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« [...] le travail effectué par Dominique Vellard et Nicolas Bucher est remarquable. Dans l'espace acoustique exceptionnel de l'abbatiale de la Chaise-Dieu, l'ensemble Gilles Binchois et l'orgue participent à la même action grâce à de secrètes connivences de tempo, d'allure, de caractère. [...] Nicolas Bucher livre une interprétation longuement méditée du chef-d'œuvre de Grigny. Mis à part les dialogues et l'offertoire où la brillance s'impose d'elle-même, son approche est essentiellement méditative. La richesse polyphonique des fugues, le lyrisme des récits, la truculence des pièces de caractère en sont aucunement bridés mais mis au service d'une dimension sacrée que le plainchant rappelle à chaque instant. Il y aurait là une version absolument convaincante dans son genre si l'orgue de la Chaise-Dieu ne souffrait pas d'une certaine fausseté des jeux à bouche et de défauts d'attaque qui nuisent à sa plénitude. [...]» (Diapason, avril 2020 / Vincent Genvrin)

Complices de longue date, Sandrine Piau et Christophe Rousset ont maintes fois interprété, ensemble ou séparément, ce Stabat Mater, œuvre emblématique du répertoire napolitain du XVIIIe siècle. Enregistrer ce graal de la musique sacrée leur était donc naturel. Complice plus récent mais régulier des Talens Lyriques, le contre-ténor américain Christopher Lowrey s’est joint à eux. Le programme est complété par un Beatus vir de Leonardo Leo (1694-1744) interprété par Christopher Lowrey et un Salve Regina de Nicola Porpora (1686-1768) pour soprano (Sandrine Piau), deux œuvres totalement inconnues de deux compositeurs très célèbres à l’époque, Porpora ayant été entre autres le professeur de chant de Farinelli et le maître de Haydn... Christophe Rousset trouve dans ces musiques « une expression de la piété très méridionale, très épicée, où l’on passe des pleurs aux rires assez rapidement ». Sandrine Piau voit chez Leo « une élégance du style, une certaine distance dans la douleur ». © Alpha Classics

« [...] La grâce inonde de toutes parts la nouvelle étape de l'ensemble La Rêveuse dans son exploration musicale de l'Allemagne du Nord, entamée en 2008 [...] — le programme piochait déjà dans les manuscrits d'Uppsala. [...] Il revient à la soprano Maïlys de Villoutreys d'animer ces pages sacrées avec tout le brio que lui autorise son timbre clair, sans jamais sacrifier pour autant l'intériorité, même si on peut regretter un manque d'investissement dans le texte. Sa fusion avec les instruments atteint son apogée dans Herr, wenn ich nur dich hab sur une basse obstinée, à laquelle le tempo choisi confère une incroyable sérénité. [...] La Rêveuse démontre à chaque instant sa maîtrise éblouissante. Clair, limpide, le cheminement humble mais intense des interprètes se révèle aussi nourrissant que bouleversant.» (Diapason, mars 2020 / Jean-Christophe Pucek)

« Une joie profonde » : c’est ainsi que Masaaki Suzuki a envisagé son second enregistrement de la Passion selon saint Matthieu, réalisé vingt ans tout juste après le premier, dans la salle de concert du Saitama Arts Theater au Japon en avril 2019 pour le label BIS. Une occasion de faire le point puisque, dans ce laps de temps, le chef et son ensemble ont enregistré la musique chorale de Bach dans sa presque totalité, y compris les messes et les cantates sacrées et profanes complètes. Comme à son habitude, Suzuki collabore pour ce nouvel enregistrement avec des solistes européens, tel le jeune et splendide ténor allemand Benjamin Bruns dans le rôle écrasant de l’Evangéliste. D’autres solistes nous sont également familiers, tels Carolyn Sampson, Damien Guillon, Makoto Sakurada et Christian Immler. Rien de monumental dans cette nouvelle version intime et épurée, qui suit le récit funeste avec une grande sobriété. On y trouve néanmoins un grand élan de ferveur, et une certaine innocence, dans une optique luthérienne résolument dépouillée – il n’y a aucune recherche réelle de théâtralité. Signalons une nouvelle fois la qualité instrumentale exceptionnelle des solistes du Bach Collegium Japan et le doux moelleux des deux ensembles choraux. © François Hudry / Qobuz

La Passion selon saint Jean de Bach, avec son célébrissime chœur d’ouverture traversé d’ombre et de lumière, est une puissante réflexion musicale et spirituelle. Dramatique, grandiose, complexe, résolument théâtral, les superlatifs ne manquent pas pour décrire ce chef-d’œuvre absolu de la musique occidentale. Philippe Herreweghe et le Collegium Vocale Gent en proposent une lecture aboutie qui reflète leur connaissance du compositeur, fondée sur d’abondantes recherches et approfondie par d’innombrables concerts. Les solistes Krešimir Stražanac et Maximilian Schmitt démontrent l’étendue de leurs talents dans les rôles de Jésus et de l’Évangéliste. © Phi« C'est la troisième fois que Philippe Herreweghe enregistre la Johannes-Passion. [...] Pour célébrer le cinquantième anniversaire de son Collegium Vocale de Gand et inscrire l'œuvre dans son propre label, le chef belge revient à la partition de 1724. [...] Comme il y a près de quarante ans, Herreweghe se montre plus réservé, avant tout au service du récit, avec un hédonisme et une mobilité expressive qui nous comblent. La ferveur frémissante du premier chœur, la finesse des courbes mélodiques dans les arias, la somptuosité instrumentale [...] compensent le lissage passager des récitatifs. [...] Incontournable actuellement chez Bach, Dorothee Mields illumine toutes ses interventions. [...] » (Diapason, mars 2020 / Jean-Luc Macia) 

« Inédites, les Vêpres de Carlo Donato Cossoni (1323-1700) révêtent un style plus singulier. Alors que le compositeur, originaire de Côme, était actif à Milan et Bologne, ces motets ont été conservés au monastère suisse d'Einsiedeln. Polychoraux et concertants, ils évoquent l'héritage de Monteverdi et de son maître Cazzati, plutôt que la modernité de son temps. L'office, grandiose, est célébré avec conviction par deux ensembles suisses de belle tenue : Novantiqua de Berne et le Kesselberg Ensemble de Bâle. Une vraie découverte !» (Diapason, février 2020 / Denis Morrier)

Joseph Haydn a laissé une quinzaine de messes composées entre 1748 et 1802. La Missa Cellensis in honorem Beatissimae Virginis Mariae, présentée sur cette nouvelle production de l’Akademie für Alte Musik et de l’excellent RIAS-Kammerchor Berlin et dirigée par Justin Doyle, est plus connue sous le nom de Missa Sanctae Caeciliae (« Messe à Sainte-Cécile ») qui lui fut donné ultérieurement. C’est la plus vaste des messes de Haydn et sa seule messe-cantate solennelle à la napolitaine, avec des numéros alternant airs, ensembles et chœurs. On dirait que Haydn a décidé de frapper un grand coup en composant cette messe qui mélange adroitement l’écriture « moderne » de son temps et l’écriture « baroque » de ses prédécesseurs. Dans sa monumentale biographie consacrée au compositeur, Marc Vignal rappelle avec justesse combien les messes de Haydn sont au premier rang non seulement de sa production, à l’égal de ses quatuors ou de ses symphonies, mais également de la production religieuse de son époque. Le présent enregistrement, réalisé lors d’un concert donné en juin 2018 au Konzerthaus de Berlin, vient compléter une discographie du RIAS-Kammerchor déjà riche d’œuvres chorales mais qui n’avait pas encore abordé les chefs-d’œuvre de Haydn. © François Hudry/Qobuz

Il serait vain de chercher une trace prémonitoire de la grandeur future de Bruckner dans ce Requiem qu’il écrivit à l’âge de 24 ans. Copier ses grands modèles est très formateur pour un jeune artiste qui doit forcément en passer par là pour apprendre son métier et trouver son propre vocabulaire. À travers diverses influences, dont celle manifeste de Mozart, le compositeur en herbe affirme son mysticisme qui sera le moteur de toutes ses œuvres futures et particulièrement de ses neuf fabuleuses symphonies, qui sont toutes des monuments à la divinité. C’est donc un Bruckner en route sur son propre chemin que nous offrent ici les solistes, l’Académie für Alte Musik et le splendide RIAS Kammerchor de Berlin, sous la direction inspirée de Łukasz Borowicz, qui complète le programme par quelques pièces liturgiques isolées. Relevons aussi les étonnants Aequale, deux pièces brèves pour trois trombones écrites par le jeune compositeur à l’occasion des funérailles de sa tante Rosalie Mayrhofer en 1847. Des pièces qui, pour le coup, anticipent l’usage harmonique si typique que Bruckner fera des cuivres dans ses grandes architectures futures. © François Hudry/Qobuz

Après avoir redécouvert la musique de Giovanni Croce, maestro di cappella à la cathédrale Saint-Marc de Venise, les ensembles Voces Suaves et Concerto Scirocco nous emmènent à Salzbourg et mettent en lumière le compositeur Stefano Bernardi, né à Vérone et contemporain de Monteverdi. Bernardi atteignit le sommet de sa carrière à Salzbourg, quand il fut nommé premier Kapellmeister de la nouvelle cathédrale, poste qu’il occupa de 1628 à 1634. Bernardi contribua grandement à l’intégration du "nuovo stile" italien à Salzbourg, en particulier de caractéristiques comme la polychoralité et le "stile concertato", et peut donc être considéré comme l’ancêtre musical de musiciens salzbourgeois plus récents et plus célèbres. Son Requiem majestueux, dont le manuscrit est conservé dans les archives de la cathédrale de Salzbourg, témoigne de la carrure exceptionnelle de sa musique. La Sequentia est particulièrement impressionnante, qui forme le cœur de l’œuvre et s’ouvre avec une section Dies irae élaborée, basée sur la fameuse séquence. Le Requiem ainsi qu’un certain nombre de motets, litanies de Bernardi complétant le programme sont enregistrés ici en première mondiale. © Arcana« [...] les timbres des deux ensembles se conjugent admirablement. Cordes frottées, cuivres, orgue et dulciane donnent ainsi un relief extraordinaire aux œuvres concertantes, sans jamais nuire à la parfaite transparence de la polyphonie.» (Diapason, février 2020 / Guillaume Bunel)

Composée en 1824 par un Hector Berlioz âgé de vingt-et-un ans et créée à Saint-Roch en 1825, la Messe solennelle nous est parvenue à l’issue d’une histoire tourmentée. Après que Berlioz aura déclaré avoir détruit la partition, la Messe sera considérée comme perdue jusqu’à sa redécouverte en 1992 à Anvers. Cette page remarquable permet tout à la fois d’apprécier l’évolution du style de Berlioz – déjà révolutionnaire en ses jeunes années – et de comprendre ce que l’artiste doit à ses contemporains, notamment Cherubini dont Hervé Niquet a gravé le monumental Requiem. Écrite pour trois solistes (soprano, ténor et basse), choeur et orchestre, cette partition comporte treize mouvements, dont plusieurs seront réutilisés par le compositeur dauphinois par la suite, comme la Scène aux champs de la Symphonie fantastique, citation du Gratias. À l’occasion du cent-cinquantième anniversaire de la mort de Berlioz, Hervé Niquet, fasciné par cette œuvre – « Rien de la dramaturgie et de l’écriture des voix ne lui est étranger. À 20 ans ! » – a décidé de la programmer (le concert au fameux Festival Berlioz de La Côte Saint-André fut mémorable) et de l’enregistrer à la Chapelle Royale du Château de Versailles. © Alpha Classics« [...] On ne limitera pas l'intérêt de ce nouvel enregistrement à la présence éminente de hautes-contre dans les rangs du Concert Spirituel. Ni à la couleur de la prononciation du latin à la française. Dès les fracassants crescendos de l'introduction, on devine quel diable Hervé Niquet va faire sortir de son bénitier. Saluons un solide trio de solistes, parmi lesquels la basse Andreas Wolf, à l'ambitus large et dont l'éclat fait un peu d'ombre à ses partenaires. Et un souffle qui ne faiblit pas, à l'image de l'éclatante percée de soleil baroque choisie pour la couverture sur les lieux de la création.» (Diapason, février 2020 / Gérard Condé)

C’est à Bologne, en tant que maître de chapelle de la Basilique San Petronio, que Giovanni Battista Colonna (1637-1695) passe l’essentiel de sa carrière. Disposant de cet édifice imposant, des deux orgues de chœur bien connus des amateurs et de son acoustique très généreuse, Colonna écrivit un grand nombre de compositions sacrées pour des effectifs vocaux et instrumentaux imposants. Mais, d’une façon plus intime, il consacra aussi deux recueils au répertoire des « petits motets ». C’est du recueil des Motetti a due e tre voci (1681) que sont extraites les pièces réunies dans cet enregistrement. Ces motets se caractérisent par une grande variété de formules qui combinent des éléments traditionnels et des aspects innovants qui seront développés dans les générations suivantes. Ces joyaux sont très représentatifs du style de petits motets qui annoncent le style concertant. Ils se caractérisent par diverses combinaisons de voix (allant du récitatif à voix seule aux mélange des duos ou trios vocaux de dispositions diverses) et une grande variété de structures formelles liées à la nature même des textes. © Ricercar« [...] L'Ensemble Scherzi Musicali nous offre un recueil entier de petits motets à deux et trois voix [...], de délicieuses miniatures au lyrisme suave, aux harmonies savoureuses, dont la rhétorique raffinée n'est pas sans évoquer l'héritage de Carissimi. Cinq chanteurs aux voix homogènes, à l'intonation assurée et à la vocalisation légère et précise, y sont soutenus par un continuo combinant trois luthistes (dont Nicolas Achten, assumant simultanément direction, chant et accompagnement), une basse de violon et un orgue positif de facture italienne, à la sonorité colorée et pénétrante. [...] ces instrumentistes offrent quelques sonates, originellement destinées à l'orgue mais parfois métamorphosées en trio de luths, ainsi que d'ingénieux arrangements de motets en sinfonie mêlant orgue et cordes pincées. [...] Belle réalisation [...].» (Diapason, janvier 2020 / Denis Morrier)

« Le bouquet a cappella que Frieder Bernius consacre à Hans Fährmann (1860-1940), romantique dresdois très tardif, s'ouvre par le motet Die mit Tränen säen, où les larmes coulent sur des sentiers tortueux. La science de l'organiste virtuose transparaît dans une écriture au contrepoint fluide (Bittet, so wird euch gegeben), où des accords vocaux semblent se poser sur un clavier fictif (Kommet her zu mille). Le SWR Vokalensemble en expose les transparentes beautés, même si l'aigu très affiné gomme parfois l'ampleur attendue.» (Diapason, janvier 2020 / Benoît Fauchet)