Qobuzissime

Desde el principio, los Preludios de Chopin propuestos por Eric Lu seducen por una tranquilidad absolutamente lírica que, al final, dominará los cuarenta minutos que dura este viaje, tan difícil de construir de manera fluida y coherente. Eric Lu nos admira por la unidad, tanto expresiva como polifónica, que aporta al ciclo, que generalmente se presenta de forma más contrastada. El americano quiere cantar por encima de todo, y los versos tan admirablemente fraseados nos transportan a un viaje de gran y noble emoción. Detrás de esta dulzura y este canto perdidos, sin embargo, se encuentra una trágica y creciente melancolía, que revela la expresión de una realidad sombría, o al menos muy preocupada, de los 24 Preludios. Aquí, Chopin vuelve a su romanticismo negro, no tan alejado del de Schumann, el de las Kreisleriana contemporáneas (abril de 1838).No es de extrañar que el pianista continúe este segundo recital en Warner Classics con una de las páginas más extrañas de Schumann, Tema y Variaciones en mi bemol mayor, compuesto en 1854, una especie de despedida de la vida terrenal del compositor romántico alemán. En este homenaje a los grandes maestros del pasado como Bach y Beethoven, Schumann se atreve particularmente con polifonías desnudas, en raros matices pianissimo; desde el punto de vista de los estados de ánimo y de los personajes, Eric Lu crea fácilmente un puente directo con el ciclo de Chopin, permaneciendo del lado de la meditación y de la dulzura sobre todo (Variaciones 2 y 5), y no buscando ningún contraste particular.Cuarto Premio del Concurso Chopin de Varsovia en 2015, donde ya se había distinguido por su interpretación de los 24 Preludios, el joven pianista Eric Lu (nacido en 1997) firma aquí un recital fascinante, a veces desconcertante, probablemente el más logrado de los tres ya publicados – el primero fue publicado en el sello alemán Genuin. Un músico al que hay que seguir muy de cerca. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

Esta entrega final de un tríptico inteligente y equilibrado bien merece un Qobuzissime…Llevamos ya algunos años siguiendo a este dúo noble y relajado formado por el violinista Lorenzo Gatto y el pianista Julien Libeer. El tándem belga cierra ahora su integral de sonatas para violín y piano de Beethoven, una integral repleta de espontaneidad y frescura, pero sin un ápice de superficialidad. Al contrario, aquí estamos ante un trabajo fruto de una profunda reflexión, y que se despliega a la manera de una novela en tres capítulos.El primer volumen levantaba el telón abordando la emblemática sonata Kreutzer, obra icónica de Beethoven y culmen del género. La vehemencia dramática del primer movimiento, lento y en modo menor, contrasta con la dulzura del segundo, confirmando en todo momento que la sonata está pensada para dos instrumentos al mismo nivel, sin priorizar al piano, por cierto un Steinway en esta grabación.La segunda entrega refleja el desarrollo de un género en expansión. De la primera a la última sonata, pasando por la más conocida, La primavera, vamos asistiendo a una amplificación de los medios. Desde el opus 12 al opus 96, la forma se va ensanchando, la dificultad técnica crece y el divertimento hace sitio a una retórica más enérgica. Para este segundo álbum, el dúo ha elegido el brillo de un piano de cuerdas paralelas de Chris Maene, instrumento con la resonancia necesaria para estas lecturas que van desde lo más picante hasta lo más tierno.Y la tercera parte enmarca el brillo del Steinway (Sonatas 6 y 7) con la amplitud del Maene (Sonatas 3 y 8), y está centrado en las obras nacidas en la época en la que la sordera del compositor empezó a aparecer. Paradójicamente, esta pesadilla para Beethoven nos ha regalado varias joyas. Combinaciones variadas de timbres, estilos y caracteres constantemente renovados, aparecen a lo largo de este ciclo tan maravillosamente interpretado por Gatto y Libeer.Nuestra particular recompensa afecta también de modo retrospectivo a los primeros dos volúmenes de esta aventura que a lo largo de algunos años ha mantenido su enorme nivel. Sin duda, una integral importantísima que se debe conocer y dar a conocer. © Elsa Siffert/Qobuz

He aquí seis cuartetos cruciales para comprender la aportación de Joseph Haydn a la historia de la música occidental. La labor de los jóvenes componentes del Quatuor Hanson es impecable gracias a su gran habilidad a la hora de construir y expresar la quintaesencia de estas piezas, y también gracias a su fascinante dominio técnico. Escuchar estas páginas nos obliga a inclinarnos de nuevo ante la genialidad de un compositor que, junto a Boccherini, creó un nuevo género e inmediatamente aportó un conjunto de obras maestras. El título del disco, All shall not die, es la traducción inglesa del epitafio grabado en la lápida mortuoria de Haydn (Non omnis moriar) y hace referencia a la permanencia y universalidad del corpus compositivo del autor. Cuidadosamente escogidas de entre la enorme cantidad de cuartetos de Haydn, estas seis obras resultan especialmente conmovedoras en su expresividad y perfección. No sobra una sola nota, el equilibrio entre las cuatro voces es perfecto, y la inspiración no cesa un momento.Más de doscientos años tras su muerte, el reconocimiento de Haydn como uno de los verdaderamente grandes compositores de la historia le ha llegado hace relativamente poco. Más que predecesor, Haydn es un fundador, un genio cuya influencia se dejó sentir en los que lo siguieron, sin ir más lejos Beethoven y Schubert. Este espléndido álbum pretende subrayar este hecho, y consigue a la vez situar al Quatour Hanson entre los grandes intérpretes actuales del género. © François Hudry/Qobuz

Bach celebró su primera Navidad en Lepizig (1723) presentando su cantata Christen, ätzet diesen Tag, BWV 63, una obra impresionante que resonó en todo su esplendor en la Thomaskirche y que con sus coros inicial y final es un preludio perfecto para el Magnificat BWV 243A que sonó en el oficio de Vísperas.El joven director francés Valentin Tournet (¡de sólo 23 años!) está particularmente interesado por los aspectos menos conocidos de las grandes obras de Bach. Y así, para la primera grabación con su ensemble, ha elegido la primera versión del Magnificat. Compuesta en mi bemol mayor, una tonalidad muy cómoda para las trompas, en esta partitura se usan flautas de pico, con sus reminiscencias pastorales, en vez de flautas traveseras. Mucho menos frecuente que la versión revisada BWV 243 de 1743, la obra se ofrece aquí junto a cuatro laudas para la Navidad.Valentin Tournet aporta talento y valentía en estas interpretaciones particularmente brillantes, para las que tomó varias decisiones inusuales pero coherentes. Siendo Tournet violagambista, es especialmente sensible a la energía vital que pueden aportar los violonchelos, siempre y cuando el órgano no los supere en intensidad. Es por esto que la elección ha recaído sobre un órgano positivo. Otro aspecto encantador es que los vocalistas solistas no se limitan a cantar sus partes, sino que se integran en el coro, creando así una continuidad total y una emoción verdaderamente colectiva. © Elsa Siffert/Qobuz

Nacida en un pueblecito de Noruega en 1987 (y por tanto inevitablemente equiparada con su lejana paisana Kirsten Flagstad), la soprano Lise Davidsen parece hecha a medida para encarnar a las heroínas wagnerianas y straussianas. Para su primer disco Decca, sello con el que firmó un contrato en exclusiva, Davidsen optó por presentar varias caras de la mujer con los rasgos vocales de Elisabeth (Tannhäuser), Ariadna (Ariadna en Naxos) y de… Pauline, la amada esposa de Richard Strauss, dedicataria de numerosos Lieder, desde el opus 27 —ciclo de 1894 concebido como regalo de bodas— hasta los últimos Vier letzte Lieder de 1948.Bajo la flexible batuta de Esa-Pekka Salonen, la Philharmonia Orchestra envuelve la voz de acero de la soprano noruega con finura y elegancia. Como lo habrán adivinado, este álbum con su programa cuidadosamente concebido, oscila entre la juventud y la vejez donde rondan los fantasmas y la muerte. Podremos preguntarnos cómo puede expresar este mundo una intérprete treintañera dotada de un timbre poderoso, una salud radiante y con toda la vida por delante. La respuesta reside en la voz de Lise Davidsen que se eleva con las golondrinas como una promesa de inmortalidad, la de la música del último Strauss mirando, por última vez, hacia atrás en una Europa en ruinas.Descubierto en 1984 tras la muerte de su dedicataria, la cantante Maria Jeritza, quien lo había conservado en secreto, Malven (Malvas) es el verdadero «último Lied» de Richard Strauss. Por su tono más liviano, destaca entre los Vier letzte Lieder con los que tendría acaso que formar un ciclo, y lo oímos aquí en una orquestación de Wolfgang Rihm. © François Hudry/Qobuz

Atención, espléndida novedad dedicada a las joyas de la música francesa moderna. La obra coral de Maurice Duruflé tiene su origen en el canto gregoriano, en sus curvas melódicas y salmódicas que el compositor combinó con la nueva estética francesa heredada de Gabriel Fauré y Claude Debussy, con sus líneas claras y sus características fricciones armónicas. El resultado es una música de increíble simplicidad. Aunque esta búsqueda de la pureza pudiera parecer en un primer momento desconcertante, lo cierto es que estaba ligada a todo un movimiento estilístico del siglo XX (absolutamente no neoclásico) que intentaba volver a una cierta esencia del arte musical recurriendo a los orígenes, separándose de todos los oropeles del teatro y el espectáculo, y alejándose de esta tendencia a la abstracción pura que subyace en gran parte de la creación musical después del conflicto de los años 1939-45.¿Canto gregoriano como «madre» de toda la música? Muy probablemente. Al final, la obra de Duruflé quiere imponer una forma de serenidad y dulzura que se hace eco de una tendencia contemporánea, todavía emergente pero bien establecida, preocupada por la armonía y las atmósferas un poco hechizantes, en busca de la comunión de los espíritus.El coro de cámara de Houston, poco presente en la escena discográfica, aborda las obras del compositor francés con voces de una bella pureza, y la generosa acústica del Edythe Bates Hall de Rice University anima al director Robert Simpson a un fraseo amplio, con una original expresividad en estas obras ya de por sí expresivas, lo que hace de esta grabación –tan conmovedora como las anteriores grabaciones del compositor (en Erato)–, una puerta de entrada ideal a este universo hipnótico (Messe «Cum Jubilo»).Cabe señalar que el catálogo de obras de Duruflé, a pesar de su relativamente larga vida, incluye solo catorce números de opus referenciados, siendo el último el Notre Père (¡noventa segundos de música!) escrito especialmente para la Iglesia católica y muy pocas veces interpretado debido a su gran dificultad de ejecución. Esta presencia involuntaria del número 14 convierte la obra de Duruflé en una búsqueda continua de logro y perfección. Este lanzamiento del Houston Chamber Choir se convierte también en una oportunidad adicional para redescubrir uno de los secretos mejor guardados de la música francesa del siglo XX. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

Para su primer álbum de recital con orquesta, la joven soprano franco-danesa Elsa Dreisig imaginó presentar, reflejándose en espejos, cinco parejas de arias con relaciones ambiguas. Se crean así, intencionalmente, formidables contrastes entre estilos musicales y momentos dramáticos, épocas históricas y vocalidades: clasicismo y romanticismo se completan, terror y deleite se contestan, surgiendo de esta manera todas las facetas del alma femenina. La primera «pareja» utiliza espejos reales, en los que se admiran Margarita del Fausto de Gounod y Thaïs en la ópera epónima de Massenet. Aparecen luego Manon Lescaut retratada por Puccini, y Manon (sin Lescaut) imaginada por Massenet. La siguiente pareja está formada, en un paralelismo algo atrevido, por la Julieta de Daniel Steibelt, compositor alemán de la primer época romántica, un poco olvidado hoy, y la Julieta de Gounod. Elsa Dreisig prosigue con dos célebres personajes femeninos que acompañan a Fígaro: la deliciosa Rosina del Barbero de Rossini que se convierte en la desamparada Condesa de las Bodas de Mozart. Finalmente, y de manera todavía más atrevida, la soprano acaba su recital con la Salomé de Herodías de Massenet, tierna muchacha que no pide en absoluto recibir en bandeja ninguna cabeza –y mucho menos la de Juan– y la princesita de Strauss con sus delirios sanguinarios. Acaso para evitar toda tentativa de equiparación con otras grabaciones ya existentes, Elsa Dreisig escoge la versión francesa de 1907 – y recordamos que la obra de Oscar Wilde fue concebida originalmente en francés. He aquí uno de los abanicos más extraordinarios que puede uno imaginarse para un primer recital discográfico. Dreisig está acompañada por la Orquesta de Montpellier que dirige Michael Schønwandt. © SM/Qobuz

Primer álbum solista del joven y excelente tenor francés Julien Behr, que hemos podido oír en la Ópera de París, el Teatro de los Campos Elíseos, la Ópera de Burdeos y de Lyon, en Salzburgo, Viena, Londres, Colonia y en tantas otras escenas mundiales; y en el disco, en varias obras líricas, incluyendo El niño y los sortilegios con la Radio de Baviera. Para estos debuts discográficos en recital, tuvo buen olfato al elegir arias de óperas francesas mucho menos conocidas que los sempiternos Don José, Romeo, Fausto y otros grandes héroes, pudiendo así buscar en el repertorio romántico (ampliado hasta la Primera guerra mundial, grosso modo) unas perlas prácticamente desconocidas. De Gounod, escoge Cinq-Mars; de Bizet La Jolie fille de Perth (una de las páginas más exquisita del compositor), de Thomas Mignon; y en la parte más conocida, ma non tanto, del álbum, rebusca unas arias en La viuda alegre de Léhar, Jocelyn de Godard, o Lakmé de Delibes. Su dicción absolutamente impecable, su voz transparente y aérea que evocaría a Heddle Nach o Jussi Björling, sirven este repertorio a la perfección. El álbum concluye a unas leguas del repertorio romántico con Vous qui passez sans me voir de Charles Trenet –bueno, el texto lo escribió el Fou chantant [Cantante loco, apodo de C.T.] mientras Johnny Hess y Paul Misraki firmaron la música, y la canción fue inicialmente destinada a Jean Sablon– que refleja el amor de Behr por géneros ciertamente más ligeros, pero en una interpretación elegantísima. © SM/Qobuz

Sí, aún es posible descubrir una partitura de Bernstein, o más bien la versión de cámara de A Quiet Place, adaptada por Garth Edwin Sunderland y dirigida y grabada por primera vez por el director de Orquesta de Kent Nagano, en la Maison Symphonique de Montréal. La última partitura escénica del compositor estadounidense estrenada en la Houston Grand Opera en 1983, fue revisada por el libretista Stephen Wadsworth y el compositor agregó varios fragmentos de la obra en un acto Trouble in Tahiti, 1951, dando lugar a dos nuevas creaciones (Scala de Milán y Washington). La nueva versión, definitiva, fue estrenada en la Ópera de Viena, bajo la dirección del compositor en 1986. Fascinante en más de un sentido, una especie de Intermezzo de un Strauss contemporáneo, la obra representa la sociedad estadounidense a través de la soledad y la crisis existencial de una pareja (Trouble in Tahiti) y luego una familia. Bernstein recurrió a Mahler para la estructura, con un movimiento final de «noblesse grave» que recuerda a la Tercera y la Novena Sinfonía de su venerado maestro. Como marca de la casa, la mezcla de estilos (jazz, coro antiguo, Broadway, Mahler, Berg, Britten, Copland...) provoca un cóctel detonante, que la hace parecer más una conversación musical que una gran ópera, lo que paradójicamente hace que esta obra sea tan especial... y entrañable. Para redescubrir, bajo la batuta del ex alumno y fiel Kent Nagano a la cabeza de unos cantantes solistas de alto vuelo, y entender cuál es este «lugar tranquilo» donde «el amor nos mostrará la armonía y la gracia». © Franck Mallet/Qobuz

Canadiense de treinta y un años, Jean-Michel Blais no es ningún desconocido en la escena contemporánea neo-clásica. Tras un primer álbum sobriamente intitulado «II», publicado por Caroline Distribution, nos propone hoy una nueva serie de piezas (en su mayoría distribuidas por separado estas últimas semanas) que poseen un lirismo irresistible. Sobre su piano convertido en caja de músicas, viaja siguiendo el capricho del céfiro, hasta orillas donde lo conduce su insaciable creatividad. En el centro del álbum, Blind, quizá el título más seductor de los cuarenta y cinco minutos (aunque sourdine…), nos sumerge, mezclando los sonidos acústicos con las máquinas, en lo ideal de una música relajante y aterciopelada. Una obra como god(s) nos lleva a otra parte, a la iglesia quizá, pero la presencia de capas sonoras indica que los verdaderos dioses de Jean-Michel Blais no son acaso lo que creíamos. igloo hubiera podido ser un título espacial y totalmente panteísta, pero el «iglú» descrito por Blais −que sabe ser caustico cuando quiere− sugiere ante todo estas ciudades contemporáneas, llenas de «cavernas», donde todo se superpone.El nombre de Blais nos evocará, de ahora en adelante, sabores sonoros singulares. Contiene algo de esta melancolía amarga y sin embargo fraternal, dulce y sensual, que recorre gran parte de la creación musical norteamericana, esta melancolía que impregna tanto los grandes espacios sonoros de Copland (Quiet City) o Bernard Hermann (Las Nieves del Kilimanjaro) como las figuras obstinadas de un Steve Reich (The Four Sections) o las volutas aéreas de uno de los representantes más imaginativos de la escena pop canadiense como Patrick Watson −pensamos en su Lighthouse, en la que encontramos este mismo concepto del instrumento, como desembarazado de sus martillos.Jean-Michel Blais suspende su tiempo con discreción pero con tenacidad, bajo una máscara elegante: sus citas (la cautivadora melodía del movimiento lento del Segundo Concierto de Rajmaninov, por ejemplo en la obra roses) nos permiten percibir apacibles y felices paisajes. Blais nos tiende la mano. La cortesía nos incita a aceptar la invitación. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

Además del fascinante e indispensable Falstaff de Elgar compuesto en 1913, Estudio sinfónico según la partitura, y en realidad un poema sinfónico siguiendo la gran tradición de Strauss –en el que Elgar pensó sin duda al componer su obra maestra, mientras el violonchelo solista bastante presente no puede no evocar el Don Quijote de Strauss, escrito dieciséis años antes–, el álbum se singulariza por algunas melodías con orquesta del mismo Elgar, un repertorio lamentablemente desatendido a pesar de su belleza sobrecogedora (se cantan, si acaso y de vez en cuando, sus Sea Pictures, que son realmente excepcionales). Así que no podemos sino alegrarnos y felicitar a Andrew Davis y el BBC Philharmonic por su iniciativa de volver a ofrecer estas maravillas y además protagonizadas por el ahora muy célebre barítono Roderick Williams. Aquí, Elgar nos demuestra que, lejos de ser solo un gran maestro de grandes frescos vocales-sinfónicos en forma de oratorio (pensamos, claro está, en The Dream of Gerontius, en The Apostles o en The Music Makers), maneja la miniatura con genial maestría. Roderick Williams, una de las voces más bellas de la escena británica hoy, interpreta estas exquisitas rarezas con un arte no menos raro y exquisito. El álbum concluye con un guiño hilarante, la Smoking Cantata, una cantata con una orquestación enormísima pero con una duración de… 49 segundos, y cuyo texto se limita a: «Kindly, Kindly, kindly do not smoke in the hall or staircase», es decir: «Tenga la bondad, la bondad, la bondad, de no fumar en la sala ni en las escaleras». ¡The best British humor! © SM/QobuzNotas técnicas de Qobuz acerca de la grabaciónUna toma de sonido refinada para una orquestación impresionante, con una claridad en la diferenciación de niveles y la distancia entre pupitres verdaderamente magistral, todo ello dentro de una mezcla aérea y con una reverberación naturalmente envolvente que no enmascara jamás el discurso y resulta en una homogeneidad poco habitual entre las familias de la orquesta. Gracias a una dinámica muy controlada y bien registrada, los tutti resultan siempre vivos, y cuando entran las percusines descubrimos una bien proporcionada sala que permite al sonido desarrollarse sin restricciones. Sin caer en la tentación de la microfonía de ultra-proximidad de la que se tiende a abusar en la actualidad, Chandos ha producido una mezcla que realmente respeta la partitura, la interpretación, la escenificación sonora… ¡una auténtica delicia! 

Para su primera grabación, el Cuarteto Arod eligió a Mendelssohn, uno de los pilares del arte del cuarteto, en particular el Cuarto, en mi menor de junio de 1837, su obra maestra, más mozartiana que beethoveniana por su arquitectura y desarrollo, aunque reconocemos de la primera a la última nota la pluma de Mendelssohn. Si buscamos la influencia del Sordo genial, la encontraremos en el Cuarteto nº 2 Op. 13 de 1827, escrito poco después de la muerte de Beethoven, habiendo Mendelssohn descubierto, entre otras cosas, la magnitud de las innovaciones de su modelo. El álbum del Cuarteto Arod prosigue con las Cuatro piezas para cuarteto, agrupadas póstumamente como Op. 81 por Julius Rietz, sucesor de Mendelssohn en el puesto de director de la Gewandhaus, a partir de cuatro páginas independientes datando de épocas diversas. El álbum concluye con una re-escritura firmada por los Arod de un Lied, cantado por Marianne Crebassa y cuya temática recoge nota por nota varios pasajes de Beethoven, en un verdadero homenaje del joven compositor hacia su ilustre modelo. Recordamos la trayectoria meteórica del Cuarteto Arod que consiguió a pesar de su juventud –nació en 2013– un lugar destacado en la esfera mundial como lo demuestra la lista de las salas donde actuó: Philharmonie de París, Auditorium del Louvre, Teatro des Bouffes du Nord, Arsenal de Metz, y fuera de su Francia natal, Mozarteum de Salzburgo, Konzerthaus de Viena, Concertgebouw de Ámsterdam, Tonhalle de Zúrich, Wigmore Hall de Londres, y entre otros países, Japón (Tokio), Finlandia, Suiza... © SM/Qobuz

«Händel goes wild» suena como «Handel se suelta» y en efecto, hemos de reconocer que en este álbum firmado por Christina Pluhar, Handel se suelta a más no poder. La arpista, tiorbista y laudista austriaca agarró un puñado de arias, movimientos de conciertos y oberturas de Handel (y algo de Vivaldi) y los entregó no solo a los músicos barrocos del conjunto L’Arpeggiata, sino también a media docena de músicos de jazz de todos los estilos. Así, la relectura de las obras barrocas es sucesivamente manouche [o jazz gitano], klezmer, salsa, New Orleans, lounge, blues etc., que cada oyente podrá amar o detestar según su propio grado de adaptabilidad. Obviamente, el uso del clarinete y del piano en este lenguaje puede resultar desconcertante… El principio de Pluhar es sencillo: Handel recuperó, remodeló, alteró, maquilló, saqueó, reescribió, obras suyas y de otros compositores, siempre con su pluma inimitable y en el estilo de su época más inmediata. Siendo así ¿por qué no hacer lo mismo hoy día? En cualquier caso, esta mezcla de instrumentos y voces barrocas con instrumentos y géneros musicales del siglo XX es de lo más alucinante. Entre los artistas invitados, cabe señalar al clarinetista Gianluigi Trovesi, al pianista Francesco Turrisi y al contrabajista Boris Schmidt en el ámbito del jazz, y también al contratenor Valer Sabadus y a la soprano Nuria Rial. © SM/Qobuz