Qobuzissime

Un dandi británico de voz indolente, un pionero de la escena French Touch y una chica airada. Es la colaboración sorpresa de este otoño, y ellos son Baxter Dury, Étienne de Crécy y Delilah Holliday. La historia comienza a finales de 2017 con el SMS de un Baxter Dury ocioso en París, que le pregunta a la mitad del dúo Motorbass si no tiene algunos instrumentos para enredar un rato. A eso le siguió un baile de idas y venidas entre la Gare du Nord y Saint-Pancras, al que se sumó la vocalista del combo punk londinense Skinny Girl Diet, que demostraba sus aptitudes para el soul/R&B la pasada primavera en su primer mixtape, Lady Luck Vol.1. Y en cuanto tienen un momento libre, el trío se escapa y encierra en el estudio de De Crécy, teniendo en mente como único mantra la simplicidad de bandas como Sleaford Mods. El resultado es «una criatura mutante venida directamente de los 80 que parecería no haberse desarrollado por completo», según palabras de Dury. Etienne de Crécy ha eliminado toda floritura para servir a sus compañeros un sonido tan crudo como una demo, un puñado de producciones synth-pop mayormente reducidas a un bajo peleón, una caja de ritmos que suena por ahí de fondo y un piano destartalado. Y la cosa funciona: el single White Coats prueba que no se necesita gran cosa para hacer una buena canción, siempre y cuando se disponga de buenos cantantes. Porque a lo largo del disco son las voces las que crean ambientes, respondiendo el timbre grave y apático de Baxter Dury a los estribillos soulful de Delilah Holliday, sin la que el disco podría parecernos un tanto monótono. «Etienne ha construido un fondo musical para este relato confesional, y Delilah lo ha convertido en algo más emocional», señala Dury. «Se trata de una mezcla improbable que funciona por su brevedad, simplicidad y honestidad». © Smaël Bouaici/Qobuz

Francis Mallari, Elliot Berthault, Maxime Gendre, Simon Dubourg, Guillaume Rottier: estos cinco chavalotes nos sorprenden con un post-punk tan hermoso como violento, made in France. Rendez-Vous recurre a la característica gelidez eighties, pero siempre con innegable frescura. Y desde luego, no parece un grupo francés. Desde Fad Gadget a Soft Moon, influencias no le faltan al quinteto, pero sin caer nunca en la simple imitación. Tras dos EP, Rendez-Vous en 2014 y The Distance en 2016, los parisinos han dado con la fórmula de un punk oscuro y frío pero refulgente como el oro, elegante pero raído, en absoluto sucio o caduco. Haciendo honor a su nombre, nos ofrecen un rendez-vous romántico en blanco y negro, una cita con estilo, con clase, con pasión. Todo encaja: la voz ronca y rota de Francis, la guitarra destartalada y unos sintes desvencijados, y sobre todo esas sólidas líneas de bajo (Sentimental Animal, Paralyzed), bien dibujadas y suministradoras de ritmos marciales alejados, con todo, de extremismos. Una columna vertebral poderosa con la que Rendez-Vous se demuestra capaz de alcanzar –adecuado título– un Superior State de rotundas sonoridades. Y eso desde los primeros acordes. Sobre un escenario pueden sonar incendiarios. Excelente álbum. © Charlotte Saintoin/Qobuz

Es una pena que se encasille a Tamino-Amir Moharam Fouad en el papel de simple heredero de Jeff Buckley, con elementos de unos primeros Radiohead. Más que nada, porque este songwriter belga de tan solo 21 años nos ofrece bastante más que eso en este su primer álbum, al margen de que el propio Colin Greenwood, bajista del célebre grupo británico, participe en el disco… Tamino, nativo de Amberes fascinado por John Lennon, ha conservado siempre en un rincón de su memoria, bajo su melena de un negro azabache, el amor por sus orígenes egipcios. Y la música árabe que su madre le ponía de pequeño le gustaba sobre todo cuando venía firmada por Muharram Fouad, su abuelo, cantante y actor, estrella del Cairo de los sixties… Ese eclécticismo forma parte del ADN musical de Tamino, deudor tanto del folk de Buckley como del pop de los Beatles, pero también de la melancolía galopante de Leonard Cohen, otro de sus ídolos. Y para fusionar influencias tan dispares el sombrío joven cuenta con una herramienta definitiva: su voz. Un instrumento, por su parte también heteróclito, capaz de instalarse en la lentitud más sosegada como de transformarse en un impresionante falsetto técnicamente impecable del que, sin embargo, no llega nunca a abusar. Una voz que transforma Amir en una larga y emotiva narración, relato de aprendizaje que oscila entre la ensoñación (el folk esencial de Verses) y el lirismo, como en So It Goes, Each Time e Intervals, temas concebidos alrededor de una sección de cuerdas de matices arabizantes. Un disco Qobuzissime que, al hilo de las escuchas, se impone por su original y poderosa poesía. © Marc Zisman/Qobuz

La historia de Parcels es una mezcla de sueño infantil y de bonita experiencia humana. Fundado hace solo cuatro años, "primer grupo de importancia" en el que toca cada uno de sus miembros, este quinteto adicto a la música y actitud de Steely Dan colocaba el cartel de completo ya en sus primeros conciertos en Byron Bay, paraíso surfista al este de Australia. Pero, incluso desde las antípodas, las noches berlinesas ejercen su encanto, así que se sintieron tentados a probar suerte en Europa. Una buena decisión: ese destacado enclave musical que es la capital germana les pone en el punto de mira del sello parisino Kitsuné. Y tras dos maxis donde demostraban su madurez, Thomas Bangalter les felicita y aconseja sobre su futuro al término de un concierto en París, produciendo unos meses más tarde su single Overnight. Adscritos por tanto a la etiqueta “protegidos de Daft Punk”, los australianos presentan un primer álbum con insistencia temática en lo colectivo –como simboliza el título del disco, Parcels–, una oleada pop-funk que parece un álbum de los Beatles con Nile Rodgers a la guitarra. Y cuando uno escucha estos doce cortes (tres de ellos convertidos a estas alturas en machacones singles, Tieduprightnow, Bemyself y Lightenup), se percata de que este grupo es precisamente eso, un grupo, sin fisuras, y de a que estos tipos les gusta mucho tocar juntos. Las letras de Lightenup han sido escritas, cómo no, de modo colectivo, una prueba más de que los Parcels tienen intención de prolongar su aventura en común bastante tiempo (o eso, o su vocalista no se lo tiene demasiado creído). Y mientras mantengan tal actitud no parece que nada pueda apartarles de su feliz trayecto por la autopista del éxito. © Smaël Bouaici/Qobuz

Morir hoy. Es lo que significa en lengua criolla mo jodi. Porque el título del primer disco de Delgres, impecable trío que erróneamente podría tomarse por unos Black Keys de las Antillas, resulta no poco indicativo…Su nombre, Delgres, es un homenaje a Louis Delgrès, coronel de infanteria abolicionista nacido en Saint-Pierre, célebre por sus proclamas en contra de la esclavitud y por su papel en la defensa de Guadelupe frente a las tropas napoleónicas, que querían restablecer la trata. Este Delgrès y sus 300 hombres, al verse superados por las tropas de Bonaparte, prefirieron saltar por los aires para mantenerse fieles a la divisa revolucionaria vivir libre o perecer… Pero este nombre cargado de historia no hace de la banda de Pascal Danaë, Baptiste Brondy y Rafgee uno de esos grupos «con exceso de mensaje». Delgres enarbola con orgullo, sí, su estandarte igualitario y los ideales asociados pero sin perder de vista que su misión es, antes que nada, confeccionar un rock garage sin concesiones que bebe en el blues primitivo, el soul más crudo y las sonoridades características de Nueva Orleans. Recurriendo al dobro, la batería y, sobre todo, al sousáfono, esa atípica tuba empleada precísamente por las bandas de metales carnavaleras en las Antillas y Nueva Orleans, el trío demuestra su originalidad. Las letras de Danaë, por otro lado, alternan con naturalidad el criollo y el inglés, algo normal teniendo en cuemta las influencias que, con gusto y sensibilidad, ha manejado a lo largo de una vida dedicada a la música (Rivière Noire, que en los Victoires de la Musique 2015 recibió el premio al mejor álbum de World Music, era un proyecto mayormente personal). El conjunto es todo un caleidoscopio estilístico, a imagen de la balada Séré mwen pli fo, cantada en dúo con Skye Edwards, de Morcheeba. Tanto en esos pasajes más movidos como en las secuencias nostálgicas y hechizantes, Mo Jodi nos habla de historia pero también de esperanza, tiende puentes entre continentes y siglos y se revela como el más gozoso periplo de rock’n’blues’n’soul que quepa imaginar. © Marc Zisman/Qobuz

Después de recorrer la Costa Oeste con sus Clams, Shannon Shaw se fue a Nashville, como Dusty Springfield, en 1968. Como un guiño seguro a Dusty in Memphis, este primer álbum en solitario marca el comienzo de una emancipación. Shannon & The Clams son esta banda de Oakland, California, influenciada tanto por Primus como por Devo, Missing Person o Roy Orbison, que dominan el arte del disfraz, ruedan cortometrajes absurdos, invitan a los periodistas a sus exiguos cuartuchos y graban para Burger Records. Hacen poesía escrita de punk, rockabilly, doo-wop y garage. Aún más punk, más desaliñado: Hunx and His Hunx a los que Shannon se unió a petición de Seth Bogart. Sola, Shannon ofrece otro panorama. Su voz cascada se funde con el soul doo-wop de los grandes girl groups, Ronettes, Shirelles y Shangri-Las, ya en el germen de Onion con los Clams producido por Dan Auerbach. Y si además Shannon toca el bajo, siempre ocupa la plaza central. Fan de los Clamp, el cantante de Black Keys invitó a Shannon con una llamada telefónica a su estudio Easy Eye Sound. La rubia voluptuosa fue volando, con seis temas en el bolsillo, uniéndose a una camarilla de músicos súper cualificados, solo para alcanzar el destino que se le había prometido. Eran músicos de la vieja escuela que habían grabado con Aretha, Elvis o Dusty… suficiente para hacerla sonrojar. Para gritar por sus amores rotos y melancólicos, hace quebrar las costuras de su voz felina a la que tiñe con su carisma de gran cantante. Brillantes melodías de los años sesenta, arreglos cinematográficos con un toque James Bond, Auerbach ha esculpido un álbum a su medida. Clásico y con clase. Con ligeros toques de glockenspiel, vibráfonos y carillones y un dulce olor retro a moho. Dan ha hecho de su Phil Spector, ha aprovechado el genio de Shaw y revela a la diva. © Charlotte Saintoin / Qobuz

El segundo álbum en estudio de Courtney Barnett es tan simple como genial. Simplista no, simple. El rock’n’roll dispensado por esta joven australiana resulta de una pureza y transparencia desarmantes. Y por si fuera poco, compone grandes canciones. Sí, sí, canciones, esas «cosas» que hacen que un disco sea bueno, o no… Al igual que en el recopilatorio con sus dos primeros EP (A Sea of Split Peas) o en su primer álbum (Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit), así como en su disco a dúo con Kurt Vile (Lotta Sea Lice), este Tell Me How You Really Feel contiene diez cortes que conjugan a la perfección humor mordaz e intimismo confesional, mostrando Courtney Barnett un tono mucho más introspectivo. Y como todo le viene rodado, tanto en el ámbito musical (con un impresionante éxito internacional de público y crítica) como en el personal (esa love story que mantiene con su compañera de armas Jen Cloher), se advierte qee la artista se ha tomado todo el tiempo del mundo para pulir estas diez nuevas composiciones. En cuanto a las letras, repasa el repertorio temático más trillado (amores, inquietudes, frustraciones, verdades como puños) sin caer nunca en el tópico, lo que parece particularmente sorprendente. Y como de costumbre, Barnett viste esas letras con un impecable indie rock guitarrero de despojada producción e influenciado por sus habituales fetiches (Lou Reed, Kurt Cobain, Neil Young, Jonathan Richman…), que ayudan a confeccionar, en un par de temas, dos invitadas de postín, las hermanas Kim y Kelley Deal de The Breeders. Como dijera Neil Young en su célebre Hey Hey, My My, Rock’n’roll can never die. © Marc Zisman/Qobuz

Un viajero. Un narrador. Un mago de la máquinas. Un coleccionista. Y por encima de todo, un autor. ¡Cosmo Sheldrake es todo eso y mucho más! Virtuoso hombre-orquesta, capaz de tocar un indecente número de instrumentos, este joven británico es artífice de las más bellas, cautivadoras y transnacionales sinfonías. Canciones que evocan tanto el espíritu de las fanfarrías beirutíes (que surgen por aquí y por allá) como la música repetitiva y minimalista, la world music, el pop barroco como el que los Kinks de Village Green Preservation Society facturaban a finales de los 60, el universo iconoclasta de Moondog y mil cosas más. Sonidos que Cosmo Sheldrake disfruta recogiendo de un extremo a otro del planeta grabadora portátil en mano. Pero lo mejor de The Much Much How How And I es que no demuestra la menor tentación experimental. Más bien al contrario. Hacer canciones de verdad, con sus comienzos, desarrollos y finales –estribillos y melodías incluidos– sigue siendo su principal objetivo. Y si este álbum resulta tan emocionante y hermoso es porque eso se nota. Con el productor electrónico Matthew Herbert a los controles (otro intrépido fabricante de extravagantes collages), The Much Much How How And I demuestra una imaginación tan desbordante como la de Lewis Carroll o como los colores del arco íris. ¡Qué duda cabe, estamos ante el más Cosmo-polita de los Qobuzissimes! © Marc Zisman/Qobuz

¡Qué lío más tremendo! Hay aquí australianos, japoneses, neozelandeses, ingleses y coreanos, y han elegido la capital británica como centro de operaciones. Les encanta tanto el pop de antaño como el de la actualidad. Y los collages musicales les son tan naturales como el respirar. ¿Y si Superorganism fuera EL grupo por excelencia de hoy, el que mejor captara el espíritu del momento? Este joven colectivo de músicos internacionales que se conocieron por YouTube, adictos todos ellos a la cultura pop, ha compuesto, grabado y producido su primer álbum en un estudio del East End londinense, donde por cierto ¡también viven juntos! Y de esta forma surge este disco de sonoridades directas, un arcoíris de indie pop minimalista, electrónico y bailable, tan extravagante como caleidoscópico y que ha seducido a Frank Ocean o a Ezra Koenig, de Vampire Weekend. Quizá haya quien crea que estamos ante unos primos lejanos de The Avalanches, The Go! Team o I’m From Barcelona, pero Superorganism disponen de una frescura y de una mirada tan onírica como hechizante que hacen de este primer trabajo un Qobuzissime como la copa de un pino. © Marc Zisman/Qobuz

Desde el lanzamiento de su primer álbum en 2015, Spanish Disco, la música de Leyya conquistó los platos de las radios austriacas. Dos jóvenes vieneses de elección, Marco Kleebauer, productor y compositor, y la vocalista Sophie Lindinger, amigos prácticamente desde niños, forman este dúo creado en 2014 que para actuar en directo pasa a ser cuarteto. Su estilo impregnado de sonoridades electrónicas se revela más maduro en este segundo trabajo, Sauna, con esas texturas sintéticas suministradas por Marco transmutadas en ensoñaciones melódicas, en un ejercicio pop de lo más contemporáneo. Espejismos sonoros sobre los que destaca la voz delicada y natural de Sophie, que a veces resuerda la de Feist. Los temas fueron compuestos en 2017 durante su gira europea, sin prisas, ya que Marco y Sophie, además de hábiles manipuladores de cuanto material musical se les ponga por delante, gustan de tomarse su tiempo para reflexionar, lo que se advierte en todos los aspectos que conforman Sauna. Leyya es un trabajo de artesanía, como el de un pintor de sonidos que manejara su pincel con mirada precisa y perfeccionista. Espacio de transpiración y encuentro, Sauna deja fluir los beats gota a gota (Oh Wow), apuesta por el calor (Heat, Drumsolo) y autoriza a escuchar incluso los gorgoteos (Candy). Tras esta experiencia calorífica, ¿cómo no asomarse a la ventana y ver un arco iris? Leyya transforma el frío invernal en ardor estival y pone color a cualquier día neblinoso. ¡Un disco Qobuzissime que sale en el momento más oportuno! © SD/Qobuz

Más tensos que la piel de una pandereta, los chicos de Shame no están para bromas. Y el concentrado de post-punk que anima el primer álbum de este quinteto londinense sorprende por su carisma, violencia y originalidad. Songs Of Praise funciona incluso como hipotética banda sonora de una Inglaterra harto grisácea, donde la frustración campa por sus respetos y en constante estado de alerta. Hay mucho de The Fall, Gang Of Four y Killing Joke en este manojo sonoro de nervios sin que, no obstante, el conjunto parezca obsoleto ni, mucho menos, retrógrado. Al igual que Fat White Family, Ought o Vietnam, Shame está sólidamente instalado en 2018, ¡y se nota! En directo desde Brixton, la voz de Charlie Steen, las guitarras de Sean Coyle-Smith y Eddie Green, la batería de Charlie Forbes y el bajo de Josh Finerty espolean y enjaulan su rabia, ciertamente visceral, en unas canciones que suenan mayormente como puñetazos (Dust On Trial) y a veces ponzoñosas e hirientes (The Lick), pero también, en algunos caso, moderadamente afables (One Rizla). Con honradez, sin engañar a nadie, Shame se dedica a hacer rock sin concesiones. Una simple escucha de Songs Of Praise basta para dejar el cuerpo magullado, y con todo volveremos a caer en la tentación. © MZ/Qobuz

El pop psicodélico, la música surf, el shoegaze y el dream pop parece que ya no pertenecen exclusivamente a las Américas o a Reino Unido. También en Barcelona hay músicos que se identifican con este lenguaje eléctrico y ensoñador: en este caso, dos chilenos y dos españoles expertos en melodías azucaradas, apoyadas por guitarras oníricas y reverberantes, que han creado un disco soberbio y repleto de luz. El acertado título Secret Place es una pequeña isla de hedonismo pop donde las seis cuerdas cristalinas y las voces coloroformes se imponen. Se aprecia un tratamienti muy refinado que recoge influencias contemporáneas (DIIV, Beach House, Black Lips, Wild Nothing, Real Estate, Beach Fossils) pero aportando un tono muy personal. Un Qobuzissime cálido que esperamos le proteja del invierno que ya está aquí… © MZ/Qobuz

Dentro de la categoría «hipster», Lawrence Rothman parece haberse encaramado al podio mundial. Un rostro (y una voz) de calculada androginia que ha saltado a las satinadas páginas de las revistas de moda de medio planeta, una pasión por el transformismo digno de la fotógrafa Cindy Sherman (¡Rothman tiene una pinta diferente en cada nuevo vídeo que saca!) y numerosas e ilustres amistades prestas a echarle una mano (Kim Gordon de Sonic Youth, Angel Olsen, Marissa Nadler, Duff McKagan de Guns N’Roses, Stella Mozgawa de Warpaint, Tom Krell alias How To Dress Well, el bajista Pino Palladino, Kristin Kontrol de Dum Dum Girls...)... ¡no falta nadie! Musicalmente, Rothman se presenta como el típico dandy soul/R&B de los 80. La cosa suena en gran medida a Talk Talk, y ocasionalmente a David Bowie, Depeche Mode y Prince, o incluso, por citar artistas más cercanos a nuestros días, a Ariel Pink y How To Dress Well. Pero bajo esa pátina brillante con algo de relumbrón, su álbum –el primero– está repleto de canciones con melodías impresionantes. Composiciones que envuelven unas letras catárticas en las que Rothman recuerda su personal búsqueda de identidad, definida por el artista como no binaria (genderqueer). Este californiano nacido en Los Ángeles hace 35 años, que se confiesa fan tanto de Charles Bukowski como de R. Kelly, tanto de Tupac Shakur como de Leonard Cohen, firma con The Book Of Law uno de los discos más emocionantes de 2017. Un Qobuzísimo extraordinariamente elegante. © MZ/Qobuz

Los británicos siempre han demostrado una capacidad única para reinventar la rueda, es decir, la rueda del rock & roll. Cuando parece que ya está todo dicho, de una vez y para siempre, nos dan a conocer incesantemente a nuevos grupos que aportan su propio granito de arena a una historia musical ya de por sí plagada de jalones. E incluso cuando las influencias manejadas pueden parecer demasiado evidentes, el toque personal elimina cualquier susceptibilidad y se hace con el control de la situación. Pale Seas pertenece a esa raza de grupos que alcanzan la incandescencia ya desde su primer álbum. A orillas del mar, en Southampton, frente a la Isla de Wight, el vocalista Jacob Scott, el guitarrista Graham Poole, el bajista Matthew Bishop y el batería Andrew Richardson han buceado en los primeros discos de Radiohead y Suede para escribir sus propias leyes del rock & roll. Y aunque su pronunciado gusto por el rock británico de los 90 salte a la vista a lo largo de Stargazing For Beginners, la capacidad del cuarteto para elaborar sólidos tejidos guitarrísticos hace de su primer álbum una propuesta realmente original. Mayormente registrado de noche en una antigua abadía, estamos ante un disco Qobuzissime diseñado para despertar el instinto animal de los fans de grupos de guitarras. Una auténtica revelación. © CM/Qobuz