Qobuzissime

Effet time machine garanti ! Avec STR4TA, deux vieux routiers du groove d’outre-Manche unissent leur force pour raviver la flamme du British funk des années 80 (qui se souvient de Beggar & Co, Light of the World, Lynx, Atmosfear, Hi-Tension, Freeez et autres Shakatak ?) et de l’acid-jazz des années 90 : le guitariste mauricien Jean-Paul Maunick – Bluey pour les intimes – et le Franco-Britannique Gilles Peterson, DJ, producteur et boss des labels Acid Jazz, Talkin' Loud et Brownswood. Impossible d’évoquer leur projet STR4TA sans revenir sur le groupe Incognito qui, depuis 1980, joue les Rolls de la soul anglaise, infernale machine à groove sans esbroufe, juste de l'efficacité à coup de cuivres intergalactiques, de chœurs de hooligans en robes de soie et de mélodies implacables. À la barre de cette croisière soul, Bluey concocte la ballade juste sucrée, jamais diabétique, ou l'hymne dancefloor plus sensuel que matraqueur. L’ouïe funky de cet excellent guitariste est telle que des pointures comme Chaka Khan et George Benson, son idole, ont fait appel à ses services pour quelques productions et quelques sessions…Au début des années 90, Gilles Peterson plonge quant à lui l'Angleterre dans cette soul vaguement jazz et vaguement R&B baptisée acid-jazz. C'est l'heure de gloire des Brand New Heavies, Galliano, Young Disciples, Jamiroquai et Incognito signé justement sur Talkin’ Loud. Toute une scène qui rêve d'emboiter du Curtis Mayfield dans du Gil Scott-Heron, et du Roy Ayers dans du Stevie Wonder, aidée, dans le cas d’Incognito, par les voix des déesses soul Jocelyn Brown, Carleen Anderson, Maysa et Sarah Brown… En 2021, STR4TA reprend cet héritage et son ADN, lui insuffle une dose de smooth jazz, de textures dignes des meilleurs B.O. de la Blaxploitation, de funk de déménageur et, surtout, modernise la production. Dans le studio de Gilles et JP, c’est le défilé des requins virtuoses du groove, essentiellement des ex-Incognito, permanents ou pigistes, comme les bassistes Randy Hope-Taylor et Francis Hylton, les claviéristes Matt Cooper et Ski Oakenfull, le batteur Pete Ray Biggin, le saxophoniste Paul Booth et le percussionniste italien Francesco Mendolia. Tout au long d’Aspects, chacun laisse surtout exploser une sincère joie de jouer, et insuffle un feeling live qui rend cette musique encore plus hédoniste. Avec ses basses méchamment slappées, ses synthés vintages en force et ses percus chirurgicales pour ponctuer le tout, STR4TA coche toutes les cases pour embraser le dancefloor et secouer les corps. © Marc Zisman/Qobuz

Voilà trois quatre ans que Jean Dasso alias Yeahman est entré sur le radar, d’abord via ses soirées bass music/tropical “Ghetto Sonido” à Toulouse, puis avec le titre Miniyamba (featuring les douces vocalises des chanteuses Mina Shankha et Hajna) en 2017, qui lui a permis de taper dans l’œil de Wonderwheel Recordings. Mené depuis Brooklyn par le DJ Nickodemus, le label héberge des grands noms du circuit “global bass” comme Quantic, Chancha Via Circuito, DJ Khalab ou El Buho, et offre donc son premier long format à Yeahman, qui, faisant honneur à l’image du baroudeur, est parti enregistrer à Dakar, Naples Marseille et Toulouse.Et le Français prouve dès l’ouverture qu’il tient quelque chose, sur l’accrocheuse samba onirique Deelahli, avec la voix presque effacée de Mina Shankha, puis l’ultra-moelleux Baixi Baixi, accompagné des deux sœurs portugaises d’Aluna Project sur un charango et un rythme dembow. Mais Yeahman aime aussi les rythmes carrés, comme sur Soupe au Feu et ses samples de cordes choppés, Sakoneta (et sa kora made in Dakar) ou GLI-F4, tous soutenus par un beat house soyeux et hypnotique. On retrouve Mina Shankha et Hajna sur une reprise du standard de cumba péruvienne Cariñito, puis Omar Zidia. chanteur et guitariste du groupe touareg Ezza sur Ouloullou, avant de refermer ce voyage Qobuzissime dans l’Ostriconi (une région corse paradisiaque) avec la folktronica du producteur britannique Robin Perkins, alias El Búho, nouveau copain de label de Yeahman et sans doute futur compagnon de route. © Smaël Bouaici/Qobuz

Le nom du Canadien Jesse Bru est d’abord apparu en France, en 2012. Repéré par le label parisien Karat, tenu par le couple de DJ/disquaires Alex et Laëtitia Katapult, pour son projet micro-house Hot Keys (avec son compatriote Ryan Trann), le producteur de Vancouver est devenu hype l’année suivante, grâce au hit de club Psychedelic Brain Paint, extrait de son premier EP Changing for You. On découvrait alors une house lo-fi en lévitation, rappelant celle de Motor City Drum Ensemble, featuring samples de foule en délire et de Janis Joplin en train de prier (Work Me Lord, version Woodstock). Jesse Bru embarque alors sur la route des DJ dont la valeur est en hausse. Route qui le mène évidemment à Berlin, où, pour satisfaire les bookers, il exécute EP sur EP sans lever le nez. Il y a deux ans, fatigué de ce travail à la chaîne, il retourne à Vancouver pour faire le point et prendre le temps de réfléchir un premier album, ou presque.Car le Canadien avait déjà sorti un long format, Mid City (en digital, en 2012), mais il s’agissait plus, dans l’intention, d’une collection de titres que d’un album. The Coast nous donne donc enfin l’occasion de profiter de Jesse Bru dans la longueur, avec 15 plages remplies de petites idées et de grands plaisirs. Ancien producteur de hip-hop tombé dans la musique électronique après un passage à Montréal, Jesse Bru a gardé de ses débuts le goût pour le sampling. S’il s’autosample de plus en plus, il a toujours l’obsession des extraits de film, et on retrouve le patchwork qui a fait son succès, cette palette de couleurs et de sons chaleureux, house versant soulful à la new-yorkaise pour le tronc commun – avec des bijoux comme All Day Bae et Workin (Should Be Livin) –, et puis des options UK garage (Life's Alright), techno (Lucid Dreaming), jazz ou drum’n’bass, comme sur Cmwtme, sublime titre mêlant trompette et amen break. Un hommage aux années 90 assumé : “J’aime vraiment beaucoup l’électro, les breaks, la techno et la jungle, et la musique super-émotionnelle”, explique Jesse Bru, qui insiste sur la libération que constitue cet album. “J’avais l’impression de faire tout le temps la même chose, d’enchaîner les maxis pour essayer de rester pertinent sur la scène.” Avec un album d’aussi haut niveau, on a presque envie d’enfermer Jesse Bru dans son studio. © Smaël Bouaici/Qobuz

Auteur d’une dizaine de maxis ces dernières années qui l’ont placé sur le radar des artistes à suivre, le prolifique et éclectique producteur polonais Earth Trax, alias Bartosz Kruczyński, passe au format album pour la première fois avec ce sobrement nommé LP1. Remarqué pour la deep house rêveuse composée avec son compatriote Adam Brocki aka Newborn Jr, qui a vite attiré les comparaisons avec le travail du groupe pionnier britannique Orbital, Earth Trax démontre ici toute sa versatilité, son talent d'arrangeur et sa culture électronique : acid house (Full Throttle, Pandora’s Box), electronica (Adhocracy), breakbeat (Squawk Box), drum’n’bass (Fade Away ou le single I'm Not Afraid), ambient/ psychédélique (Your Fading Other) ou deep house atmosphérique (le langoureux Mechanisms), autant d’influences qu’il insuffle avec cohérence dans ce projet qui ressemble à une belle carte de visite et qui sonne comme une vraie démonstration d’intelligence musicale. © Smaël Bouaici/Qobuz

Lancé en 2018 par le maxi Flicker, sur le label de Manchester Gondwana Records (GoGo Penguin, Portico Quartet), Sunda Arc, le projet de Nick et Jordan Smart, hommes de base du groupe de jazz Mammal Hands, se concrétise avec ce premier long format qui n’aurait pas dépareillé dans le catalogue d’Erased Tapes. Comme Nils Frahm, les deux frères mêlent avec harmonie sons électroniques et acoustiques et sont obsédés par l’idée de “trouver le fantôme dans la machine”, concept cher à Terry Riley. Le fantôme, il traîne certainement quelque part le long de Vespers, magnifique morceau d’ambient à écouter au coin d’un feu, dernière pièce d’un album parfaitement dans l’air du temps, quelque part entre Jon Hopkins, Max Cooper ou Rival Consoles.Mais si les ambiances contemplatives ont du cachet, les frères Smart ne rechignent pas à rendre tout ça dansant – sans non plus rentrer dans le formatage de la club music – sur l’hypnotique Cluster, l’obsédant Dawn, qui rappelle certaines productions de Caribou, ou le clin d’œil à Moderat Daemon. Et ils savent aussi se faire plus légers, presque pop, sur le single Hymn démontrant leur capacité à faire évoluer un projet très prometteur. © Smaël Bouaici/Qobuz

Après deux maxis et une tournée qui les a révélés aux yeux de l’Europe, le combo de Kinshasa passe à l’épreuve du long format. Alliance de deux bricoleurs d’instruments (canettes, machines à écrire, ferraille…) et du performeur Makara Bianco, alias le diable de Lingwala, KOKOKO! inclut aussi le producteur français Xavier Thomas, alias Débruit (auteur du petit tube Nigeria What?), tout de suite attiré par “leur côté expérimental”. “Ils ne sont pas dans les clichés de la world music africaine. Ils ont envie de rompre avec le passé, le poids de la rumba congolaise. Il n’y a pas de limites, ils n’ont peur de rien.”C’est cette liberté, cette créativité née de la contrainte, qu’on retrouve entière sur Fongola, avec toujours cette quête de la collision sonore, entrechoquant polyrythmies et harmonies occidentales, guitares et likembés, bidons et TR-808. La formule, destinée au live, est toujours aussi efficace : des samples de sons de la rue, un kick techno 4/4, des lyrics faciles à chanter, une basse qui prend au corps, et nous voilà en transe. Enregistré dans des studios improvisés à Kinshasa et Bruxelles, le disque a été assemblé à Anderlecht par Débruit, qui évoque “un gigantesque puzzle sans plan et dont les pièces ne rentrent pas”. On ne pourrait mieux dire : en mélangeant tant de choses, mais sans jamais chercher à ce que tout ça tienne en place, les KOKOKO! sont parvenus à créer un chaos permanent. Et c’est sans doute ce qui rend ce projet si excitant. © Smaël Bouaici/Qobuz

Après une année 2017 de jachère, le producteur allemand d’origine italienne David August a lancé son propre label en 2018, 99CHANTS, sur lequel il a sorti cette année un album ambient DCXXXIX A.C. et donc ce D'ANGELO. Inspiré par le peintre transalpin Caravage, David August utilise tout au long de ces six titres (+ un interlude) la technique du clair-obscur, comme sur les 9 minutes de THE LIFE OF MERISI, qui débute comme un film de science-fiction ou une partie de Wipeout, avec un beat techno/trance des 90’s, un synthé à la Moroder et une voix caverneuse, avant de s’éteindre et de renaître sur les harmonies limpides d’un piano acoustique, son instrument de prédilection.La ballade vaporeuse 33CHANTS et le morceau titre D'ANGELO, qui ouvre une brèche spatio-temporelle vers le Riders on the Storm des Doors, ont été composés dans le même esprit électro/acoustique. Une direction assumée par David August depuis son premier album Times, pour lequel il s’était reconnecté avec son piano après quelques maxis “fonctionnels” sur Diynamic Music, le label de Solomun. Un essai validé par deux live exceptionnels pour Boiler Room en 2014 et 2016 (dont le dernier en compagnie de l'orchestre symphonique de Berlin), et par cet album, qui nous plonge dans une bulle amniotique qu’on n’a pas envie de quitter. Et si l’on devait rester bloqué dedans pour l’éternité, ce ne serait pas si grave. © Smaël Bouaici/Qobuz

Kiddy Smile veut rendre la house populaire. Alors que la house vintage revient en force depuis quelques années, et que vingt ans se sont écoulés depuis que la French Touch a envahi les charts, l’emblème de la scène ballroom et voguing parisienne ne cache pas ses ambitions avec ce premier album. Après avoir marqué le public avec son titre Let A B!tch Know en 2016, Kiddy Smile, signé sur le médiatique label Defected, vise plus large et convoque les esprits de Robin S, Armand Van Helden ou Mojo, ses références en termes de chansons, rêvant peut-être à un destin à la Sylvester, icône gay américaine auteur du hit planétaire You Make Me Feel (Mighty Real) en 1978.Mais ça ne veut pas dire qu’il lâche la house, qui constitue le substrat de quasiment tous les titres de ce disque, et notamment la vocal house, portée par Ron Trent et surtout Frankie Knuckles, qui envoya le genre dans le mainstream américain durant les 90’s avec ses remix de hits soul/pop. Le modèle est-il transposable en France ? A voir, mais Kiddy Smile, assisté de Julien Galner de Château Marmont à la production, met tous les atouts de son côté, comme sur Be Honest featuring Rouge Mary, superbe titre soulful bien fédérateur, ou One Trick Pony, produit par Boston Bun (Ed Banger), qui aguiche bien dans un crossover pop/R&B. Deux titres à fort potentiel, accompagnés de moult hit de clubs sur lesquels on a déjà envie de danser (House of God, Burn the House Down), et du single Dickmatized, qui rappelle l’efficacité du duo italien de fidget Crookers. Voilà ce qui s’appelle réunir les éléments du succès, ce qui méritait forcément un Qobuzissime. © Smaël Bouaici/Qobuz

On l’avait compris dès You'll Understand, son second maxi paru en 2016 sur Distant Hawaii, sous-division du label londonien Lobster Theremin (tête de gondole de la house lo-fi) et ce titre mélancolique et exaltant Talk To Me You'll Understand : Ross From Friends a de l’or au bout des doigts et il atteint sa plénitude sur ce premier album travaillé dans ses moindres détails durant deux ans, une cinquantaine de minutes qui combleront ceux qui avaient succombé au charme de sa house soyeuse et devraient lui assurer une nouvelle base de fans invétérés. Car la musique de Ross From Friends a un côté addictif, attestée sur Thank God I’m a Lizard, une house chamanique avec des guitares floydiennes en delay, tandis que Wear Me Down dévoile un aspect plus aquatique, rappelant les productions de l’Argentin Ernesto Ferreyra et les gouttelettes chères à Cadenza, le label de Luciano. À l’aspect hypnotique de ces références de la minimal techno, Ross From Friends ajoute un supplément d’âme, puisé dans son histoire familiale. Ses parents étaient parmi les premiers travelers, ces Anglais qui se baladaient à travers l’Europe dans les 80’s avec un soundsystem pour propager les premiers émois électroniques (hi-NRG, italo-disco…). The Knife, une sorte de synth-pop soulful qui nous replonge d’ailleurs dans ces ambiances 80’s, avant qu’il ne s’essaye avec réussite à des BPM plus élevés sur la techno de Project Cybersyn. “A chaque fois que je commençais à travailler sur un morceau, j’ai tout de suite été happé par l’aspect le plus émotionnel des choses, explique-t-il. C’est sûrement l’une des parties les plus importantes du travail autour de l’album, essayer de puiser dans ces émotions là, dans cette instabilité émotionnelle.” Une démarche qui rappelle celle d’un autre producteur britannique de la nouvelle génération, Leon Vynehall, qui a construit son dernier album Nothing Is Still autour de l’histoire des grands-parents, avec un résultat tout aussi émouvant. Le superbe Parallel Sequence et ses breakbeats montrent aussi que l’Anglais n’est pas fixé sur le kick, et que, à l’inverse de tant d’autres, la boîte à rythme n’est pas au centre de sa musique. On serait d’ailleurs bien en peine de définir un axe rotatif, tant ses chansons (le terme est approprié en ce qui le concerne) semblent émaner d’une idée, d’un concept. Le reste de l’album est tout aussi envoûtant, et on se laisse porter d’un bout à l’autre des douze plages sans forcer, dans cette couverture de ouate dans laquelle Ross From Friends nous a enveloppé. On est seulement à l’été, mais voilà déjà sans doute l’un des albums de l’année et pour sûr un parfait disque Qobuzissime. © Smaël Bouaici/Qobuz

Trouble de la lecture spécifique et durable qui apparaît durant l'enfance et l’adolescence, la dyslexie est reconnue comme un dysfonctionnement de l'apprentissage. Sans doute que 10LEC6 a juste appris… différemment ? Le collectif afro-post-punk a surtout digéré un nombre d’influences assez impressionnant. Du post-punk funky à souhait comme ESG et Liquid Liquid en faisaient à New York durant les années 80. Mais aussi du disco, de la house, du punk à la Bad Brains, de l’afrobeat, de l’électro hautement perchée et des rythmes tribaux bien solides. Depuis 2004, le groupe à géométrie variable formé autour du street artiste Simon et du producteur et DJ Jess (du duo Jess & Crabbe) fait de la fusion comme nul autre ! Une fusion qui se muscle avec l’arrivée en 2014 d’une nouvelle voix, Nicole, qui chante en bulu, langue bantoue parlée dans le Sud de son Cameroun natal. Avec Bone Bame, le rythme prend le contrôle des corps et du cerveau. Ce troisième album, qui paraît sur Ed Banger, le label de Pedro Winter, est surtout une longue transe percussive et électronique que des basses maousses et l’organe incantatoire de Nicole rendent totalement insaisissable. Reste à s’abandonner avec délectation sur ce dancefloor singulier et cosmopolite qui ne ressemble à aucun autre. Un Qobuzissime à 360° ! © Marc Zisman/Qobuz

A première vue, le post-rock et la techno ne sont pas destinés à vivre ensemble. Pas pour Guy Andrews. C’est en fusionnant ses deux passions, deux influences majeures de sa musique, que le jeune producteur britannique a enfanté son second album, Tåke, brouillard en norvégien. Un périple atmosphérique viscéralement lié à la nature. Pour le single Fjell, Andrews dit clairement avoir été inspiré par une ballade au Cadair Idris, une montagne du Pays de Galles. Par les étapes de l’escalade. Le challenge de l’ascension. Et la fierté d’atteindre chaque palier… Une autre escapade, en Norvège cette fois, a servi également de carburant à son disque. Tout cela est une force, un souffle qui a influencé cette œuvre envoûtante dans sa globalité. Guy Andrews jongle avec les climats (ses premiers œuvres étaient très ancrées dans l’ambient) et alterne entre l’aurore boréale et l’ouragan violent. Chaque composition de Tåke est en fait une sorte de mini-documentaire sonore inspiré par les nombreuses randonnées de son auteur. Ici, encore plus que sur son premier album Our Spaces paru en 2016, Andrews se fait peintre. Il sculpte une électro faite de textures variées aux effets hypnotiques. Guère étonnant que l’art du Londonien ait été salué par des pointures comme Massive Attack, Scuba, Bonobo, Max Cooper et quelques autres. Il faut écouter Tåke comme on regarde une vaste tenture sonore, mouchetée par les rythmes et irradiée par les couleurs proposées. Rarement brouillard n’aura été aussi salvateur. © MD/Qobuz

Le nom de Mind Enterprises risque de ne pas rester anonyme encore très longtemps. Ce projet électro est celui d’un jeune turinois installé à Londres, Andrea Tirone, dont ce premier album (un disque Qobuzissime !) assez jouissif intitulé Idealist convoque une ribambelle d’influences plus groovy les unes que les autres. Il y a du Metronomy, de l’afro-beat, du disco, du funk, de la synth-pop, du Todd Terje, du LCD Soundsystem, de l’électro new-wave là-dedans, bref c’est le foutoir total mais c'est totalement fou ! © MD/Qobuz

Un home-studio, c’est bien. Le Transsibérien, c’est mieux ! C’est en effet à bord du train légendaire reliant Moscou à Vladivostok (9000 bornes tout de même…) que William Rezé alias Thylacine a composé son premier véritable album logiquement baptisé Transsiberian . Durant 160 heures de train et près de 1000 gares traversées, ce Transsibérien est devenu le laboratoire de ce jeune bidouilleur électro angevin qui monte, qui monte, qui monte, le temps d’un périple de deux semaines. Un disque inspiré des rencontres musicales et humaines au rythme du train et de ses paysages mais qui surtout qui se visualise comme nul autre. Connaître la genèse de Transsibérien aide certes à faire défiler des images dans la tête de l’auditeur mais les compositions de Thylacine vont bien au-delà du concept « trip ferroviaire ». Car au fil de l’écoute, on sent se dessiner une musique comme antidote des états d’âme de son auteur. Filmé par une équipe vidéo l’ayant suivi au gré de ses rencontres et enregistrements, Thylacine livre dix titres totalement envoûtants et accompagnés d’une web série de dix courts épisodes retraçant sa composition singulière. Dix vidéos incluses dans le téléchargement de cette version Deluxe disponible en Hi-Res 24-bit. © MD/Qobuz

Un home-studio, c’est bien. Le Transsibérien, c’est mieux ! C’est en effet à bord du train légendaire reliant Moscou à Vladivostok (9000 bornes tout de même…) que William Rezé alias Thylacine a composé son premier véritable album logiquement baptisé Transsiberian . Durant 160 heures de train et près de 1000 gares traversées, ce Transsibérien est devenu le laboratoire de ce jeune bidouilleur électro angevin qui monte, qui monte, qui monte, le temps d’un périple de deux semaines. Un disque inspiré des rencontres musicales et humaines au rythme du train et de ses paysages mais qui surtout qui se visualise comme nul autre. Connaître la genèse de Transsibérien aide certes à faire défiler des images dans la tête de l’auditeur mais les compositions de Thylacine vont bien au-delà du concept « trip ferroviaire ». Car au fil de l’écoute, on sent se dessiner une musique comme antidote des états d’âme de son auteur. Filmé par une équipe vidéo l’ayant suivi au gré de ses rencontres et enregistrements, Thylacine livre dix titres totalement envoûtants et accompagnés d’une web série de dix courts épisodes retraçant sa composition singulière. Dix vidéos incluses dans le téléchargement de cette version Deluxe disponible en Hi-Res 24-bit. © MD/Qobuz

Son premier album était aussi attendu que son contenu surprendra. Après plusieurs EP aux beats soutenus et affirmés, Gabriel Legeleux alias Superpoze entre dans l’arène avec un disque planant et on ne peut plus onirique. A seulement 23 ans, le bidouilleur caennais fait ici preuve d’une maturité bluffante en superposant (sans mauvais jeu de mots) les nappes climatiques, sources d’invitation au voyage. On se retrouve comme lost in translation, nageant dans une mélancolie urbaine où la mélodie comme les harmonies sont hautement respectées. Superpoze impressionne car malgré certaines influences cernables (Jon Hopkins, Brian Eno…), il impose un son, une identité rythmique bien à lui. © MZ/Qobuz

Des années que son nom irradie la technosphère sans pour autant qu’il ait publié un véritable album sous son nom. Avec ce Brava, Brodinski sort donc enfin ce premier disque et ne se contente donc plus de n’être qu’un DJ mixant en club ou produisant des titres pour Kanye West, Daft Punk, Gesaffelstein, Yuksek et des dizaines d’autres. Brava est une œuvre impressionnante, sombre, oppressante et festive à la fois qui montre tous les contours de son visage mais aussi son éclectisme. Une puissante aventure électro au cœur de laquelle le rap américain contemporain occupe une place de choix. © MD/Qobuz

Terje Olsen que tout le monde s’arrache publie enfin ce premier album logiquement intitulé It’s Album Time. Une affaire sérieuse donc mais surtout d’un hédonisme et d’une jouissance incommensurables. On connaissait le travail du Norvégien moustachu pour ses productions et ses remix pour notamment Franz Ferdinand, Robbie Williams, Bryan Ferry, Joakim, Hot Chip, Jose Gonzalez ou bien encore son compatriote Lindstrøm. Mais pour sa première escapade en solitaire, Terje a renversé sur la table toute sa culture et son éducation musicale, ses lubies, ses envies, ses marottes, bref tout ce qui lui passait par la tête et les doigts. Dans les oreilles, le zapping est bluffant mais, surtout, toujours très cohérent. Techno, easy listening, disco, funk, latino, pop, jazz fusion, house, il ose tout ! Même de revisiter Johnny & Mary de Robert Palmer avec en invité Bryan Ferry ! Côté sonorités, le vintage côtoie le contemporain et le synthétique fricote avec l’organique. La connexion Daft Punk/Kavinsky/Giorgio Moroder/Breakbot pointe parfois le bout de son nez mais l’esprit bon enfant, sans calcul ni stratégie, reste toujours dans la ligne de mire de Todd Terje. Une vraie claque ! - © MZ/Qobuz

Avec ce deuxième album (un disque Qobuzissime !), celui que certains ont baptisé le dandy de la scène electro réussit à mixer une fois de plus à la perfection l’énergie du clubbing et le dandysme justement d’une certaine pop d’antan. Un beau disque dont l’apparence fourre-tout (house, pop, techno, R&B…) n’est jamais synonyme de n’importe quoi. Il y a chez Danton Eeprom du Dopplereffekt comme du Bowie, du LFO, du Kraftwerk, de la cold wave et tout un tas de références inattendues qu’il agglomère mystérieusement et efficacement. Un superbe kaléidoscope de sons et de sensations pour, au choix, bouger ou cogiter.

Trois ans après son premier album Polyamour, Clara Moto ose causer dans le micro pour Blue Distance, son deuxième opus qui parait chez inFiné. Si l’Autrichienne installée à Berlin a franchi ce cap en posant ça et là sa voix, son nouveau trip électronique essentiellement instrumental est surtout très emprunt de lyrisme et flirte avec les rives d’une electro contemplative rêveuse. Reste à fermer les yeux et se laisser porter par ses grandes tentures d’electro sensuelle et raffinée…

Évidemment, Flying Lotus est un sobriquet un brin plus exotique que Steven Ellison… Exotique, c’est sans doute la saveur de l’electro que ce génial producteur expérimental et DJ azimuté californien distille depuis le milieu des années 2000. Des architectures osées, jonglant entre liberté et improvisation et méandres mélodiques. Avec son nouvel album, Until The Quiet Comes, le petit neveu d’Alice Coltrane (veuve du mythique John) a épuré son art ou, du moins, fait le tri dans son cerveau continuellement en ébullition. Certes, le ton reste assez expérimental mais Flying Lotus articule chacune de ses constructions autour d’un puissant noyau soul. Et comme toujours avec lui, le lâcher-prise reste une fois de plus le meilleur moyen d’appréhender sa musique. Envoûtant.