Qobuzissime

Hace unos meses, Decca anunció la firma de un contrato con el joven director de orquesta Klaus Mäkelä (nacido en 1996), poco después de que la Orchestre de Paris le nombrara asesor musical durante dos años y luego director musical a partir de septiembre de 2022. El sello inglés firma por primera vez en varias décadas a un director de orquesta, en este caso un nuevo ejemplo de la ya larga y bastante excepcional línea de discípulos de Jorma Panula, figura clave de la Academia Sibelius de Helsinki. En segundo lugar, entrar en la escena discográfica con un ciclo completo de las siete sinfonías de Sibelius sigue siendo una iniciativa atrevida: cada obra del ciclo, especialmente compleja, ofrece su propia singularidad.En cuanto a las grabaciones, la Orquesta Filarmónica de Oslo no se asocia necesariamente con las obras orquestales de Sibelius, y se han realizado pocas grabaciones con esta institución noruega, aparte de las cuatro sinfonías (nº 1, 2, 3 y 5) grabadas con Mariss Jansons para EMI a principios de los años 90, que adolecían de una grabación muy reverberante. No es el caso de esta grabación de Decca: los equipos técnicos han realizado un trabajo de grabación notable. El oyente percibirá toda la escritura orquestal de Sibelius, la profundidad de las texturas en particular, tanto más cuanto que Klaus Mäkelä cuida los equilibrios (Sinfonía nº 1) y los numerosos intercambios polifónicos, en el curso de visiones a tempos moderados. Aquí no hay contrastes eruptivos ni rupturas explosivas. El gesto de Klaus Mäkelä es tranquilo, imperturbablemente sereno. Poco sensible al burbujeo rítmico del compositor, el director frasea las amplias líneas con impresionante majestuosidad (final de la Sinfonía nº 3). Klaus Mäkelä no exacerba los contrastes entre los bloques orquestales; con un notable respeto por la naturaleza sedosa de la orquesta noruega, intenta siempre fusionar, favoreciendo la continuidad sonora. Incluso la Sinfonía nº 4, compuesta durante el periodo más oscuro de Sibelius, será aquí, bajo la dirección de Klaus Mäkelä, esencialmente luminosa. Estará muy lejos de los cataclismos de Ernest Ansermet (Decca, 1963) o de Sir Thomas Beecham (BBC Legends, en concierto, 1954).A lo largo de las siete sinfonías, este Sibelius, marcado por una voluntad general de eufonía, se distingue innegablemente por la coherencia de su visión y la suntuosidad de la producción. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

El tema de la noche siempre ha servido de inspiración a innumerables artistas, ya sea en la literatura, el arte o la música, y con razón: ofrece un espacio secreto lleno de intimidad, introspección y, sobre todo, fantasía. Expresadas en la música y especialmente a través del arpa, estas misteriosas descripciones se convierten en imágenes concretas para el oyente. Magdalena Hoffmann se ha propuesto capturar estos sonidos encantados en su álbum Nightscapes: “Mi instrumento crea un espacio singular para esta intimidad, pero también para lo fantástico y lo mágico; no en vano el arpa expresa a menudo un momento aéreo o subterráneo en la orquesta.”La arpista alemana, nacida en Basilea en 1990, descubrió el arpa por sí misma a una edad temprana. Un acontecimiento fundamental en su carrera fue el Concurso Internacional de Música de la ARD de 2016, donde fue ganadora de dos premios especiales, y dos años más tarde le ofrecieron el puesto de arpista principal en la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. En 2021 firmó un contrato exclusivo con Deutsche Grammophon, sello en el que ahora nos presenta su primer proyecto.El álbum consta de composiciones originales para arpa, así como de arreglos de piezas para piano. Entre las primeras se encuentra la Suite para arpa, op. 83, de Benjamin Britten, una obra central del siglo XX para el repertorio del instrumento. Además, encontramos la obra Dans des lutins (Danza de los elfos) de la arpista francesa Henriette Renié (1875-1956), para la que ya habían compuesto obras Fauré, Debussy y Ravel.Hoffmann también interpreta piezas de Chopin, Clara Schumann, John Field, Ottorino Respighi y Marcel Tournier. El género de los nocturnos, en particular, pone de manifiesto un momento de intimidad, un estado de ánimo casi místico, y es un género esencial en la música romántica. Pero también podemos disfrutar del Vals de Chopin o de la Fantaisie de Jean-Michel Damase, piezas trasladadas perfectamente al sonido ligero y danzante del arpa, con Hoffmann consiguiendo siempre conservar esa especial intimidad de su instrumento. Un viaje mágico a los paisajes nocturnos. © Lena Germann/Qobuz

¿Qué puede ser mejor que un par de manos para tocar el piano? ¡Dos pares de manos! Considerado como “intimista”, el género del piano a cuatro manos ha estado durante mucho tiempo confinado al círculo de lo privado: tocar para los amigos, bien, pero no en concierto. Hay, por supuesto, algunas excepciones famosas, como las hermanas Labèque, las hermanas Walachowski o, entre la generación más joven, Lucas y Arthur Jussen. Casi siempre son hermanos. Por ello, estamos encantados de que dos pianistas “independientes”, David Salmon y Manuel Vieillard, hayan decidido dejar su huella en el mundo de la música de cámara interpretando el repertorio para piano a cuatro manos en los escenarios más importantes, fundando el Geister Duo.Graduados en la Escuela de Música Hanns Eisler de Berlín y en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de París, Manuel Vieillard y David Salmon son concertistas del más alto nivel. Desde que se conocieron durante sus estudios en el CRR de París hasta el inicio de sus carreras internacionales, se inició una simbiosis musical, con el deseo de formar un dúo “real”, no sólo de reunirse para un concierto. Y el plan funcionó: tras casi diez años de colaboración, el conjunto ganó el año pasado el primer premio del prestigioso Concurso Internacional ARD de Múnich. Ahora presentan su primer disco, en el sello Mirare: Schumann - Brahms - Dvořák, una finísima selección de piezas románticas en las que los colores del piano brillan por duplicado.Aunque los compositores elegidos se encuentran entre los más célebres de la época romántica, este álbum nos ofrece piezas innovadoras y poco conocidas, raramente interpretadas o grabadas hasta la fecha. Desde la primera, Imágenes de Oriente (Bilder aus Osten, op. 66) de Schumann, la complicidad y complementariedad entre los dos instrumentistas es evidente. La obra nos arrastra con sus estados de ánimo cambiantes y nos hace pasar por todas las emociones. La atmósfera romántica y melancólica también queda maravillosamente plasmada en las Variaciones sobre un tema de Schumann, op. 23, de Brahms, en las que el compositor rinde homenaje a su colega y mentor. El disco finaliza con el ciclo de piano de Dvořák De los bosques de Bohemia (Ze Šumavy), op. 68, una obra maestra del repertorio pianístico a cuatro manos magistralmente interpretada por Salmon y Vieillard, cuya singular simbiosis artística puede disfrutarse una vez más. No hay duda: dos son mejor que uno. ¡Un hermoso álbum para empezar el 2022! © Lena Germann/Qobuz

El Solem Quartet no es nuevo en el mundo de la música clásica y contemporánea. Como ganadores del Jerwood Arts Live Work Fund 2020, forman parte de las voces artísticas más significativas del Reino Unido. Además, el conjunto destaca por su diversidad musical y apertura, gracias a proyectos innovadores y a colaboraciones con artistas de distintos géneros. Ahora estos cuatro músicos de Inglaterra publican su esperado álbum de debut, The Four Quarters, en Orchid Classics: un viaje musical trascendente, inspirado por compositores desde el Barroco hasta el presente.A pesar de la diversidad de las composiciones, hay una pieza que destaca por abarcar todo el álbum: la obra maestra de Thomas Ades The Four Quarters. Los cuatro movimientos serpentean por la amplia gama de piezas incluidas, y aparecen entre arreglos de Henry Purcell, Florence Price, Béla Bartók o Robert Schumann. La composición de Ades se basa en el ciclo del día como metáfora central: un paseo desde las primeras horas de la mañana hasta las profundidades de la noche. La yuxtaposición del tiempo y el espacio, la tierra y el cielo, también se refleja en la música: mientras que en el primer movimiento, Nightfalls, los violines hacen sonar finos armónicos en patrones regulares, la viola y el violonchelo se encargan de la armonía profunda y grave y, por lo tanto, permanecen en tierra.Otro aspecto destacado del álbum es sin duda la interpretación de Easqelä de Aaron Parker. Es el cuarto movimiento de la obra en cinco partes Tuoretu, compuesta especialmente para el Solem Quartet. El nombre fue inventado libremente y hace referencia a las amplias extensiones del este de Inglaterra, así como a los colores difuminados del atardecer, que, al igual que los sonidos, se funden sin límites. El melancólico e inquietante solo de viola, apuntalado por las tenues quintas y cuartas paralelas de los demás instrumentos, refuerza la trascendencia siempre presente y vuelve a poner de manifiesto los elementos fundamentales del álbum: la cercanía a la naturaleza, el sueño y la intemporalidad. Y aunque es la penúltima pista del disco, el final del onírico viaje musical está lejos de estar a la vista...Con The Four Quarters, el Solem Quartet publica un álbum único y muy inspirador, que establece su propio anclaje atemporal entre el arte contemporáneo y los sonidos tradicionales. © Lena Germann/Qobuz

El primer álbum en solitario de Gaspar Claus se ha hecho esperar. Desde hace quince años, el violonchelista ha multiplicado sus viajes, encuentros y colaboraciones con grandes artistas de todos los horizontes: desde su padre Pedro Soler hasta Barbara Carlotti, pasando por Rone o Bryce Dessner. Con todas estas influencias, el músico ha encontrado el mejor hogar posible en el sello InFiné, donde presenta Tancade, un álbum eminentemente personal, ya que por primera vez es el único capitán a bordo del barco. Saludemos las notables contribuciones de Francesco Donadello y David Chalmin en la masterización y la mezcla, que han dado a esta grabación un sonido único y rico en contrastes.El material es mínimo: con un violonchelo como único equipaje, Claus cautiva con la variedad de sus composiciones, explotando las infinitas posibilidades sonoras de su instrumento. Pizzicatos, arcos que son alternativamente flexibles y chirriantes, bajos resonantes que son respondidos por agudos aéreos... Como un verdadero arquitecto del sonido, el intérprete logra hacer de cada uno de los títulos que componen este trabajo un mundo propio, convocando sensaciones únicas. Así, uno puede verse arrastrado al trance casi tribal e hipnotizante de los pizzicatos percusivos de Une Foule, antes de encontrar la atmósfera más meditativa del crepuscular 1999. No se puede sino admirar el genio de Claus para esculpir tanto material con tan pocas herramientas, limitándose la contribución de la electrónica a discretos efectos de reverberación o distorsión: lo mínimo, en definitiva.La gran fuerza de Tancade es que nunca se hunde en una pura demostración de técnica instrumental. El álbum no es un catálogo de todo lo que un chelista puede producir con su instrumento. Está claro que, en cada tema, es solamente la atmósfera deseada la que preside los procesos de composición e interpretación. Gaspar Claus ha creado un álbum magnífico, lleno de inventiva y poesía, que reconecta al oyente con un cúmulo de emociones que se remontan a miles de años atrás. Se puede decir ya que Tancade se convertirá en un clásico imprescindible para el violonchelo contemporáneo. © Pierre Lamy/Qobuz

Tras el excepcional recital Le clavecin mythologique, también publicado por el sello francés L’Encelade, con sede en Versalles, que proporcionó un original escenario para una colorida e inspirada exploración del repertorio para clave de la Francia del siglo XVIII, la austriaca Anne Marie Dragosits nos lleva de nuevo al corazón de la noche con su magia única, esa noche que nos invita a soñar y es el momento propicio para dar rienda suelta a la imaginación y la creación artística. Partiendo de la idea del sueño (sommeil), originada en la música francesa (y llevada a su punto álgido por Lully en sus tragédies lyriques), nos invita a un viaje que –y ahí radica todo el interés– tiene sus raíces en Alemania, entre los siglos XVII y XVIII.La dinastía Bach está aquí bien representada, desde los hijos hasta el padre: Wilhelm Friedemann y su increíble Fantasia, Carl Philipp Emanuel Bach y sus variaciones sobre la canción Ich schlief, da träumte mir, después de algunas otras piezas al principio del programa, incluyendo la bellísima Mémoire raisonnée de una serie de miniaturas poco conocidas, Wq. 117. De Johann Sebastian, Anne Marie Dragosits eligió el Praeludium (Harpeggiando), BWV 921, demasiado poco tocado, una auténtica improvisación para teclado llena de contrastes y alegría explosiva, cuyo sonido híbrido recuerda al “Stylus Phantasticus” de Buxtehude. A continuación, la clavecinista inserta aquí y allá, según su estado de ánimo –y sin duda sus sueños– algunas obras de Graupner, Fischer y Kuhnau. Del primero, dos piezas muy bellas tituladas precisamente Sommeille, extraídos de dos suites diferentes del compositor. En el sublime clavecín Christian Zell de 1728 –uno de los más bellos del mundo, conservado en el Museo de Artes Decorativas de Hamburgo–, Dragosits despliega tesoros de ternura, pero también implacablemente sublimes. Su interpretación es impresionante en todo momento – la Passacaglia de Johann Caspar Ferdinand Fischer es la apoteosis de la primera parte del programa, una página llena de influencias lullistas que iba a impactar mucho en el joven J. S. Bach.Este recital Ich schlief, da träumte ich, con su programa original y sus secuencias a menudo muy sutiles (el coral Komm süßer Tod de J. S. Bach se combina con la Sonata bíblica nº 4 de Kuhnau) es un precioso testimonio de una clavecinista de musicalidad cautivadora y que no debería disfrutarse de otra manera que no sea como un paseo, especialmente porque el instrumento en sí mismo es ya un encanto eterno, con sus bajos increíblemente profundos y su asombrosa belleza en el registro de laúd. Y si todo esto le asusta, sugerimos comenzar con el Sommeille de la Suite Febrarius de Graupner: ¡un momento de dulzura caprichosa y poderosa ternura que no le dejará indiferente! © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

Caroline Shaw es la definición misma de una artista en su forma más pura, una artista que se niega a ser categorizada. Comenzó como violinista y cantante de formación clásica, antes de dedicarse a la composición y producción de canciones. Ha trabajado con artistas como Kanye West (The Life of Pablo, Ye) y Nas (NASIR), y ha colaborado en discos de The National y Richard Reed Parry de Arcade Fire. Y por si eso no fuera un currículum impresionante ya de por sí, en 2013 Shaw no solo ganó, sino que fue la receptora más joven del Premio Pulitzer por su Partita for 8 Voices, mientras que su álbum de 2019, Orange, ganó un premio Grammy. Su último álbum, Let the Soil Play Its Simple Part, es el resultado de su colaboración con el conjunto de percusión contemporánea Sō Percussion (formado por Eric Cha-Beach, Josh Quillen, Adam Sliwinski y Jason Treuting). Juntos, consiguieron grabar todo el disco en el estudio en sólo tres días.Su nuevo álbum comienza como una meditación inquietante, puntuada por esporádicos ritmos de sintetizador, batería y marimba, mientras la voz de Shaw se eleva, progresando de forma sorprendente. Sobre el tema que abre el álbum, To The Sky, Shaw comenta: “Me gusta especialmente esta línea que tiene que ver con lo efímero: Frágil solaz de una hora/ Tan pronto vuelan nuestros transitorios consuelos/ Y el placer florece para morir”. El siguiente tema, Other Song, sigue con un ritmo más groovy, mientras que el tema que da título al álbum, realizado en solo dos tomas, recoge un dúo íntimo y espontáneo. La interpretación de Quillen es sensible y refinada, y se puede sentir la energía que se extiende entre los dos artistas cuando Shaw le ofrece palabras sobre la pérdida de un ser querido, y Quillen devuelve suaves melodías que resuenan en el steel drum. Lay All Your Love on Me, originalmente de ABBA, está brillantemente reinterpretada: primero a través de un sombrío dúo de marimba y voz, y luego transformada en un coral de Bach, acompañada por las armonías de Shaw. Some Bright Morning, basado en un canto litúrgico del siglo XII, con su línea vocal y sus toques de órgano Hammond, cierra el álbum con sencillez y fuerza.A medida que se escucha, el álbum se convierte en una obra maestra monolítica, con facetas de la música clásica contemporánea, el indie/pop, el rock rítmico, guiños a las músicas del mundo y, literalmente, todo lo que hay entre medias. La capacidad de Shaw para interpretar un texto y construir nuevos significados y contextos únicos sobre las palabras es inigualable. Let the Soil Play Its Simple Part es un álbum diferente a cualquier otro y desafía la categorización. Las inspiraciones son muchas: James Joycela colección de cánticos Sacred Harp, un poema de Anne Carson, el libro de Ruth de la Biblia, la melodía americana I'll Fly Away, el pop de ABBA... Y si usted va a leer los créditos del álbum –lo cual es muy recomendable– encontrará todo el abanico de inspiraciones que llevaron a la escritura de las letras. Para explorar este álbum en su totalidad y captar su arte, hay que tomarse su tiempo. Totalmente merecido. © Jessica Porter-Langson / Qobuz

"Vieux pays merveilleux des contes de nourrice" ("Hermosa y antigua tierra de cuentos de nodrizas"): estas pocas palabras son suficientes para evocar nuestros recuerdos de la maravillosa interpretación de Régine Crespin de la Scheherazade de Ravel. Especialmente en términos de timbre, ya que la voz de la soprano egipcia Fatma Said, intérprete en este nuevo álbum, irradia colores igualmente cálidos y oscuros. Said también nos fascina por su ejemplar dicción, en la que no sólo cada palabra es claramente comprensible, sino que cada nota le da color a la palabra, haciendo así tangible la impresión creada por dicha palabra en términos de sonido. No hay duda de que esta cantante, musicalmente muy versátil – y que sin duda está familiarizada con el gran arte de Régine Crespin – encontraría un abanico aún más amplio de posibilidades expresivas en una versión orquestal, ya que de vez en cuando se crea la impresión de que la maravillosa sonoridad y precisión de Malcolm Martineau al tocar el piano la ralentiza un poco.El programa nos lleva después a España, donde Martineau es reemplazado por el sutil toque de Rafael Aguirre a la guitarra. En las dos piezas de Falla se muestran otros aspectos del arte vocal de Fatma Said, y ante todo una extraordinaria agilidad y ligereza. Su canto se convierte en una caricia. En la Canción de Marinela de José Serrano, su voz se condensa y crea unos momentos inolvidables de tierna sensualidad. Pensamos que si un día Fatma Said asumiera uno de los grandes papeles en una zarzuela española... ¡sería simplemente divina! En las tres canciones tomadas de la colección 13 Canciones españolas antiguas de Federico García Lorca, Said es sorprendentemente discreta, con una noble elegancia, incluso en los sensuales arabescos de la Nana de Sevilla. Una transición ideal para llegar al siguiente bloque, la música “árabe”.Descubrimos aquí, por ejemplo, una hermosa canción del egipcio Gamal Abdel-Rahim (1924-1988), así como la magnífica Adieux de l’hôtesse arabe de Bizet, en la que Burcu Karadağ toca el ney (una especie de flauta de lengüeta) e improvisa en torno a la voz cantante. Las últimas cuatro pistas ofrecen estándares egipcios y libaneses en una atmósfera “jazzística” y nostálgica, grabados en la Iglesia de Dahlem de Berlín. Un encantador álbum Qobuzissime, lleno de emociones abrumadoras. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

El Richter Ensemble interpreta música de los siglos XVII hasta el XX exclusivamente con cuerdas de tripa, y utiliza su experiencia en la práctica de la interpretación histórica para aumentar el sentido del desarrollo del lenguaje musical a lo largo de los siglos. El conjunto se dedica con especial predilección a la música de la Segunda Escuela de Viena y, basándose en sus investigaciones, ha decidido dirigir la percepción de esta música hacia una nueva dirección, en el sentido de redescubrir y recuperar no sólo su modernidad, sino también sus evidentes conexiones con el pasado. De ahí que el Richter Ensemble haya iniciado un proyecto para grabar todos los cuartetos de cuerda de la Segunda Escuela de Viena, situarlas en un contexto histórico y combinarlas con obras insólitas de otros compositores. Su primera producción se llama Vienna 1905-1910, y en ella aparecen músicas de Webern, Schönberg y Berg: Langsamer Satz de Webern, Cuarteto de cuerdas nº 2 de Schönberg con mezzosoprano (¡como se pretendía originalmente!) y el Opus 3 de Berg. Este enfoque captura una paleta de sonidos completamente diferente y revela un lenguaje y matices románticos que con frecuencia son descuidados por los cuartetos modernos con sus cuerdas metálicas. Como resultado, el acceso del oyente a estas obras resulta menos difícil... © Passacaille

Después de Glass Cage en 2000, y Glass Piano en 2015, el pianista americano Bruce Brubaker, graduado de la prestigiosa Juilliard School de Nueva York, vuelve a su obsesión, Philip Glass. Antiguo profesor de Francesco Tristano, que ha construido puentes varios entre la música clásica y la música electrónica, Brubaker está considerado como uno de los grandes especialistas en Glass, al que ha reinterpretado muchas veces. Para cambiar de ángulo, esta vez se ha unido al abanderado del movimiento IDM (Intelligent Dance Music), el irlandés Max Cooper. Este, que había creado un “generador de caos” para su último álbum Yearning for the Infinite, era el colaborador ideal para este trabajo de Brubaker dedicado a uno de los maestros del minimalismo. La obra seminal Two Pages (1968) es la que ha tenido el honor de ser el “single” (un concepto que no tiene mucho sentido aquí) de este nuevo álbum, diez hipnóticos minutos de piano solo a los que Cooper ofrece aún más profundidad haciendo sonar su sintetizador modular de fondo. El disco se abre y cierra con dos obras maestras, la catártica Metamorfosis 2, uno de los mayores “éxitos” de Glass, y el inicio de Glassworks, en la que la aportación siempre discreta de Max Cooper añade una capa extra de contemplación. © Smaël Bouaici/Qobuz

Desde el principio, los Preludios de Chopin propuestos por Eric Lu seducen por una tranquilidad absolutamente lírica que, al final, dominará los cuarenta minutos que dura este viaje, tan difícil de construir de manera fluida y coherente. Eric Lu nos admira por la unidad, tanto expresiva como polifónica, que aporta al ciclo, que generalmente se presenta de forma más contrastada. El americano quiere cantar por encima de todo, y los versos tan admirablemente fraseados nos transportan a un viaje de gran y noble emoción. Detrás de esta dulzura y este canto perdidos, sin embargo, se encuentra una trágica y creciente melancolía, que revela la expresión de una realidad sombría, o al menos muy preocupada, de los 24 Preludios. Aquí, Chopin vuelve a su romanticismo negro, no tan alejado del de Schumann, el de las Kreisleriana contemporáneas (abril de 1838).No es de extrañar que el pianista continúe este segundo recital en Warner Classics con una de las páginas más extrañas de Schumann, Tema y Variaciones en mi bemol mayor, compuesto en 1854, una especie de despedida de la vida terrenal del compositor romántico alemán. En este homenaje a los grandes maestros del pasado como Bach y Beethoven, Schumann se atreve particularmente con polifonías desnudas, en raros matices pianissimo; desde el punto de vista de los estados de ánimo y de los personajes, Eric Lu crea fácilmente un puente directo con el ciclo de Chopin, permaneciendo del lado de la meditación y de la dulzura sobre todo (Variaciones 2 y 5), y no buscando ningún contraste particular.Cuarto Premio del Concurso Chopin de Varsovia en 2015, donde ya se había distinguido por su interpretación de los 24 Preludios, el joven pianista Eric Lu (nacido en 1997) firma aquí un recital fascinante, a veces desconcertante, probablemente el más logrado de los tres ya publicados – el primero fue publicado en el sello alemán Genuin. Un músico al que hay que seguir muy de cerca. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

He aquí seis cuartetos cruciales para comprender la aportación de Joseph Haydn a la historia de la música occidental. La labor de los jóvenes componentes del Quatuor Hanson es impecable gracias a su gran habilidad a la hora de construir y expresar la quintaesencia de estas piezas, y también gracias a su fascinante dominio técnico. Escuchar estas páginas nos obliga a inclinarnos de nuevo ante la genialidad de un compositor que, junto a Boccherini, creó un nuevo género e inmediatamente aportó un conjunto de obras maestras. El título del disco, All shall not die, es la traducción inglesa del epitafio grabado en la lápida mortuoria de Haydn (Non omnis moriar) y hace referencia a la permanencia y universalidad del corpus compositivo del autor. Cuidadosamente escogidas de entre la enorme cantidad de cuartetos de Haydn, estas seis obras resultan especialmente conmovedoras en su expresividad y perfección. No sobra una sola nota, el equilibrio entre las cuatro voces es perfecto, y la inspiración no cesa un momento.Más de doscientos años tras su muerte, el reconocimiento de Haydn como uno de los verdaderamente grandes compositores de la historia le ha llegado hace relativamente poco. Más que predecesor, Haydn es un fundador, un genio cuya influencia se dejó sentir en los que lo siguieron, sin ir más lejos Beethoven y Schubert. Este espléndido álbum pretende subrayar este hecho, y consigue a la vez situar al Quatour Hanson entre los grandes intérpretes actuales del género. © François Hudry/Qobuz

Nacida en un pueblecito de Noruega en 1987 (y por tanto inevitablemente equiparada con su lejana paisana Kirsten Flagstad), la soprano Lise Davidsen parece hecha a medida para encarnar a las heroínas wagnerianas y straussianas. Para su primer disco Decca, sello con el que firmó un contrato en exclusiva, Davidsen optó por presentar varias caras de la mujer con los rasgos vocales de Elisabeth (Tannhäuser), Ariadna (Ariadna en Naxos) y de… Pauline, la amada esposa de Richard Strauss, dedicataria de numerosos Lieder, desde el opus 27 —ciclo de 1894 concebido como regalo de bodas— hasta los últimos Vier letzte Lieder de 1948.Bajo la flexible batuta de Esa-Pekka Salonen, la Philharmonia Orchestra envuelve la voz de acero de la soprano noruega con finura y elegancia. Como lo habrán adivinado, este álbum con su programa cuidadosamente concebido, oscila entre la juventud y la vejez donde rondan los fantasmas y la muerte. Podremos preguntarnos cómo puede expresar este mundo una intérprete treintañera dotada de un timbre poderoso, una salud radiante y con toda la vida por delante. La respuesta reside en la voz de Lise Davidsen que se eleva con las golondrinas como una promesa de inmortalidad, la de la música del último Strauss mirando, por última vez, hacia atrás en una Europa en ruinas.Descubierto en 1984 tras la muerte de su dedicataria, la cantante Maria Jeritza, quien lo había conservado en secreto, Malven (Malvas) es el verdadero «último Lied» de Richard Strauss. Por su tono más liviano, destaca entre los Vier letzte Lieder con los que tendría acaso que formar un ciclo, y lo oímos aquí en una orquestación de Wolfgang Rihm. © François Hudry/Qobuz

Atención, espléndida novedad dedicada a las joyas de la música francesa moderna. La obra coral de Maurice Duruflé tiene su origen en el canto gregoriano, en sus curvas melódicas y salmódicas que el compositor combinó con la nueva estética francesa heredada de Gabriel Fauré y Claude Debussy, con sus líneas claras y sus características fricciones armónicas. El resultado es una música de increíble simplicidad. Aunque esta búsqueda de la pureza pudiera parecer en un primer momento desconcertante, lo cierto es que estaba ligada a todo un movimiento estilístico del siglo XX (absolutamente no neoclásico) que intentaba volver a una cierta esencia del arte musical recurriendo a los orígenes, separándose de todos los oropeles del teatro y el espectáculo, y alejándose de esta tendencia a la abstracción pura que subyace en gran parte de la creación musical después del conflicto de los años 1939-45.¿Canto gregoriano como «madre» de toda la música? Muy probablemente. Al final, la obra de Duruflé quiere imponer una forma de serenidad y dulzura que se hace eco de una tendencia contemporánea, todavía emergente pero bien establecida, preocupada por la armonía y las atmósferas un poco hechizantes, en busca de la comunión de los espíritus.El coro de cámara de Houston, poco presente en la escena discográfica, aborda las obras del compositor francés con voces de una bella pureza, y la generosa acústica del Edythe Bates Hall de Rice University anima al director Robert Simpson a un fraseo amplio, con una original expresividad en estas obras ya de por sí expresivas, lo que hace de esta grabación –tan conmovedora como las anteriores grabaciones del compositor (en Erato)–, una puerta de entrada ideal a este universo hipnótico (Messe «Cum Jubilo»).Cabe señalar que el catálogo de obras de Duruflé, a pesar de su relativamente larga vida, incluye solo catorce números de opus referenciados, siendo el último el Notre Père (¡noventa segundos de música!) escrito especialmente para la Iglesia católica y muy pocas veces interpretado debido a su gran dificultad de ejecución. Esta presencia involuntaria del número 14 convierte la obra de Duruflé en una búsqueda continua de logro y perfección. Este lanzamiento del Houston Chamber Choir se convierte también en una oportunidad adicional para redescubrir uno de los secretos mejor guardados de la música francesa del siglo XX. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

Para su primer álbum de recital con orquesta, la joven soprano franco-danesa Elsa Dreisig imaginó presentar, reflejándose en espejos, cinco parejas de arias con relaciones ambiguas. Se crean así, intencionalmente, formidables contrastes entre estilos musicales y momentos dramáticos, épocas históricas y vocalidades: clasicismo y romanticismo se completan, terror y deleite se contestan, surgiendo de esta manera todas las facetas del alma femenina. La primera «pareja» utiliza espejos reales, en los que se admiran Margarita del Fausto de Gounod y Thaïs en la ópera epónima de Massenet. Aparecen luego Manon Lescaut retratada por Puccini, y Manon (sin Lescaut) imaginada por Massenet. La siguiente pareja está formada, en un paralelismo algo atrevido, por la Julieta de Daniel Steibelt, compositor alemán de la primer época romántica, un poco olvidado hoy, y la Julieta de Gounod. Elsa Dreisig prosigue con dos célebres personajes femeninos que acompañan a Fígaro: la deliciosa Rosina del Barbero de Rossini que se convierte en la desamparada Condesa de las Bodas de Mozart. Finalmente, y de manera todavía más atrevida, la soprano acaba su recital con la Salomé de Herodías de Massenet, tierna muchacha que no pide en absoluto recibir en bandeja ninguna cabeza –y mucho menos la de Juan– y la princesita de Strauss con sus delirios sanguinarios. Acaso para evitar toda tentativa de equiparación con otras grabaciones ya existentes, Elsa Dreisig escoge la versión francesa de 1907 – y recordamos que la obra de Oscar Wilde fue concebida originalmente en francés. He aquí uno de los abanicos más extraordinarios que puede uno imaginarse para un primer recital discográfico. Dreisig está acompañada por la Orquesta de Montpellier que dirige Michael Schønwandt. © SM/Qobuz

Sí, aún es posible descubrir una partitura de Bernstein, o más bien la versión de cámara de A Quiet Place, adaptada por Garth Edwin Sunderland y dirigida y grabada por primera vez por el director de Orquesta de Kent Nagano, en la Maison Symphonique de Montréal. La última partitura escénica del compositor estadounidense estrenada en la Houston Grand Opera en 1983, fue revisada por el libretista Stephen Wadsworth y el compositor agregó varios fragmentos de la obra en un acto Trouble in Tahiti, 1951, dando lugar a dos nuevas creaciones (Scala de Milán y Washington). La nueva versión, definitiva, fue estrenada en la Ópera de Viena, bajo la dirección del compositor en 1986. Fascinante en más de un sentido, una especie de Intermezzo de un Strauss contemporáneo, la obra representa la sociedad estadounidense a través de la soledad y la crisis existencial de una pareja (Trouble in Tahiti) y luego una familia. Bernstein recurrió a Mahler para la estructura, con un movimiento final de «noblesse grave» que recuerda a la Tercera y la Novena Sinfonía de su venerado maestro. Como marca de la casa, la mezcla de estilos (jazz, coro antiguo, Broadway, Mahler, Berg, Britten, Copland...) provoca un cóctel detonante, que la hace parecer más una conversación musical que una gran ópera, lo que paradójicamente hace que esta obra sea tan especial... y entrañable. Para redescubrir, bajo la batuta del ex alumno y fiel Kent Nagano a la cabeza de unos cantantes solistas de alto vuelo, y entender cuál es este «lugar tranquilo» donde «el amor nos mostrará la armonía y la gracia». © Franck Mallet/Qobuz

Canadiense de treinta y un años, Jean-Michel Blais no es ningún desconocido en la escena contemporánea neo-clásica. Tras un primer álbum sobriamente intitulado «II», publicado por Caroline Distribution, nos propone hoy una nueva serie de piezas (en su mayoría distribuidas por separado estas últimas semanas) que poseen un lirismo irresistible. Sobre su piano convertido en caja de músicas, viaja siguiendo el capricho del céfiro, hasta orillas donde lo conduce su insaciable creatividad. En el centro del álbum, Blind, quizá el título más seductor de los cuarenta y cinco minutos (aunque sourdine…), nos sumerge, mezclando los sonidos acústicos con las máquinas, en lo ideal de una música relajante y aterciopelada. Una obra como god(s) nos lleva a otra parte, a la iglesia quizá, pero la presencia de capas sonoras indica que los verdaderos dioses de Jean-Michel Blais no son acaso lo que creíamos. igloo hubiera podido ser un título espacial y totalmente panteísta, pero el «iglú» descrito por Blais −que sabe ser caustico cuando quiere− sugiere ante todo estas ciudades contemporáneas, llenas de «cavernas», donde todo se superpone.El nombre de Blais nos evocará, de ahora en adelante, sabores sonoros singulares. Contiene algo de esta melancolía amarga y sin embargo fraternal, dulce y sensual, que recorre gran parte de la creación musical norteamericana, esta melancolía que impregna tanto los grandes espacios sonoros de Copland (Quiet City) o Bernard Hermann (Las Nieves del Kilimanjaro) como las figuras obstinadas de un Steve Reich (The Four Sections) o las volutas aéreas de uno de los representantes más imaginativos de la escena pop canadiense como Patrick Watson −pensamos en su Lighthouse, en la que encontramos este mismo concepto del instrumento, como desembarazado de sus martillos.Jean-Michel Blais suspende su tiempo con discreción pero con tenacidad, bajo una máscara elegante: sus citas (la cautivadora melodía del movimiento lento del Segundo Concierto de Rajmaninov, por ejemplo en la obra roses) nos permiten percibir apacibles y felices paisajes. Blais nos tiende la mano. La cortesía nos incita a aceptar la invitación. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

Nowadays it might seem rather strange to describe a composer as a “singing master”, but, during the eighteenth century, this was not the case at all. In Italy, almost every composer worthy of the name wrote opere serie (Porpora wrote at least forty- ve): serious opera was the dominant musical genre, glorifying the human voice above everything else. It was the maker or breaker of musical reputations, with its nest singers the rst superstars of music. Therefore composers, though generally eclipsed by the fame of their leading men and women, needed to understand the human voice and all its remarkable capabilities, both technical and histrionic, in order to be able to exploit the possibilities of the operatic form at a time when those “machines made for singing”, the castrati, had brought the vocal art to a pitch of perfection never known before, nor equalled since. Though this recording is bringing Porpora’s name to public attention again on the 250th anniversary of his death, his fame as a singing teacher has probably obscured, until recently, his remarkable qualities as a composer, quite simply because two of the most famous castrati were among his many pupils, namely Gaetano Majorano, known as Caffarelli, whom Porpora once called “the nest singer in Europe”, also famed for his amorous antics and arrogance on- and off-stage, and the even more celebrated Carlo Broschi, who, under his stage name of Farinelli, amazed audiences and set hearts a- utter for fteen years throughout Europe, before being called to Spain to heal a crazed King by the power of his voice. Max Cencic remarks: “Porpora was a severe teacher, I think, maybe almost sadistic in his demands — you need 120% control of breath, brain and voice”. Legend indeed has it that he taught Caffarelli one page of exercises, and those alone, for six years. The formal alternation of aria and recitative in opera seria conceals a great range of emotional expression, that varietas that Erasmus famously described as “so powerful in every sphere that there is absolutely nothing, however brilliant, which is not dimmed if not commended by variety”. In such forms as the orid aria di bravura or the lyrical aria di sostenuto, the composer’s fantasy only provided a framework for the singer to embroider: the performer’s skill in ornamentation and other emotional devices was of paramount importance. Porpora’s many years of both teaching and composing experience made him, in Max Cencic’s opinion, “one of the top ten composers of Italian Baroque opera. I chose the arias for this recording almost by instinct, by what ‘felt right’. There is no way one can encompass a composer of such quality in one album, and each piece is a treasure in its own right. Though technical display is everywhere — leaps, rapid scales, trills, long phrases — Porpora’s special and utterly captivating melodic gift always shines through.” The arias are all taken from works composed at the height of Porpora’s fame, from Ezio (Venice 1728; “Se tu la reggi al volo” is a semiquaver spectacular) to Filandro (Dresden 1747, with a ravishing siciliano in “Ove l’erbetta tenera, e molle”), including three of the operas he composed for London during the 1730s, in direct competition with Handel (Arianna in Nasso 1733, Enea nel Lazio 1734 — real reworks here in “Chi vuol salva” — and I genia in Aulide 1735). The Teatro San Carlo in Naples, perhaps the most famous of all opera houses at that time, saw the premiere of Il trionfo di Camilla in 1740, and the two arias recorded here show Porpora at his best: the music of “Va per le vene il sangue” evocatively matches its darkly suggestive text, while “Torcere il corso all’onde” combines rapid- re coloratura with elegance of line. In the three arias from Carlo il Calvo (Teatro delle Dame, Rome 1738) the singer is similarly called to match Porpora’s varietas with his own: from the scurrying oriture of “So che tiranno io sono” to the high-lying phrases of “Se rea ti vuole il cielo”, and the beguilingly hypnotic sostenuto of “Quando s’oscura il cielo”. Porpora’s orchestral writing is also remarkably varied, all the more so in that he generally uses only strings, nowhere better than in the elaborate lines of “Torbido intorno al core” from Meride e Selinunte (Venice 1726), where voice and violins entwine in an elaborate and emotionally suggestive web of divisions. However, sometimes he pulls out all the sonority stops, as in the martial “Destrier, che all’armi usato” where, at the rst performance in the Teatro Regio, Turin in 1731 trumpets and horns vied with the unmatchable power of the voice of Farinelli. As Max Cencic has said: “How can we emulate the great castrati? That is hard to pin down, but these voices were the very soul of Porpora’s music.” -Nicholas Clapton © 2018 – Decca Group Limited

Para su primera grabación, el Cuarteto Arod eligió a Mendelssohn, uno de los pilares del arte del cuarteto, en particular el Cuarto, en mi menor de junio de 1837, su obra maestra, más mozartiana que beethoveniana por su arquitectura y desarrollo, aunque reconocemos de la primera a la última nota la pluma de Mendelssohn. Si buscamos la influencia del Sordo genial, la encontraremos en el Cuarteto nº 2 Op. 13 de 1827, escrito poco después de la muerte de Beethoven, habiendo Mendelssohn descubierto, entre otras cosas, la magnitud de las innovaciones de su modelo. El álbum del Cuarteto Arod prosigue con las Cuatro piezas para cuarteto, agrupadas póstumamente como Op. 81 por Julius Rietz, sucesor de Mendelssohn en el puesto de director de la Gewandhaus, a partir de cuatro páginas independientes datando de épocas diversas. El álbum concluye con una re-escritura firmada por los Arod de un Lied, cantado por Marianne Crebassa y cuya temática recoge nota por nota varios pasajes de Beethoven, en un verdadero homenaje del joven compositor hacia su ilustre modelo. Recordamos la trayectoria meteórica del Cuarteto Arod que consiguió a pesar de su juventud –nació en 2013– un lugar destacado en la esfera mundial como lo demuestra la lista de las salas donde actuó: Philharmonie de París, Auditorium del Louvre, Teatro des Bouffes du Nord, Arsenal de Metz, y fuera de su Francia natal, Mozarteum de Salzburgo, Konzerthaus de Viena, Concertgebouw de Ámsterdam, Tonhalle de Zúrich, Wigmore Hall de Londres, y entre otros países, Japón (Tokio), Finlandia, Suiza... © SM/Qobuz

«Händel goes wild» suena como «Handel se suelta» y en efecto, hemos de reconocer que en este álbum firmado por Christina Pluhar, Handel se suelta a más no poder. La arpista, tiorbista y laudista austriaca agarró un puñado de arias, movimientos de conciertos y oberturas de Handel (y algo de Vivaldi) y los entregó no solo a los músicos barrocos del conjunto L’Arpeggiata, sino también a media docena de músicos de jazz de todos los estilos. Así, la relectura de las obras barrocas es sucesivamente manouche [o jazz gitano], klezmer, salsa, New Orleans, lounge, blues etc., que cada oyente podrá amar o detestar según su propio grado de adaptabilidad. Obviamente, el uso del clarinete y del piano en este lenguaje puede resultar desconcertante… El principio de Pluhar es sencillo: Handel recuperó, remodeló, alteró, maquilló, saqueó, reescribió, obras suyas y de otros compositores, siempre con su pluma inimitable y en el estilo de su época más inmediata. Siendo así ¿por qué no hacer lo mismo hoy día? En cualquier caso, esta mezcla de instrumentos y voces barrocas con instrumentos y géneros musicales del siglo XX es de lo más alucinante. Entre los artistas invitados, cabe señalar al clarinetista Gianluigi Trovesi, al pianista Francesco Turrisi y al contrabajista Boris Schmidt en el ámbito del jazz, y también al contratenor Valer Sabadus y a la soprano Nuria Rial. © SM/Qobuz