée et dans un lieu à l’acoustique confortable, en l’occurrence le Centre artistique européen de Białystok. De la sorte, l’auditeur entend chaque mot, et surtout perçoit chaque ligne contrapuntique – et Rachmaninov s’en est donné à cœur joie, allant jusqu’à onze voix réelles dans les passages harmoniquement les plus intenses. Gageons que pour nombre d’entre nous, ce sera là une véritable redécouverte de cet immense chef-d’œuvre de la musique sacrée slave. Notons également que les solistes sont de première qualité, et que les basses profondes exigées par moment dans le chœur sont de vraies basses profondes, pas de malheureux barytons-basses à la limite de l’asphyxie. Chapeau. © SM/Qobuz

Poursuivant leurs recherches dans le vaste domaine de la cantate allemande du premier baroque, Johannes Pramsohler et les musiciens de son excellent Ensemble Diderot s’investissent ici dans l’austère et étrange musique de Biber, mais aussi celle, moins connue, de Johann Christoph Bach, grand oncle de Johann Sebastian et de musiciens comme Pachelbel, Bruhns ou Eberlin. Johannes Pramsohler donne une flamme particulière et une sensualité mystique (croix et délices ne sont jamais éloignés) à ce nouvel album en dirigeant de son violon d’où s’élèvent des volutes célestes d’une intense expression. Distribution de chanteurs internationaux qui délaissent tous l’opéra pour se lancer avec une aisance confondante dans un répertoire totalement opposé. Artisans de cette réussite, la voix souple et aérienne de la mezzo canadienne Andrea Hill, le timbre si propre à l’expression doloriste du ténor espagnol Jorge Navarro Colorado et la couleur noire de la basse argentine Nahuel di Pierro qui sonde les profondeurs d’une musique portée par l’expression d’une grande piété. © François Hudry/Qobuz

Il nous reste aujourd’hui trois Leçons de ténèbres de François Couperin sur les neuf qu’il aurait vraisemblablement écrites. Composées pour les « Dames religieuses » qui appartenaient à l’ordre des clarisses de l’abbaye de Longchamp, près de Paris, qui fut entièrement détruite lors de la Révolution française, ces Leçons représentent le sommet du piétisme baroque de la fin du règne de Louis XIV, encore tout imprégné du jansénisme du siècle précédent. L’abbaye étant ouverte au public, on prit l’habitude de donner les Leçons de ténèbres non pas la nuit, mais l’après-midi des mercredi, jeudi et vendredi. C’était un évènement mondain que venaient suivre les Parisiens. Très populaires dans la seconde moitié du XVIIe siècle, les "leçons de ténèbres" devinrent un genre prisé par de nombreux compositeurs, dont Marc-Antoine Charpentier qui en composa au moins une trentaine dont peu nous sont parvenues. Si François Couperin reprend ce genre un peu archaïque au début du XVIIIe siècle, il a su leur insuffler une forme nouvelle en mélangeant l’austérité de mise à une expression de la douleur très italianisante qui donnent à ses pièces une troublante sensualité. La Troisième Leçon, à deux voix, est particulièrement ornée de vocalises riches en affects. Grâce au génie de François Couperin, cette expression exacerbée de la douleur n’est jamais très loin de l’opéra dont les représentations étaient interdites en temps de Carême. On pouvait ainsi suivre le délicieux spectacle des passions humaines les plus fiévreuses et les plus subtiles sous couvert de religion. L’ensemble Les Ombres, co-dirigé par Margaux Blanchard et Sylvain Sartre, nous offre dans ce nouvel album les Leçons de ténèbres et des extraits de messes et motets de Couperin, dans une atmosphère de clair-obscur qui mêle habilement l’esprit de rigueur français à la douce théâtralité italienne. © François Hudry/Qobuz

Dès les premières années du XVIIIe siècle s’affirme dans l’Allemagne luthérienne la tradition d’un oratorio de la Passion donné chaque année lors de la Semaine sainte. À Hambourg, où Telemann devait demeurer quarante-six ans directeur de la musique, ce seront donc autant de Passions qu’il fit entendre. Mais en d’autres postes occupés antérieurement, il avait déjà fait exécuter des oratorios de la Passion, ce qui porte à une soixantaine (!) le nombre de ses œuvres sur ce seul thème. Ces Passions pouvaient être strictement liturgiques, c’est-à-dire suivre rigoureusement le texte de l’un des quatre évangiles, mais elles pouvaient également paraphraser librement le récit de la Passion, dans une narration d’un auteur contemporain, voire proposer des méditations sur ces événements. Ainsi Seliges Erwägen de Telemann, dont le titre entier précise bien l’objet : Oratorio de la Passion, ou Contemplation spirituelle sur les amères souffrances et la mort de Jésus Christ, pour inciter à la prière, en diverses méditations tirées du récit de la Passion. Non pas un récit linéaire de la Passion, comme chez Bach, mais une suite de méditations individuelles en musique. L’œuvre aurait été composée en une version primitive dès 1719, puis revue et complétée trois ans plus tard pour Hambourg où eut lieu la première exécution le 19 mars 1722. Le succès fut semble-t-il considérable, et l’œuvre fut redonnée de très nombreuses fois tout au long des décennies suivantes. Ce fut peut-être l’œuvre sur la Passion la plus jouée au XVIIIe siècle, avant même la Brockes Passion du même Telemann… Pas d’évangéliste ni de narrateur, mais une évocation de la suite des principaux événements de la Passion. C’est pourquoi il n’y a que deux « rôles » principaux, celui du Christ avec six airs et six récitatifs, et l’allégorie de la Dévotion (soprano ou ténor) comme porte-parole des pensées des fidèles, avec huit airs et huit récitatifs. Restent pour toute narration Pierre, avec son reniement et son désespoir, et Caïphe, le grand prêtre qui va condamner Jésus, pour un unique air très violent. Il s’agit donc bien d’une succession de méditations dévotionnelles individuelles. L’instrumentation, en particulier, est d’une extraordinaire richesse. Outre les cordes, le continuo et les bois habituels, s’adjoignent pour leur couleur spécifique deux cors, deux chalumeaux, ancêtres de la clarinette – quel dommage que Bach ne se soit jamais saisi de cette sonorité ! –, des effets d’écho de flûtes à bec, un magnifique solo de basson entrelaçant la voix de soprano ; bref, encore une fois, Telemann nous prouve que loin d’être un robinet d’eau tiède baroque, il est l’un des plus imposants esprits musicaux de son temps. Aux commandes l’exemplaire Freiburger Barockorchester et un beau plateau de solistes. © SM/Qobuz « [...] Ce chef-d'œuvre miroitant, d'une intense profondeur spirituelle, méritait de nous être révélé et dans d'excellentes conditions. Gottfried von der Glotz sait jouer de ce kaléidoscope d'affects [...] Un grand Telemann. » (Diapason, juin 2018 / Jean-Luc Macia)

Absolument toutes les notes de cette stupéfiante messe de la Sainte-Vierge de Ghiselin Danckerts (1510-1567) est de la main du compositeur. La remarque n’est pas anodine, car à cette époque une bonne partie du répertoire grégorien faisait l’objet de mille improvisations, par définitions non notées. Or, Danckerts les a notées, avec un luxe de détails, de sorte que nous savons précisément ce que chantaient et improvisaient alors les chœurs et solistes sur les passages grégoriens de sa messe (l’introït, le l’alléluia…), une grande rareté donc, d’autant que le compositeur n’hésite pas à reproduire quelques singulières dissonances issues d’implacables logiques mélodiques. On lui connaît d’ailleurs quelques écrits dans lesquels il précise avec exactitude l’art et la manière de chanter les dièses et les bémols, de dérouler les mélismes, etc. Naturellement, les numéros polyphoniques eux-mêmes – Kyrie, Credo etc. – font eux aussi l’objet d’un extravagant foisonnement harmonique et mélodique. On a peine à croire que cette musique affiche bientôt un demi-millénaire d’âge. Danckerts fut admis comme chanteur à la chapelle papale en 1538 et ne la quitta qu’en 1565, pas exactement de son propre choix puisque selon sa lettre de licenciement, on l’accusait de n’avoir plus de voix, de s’adonner aux plaisirs des dames, d’être riche à craquer et d’être trop malade pour continuer. Bon, il ne fut pas entièrement abandonné par l’Eglise puisque, tout affreux pécheur qu’il était, il continua à toucher son salaire jusqu’à sa mort deux ans plus tard. Le magnifique ensemble Cantar Lontano a enregistré cette merveille dans l’envoûtante acoustique de deux églises baroques italiennes, à Pesaro et Castelbellino, ni trop sonores, ni trop sèches. © SM/Qobuz

Difficile de classer Mass de Bernstein, créée en 1971. Il ne s’agit pas vraiment d’une messe à proprement parler, mais d’une sorte de détricotage de la messe traditionnelle ; d’ailleurs, le titre complet est MASS: A Theatre Piece for Singers, Players, and Dancers (« MESSE : une pièce théâtrale pour chanteurs, musiciens et danseurs »), et l’argument pourrait être celui d’une sorte de service divin qui tournerait au vinaigre avant de retrouver, finalement, la paix universelle. Au début, tout le monde semble d’accord, puis les « musiciens de rue » commencent à questionner la nécessité, voire même l’existence, d’un dieu. La cacophonie qui s’installe jusqu’à l’Élévation catastrophique est finalement apaisée après que le serviteur de la messe rassemble tous les esprits autour de la divinité et un dernier « allez en paix ». Bernstein a rassemblé dans sa partition tous les éléments possibles et imaginables de la musique du XXe siècle : jazz band, blues, ensemble de rock, Broadway, expressionnisme, dodécaphonisme, modernisme qui n’est pas sans rappeler Britten, musique de rue, fanfare, voix classiques mêlées aux voix de rock et de jazz et aux récitations du Gospel : une véritable Tour de Babel qu’il n’est pas nécessairement facile de rassembler autour d’un même souffle. Mais on peut faire confiance à Yannick Nézet-Séguin de savoir faire le lien entre tous ces éléments disparates. Notez qu’il s’agit là d’un enregistrement réalisé en direct et en concert, avec une distribution spatiale tout à fait ébouriffante. Cocasserie historique, le FBI – qui ne rate jamais une occasion de se ridiculiser – considéra Mass comme un brûlot pacifiste et anti-establishment, enjoignant Nixon de ne pas assister à la création. Sachant que l’œuvre avait été commandée par Jackie Kennedy pour l’inauguration du Kennedy Center for the Arts de Washington, en plein bourbier états-unien au Vietnam… © SM/Qobuz

Mais oui, il existe encore des œuvres de Pergolesi enregistrées en première discographique mondiale, en ce XXIe siècle ! On a peine à croire que ces ouvrages soient restés négligés depuis presque trois siècles ; comme si son presque trop célébrissime Stabat Mater avait relégué le reste de l’ample production du compositeur dans l’ombre ! Toujours est-il que ces deux œuvres sacrées datent de la fin de sa bien trop courte vie, les années 1730 à sa disparition six ans plus tard. Chose remarquable, la Messe en ré majeur de 1732 ou 33 (l’époque de La Serva padrona) est conçue pour deux chœurs et deux orchestres, un effet délibérément stéréophonique d’une redoutable efficacité en termes de distribution spatiale de la sonorité et de la musique ; ce qui n’empêche pas le compositeur de déployer toutes les palettes dynamiques possibles, plutôt que de « profiter » de la masse pour faire du bruit tout le temps. Quant au motet Dignas laudes resonemus, il appartient au genre du grand motet concertant napolitain, une forme monumentale faisant appel là aussi à double chœur et deux orchestres distincts. La partition en avait été perdue jusqu’à ce que refasse surface le matériel d’orchestre d’époque, à partir duquel il a été possible de reconstruire l’ouvrage dans son intégralité. On y découvre la veine la plus lyrique de Pergolesi, dont il ne faut pas oublier qu’il composa une dizaine d’opéras, et s’il n’était pas mort à vingt-six ans, sans doute des dizaines d’autres, toujours plus impressionnants. © SM/Qobuz

Ce nouvel enregistrement très attendu de la Messe en si mineur par Les Arts Florissants de William Christie chez harmonia mundi a été enregistré sur le vif à la Philharmonie de Paris en septembre 2016, avant de partir à Versailles, Londres, Barcelone jusqu’à Leipzig dans la fameuse église Saint-Thomas dont Bach fut le Cantor de 1723 à sa mort en 1750. Fruit d’un assemblage d’œuvres éparses puisées dans ses propres compositions (comme Monteverdi l’avait fait pour sa Selva Morale e spirituale), mais dont la cohérence nous semble aujourd’hui friser la perfection, Bach ne l’a toutefois jamais entendue sous cette nouvelle forme de son vivant. L’intégralité n’a d’ailleurs été publiée qu’en 1845 et sa création date probablement de 1859, quelque part en Allemagne. Si l’on excepte l’Oratorio de Noël et la Passion selon Saint Jean et quelques cantates, Les Arts Florissants ont peu abordé la musique de Johann Sebastian Bach. Ici, des solistes issus pour la plupart du Jardin des Voix – l’Académie de Christie pour jeunes chanteurs – rejoignent les forces instrumentales et chorales des Arts florissants. © François Hudry/QOBUZ/mars. 2018

La cantate Jesus nahm zu sich die Zwölfe (« Jésus prit avec lui les Douze ») BWV 22 tient une place historique chez Bach. Il l’a en effet composée encore à Coethen, en guise de candidature au poste de Cantor à Leipzig, puis la dirigea le 7 février 1723, peut-être même en chantant lui-même la partie de basse. On sait que le Conseil de la ville, ne pouvant obtenir le concours de ses compositeurs préférés – Telemann, Graupner et deux autres –, se décida à se suffire du « médiocre » Bach… L’évangile du jour rapporte d’abord l’annonce de sa mort et de sa résurrection par le Christ à ses disciples. Effectif modeste : voix, cordes, un hautbois et continuo, mais le contenu musical est – comme dans plus ou moins toutes les cantates de Bach – parmi ce qu’il a écrit de plus somptueux. Pour la même célébration, Bach conçut l’année suivante une nouvelle cantate, Herr Jesu Christ, wahr’ Mensch und Gott (« Seigneur Jésus-Christ, vrai homme et vrai Dieu ») BWV 127. Or celle-ci n’a quasiment rien qui la rapproche de la précédente : Bach propose une très impressionnante méditation sur la mort physique. Lui qui au fil de ses cantates en appelle à une mort bienheureuse qui l’arrachera aux vicissitudes de la vie terrestre, le voici révélant combien il peut redouter la mort physique. L’aria « Die Seele ruht » est l’un de ces sublimes moments suspendus chez Bach, une ineffable tintinnabulum dans lequel soprano et hautbois dialoguent sur une thématique déchirante, tandis que les flûtes et les pizzicatos de cordes figurent le temps qui passe dans une indescriptible beauté. Enfin, c’est avec Die Elenden sollen essen (« Les pauvres mangeront ») BWV 75 que Bach entama ses fonctions à Leipzig à l’église Saint-Nicolas cette fois, puisque les cantates étaient exécutées en alternance dans l’une et l’autre des ces deux églises. Sans doute parce qu’il voulait marquer avec éclat son arrivée, il conçut cette cantate dans de vastes proportions : quatorze numéros distribués en deux parties. Bien sûr, Bach ne pourrait pas produire chaque semaine d’aussi vastes et puissantes partitions. Mais il y a là véritable matière à Passion… et c’est avec passion que Philippe Pierlot, son Ricercar Consort et les solistes nous restituent ces chefs-d’œuvre. © SM/Qobuz « [...] L'un des disques de cantates les plus inspirés depuis le "Bach Pilgrimage" de Gardiner. Pour l'intensité du dialogue entre instruments et voix, pour l'une des réalisations les plus colorées du chœur de solistes. Et pour Carlos Mena, toujours bouleversant chez Bach. [...] Philippe Pierlot et son Consort se surpassent. La réussite repose autant, et même un peu plus, sur l'ensemble instrumental somptueux que sur les quatre chanteurs. [...] (Diapason, juin 2018 / Gaëtan Naulleau)

« Couplage inégal, certes, mais précieux pour retrouver un album où Schneebeli et ses Pages exaltaient tout à la fois le faste et la profondeur spirituelle de trois motets pour Louis XIV. [...] Il était permis, quand l'album d'Olivier Schneebeli a paru dans la foulée, de faire la fine bouche. Cinq Diapason, sans or. [...] Dix-sept ans ont passé [...] Enfin réédité, le CD de 2001 ravive nos remords et glane la médaille. Qui, certes, ne vaut que pour la moitié de ce double album. L'autre reprend deux des partitions les plus jouées du vivant de Lalande (et encore longtemps après sa mort), De Produndis et le Confitebor tibi Domine dirigés par Edward Higginbottom – disque « Musifrance » de 1988, précieux à l’époque, mais cantonné dans une élégance assez fade (comme l’orchestre). Le Miserere pour voix seule glissé au milieu, porté avec un goût parfait par le treble Oliver Johnson, est – lui – un enchantement. [...] (Diapason, avril 2018 / Gaëtan Naulleau)