Discothèque Idéale Qobuz

Plus de huit heures et demie de musique ! Bobbie Gentry méritait bien une célébration aussi maousse, même si sa gloire dura à peine plus d’une décennie. Retirée des affaires au profit d’un anonymat total depuis le début des années 80, cette grande voix des sixties et des seventies est ici luxueusement compilée. Sur 8 disques sont répartis 177 titres : ses six albums studio pour le label Capitol (Ode to Billie Joe de 1967, The Delta Sweete et Local Gentry de 1968, Touch ‘Em With Love de 1969, Fancy de 1970 et Patchwork de 1971), son disque en duo avec Glen Campbell paru en 1968 et – les fans font s’évanouir – plus de 70 inédits mêlant prises alternatives, démos, live à la BBC et raretés en tous genres ! Derrière le mystère de sa retraite prématurée et de ce culte qui ne cessera ne grandir au fil des années, restent ces chansons qu’elle signa de sa main. Bobbie Gentry n’était pas une simple chanteuse mêlant country, folk et pop comme tant d’autres de sa génération. C’est elle seule, au début de sa vingtaine, qui écrira les tubesques Mornin' Glory, Fancy, Okolona River Bottom Band, Chickasaw County Child ou encore le plus célèbre d’entre tous, repris par la terre entière, Ode to Billie Joe, fascinante histoire du suicide mystérieux du jeune Billie Joe McAllister ayant sauté du Tallahatchie Bridge. En France, Joe Dassin chamboulera l’intrigue : Billie Joe s’appelle Marie-Jeanne et le Tallahatchie Bridge devient le pont de la Garonne…Il y a une classe, un lâcher-prise et une sensualité renversante dans la voix de Bobbie Gentry. Il y a aussi ces arrangements luxuriants et cet instrumentarium en phase avec ce chant, tantôt des cordes lounge un brin kitsch mais tellement classe, tantôt une simple guitare épousant les cambrures de sa voix. Bobbie Gentry n’est jamais totalement country, totalement pop, totalement soul ou totalement folk. Elle est Bobbie Gentry. Point. © Marc Zisman/Qobuz

En 1975 et 1976, l’oublié James Szalapski a suivi, caméra au poing, les principaux acteurs du mouvement Outlaw au Texas et au Tennessee. Le documentaire qu’il en tirera, Heartworn Highways, ne sortira qu’en 1981 et deviendra l’un des films fétiches des aficionados de country alternative. Une œuvre surtout passionnante car centrée non pas sur les stars de ce courant anti-Nashville (Waylon Jennings, Willie Nelson…) mais sur les hommes alors de l’ombre, les songwriters les plus sombres. On suit ainsi les pérégrinations des jeunes Guy Clark, Townes Van Zandt, Steve Earle, David Allan Coe et autres Rodney Crowell. La bande originale de ce film refait surface en habits de lumière et elle est divine au possible. Des chansons dépouillées et puissantes, entre country et folk, qui se dégustent également sans les images. © MZ/Qobuz

Ses disques ont toujours été des petits bijoux d'ironie et de justesse. Peu célébré chez nous en Gaule, John Prine a toujours été un artiste culte de l'autre côté de l'Atlantique. Plus conteur qu'entertainer, le songwriter de Chicago narra comme personne, en 1971, le difficile retour au pays d'un GI junky en plein conflit vietnamien. C'était Sam Stone, titre choc qui n'était pas une énième protest-song baba cool à deux kopeks, mais l'une des premières chansons à se placer côté vétérans. Une perle figurant sur ce premier album éponyme, John Prine, produit par Arif Mardin pour Atlantic et qui lie avec un vrai talent, folk, rock et country music. Ce protégé de Kris Kristofferson, loin d'être un sous-Dylan, s'est imposé au fil des ans comme l'un des portraitistes les plus sous-estimés de sa génération. Et si son humour grinçant l’éloigne toujours de toute tentation neuneu, Prine sait aussi viser et toucher au cœur. Et chez lui, l'anti-establishment n'est jamais bas du front. Mixer causticité et émotion pure avec un tel talent est si rare… © MZ/Qobuz

C’est l’histoire d’un homme amoureux qui renonce à tout afin de rendre une femme heureuse à Baltimore, dans le Maryland. Et comme ce genre de situation ne manque jamais de se répéter, c’est aussi à Baltimore qu’elle le quitte, le laissant errer dans une ville qu’il n’a pas choisie, le cafard en prime… Bobby Bare a toujours eu une grande influence dans la musique country. Vie passionnante et pas toujours évidente, cet autodidacte de l’Ohio a su se frayer un chemin jusqu’aux portes de Nashville et se positionner comme une référence importante. Colocataire de Willie Nelson, partenaire de scène de stars telles Roy Orbison et Bobby Darin, les succès modestes ne manquent pas. Mais lorsque Chet Atkins signe Bare chez RCA, il rentre enfin dans le dur, notamment en 1965 avec l’album Constant Sorrow, puis un an plus tard sur le mythique The Streets of Baltimore.Une douzaine de chansons pour un scénario complet et une composition de Gordon Lightfoot, Early Morning Rain, en guise de générique pour ce film dramatique. Harmonica mélancolique, guitare piquée et chœurs nostalgiques, c’est une silhouette aimée qui disparaît sous une pluie matinale. Le protagoniste au cœur brisé entame donc sa résilience en plusieurs étapes. L’ennui et la solitude (Houston), le besoin de retrouver sa mère (Take Me Home to Mama), l’errance (The Streets of Baltimore) puis l’envie d’oublier (Changin’ My Mind). Avec ce disque, l’Américain montre qu’il est un interprète né et présente une liste de compositeurs éclectique. De Chuck Berry (Memphis, Tennessee) à Tom T. Hall (There Ain't No Fun in This Town) en passant par Harold Spina (Vincennes), Bobby Bare apporte une profondeur par sa voix de crooner et signe un grand album de country-folk, dont le titre principal sera chanté par Gram Parsons en 1976. © Clara Bismuth/Qobuz

Entre 1941 et 1947, Lead Belly a enregistré avec Folkways Records certaines des compositions les plus importantes de l’histoire de la musique américaine. Virtuose de la guitare à 12 cordes et doté d’une voix puissante, le musicien originaire de la Louisiane a su, malgré une courte carrière, laisser une empreinte indélébile dans le monde du blues et de la folk. Cette anthologie, compilée et produite par Jeff Place et Robert Santelli, regroupe plus d’une centaine de titres qui ont fait de Lead Belly l’un des artistes les plus influents de sa génération, ayant été repris par de nombreux artistes venus de toutes horizons (Nirvana, Beach Boys, Elvis Presley, Abba…). © LG/Qobuz

Avec cet album, Eric Bibb exprime de façon poétique et totalement contemporaine sa vision du monde actuel. Ce New-yorkais qui n’a cessé de parcourir la planète, parle de ses habitants, de leurs conflits et de leurs souffrances, mais aussi de compassion, de tolérance et d’empathie. Jericho Road est coproduit par Eric et Glen Scott, un jeune anglais d’origine jamaïcaine éblouissant de talent et d’inventivité. Les arrangements musicaux sont extrêmement riches, la qualité de la réalisation et du son remarquables. Bibb apporte au blues un second souffle et le fait entrer dans le nouveau siècle, preuve que cette musique est toujours vivante et en pleine évolution.

Cette excellente compilation retrace une grande partie de la carrière du roi du blues. Depuis sa naissance dans le Mississipi, BB King a su s’imposer grâce à sa voix puissante et à son jeu de guitare si caractéristique comme l’un des meilleurs musiciens blues de l’histoire. L’album présente les indispensables enregistrements qui, au fil des années, ont fait grandir la légende. Véritable documentaire sonore, ce triple album permet de suivre l’évolution de l’artiste en appréciant sa voix soul et ses solos de guitares raffinés. Témoignage de la période la plus authentique et la plus productive du bluesman (1949-1962), l’album est un mélange de ses plus belles compositions et reprises qui ont influencé tant de guitaristes à travers le monde. Indispensable ! © LG/Qobuz

Les années passent, filent même, et Emmylou Harris et Rodney Crowell sentaient cette nécessité de graver un instant partagé. C’est chose faite avec Old Yellow Moon enregistré à Nashville. Leurs routes s'étaient croisées à de nombreuses reprises depuis 1974 lorsque la plus belle voix de la country music embarqua l'une des plus fines gâchettes de Nashville en tournée avec elle... Il y a des saveurs californiennes de la fin des 70’s dans cette rencontre au répertoire éclectique. Piochant aussi bien dans celui d’Emmylou que dans les standards (Roger Miller. Ou Allen Reynolds pour une magnifique version de Dreaming My Dreams), cette Old Yellow Moon a des teintes automnales de toute beauté. Aucune surprise, ni effets de manche gratuit là-dedans. Juste une superbe conversation entre gens de bonne compagnie et de bon goût. © MZ/Qobuz

Le blues antique, celui des années 20-30, est plus que de la musique. C’est souvent de la magie, et toujours de l’histoire, un monde perdu dont on peut fantasmer le récit et les zones d’ombre. Prenez Charley Patton. Cet homme est moins connu que Robert Johnson, la star des bluesmen antiques. Et pourtant, on peut l’écrire sans faire offense à Bob, il est plus important. Déjà, parce qu’il était là avant. Il a sorti des disques dès 1929, contre 1936 pour Robert Johnson. Basé sur la fameuse plantation Dockery dans le Mississippi, où ont poussé autant de bluesmen historiques que de coton, il a été le mentor de Robert Johnson, mais aussi de John Lee Hooker, Son House, du jeune Howlin’ Wolf et de Pop Staples, fondateur des Staple Singers. Son œuvre est plus vaste et diverse que celle de Robert Johnson, et ce premier volume en est une très bonne porte d’entrée. La guitare slide tremble, la voix crachote, l’émotion est primitive mais d’une intensité granitique, le répertoire et le style semblent venus de temps plus anciens que le plus ancien des blues. Ses morceaux les plus célèbres sont ici Pony Blues, A Spoonful Blues, Mississippi Boweavil Blues, Screamin’ and Hollerin’ the Blues… Des chansons de troubadour du Delta, d’autres dans le refuge de l’église, des blues de chat errant… Charley Patton sortait ses 78 tours sur Paramount, un label réputé pour la mauvaise qualité technique de ses productions. Le son de ces morceaux est donc crapoteux. Mais la magie qui se dégage, elle, est pure et inaltérée. © Stéphane Deschamps/Qobuz

Sorti en 1983, Texas Flood est un véritable monument du blues. A cette époque, ce style était pratiquement oublié et ne suscitait plus l’intérêt du public depuis longtemps. Armé de sa Fender Stratocaster et de son chapeau de cowboy, Stevie Ray Vaughan arrive en sauveur et propulse, grâce à son 1er album, le blues au sommet des charts…du jamais vu ! Il n’a pas fallu plus de 2 jours au célèbre texan pour enregistrer ce bijou sur lequel sa guitare et sa voix puissante se combinent pour former un résultat révolutionnaire. Véritable démonstration de virtuosité et de feeling, Texas Flood reste l’un des disques les plus influents pour les guitaristes du monde entier. Avec la Legacy Edition, l'album devient double et offre des enregistrements inédits ! © LG/Qobuz

Une simple guitare acoustique, quelques notes de piano, des cordes parfois… En trois albums, Nick Drake – disparu à seulement 26 ans – a construit l’œuvre la plus essentielle de la musique folk. Comme un éden climatique, minimaliste d’aspect et harmoniquement dément. Sa voix d’ange n’avait plus qu’à embarquer cette mélancolie toujours solaire vers des éthers bouleversants et dont ce Pink Moon reste LE grand chef d’œuvre. © MD/Qobuz

Il fut comme une apparition. Brève donc. Mais une apparition dont l’ombre plane encore aujourd’hui toujours aussi majestueusement sur la musique actuelle. Trois albums et vingt-six années passées sur terre suffiront à Nick Drake pour chambouler la face du mouvement folk… Paru en septembre 1969 sur le label Island, ce premier album de Nick Drake embarque pourtant d’entrée de jeu le folk britannique vers des cieux de poésie et de mélancolie rarement atteints. Une scène folk pourtant aux côtés du jeune songwriter pour le soutenir dans cet enregistrement (Richard Thompson de Fairport Convention et Danny Thompson de Pentangle sont notamment là) porté par des cordes sublimes orchestrées par Robert Kirby. Est-ce encore du folk ? Du folk chambriste peut-être ? Qu’importe… Avec cet alliage onirique, Nick Drake impose son style mais pas encore son nom : les critiques d’alors, sans être négative, ne trouvent cette première copie qu’intéressante et sympathique. Le temps donnera heureusement raison au jeune garçon… © MZ/Qobuz

Certains imaginaient sans doute que Kacey Musgraves serait le clone n°25478 de Taylor Swift. Grosse grosse grosse erreur… Avec ce Same Trailer Different Park qui décrochera le Grammy Award du meilleur album country, la jeune songwriteuse texanne évite de tomber dans les pièges tendus par Nashville. Et lorsque chaque chanson semble s’engager sur le chemin des clichés du genre, Musgraves donne un gros coup de collier pour faire brillamment vriller la composition. On alterne ainsi de la country pure à la country pop en passant par des titres nettement plus rock voire un brin rétro. Et côté textes, elle maîtrise son art à la perfection, capable de soutirer les larmes comme de faire rire avec causticité. Souvent formatées, les stars de la country pop contemporaine proposent peu d’aspérité et de talent. Same Trailer Different Park prouve que Kacey Musgraves est non seulement une star mais une grande artiste. © CM/Qobuz

L’histoire de la musique offre parfois à entendre de belles personnes hors de leur temps, hors de tout. Des artistes fulgurants dont on sait peu de chose. Vashti Bunyan est de cette race extraterrestre… Née dans la grisaille du Newcastle de l’après-guerre mais ayant grandi à Londres, elle fut l’auteur, en 1970, de ce chef-d’œuvre folk paru chez Philips, avant de disparaître des radars durant plus de trois décennies, pour refaire surface à l’aube des années 2000… Fragile, habité et féérique, Just Another Diamond Day offre une approche bien à part de l’idiome folk alors en vogue durant les années 60 et 70. Comme chez Nick Drake, la nudité des sonorités acoustiques et de la voix singulière de son auteure sont enveloppées dans des arrangements sobres et émouvants. Des idées d’instrumentation toujours originales et bienvenues. Just Another Diamond Day fut réalisé avec l’aide de Simon Nicol et Dave Swarbrick de Fairport Convention, Robin Williamson de l'Incredible String Band et surtout Robert Kirby, génial arrangeur célébré pour son travail sur les deux premiers albums de Nick Drake. Anéantie par l’échec commercial de son opus rêveur, Vashti Bunyan disparaitra en Irlande puis en Écosse. Geste involontairement parfait pour devenir une artiste culte. Elle passera les trois décennies suivantes à élever ses trois enfants. © Max Dembo/Qobuz

Premier album de Junior Wells sorti en 1965, Hoodoo Man Blues est un des piliers du Chicago blues. Le genre de pilier qui tient le plafond dans un club enfumé du West Side, et contre lequel s’appuie un marlou tout de cuir vêtu. On s’y croirait, au Theresa’s Lounge, le club mythique de Chicago où Junior Wells passait ses soirées à souffler dans son harmonica avec son compère guitariste Buddy Guy. Junior Wells est un des géants de l’harmonica blues, au point d’avoir gagné un long CDD dans le groupe de Muddy Waters à la place de Little Walter. Mais sur son premier album, il ne déroule pas son CV ni n’étale ses compétences, il se contente (et c’est déjà beaucoup, c’est même rare sur un album studio) de jouer comme s’il était en club avec son groupe. Autrement dit, c’est funky. Serré, sensuel, tendu. Junior Wells et son groupe d’experts en blues à danser n’en font jamais trop, chaque note est à sa place, collée contre sa voisine. Toute la magie de ce disque tient à l’interaction entre les musiciens, comme dans le jazz. Junior Wells n’est pas du genre à faire la démonstration technique de ses talents d’harmoniciste. Mais elle éclate quand même ici sur une reprise virtuose de Chitlins Con Carne, un morceau du guitariste de jazz Kenny Burrell. Les liens directs entre le jazz et le blues à l’époque sont suffisamment rares pour que la chose mérite d’être signalée. © Stéphane Deschamps/Qobuz

À l’occasion du centenaire de la naissance du génie du Delta Blues, Columbia Legacy publie une nouvelle édition des fameux "Complete Recordings" paru en 1990. Au delà de son style unique, l’influence de Robert Johnson sur la musique populaire est énorme et résonne jusque dans les enregistrements de stars actuelles du rock tels Beck ou les White Stripes. Voici donc 42 titres mythiques agrémentés d’'alternate takes' enregistrés en 1936 et 1937 remasterisés par le sorcier du mastering Steve Lasker. © Qobuz

Le repiquage des enregistrements de celle qui fut surnommée « l’Impératrice du blues » ne sont pas toujours à la hauteur des 78 tours que Bessie Smith grava dans les années 20. Ces faces (elle en enregistra 123 pour le label Columbia) restent fondatrices du jazz vocal au féminin. Elle fut le modèle de bien des artistes noires du jazz des décennies à venir, de Billie Holiday à Norah Jones, en passant par Sarah Vaughan, Dinah Washington, Nina Simone, Janis Joplin. Sa voix puissante et son style de chant sont une contribution importante à l’histoire de la musique populaire noire américaine. Ce volume lui rend pleinement justice.