Qobuzissime

Para su primer álbum de recital con orquesta, la joven soprano franco-danesa Elsa Dreisig imaginó presentar, reflejándose en espejos, cinco parejas de arias con relaciones ambiguas. Se crean así, intencionalmente, formidables contrastes entre estilos musicales y momentos dramáticos, épocas históricas y vocalidades: clasicismo y romanticismo se completan, terror y deleite se contestan, surgiendo de esta manera todas las facetas del alma femenina. La primera «pareja» utiliza espejos reales, en los que se admiran Margarita del Fausto de Gounod y Thaïs en la ópera epónima de Massenet. Aparecen luego Manon Lescaut retratada por Puccini, y Manon (sin Lescaut) imaginada por Massenet. La siguiente pareja está formada, en un paralelismo algo atrevido, por la Julieta de Daniel Steibelt, compositor alemán de la primer época romántica, un poco olvidado hoy, y la Julieta de Gounod. Elsa Dreisig prosigue con dos célebres personajes femeninos que acompañan a Fígaro: la deliciosa Rosina del Barbero de Rossini que se convierte en la desamparada Condesa de las Bodas de Mozart. Finalmente, y de manera todavía más atrevida, la soprano acaba su recital con la Salomé de Herodías de Massenet, tierna muchacha que no pide en absoluto recibir en bandeja ninguna cabeza –y mucho menos la de Juan– y la princesita de Strauss con sus delirios sanguinarios. Acaso para evitar toda tentativa de equiparación con otras grabaciones ya existentes, Elsa Dreisig escoge la versión francesa de 1907 – y recordamos que la obra de Oscar Wilde fue concebida originalmente en francés. He aquí uno de los abanicos más extraordinarios que puede uno imaginarse para un primer recital discográfico. Dreisig está acompañada por la Orquesta de Montpellier que dirige Michael Schønwandt. © SM/Qobuz

Primer álbum solista del joven y excelente tenor francés Julien Behr, que hemos podido oír en la Ópera de París, el Teatro de los Campos Elíseos, la Ópera de Burdeos y de Lyon, en Salzburgo, Viena, Londres, Colonia y en tantas otras escenas mundiales; y en el disco, en varias obras líricas, incluyendo El niño y los sortilegios con la Radio de Baviera. Para estos debuts discográficos en recital, tuvo buen olfato al elegir arias de óperas francesas mucho menos conocidas que los sempiternos Don José, Romeo, Fausto y otros grandes héroes, pudiendo así buscar en el repertorio romántico (ampliado hasta la Primera guerra mundial, grosso modo) unas perlas prácticamente desconocidas. De Gounod, escoge Cinq-Mars; de Bizet La Jolie fille de Perth (una de las páginas más exquisita del compositor), de Thomas Mignon; y en la parte más conocida, ma non tanto, del álbum, rebusca unas arias en La viuda alegre de Léhar, Jocelyn de Godard, o Lakmé de Delibes. Su dicción absolutamente impecable, su voz transparente y aérea que evocaría a Heddle Nach o Jussi Björling, sirven este repertorio a la perfección. El álbum concluye a unas leguas del repertorio romántico con Vous qui passez sans me voir de Charles Trenet –bueno, el texto lo escribió el Fou chantant [Cantante loco, apodo de C.T.] mientras Johnny Hess y Paul Misraki firmaron la música, y la canción fue inicialmente destinada a Jean Sablon– que refleja el amor de Behr por géneros ciertamente más ligeros, pero en una interpretación elegantísima. © SM/Qobuz

Sí, aún es posible descubrir una partitura de Bernstein, o más bien la versión de cámara de A Quiet Place, adaptada por Garth Edwin Sunderland y dirigida y grabada por primera vez por el director de Orquesta de Kent Nagano, en la Maison Symphonique de Montréal. La última partitura escénica del compositor estadounidense estrenada en la Houston Grand Opera en 1983, fue revisada por el libretista Stephen Wadsworth y el compositor agregó varios fragmentos de la obra en un acto Trouble in Tahiti, 1951, dando lugar a dos nuevas creaciones (Scala de Milán y Washington). La nueva versión, definitiva, fue estrenada en la Ópera de Viena, bajo la dirección del compositor en 1986. Fascinante en más de un sentido, una especie de Intermezzo de un Strauss contemporáneo, la obra representa la sociedad estadounidense a través de la soledad y la crisis existencial de una pareja (Trouble in Tahiti) y luego una familia. Bernstein recurrió a Mahler para la estructura, con un movimiento final de «noblesse grave» que recuerda a la Tercera y la Novena Sinfonía de su venerado maestro. Como marca de la casa, la mezcla de estilos (jazz, coro antiguo, Broadway, Mahler, Berg, Britten, Copland...) provoca un cóctel detonante, que la hace parecer más una conversación musical que una gran ópera, lo que paradójicamente hace que esta obra sea tan especial... y entrañable. Para redescubrir, bajo la batuta del ex alumno y fiel Kent Nagano a la cabeza de unos cantantes solistas de alto vuelo, y entender cuál es este «lugar tranquilo» donde «el amor nos mostrará la armonía y la gracia». © Franck Mallet/Qobuz

Canadiense de treinta y un años, Jean-Michel Blais no es ningún desconocido en la escena contemporánea neo-clásica. Tras un primer álbum sobriamente intitulado «II», publicado por Caroline Distribution, nos propone hoy una nueva serie de piezas (en su mayoría distribuidas por separado estas últimas semanas) que poseen un lirismo irresistible. Sobre su piano convertido en caja de músicas, viaja siguiendo el capricho del céfiro, hasta orillas donde lo conduce su insaciable creatividad. En el centro del álbum, Blind, quizá el título más seductor de los cuarenta y cinco minutos (aunque sourdine…), nos sumerge, mezclando los sonidos acústicos con las máquinas, en lo ideal de una música relajante y aterciopelada. Una obra como god(s) nos lleva a otra parte, a la iglesia quizá, pero la presencia de capas sonoras indica que los verdaderos dioses de Jean-Michel Blais no son acaso lo que creíamos. igloo hubiera podido ser un título espacial y totalmente panteísta, pero el «iglú» descrito por Blais −que sabe ser caustico cuando quiere− sugiere ante todo estas ciudades contemporáneas, llenas de «cavernas», donde todo se superpone. El nombre de Blais nos evocará, de ahora en adelante, sabores sonoros singulares. Contiene algo de esta melancolía amarga y sin embargo fraternal, dulce y sensual, que recorre gran parte de la creación musical norteamericana, esta melancolía que impregna tanto los grandes espacios sonoros de Copland (Quiet City) o Bernard Hermann (Las Nieves del Kilimanjaro) como las figuras obstinadas de un Steve Reich (The Four Sections) o las volutas aéreas de uno de los representantes más imaginativos de la escena pop canadiense como Patrick Watson −pensamos en su Lighthouse, en la que encontramos este mismo concepto del instrumento, como desembarazado de sus martillos. Jean-Michel Blais suspende su tiempo con discreción pero con tenacidad, bajo una máscara elegante: sus citas (la cautivadora melodía del movimiento lento del Segundo Concierto de Rajmaninov, por ejemplo en la obra roses) nos permiten percibir apacibles y felices paisajes. Blais nos tiende la mano. La cortesía nos incita a aceptar la invitación. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

Además del fascinante e indispensable Falstaff de Elgar compuesto en 1913, Estudio sinfónico según la partitura, y en realidad un poema sinfónico siguiendo la gran tradición de Strauss –en el que Elgar pensó sin duda al componer su obra maestra, mientras el violonchelo solista bastante presente no puede no evocar el Don Quijote de Strauss, escrito dieciséis años antes–, el álbum se singulariza por algunas melodías con orquesta del mismo Elgar, un repertorio lamentablemente desatendido a pesar de su belleza sobrecogedora (se cantan, si acaso y de vez en cuando, sus Sea Pictures, que son realmente excepcionales). Así que no podemos sino alegrarnos y felicitar a Andrew Davis y el BBC Philharmonic por su iniciativa de volver a ofrecer estas maravillas y además protagonizadas por el ahora muy célebre barítono Roderick Williams. Aquí, Elgar nos demuestra que, lejos de ser solo un gran maestro de grandes frescos vocales-sinfónicos en forma de oratorio (pensamos, claro está, en The Dream of Gerontius, en The Apostles o en The Music Makers), maneja la miniatura con genial maestría. Roderick Williams, una de las voces más bellas de la escena británica hoy, interpreta estas exquisitas rarezas con un arte no menos raro y exquisito. El álbum concluye con un guiño hilarante, la Smoking Cantata, una cantata con una orquestación enormísima pero con una duración de… 49 segundos, y cuyo texto se limita a: «Kindly, Kindly, kindly do not smoke in the hall or staircase», es decir: «Tenga la bondad, la bondad, la bondad, de no fumar en la sala ni en las escaleras». ¡The best British humor! © SM/Qobuz Notas técnicas de Qobuz acerca de la grabación Una toma de sonido refinada para una orquestación impresionante, con una claridad en la diferenciación de niveles y la distancia entre pupitres verdaderamente magistral, todo ello dentro de una mezcla aérea y con una reverberación naturalmente envolvente que no enmascara jamás el discurso y resulta en una homogeneidad poco habitual entre las familias de la orquesta. Gracias a una dinámica muy controlada y bien registrada, los tutti resultan siempre vivos, y cuando entran las percusines descubrimos una bien proporcionada sala que permite al sonido desarrollarse sin restricciones. Sin caer en la tentación de la microfonía de ultra-proximidad de la que se tiende a abusar en la actualidad, Chandos ha producido una mezcla que realmente respeta la partitura, la interpretación, la escenificación sonora… ¡una auténtica delicia!  

Para su primera grabación, el Cuarteto Arod eligió a Mendelssohn, uno de los pilares del arte del cuarteto, en particular el Cuarto, en mi menor de junio de 1837, su obra maestra, más mozartiana que beethoveniana por su arquitectura y desarrollo, aunque reconocemos de la primera a la última nota la pluma de Mendelssohn. Si buscamos la influencia del Sordo genial, la encontraremos en el Cuarteto nº 2 Op. 13 de 1827, escrito poco después de la muerte de Beethoven, habiendo Mendelssohn descubierto, entre otras cosas, la magnitud de las innovaciones de su modelo. El álbum del Cuarteto Arod prosigue con las Cuatro piezas para cuarteto, agrupadas póstumamente como Op. 81 por Julius Rietz, sucesor de Mendelssohn en el puesto de director de la Gewandhaus, a partir de cuatro páginas independientes datando de épocas diversas. El álbum concluye con una re-escritura firmada por los Arod de un Lied, cantado por Marianne Crebassa y cuya temática recoge nota por nota varios pasajes de Beethoven, en un verdadero homenaje del joven compositor hacia su ilustre modelo. Recordamos la trayectoria meteórica del Cuarteto Arod que consiguió a pesar de su juventud –nació en 2013– un lugar destacado en la esfera mundial como lo demuestra la lista de las salas donde actuó: Philharmonie de París, Auditorium del Louvre, Teatro des Bouffes du Nord, Arsenal de Metz, y fuera de su Francia natal, Mozarteum de Salzburgo, Konzerthaus de Viena, Concertgebouw de Ámsterdam, Tonhalle de Zúrich, Wigmore Hall de Londres, y entre otros países, Japón (Tokio), Finlandia, Suiza... © SM/Qobuz

«Händel goes wild» suena como «Handel se suelta» y en efecto, hemos de reconocer que en este álbum firmado por Christina Pluhar, Handel se suelta a más no poder. La arpista, tiorbista y laudista austriaca agarró un puñado de arias, movimientos de conciertos y oberturas de Handel (y algo de Vivaldi) y los entregó no solo a los músicos barrocos del conjunto L’Arpeggiata, sino también a media docena de músicos de jazz de todos los estilos. Así, la relectura de las obras barrocas es sucesivamente manouche [o jazz gitano], klezmer, salsa, New Orleans, lounge, blues etc., que cada oyente podrá amar o detestar según su propio grado de adaptabilidad. Obviamente, el uso del clarinete y del piano en este lenguaje puede resultar desconcertante… El principio de Pluhar es sencillo: Handel recuperó, remodeló, alteró, maquilló, saqueó, reescribió, obras suyas y de otros compositores, siempre con su pluma inimitable y en el estilo de su época más inmediata. Siendo así ¿por qué no hacer lo mismo hoy día? En cualquier caso, esta mezcla de instrumentos y voces barrocas con instrumentos y géneros musicales del siglo XX es de lo más alucinante. Entre los artistas invitados, cabe señalar al clarinetista Gianluigi Trovesi, al pianista Francesco Turrisi y al contrabajista Boris Schmidt en el ámbito del jazz, y también al contratenor Valer Sabadus y a la soprano Nuria Rial. © SM/Qobuz