Qobuzissime

Después de Young Hard and Handsome, un EP autoproducido publicado en septiembre de 2020 y que incluye la épica Hey Boy (You’re One of Us), Walt Disco han publicado su primer y exuberante álbum completo en el sello Lucky Number. El sexteto de Glasgow, cuyos miembros se conocieron en una fiesta en 2016, han encontrado su propio estilo. Inspirados colectivamente por el amor, la androginia y la época en la que vivimos, los jóvenes escoceses se inspiraron en Scott Walker, David Bowie, sus compatriotas Orange Juice y Associates (además de SOPHIE y Arca) para envolver su prosa en una elocuente mezcla de post-punk de los 80, glam rock y pop futurista. La mirada, al igual que su música, no hurga en el pasado, sino todo lo contrario. Los antiguos estudiantes de la Universidad de Glasgow utilizan su lenguaje para contar la historia de una juventud atrapada en un milenio difícil. “Nuestra música tiene un aire teatral y glamuroso, nunca es realmente sutil. La mejor crítica que recibimos fue ‘Walt Disco deberían reescribir Rocky Horror Picture Show’”, dice su cantante James Potter.Unlearning, originalmente titulado Unlearning The Perfect Life, trata de la deconstrucción y la libertad. “Tú dices que somos estúpidos, yo digo que eres viejo / Desde cuándo te has vuelto tan estúpidamente frío / Encerrado en el pasado, estás perdido en él / Déjanos ser jóvenes, duros y hermosos”, canta James sobre la prominente línea de bajo de Cut Your Hair. Bordeando la ópera rock, estas doce pistas, a las que los experimentos electrónicos de The Costume Change sirven de interludio, encuentran su dramaturgia en las inflexiones vocales de James –que aprendió de un cantante de ópera que a su vez era fan de Freddie Mercury– y en los coros de sus compañeros de banda (How Cool Are You?). Pero también se mueven por una especie de universo distópico, donde el patetismo de la darkwave (Weightless), las alegres turbulencias del dance pop al estilo de Dead Or Alive (Selfish Lover), con la ayuda de cajas de ritmos y sintetizadores, se mezclan con un hiperpop angustioso (If I Had a Perfect Life, Macilent) esculpido en el vórtice del software. Es el renacimiento 2.0 de la ola de los Nuevos Románticos que estábamos esperando. ¡Un Qobuzissime obligatorio! © Charlotte Saintoin/Qobuz

Gracias al burlón “grunge” juvenil de su EP autoproducido Take Control en 2019, los Mysterines, formados originalmente por la cantante y guitarrista Lia Metcalfe, George Favager (bajo) y Chrissy Moore (batería), había llamado la atención de los buscadores de talentos de la plataforma BBC Introducing, que los colocaron en sus radios y los invitaron a tocar en el escenario de los festivales de Reading y Leeds. Esta enorme exposición permitió a la banda apoyar a grupos como Royal Blood y The Amazons, al tiempo que creaba expectación por su primer álbum completo. Publicado en el sello Fiction, Reeling, un concentrado de rock de 43 minutos, ha pemitido al trío de Liverpool salir adelante con fuerza. No sin dificultad. Tras un año de altibajos, un cambio de batería y la incorporación de un guitarrista, el recién formado cuarteto se encerró durante tres semanas en los estudios de grabación Assault & Battery de Londres, entre dos confinamientos, bajo la atenta mirada de la productora e ingeniera de sonido Catherine Marks (Foals, Wolf Alice, The Killers).Un periodo de gestación difícil que acabó siendo fructífero, como cuenta el batería Paul Crilly: “No podíamos salir o pasar tiempo con otras personas sin pensar en el álbum. Fue un verdadero alivio entregarlo una vez que terminamos de grabarlo.” Esta tensión también se plasmó entre las cuatro paredes del estudio, creando la materia prima que compone los temas. La liberación de tanta presión, de este rock en las brasas, se abre con Life’s A Bitch (But I Like It So Much), seguida de Hung Up, con riffs llenos de saturación. La presión disminuye gradualmente, aunque la tensión sigue siendo tangible en la más country Old Friend / Die Hard, así como en la balada de guitarra Still Can You Home, que termina de forma inquietante con la lentitud oscura e insidiosa (al estilo de Nick Cave) de Confession Song, con su piano gótico. “Cuando escuché por primera vez la impresión de prueba del disco, volví a experimentar todos esos momentos que vivimos en el estudio”, dice Crilly. Impulsado por la voz de Lia, una perfecta sacerdotisa de la devastación, Reeling revela una amplia gama de matices, desde el rock desenfrenado hasta el “garage” inmortalizado en el momento, pasando por melodías pop más delicadas y tranquilas. Un logro increíble y una prueba de madurez para una banda que apenas ha salido de la adolescencia. En resumen, ¡un claro Qobuzissime! © Charlotte Saintoin/Qobuz

El cielo es bastante gris, casi antracita. Es el abono ideal para hacer crecer un poco más esta rebosante escena del revival post-punk que agita el planeta indie desde principios de la década de 2010. Pero, ¿cómo sacar la cabeza de una melé ya muy densa en la que se empujan entre ellas las bandas Girl Band, Fontaines DC, Shame, Dry Cleaning y otros mil grupos armados con guitarras cuadradas y vocalistas más cercanos a la escansión que a la canción? Para conseguirlo, Yard Act lleva los marcadores del género y las influencias predecibles (The Fall, Gang of Four, Wire, los primeros Talking Heads) por caminos a menudo inesperados. Mejor aún, no se limitan a ser una bola eléctrica de nervios o un viejo escupitajo en la cara de una sociedad (post-Brexit) que va mal. No, no, Yard Act utiliza su rabia para encontrar diferentes formas de expresión. The Overload, el brillante primer álbum de este cuarteto de Leeds, se cierra con el tempo casi apacible de 100% Endurance. Al micrófono, James Smith es un digno heredero del dalai lama del post-punk, el difunto Mark E. Smith de The Fall, con una pizca de groove. Junto con el guitarrista Sam Shipstone, el bajista Ryan Needham y el baterista Jay Russell, Smith envuelve su cinismo y su bilis con ropas brillantes: una forma de dandismo proletario con anfetaminas que a veces se parece a los Sleaford Mods, a Ian Durry y sus Blockheads o incluso a Pulp... Nunca caricaturescas, sino con un oscuro realismo, las viñetas de James Smith son divertidas y musicalmente eclécticas. Suficientes ingredientes para dejar huella y hacer de The Overload un álbum contundente para iniciar el 2022. © Marc Zisman/Qobuz

Es la banda de punk más electrizante de los últimos años, lo hemos dicho antes y lo volveremos a decir. Estos australianos, liderados por la brillante Amy Taylor, están subiendo poco a poco a las alturas de la fama con sus explosivos espectáculos en directo. Tras dos EPs y un álbum de debut homónimo, grabado en Inglaterra con Joey Walker de King Gizzard & The Lizard Wizard y que les valió el premio a la mejor banda de rock en los prestigiosos Aria Awards, llega Comfort To Me y su deforme portada. El nombre Comfort To Me nació en el periodo de confinamiento, en el que Amy, Bryce Wilson (batería), Dec Martens (guitarra) y Fergus Romer (bajo), a puerta cerrada en una casa de Melbourne, trabajaron diariamente en lo que se convertiría en inquietantes canciones con una visceral energía de garage. La receta heredada de Cro-Mags o Cosmic Psychos difiere ligeramente de los lanzamientos anteriores: sección rítmica repetitiva y abrasiva, letras sencillas y crudas en bucle, guitarras gritonas más elaboradas, temas ultracortos. La gran diferencia a destacar: la producción está mucho más cuidada. Pero lo mejor es dejar que sea la propia Amy la que hable de este proyecto: “Si tuviera que explicar cómo es este disco, diría que es como ver un episodio de La niñera (The Nanny), pero el entorno es una feria de coches australiana: Fran está interesada en temas sociales, ha leído unos cuantos libros y el señor Sheffield está bebiendo cerveza al sol. Es un Mitsubishi Lancer que va ligeramente por encima del límite de velocidad en una zona escolar. Es darse cuenta de lo bien que sienta llevar los pantalones en la cama. Es tener a alguien que quiera hacerte la cena cuando estás muy cansada. Soy yo haciendo shadowboxing en el escenario, cubierta de sudor, en lugar de estar sentada tranquilamente en una esquina.” Reconfortante porque está fuera de los esquemas, pues. Como nos gusta. © Charlotte Saintoin/Qobuz

Babatunde Teemituoyo Doherty, alias Baba Ali, es un hombre de los años 80. Pero no sólo eso. Y lo demuestra con creces. Criado con los sonidos de Prince, Michael Jackson e incluso Femi Kuti (un amigo de la familia), además de D’Angelo y J Dilla, este nigeriano nacido en Nueva Jersey consigue combinar la brillantez del funk, la frescura del post-punk, la efervescencia del baile y una multitud de sonidos dentro de su impresionante álbum, Memory Device. Ali, como un esteta, va en busca del arte absoluto. Ya en el instituto, con su dúo Voices Of Black, dijo: “Bueno, somos dos chicos negros pero escuchamos Radiohead y Joy Division y muchas otras cosas: no queremos sentirnos etiquetados, queremos crear una música absoluta que vaya a todas partes y lo toque todo.” Siguiendo esta filosofía, inventó la expresión “yarquismo”, que define el proceso de creación instintivo necesario para alcanzar la pureza. Un proceso que utilizó para crear las maquetas que desarrolló en las clases de arte que Ali tomó en la Universidad de Brown y que fascinaron a su compañero Nicolas Jaar. Este último les ayudó más tarde a publicar su primer EP en el sello de electro Wolf + Lamb (Seth Troxler, Shaun Reeves) del que él mismo había salido. Le siguieron de cerca Nomad (2017) y This House (2020), dos primeros EP llenos de grime, generados por escuchar repetidamente a LCD Soundsystem o Iggy Pop en Londres, donde vive.Escrito en soledad durante el confinamiento y grabado entre septiembre de 2020 y febrero de 2021 con Al Doyle (Hot Chip, LCD Soundsystem) en el este de Londres, este primer LP se inspira tanto en James White And The Blacks como en Heaven To A Tortured Mind (2020) de Yves Tumor y, según admite Baba Ali, se trata de una auténtica bofetada. Podemos encontrar música post-disco de finales de los 70, así como experimentos vanguardistas que pintan atmósferas humeantes (Better Days, Nuclear Family) y su voz, distorsionada y alterada, sobre letras a veces sombrías (“I’ve seen better days”). En este gran trabajo dominan los sintetizadores (Nature’s Curse, Got An Idea), los bajos y los ritmos sostenidos (Black Wagon), la redondez del funk y la new wave (Draggin’ On, Temp Worker). Pero más allá del pluralismo referencial, lo que cautiva es la tensión de un tema a otro, perfecta para una catártica salida nocturna a un club. En definitiva, un Qobuzissime que es como una caverna repleta tesoros, y cuya fórmula se vuelve aún más mágica cuando se comparte. © Charlotte Saintoin/Qobuz

Una entonación. Un conjunto de palabras. Un sonido onírico. La estructura de una melodía... Estas pequeñas cosas hacen que una canción pueda destacar, especialmente cuando se trata de canciones introspectivas y de pop-folk indie. Tori Zietsch, alias Maple Glider, destaca precisamente por estas características. La australiana, que pasó por Brighton antes de volver a Melbourne, puede competir, sin miedo, con músicos de la talla de Cat Power, Adrianne Lenker, Angel Olsen, Julia Jacklin o Sharon Van Etten... Los temas tratados pueden ser clásicos, o convencionales (una educación estricta y religiosa, el primer amor, el despertar a la realidad, la soledad, la distancia geográfica), pero To Enjoy is the Only Thing aborda la intimidad con un tono singular. Un matiz humorístico o una confesión cortés le permiten evitar sobrecargar temas delicados o utilizar palabras convencionales y obvias. Pero, sobre todo, su disco es el escenario de una voz sencillamente sublime. Y en secuencias de total pureza como Be Mean, It’s Kinder Than Crying, donde su voz ligeramente reverberada se superpone a los mismos dos acordes repetidos cíclicamente, Maple Glider resulta abrumadora. En una nota para el disco, escribe: “Esto es lo que representa este álbum, en mi opinión: caminar entre los árboles recubiertos de guirlandas a mediados de septiembre, nadar en el Parque de los Calanques en el sur de Francia, la escarcha en el capó de un coche, la oscuridad a las 4 de la tarde, la luz hasta las 10 de la noche, la sensación de adormecimiento, la niebla gris perpetua que envuelve la Costa de Plata en las Landas, el color rojo, este horrible vestido verde, el vino tinto, la sangre roja, los labios rojos, el rojo del vestido de los cardenales, Suiza, los diarios de mi madre, el informe de un forense, el sol en mi cara, el fin del amor...” Llegando al final de la última pista de este primer álbum, siempre emotivo, uno se encuentra sobrecogido por estos 35 minutos atemporales, repletos de encanto... © Marc Zisman/Qobuz

El nombre Van Halen fue noticia a finales de 2020 y principios de 2021. Primero, tristemente, por la muerte del genial guitarrista Eddie Van Halen el 6 de octubre de 2020. En segundo lugar, y esto es para un evento más agradable, por el tan esperado lanzamiento del primer álbum en solitario de su hijo Wolfgang. El término “álbum en solitario” adquiere aquí todo su significado, ya que el (reciente) treintañero domina todos los instrumentos y ha compuesto y tocado todo por su cuenta, desde 2015. La única ayuda externa viene por parte de Michael “Elvis” Baskette (que trabajó con Alter Bridge, Slash feat. Myles Kennedy & The Conspirators), que se encargó de la producción, obviamente impecable. Pero hay que subrayar otra cosa: más allá de la interpretación musical y vocal, es sobre todo el sentido de la melodía lo que sorprende. Al igual que Dave Grohl (otro músico que se probó a sí mismo como one-man band), Wolfgang Van Halen apunta bien y da en el blanco con canciones realmente sólidas. Casi todos los temas de Mammoth WVH podrían convertirse en singles potenciales; están tan perfectamente equilibrados que se podrían tararear todo el día. Los arreglos vocales son ricos y refinados, y la instrumentación está cuidadosamente calibrada. Wolfgang comprendió que el gran error que debía evitar, como “hijo de”, era seguir los pasos aún frescos de papá Edward. Así, aunque los solos de guitarra son muy efectivos, siguen siendo ocasionales. El multiinstrumentista prefiere explorar otras vías. Su experiencia con Tremonti ha tenido obviamente una fuerte influencia en su música, pero hay otros ingredientes –que los fans del rock alternativo amarán– como las referencias a Queens Of The Stone Age, Sevendust y Foo Fighters. Si en algunos momentos coquetea con el hard rock, es en Alice In Chains o en las producciones más recientes de Winger donde hay que buscar las referencias más claras (basta con escuchar You're to Blame), pero si nos remontamos a las raíces del árbol genealógico musical de esta banda unipersonal, no hay duda de que todo parte de aquellos “cuatro chicos de Liverpool”. Este sentido del éxito, del estribillo adecuado en el momento adecuado, tiene claro cómo conseguirlo. Mammoth fue el primer nombre de la banda Van Halen. Wolfgang lo eligió para su propio proyecto, con la bendición de su ilustre padre y de los demás miembros de la difunta banda. Sin duda es un bonito homenaje a sus raíces, pero hay que resaltar que al comenzar su carrera con un disco de esta calidad, hecho por él mismo y libre de cualquier influencia paterna, Wolfgang Van Halen deberá su (previsible) éxito sólo a su talento. Seguirá haciendo brillar el mito de este nombre con sus propias manos. Los curiosos vendrán a ver, pero se quedarán para escuchar. Esto es una certeza. © Charlélie Arnaud/Qobuz

Con este primer álbum en solitario, escrito, interpretado, grabado y producido casi en solitario, Natalie Bergman ha querido compartir su mundo tan personal. Porque Mercy es un universo en sí mismo. Doce canciones singulares y espirituales sobre la muerte y la resurrección, acompañadas por su versátil voz y un toque vintage que parece que nos habla desde una época pasada... Natalie Bergman pasó una década cantando con su hermano Elliot en Wild Belle, un dúo afincado en Los Ángeles con predilección por el pop, el reggae, el ska y la psicodelia. Pero esa vida se desmoronó el día en que sus padres murieron en un accidente provocado por un conductor ebrio. Criada con una fuerte fe, Natalie decidió retirarse a un monasterio en el valle de Chama, en Nuevo México. Y ahí nació Mercy, un disco catártico envuelto en la esencia de la música gospel, que ella cree que es la verdadera fuente del rock’n’roll. Una obra única y eterna que subraya su visión de la música, que considera sagrada y curativa. “Mi fe y mi música son esenciales para mi existencia. En este álbum canto mucho sobre lo que considero ‘hogar’. Mi paraíso, mi cielo. Creer en la existencia de ese lugar ha sido mi mayor consuelo. Tenía la necesidad de saber que mi padre estaba allí. Su repentina muerte hizo que mi mente se convirtiera en un caos. La música gospel me da esperanza. Es la buena noticia. Es ejemplar. Es un vehículo de la verdad. Puede mantenerte vivo. Este álbum me dio la esperanza de poder volver a la vida por mí misma.”Un fascinante retorno a lo vivo, pues, a través de una música gospel que nunca se desvía hacia el fanatismo, y que de hecho va más allá de la fe. Mercy es una obra aromatizada con una gran cultura musical: los sonidos y la instrumentación de este álbum deben tanto al rock de los años 50 como al soul de los 60 o a la highlife de la África occidental. No es de extrañar que Natalie Bergman creciera en una casa donde sonaban discos de Dylan y Etta James... pero también de Pharoah Sanders, Lou Reed, Alton Ellis y Lucinda Williams. Y también es lógico que un músico culto como Jack White la haya elegido para su sello Third Man Records, un sello con excelente gusto, donde otros músicos tampoco desdeñan inspirarse en el pasado... La muerte cambió su vida, su música puede cambiar la nuestra: Natalie Bergman es un regalo del cielo. © Marc Zisman/Qobuz

Detrás de la portada de Terra Firma, con sus imágenes casi místicas, dignas de un grupo de rock progresivo de los años 70, se esconde el inclasificable segundo álbum de Tash Sultana. La australiana empezó a tocar música muy pronto, y por su cuenta. A los tres años, su padre le regaló su primera guitarra. De adolescente, actuó como artista callejera en su Melbourne natal. Pero en 2016, Natasha Sultana consiguió con su música arrasar en todo el mundo, superando los 70 millones de visualizaciones en las redes sociales con el tema Jungle, fruto de sus sesiones de alcoba difundidas en YouTube; es un tema que quedó en tercer lugar en la codiciada lista Hottest 100 de Triple J. Tras unos cuantos EPs, en el verano de 2018 publicaría su primer álbum en su propio sello independiente, Lonely Lands Records. Flow State es un patchwork de pop-soul como el de sus primeros tiempos, y en el que Tash toca todos los instrumentos (domina una veintena de ellos) utilizando loops y los efectos de su característica pedalera. Desde entonces, llena estadios y portadas de revistas, como la Rolling Stone, en la que habla de la Stratocaster TC Signature que le dedicó Fender.“Terra Firma es el sol, la tierra, poner los pies en ella para recordar dónde estamos, de dónde venimos”, dice la mujer que pretende convertir su deslumbrante éxito en una carrera a largo plazo. Tash Sultana también se encargó personalmente de los arreglos y de parte de la producción, que dirigió junto a Matt Corby. Y eso se nota ya desde el instrumental Musk, que con sus brillantes guitarras, su saxo “groovy” y su pegadizo bajo abre un álbum de 14 temas que oscilan entre el soul, el R’n’B, el funk, el folk y el pop ligero, en los que pone su voz a la manera de Erykah Badu y entre los que destacan los fascinantes Pretty Lady y Sweet & Dandy. Para llegar a esta mezcla tan rica, equilibrada, hipnótica pero nunca redundante, que ella describe como “un encuentro entre Aretha Franklin, Bon Iver y John Mayer”, Tash colaboró también con el rapero Jerome Farah (en Willow Tree) y con Josh Cashman (en Dream My Life Away), ambos de Melbourne. Un verdadero golpe maestro con sólo 25 años. © Charlotte Saintoin/Qobuz

A estas alturas, parece casi un dato estadístico: cada diez años, una cantante británica llamada Anna lanza su álbum de debut, que marca una época. En 2011, fue Anna Calvi. En 2021, es Anna B Savage. Cantante underground, auténtica como pocas, apareció por primera vez en 2015 con un EP bastante reservado, al que siguieron algunos conciertos. No son muchos los que la vieron en concierto, en aquella época en la que aún se celebraban conciertos. Pero los que estuvieron allí lo recuerdan bien. Con su guitarra extrañamente afinada, como para tocar un blues medieval, y su voz esquiva, como si más de una persona cantara dentro de ella, Anna B Savage embrujó a un pequeño público, apasionado por ese tipo de música que se diferenciaba de todas las demás. Hija natural de Cat Power, Anna B Savage desprende un extraño malestar que, escondido tras una guitarra, también puede llegar a ser sensual, intenso y deseable. A Common Turn es su primer álbum, y es como una poción mágica, un unicornio musical. Sobre una base de folk retorcido, la artista construye canciones que parecen venir de muy lejos, tras un viaje por el espacio-tiempo musical. Dependiendo de las referencias personales de cada uno, el oyente puede escuchar en su voz y en sus melodías ecos de Beth Gibbons (Portishead), Antony & the Johnsons, Nico, Connie Converse, Dionne Warwick o cantantes de jazz del pasado. Pero A Common Turn no es un disco fácil de descifrar, ni sencillo en sí mismo. Los arreglos abarcan desde coros hasta ritmos bailables, al son de esa guitarra marcada por el tiempo. Incluso cuando su música se inclina hacia la grandilocuencia, Anna B Savage sigue siendo frágil, incierta, equilibrada, errática, como si buscara su camino a través de sus propias canciones. Nos recuerda a una Blancanieves corriendo por un oscuro bosque de árboles enmarañados y ominosos, o esperando el beso del príncipe en su sueño envenenado. Y, a su lado, todos los demás son como enanos. © Stéphane Deschamps/Qobuz

Erlend Hjelvik, el antiguo líder de los brillantes Kvelertak, y dos años después de su separación de la banda noruega, vuelve a escena con su primer álbum en solitario. Con su tercer álbum (Nattesferd, en 2016), la banda de Stavanger ya había producido un trabajo más anclado en las raíces del heavy y el black metal (queridas por Hjelvik), a expensas de las influencias punk que habían sido la seña de identidad del grupo. Se podría decir que la grieta comenzó en ese mismo momento. Con este nuevo Welcome To Hel, Erlend Hjelvik hace que su voz se escuche de nuevo, después de cuatro años de ausencia de los estudios de grabación. Fuertemente inspirada en el folclore vikingo, esta primera aventura en solitario es épica, impresionante, y sobre todo excelentemente compuesta. En este álbum, el heavy metal mezclado con influencias doom y black nos lleva directamente al tercer trabajo de Kvelertak, pero con una voluntad más evidente y decidida.Desde las primeras notas de Father War, cae sobre nosotros a un ritmo frenético una carga de soldados sedientos de sangre. La intención del álbum es clara: mezclando las influencias mencionadas con el thrash y el rock’n’roll, Hjelvik quiere ofrecernos un manifiesto magistralmente elaborado, lleno de momentos generosos tanto en técnica como en detalles impresionantes. Sin embargo, el músico no olvida lo que hace mejor, y piensa en las multitudes que tendrá que domar cuando empiece a recorrer el mundo de nuevo. Detrás de esta gama de habilidades técnicas se encuentra una verdadera sensibilidad a las melodías pegadizas, que los fans estarán encantados de corear desde abajo. Todo lo que podemos hacer es inclinarnos cuando nos llegan temas como Glory of Hel, Kveldulv o North Star. Una mención especial merecen los dos invitados del álbum: Matt Pike (Sleep / High on Fire) y Mike Scalzi (Slough Feg), que añaden otra dosis más de testosterona, ¡como si no fuera suficiente ya!Inspirado y de fácil acceso, este álbum es un verdadero manifiesto de guerra, un increíble viaje a un universo que Hjelvik domina de principio a fin. Manejando influencias como pocos saben hacer, y con su rock’n’roll rush teñido de heavy, black, doom y thrash, Welcome To Hel se destaca como uno de los grandes álbumes de metal del año. © Maxime Archambaud/Qobuz

Angulosa, árida e intransigente, la impresionante escena neo-post punk que está agitando el Reino Unido llega hasta la pista de baile gracias a Working Men’s Club. Con su álbum debut homónimo, el joven cuarteto de Todmorden – 25 kilómetros al norte de Manchester – recoge las cartas que antes jugaban New Order (en el período de Power, Corruption & Lies), The Fall, Human League, Gang of Four e incluso D.A.F. y Suicide. Recién cumplidos los 18 años, el líder de WMC, Sydney Minsky-Sargeant, prepara la escena. “Todmorden, no hay mucho que puedas allí como adolescente. La ciudad está bastante aislada. Y puede ser bastante deprimente vivir en un lugar donde, en invierno, es de día a las 9 de la mañana y de noche a las 4 de la tarde.” Así que parece muy lógico que estos protegidos de los locos Fat White Family actúen como mocosos. Como uno de esos tipos que lanzan furiosamente sintetizadores, guitarras y baterías por sus habitaciones hasta que estalla el caos. Sus letras son más rugidas que cantadas, pero el incansable groove, los riffs de guitarra y los bajos contundentes proporcionan el movimiento apropiado sin que surja la necesidad de hacerse más preguntas. Así que es casi imposible controlar el cuerpo, que se siente invitado a entrar en el ritmo de esta fascinante sinfonía de joven electro-acid-rock, que a veces recuerda a los primeros días de los LCD Soundsystem. El Working Men’s Club se pone camisetas con el logo “Socialismo”, bautiza una de sus canciones como John Cooper Clarke (como el aún adorado poeta punk) y pone fin al cielo gris de Yorkshire bajo el cual habían visto la luz del día. A veces Sydney Minsky-Sargeant se relaja un poco y muestra un lado casi hedonista, al estilo new wave (Outside). Pero cuando está nervioso, entonces el electro-funk mezclado con disco-punk envuelve toda su alma (Teeth). Este álbum de debut aturde un poco, y gracias a la compacta y sobria producción de Ross Orton (The Fall, M.I.A, Arctic Monkeys) adquiere proporciones impresionantes. No hay duda: ¡Working Men’s Club es ya un nombre para tener muy presente! © Marc Zisman/Qobuz

Detrás de un nombre muy común, Nicholas Michaux escribe y produce canciones enormemente originales. Tras la disolución de su banda “Été 67”, Michaux inició una carrera en solitario, publicando À la vie, à la mort en Tôt ou Tard Records. En su último trabajo, Amour Colère, publicado por Capitane Records, continúa desarrollando su visión sentimental de la vida cotidiana. Como en Cancer, donde el músico de origen belga – que divide sus experiencias vitales entre Bruselas y la isla danesa de Samsø – juega con un lenguaje inteligente para abordar el delicado tema de la enfermedad. Con su escritura en parte en inglés y en parte en francés, el cantante salta poéticamente entre ambos idiomas. Su estilo vocal melancólico, introvertido y siempre honesto recuerda a la nostálgica y tranquilizadora voz de Alain Bashung. Tan ecléctico como homogéneo, este disco mezcla la clásica “chanson” francesa (A nouveau) con el pop romántico (Amour Colère, Nos retrouvailles), el post punk romántico (Every Word, Harvesters) e incluso el glam rock (Factory)… La producción es básica y tal vez no ofrezca el refinamiento de la música pop moderna, pero esto no le resta un ápice de calidad. Al contrario: este álbum resulta bellamente inquietante, sus versos son magistralmente poéticos y sus coros son dulces pero llenos de fuerza. Es realmente un placer poder escuchar un lenguaje musical tan refinado y culto. ¡Estamos ante una verdadera joya! © Charlotte Saintoin/Qobuz

Unos pocos segundos de Freier Geist son suficientes para que Sofía Portanet nos traslade de 2020 a 1980. Con su álbum de debut, la cantante alemana, que en esa época aún no vivía –nació a finales de 1989– firma una obra que reaviva la llama de la Neue Deutsche Welle. Era una época en la que Nina Hagen reinaba sobre la Europa de la new wave y el post-punk con locura y energía, y en la que Kraftwerk ampliaba enormemente su audiencia. Era el momento de los ritmos marciales de D.A.F., los delirios románticos de Kate Bush, Toyah y Lene Lovich, y los desfases pop de Falco o de Les Rita Mitsouko. Todo artistas muy apreciados por Sofia Portanet, nacida en Kiel, que creció en París y que ahora vive en Berlín. Cantando en alemán, en inglés y en francés, también reivindica la herencia de algunas grandes voces que mezclan el cine, el teatro y el cabaret, como Ingrid Caven o Hildegard Knef. Al final, a pesar de esta avalancha de referencias, su encantador Freier Geist encuentra el equilibrio perfecto entre la nostalgia de los años 80, que ella asume o incluso afirma, y los toques más modernos. Sobre todo, es el vigor que le da a su proyecto lo que lo hace tan embriagador. © Marc Zisman/Qobuz

Con To Love Is To Live, Jehnny Beth pone por primera vez su propio nombre en la portada de un álbum, a pesar de su ya larga carrera. Antigua mitad del dúo John & Jehn, revelada como cantante del grupo Savages, ha aparecido con Gorillaz (We Got the Power), cantado a dúo con Julian Casablancas de The Strokes (Boy/Girl), interpretado películas (Un Amour impossible de Catherine Corsini y Kaamelott de Alexandre Astier) y ejercido como periodista / presentadora de radio (Start Making Sense para Beats 1) y presentadora de televisión (Echoes en Arte). Sin olvidar C.A.L.M.: Crimes Against Love Memories, una colección de cuentos eróticos ilustrados con fotos de Johnny Hostile. Esta riqueza, ya sea estilística, sónica, emocional o contextual, está en el corazón de este To Love Is To Live. Para este exigente y complejo viaje, Jehnny Beth confió la producción y gran parte de la instrumentación a Atticus Ross, Flood y Johnny Hostile. Tres cómplices para esculpir una fascinante alianza entre post-punk, new wave industrial, cold wave electrónica, bandas sonoras reales de películas falsas y rock visceralmente oscuro. Una aleación entre tierras de contrastes a la que la francesa también ha invitado a Romy Madley Croft de The xx, al actor Cillian Murphy y a Joe Talbot, cantante de Idles...Como en la meteorología de un mes de abril, con todos sus contrastes, pasamos aquí del ultra-violento punk industrial en How Could You, a dúo con Talbot, a una balada de ensueño, French Countryside, sostenida por un sensual piano que interpreta por la propia Beth. A pesar de este eclecticismo, To Love Is To Live tiene mucha coherencia. Parecen fotos de Polaroid de un mundo complejo, lleno de tensiones, incertidumbres y preguntas sobre la identidad sexual, el extremismo e incluso el futuro del mundo. Instantáneas que Jehnny Beth ha construido a su propia imagen y semejanza, tan fuerte e impresionante como la portada diseñada por Tom Hingston (que había firmado, por ejemplo, la portada de Mezzanine de Massive Attack). Pero resulta todo sobre todo muy humano. La primera canción del álbum se llama I Am. La que lo cierra, Human. El círculo se cierra: “Soy humano”. © Marc Zisman/Qobuz

Una voz. Sólo pensamos en ella cuando se termina el primer álbum de Meryem Aboulouafa. El estado de hipnosis en el que nos sumerge la cantante de Casablanca dura 38 minutos, durante los que esa voz toma el control de nuestras almas y oídos, embarcados en un viaje híbrido que mezcla el soul, el pop, el electro, la música oriental y bandas sonoras imaginadas. Al igual que en el caso de sus contemporáneas Kadhja Bonet (en la que pensamos mucho), Weyes Blood, Jenny Hval o Lana Del Rey, el universo de Meryem Aboulouafa también está compuesto por sonidos, ambientes y sobre todo palabras... Su padre le hizo escuchar todos los clásicos (Beatles, Stones, Floyd, Dylan, Piaf, Brel, Brassens) antes de que estudiara teoría musical y violín en el conservatorio, escribiera sus primeros poemas en árabe y francés y terminara estudiando arquitectura interior en el instituto nacional de Bellas Artes de Casablanca. Con la guitarra en sus manos, la joven Meryem escribió una primeras canciones que cautivaron a Manu Barron, del sello Animal 63 (The Blaze, Myth Syzer, Johan Papaconstantino, Gabriel Auguste). Ayudada por Keren Ann, sus ya sustanciosos bocetos se convirtieron en consistentes canciones, que dos expertos de las mesas de mezclas, Para One y Ojard, arreglaron con inteligencia...“Para One aporta una dimensión cinematográfica que me conviene, porque tiendo a visualizar mucho mis letras y mi música”, explica la cantante. “Ojard se vuelca más en la melodía, la orquestación, la elaboración de sonoridades complejas y armoniosas.” Un piano cristalino da paso a unas cuerdas líricas neoclásicas; un poco más adelante, suena una sección rítmica marcial; luego, un ensamblaje electrónico trip hop. Y siempre esta preocupación instrumental por acercarse a la voz y a sus letras introspectivas. The Friend evoca la oración musulmana y su gestualidad poética, Deeply se interroga acerca de la complejidad del alma humana, Breath of Roma es una declaración de amor por la cultura italiana, etc. Once piezas que forman un fascinante puzzle de gran finura emocional. Evitaremos reducir a Meryem Aboulouafa a una suerte de hija oculta de James Blake y Oum Kalthoum porque este primer álbum (al que hemos otorgado un Qobuzissime) ya es obra de una artista con una fuerte personalidad. © Marc Zisman/Qobuz

Hay un famoso dicho que reza: “La unión hace la fuerza.” Dos años después de su álbum de debut, el multi-instrumentista londinense Tom Misch (24 años, una suerte de primo de Jamiroquai), se ha unido a su compatriota baterista-productor Yussef Dayes (27 años, la mente detrás del proyecto United Vibrations y la mitad del dúo de electro-jazz Yussef Kamaal) para firmar este irresistible álbum, What Kinda Music. Hasta ahora, el solista Misch había utilizado una receta musical muy personal –compuesta por una mezcla de jarabe de smooth jazz, puesto en una mousse de funk, con un toque de soul, algunas especias de hip-hop y una pizca de pop aterciopelado– añadiendo a algunos grandes nombres, como De La Soul, GoldLink, Loyle Carner o Poppy Ajudha, e incluso muestras de Roy Hargrove y los Crusaders, y hasta de Stevie Wonder o Patrick Watson… Sabores y sonidos que forman la base de esta cosecha de 2020, que es incluso más sólida desde el punto de vista rítmico. Yussef Dayes utiliza aquí sus ritmos más jazzísticos y se inclina más por la improvisación. Cada uno añade su propio ladrillo a un edificio construido pieza por pieza de una manera verdaderamente colaborativa, y el equilibrio entre las secuencias instrumentales y las secuencias cantadas es perfecto. Ambos crecieron en Peckham, en el sur de Londres; Tom Misch incluso vio a Dayes tocando la batería en un concurso de talentos musicales cuando tenía 9 años! “Yussef viene de una formación más experimental que yo, y tiene un montón de ideas locas. Sé cómo escribir una melodía pegadiza, pero con acordes interesantes, y también tengo un buen conocimiento de las formas de las canciones pop, así que creo que he racionalizado estas ideas y las he hecho accesibles.”Es la simbiosis perfecta entre esta accesibilidad y la sofisticación en la mezcla de diferentes estilos lo que hace de What Kinda Music un viaje relajado al jazz-soul'n'pop. Tom Misch y Yussef Dayes también pueden estar orgullosos de poder lanzar su álbum en el prestigioso sello Blue Note, que defiende una idea sólida del jazz contemporáneo. “Todo está demasiado dividido y compartimentado en estos días”, dice Dayes. “Me gustaría que la gente que escuche nuestro disco sienta que incluso dos músicos como nosotros, muy diferentes entre sí, pueden encontrar una voz común.” En cuanto a las colaboraciones, el dúo invitó al rapero Freddie Gibbs (impecable amante crooner en Nightrider), a Rocco Palladino (hijo del ilustre Pino, bajista ecléctico y loco como su padre, y que al que solemos ver con Alfa Mist) y al saxofonista Kaidi Akinnibi. Un Qobuzissime sin dudarlo para este álbum, que es una prueba más de la vitalidad de la escena jazzística londinense actual, ¡en su aspecto más funky! © Marc Zisman/Qobuz

Dusty Springfield, Adele, Lulu, Sandie Shaw, Duffy... La tradición de los cantantes británicos de soul pop siempre ha sido muy rica, y el segundo álbum de Ren Harvieu, que hemos premiado con un Qobuzissime, confirma este movimiento con tintes retro inspirados en los años 60. Pero no todo ha sido fácil para esta cantante de Manchester: en 2011, recién fichada por el sello Island, para el que estaba grabando su primer álbum, se rompió la espalda en un grave accidente y pasó meses en una cama de hospital. No obstante, su álbum Through the Night fue lanzado, pero el escaso éxito la llevó a un largo y tumultuoso período de dudas. Es un tiempo que ha dejado atrás y que aborda en Spirit Me Away y You Don’t Know Me, dos puntos destacados de este álbum Revel in the Drama.Este segundo disco es el resultado de su encuentro con el cantante de Magic Numbers, Romeo Stodart, que le ayudó a redescubrir su pasión por la música y su inspiración para volver a grabar. Más refinado que su predecesor, Revel in the Drama aborda las influencias de esta encantadora torch singer; mientras que el espíritu de Dusty Springfield (o, más reciente, Rumer) nunca anda lejos, es ciertamente KD Lang y sus inflexiones vocales en lo que se piensa primero al escuchar este álbum. La escritura de Ren Harvieu es sin embargo única: las sombrías secuencias están siempre impregnadas con su humor característico, un ligero sarcasmo que es 100% británico. La libertad que expresa en su tono y su escritura es similar a la de Fiona Apple, uno de sus ídolos. Revel in the Drama es una magnífica colección de canciones atemporales y conmovedoras, joyas del pop vintage envueltas en magníficos tonos de fácil escucha y arreglos de alta calidad, que se pueden tararear hasta bien entrada la noche. © Marc Zisman/Qobuz

Cuando alguien afirma que un grupo es único, viene a significar que en realidad no es ni más ni menos único que cualquier otro grupo. Y como vivimos en una época en la que es especialmente divertido desdibujar los límites estilísticos y escuchar músicas de forma indiscriminada, el grupo que encaja en este año 2020 como un puño en el ojo es aún más difícil de clasificar que sus contemporáneos... Asha Lorenz y Louis O’Bryen no tienen nada más que rock en sus mentes y sus ideas parecen tan ordenadas como el cuarto de un adolescente, pero presentan uno de los álbumes de debut más sorprendentes e impredecibles que existen. Después de todo este tiempo, los dos londinenses, que se conocen desde sus días de instituto, han tenido sin duda la oportunidad de trabajar extensamente en este 925. No son rivales, son simplemente los mejores amigos, y por eso se turnan para tomar el micrófono en el disco. Y lo comparten entre ellos, como ya hiciera Sonic Youth en el siglo pasado. Por cierto, esto a veces nos recuerda a una, a veces incluso muy suave versión de sus antiguos colegas de Nueva York. Al igual que estos últimos, los Sorry no sonríen mucho, más bien muestran una cara algo ofendida, una especie de pereza casual, que resulta más repulsiva que atractiva. Y aún así, todo es fascinante. El periódico británico The Guardian también destacó este sentimiento, con el titular: “Sorry, este grupo hace que el aburrimiento sea sexy.” No podría ser más apropiado... Del grunge Sorry ha tomado prestada la actitud vaga, de los Pixies sus guitarras (Perfect), de Garbage la burla con efecto sexy (Snakes), de The Kills las asociaciones con los drogadictos (More), del movimiento no wave el saxo alcoholizado y del post-punk las visiones oscuras. Debemos escuchar este Qobuzissime una y otra vez, para medir su singularidad y dejarnos seducir por completo. Este álbum simplemente no puede ser pasado por alto. No hay excusa, Sorry. © Mark Zisman