Qobuzissime

El encanto, la atracción y la seducción son sensaciones que a menudo son explotadas en la música. Con Kesiena Ukochovbara –alias Wayne Snow– la seducción es natural, espontánea, una evidencia. Porque sólo se necesitan unos segundos para dejarse embrujar y rendirse al neo-soul ultrasensual de este fascinante artista nigeriano, criado en París y afincado en Berlín. Con una nube de pop por aquí, unas comas de electro por allá y algunos puntos de jazz (Oscar Jerome, guitarrista del grupo Kokoroko, forma parte del proyecto), el álbum, titulado Figurine, retuerce los códigos del R&B moderno con pequeños y hábiles toques. Producido por el francés Crayon para el sello Roche Musique, el álbum es un vasto mosaico de texturas sonoras de ayer, hoy y mañana. Es como una banda sonora afrofuturista que transporta el legado de Marvin Gaye y Sade a nuevas galaxias. Con Figurine, Wayne Snow se lanza a la conquista de su propia identidad cultural y musical, en respuesta a las grandes cuestiones de nuestro tiempo. Y su atractivo es totalmente natural: este soulman nunca suena como el enésimo clon de Frank Ocean. Wayne Snow es un músico original y su disco es simplemente fenomenal. © Marc Zisman/Qobuz

¡Atención, artista fenomenal! Tras el nombre de Naia Izumi se esconde un joven superdotado que transmite un groove polifacético, un virtuoso multi-instrumentista que se inspira en la historia de la música soul, pero también en el rock y el jazz fusión. Diagnosticado con autismo a los 16 años, este nativo de Georgia se instaló en California y rápidamente centró su atención en la cultura, leyendo docenas de libros y aprendiendo varios instrumentos, la guitarra en particular. En 2018, Naia Izumi ganó el Tiny Desk Contest organizado por NPR, lo que atrajo la atención de todos los sellos, dispuestos a fichar a este músico extraterrestre de personalidad entrañable, capaz de tocar tanto el bajo como la batería, la mandolina e incluso el koto, el instrumento de cuerda pulsada utilizado en la música tradicional japonesa.Y para hacer su universo aún más singular, Izumi cita las influencias evidentes de Stevie Wonder, Lauryn Hill y Musiq Soulchild, pero también, más raramente, de los maestros de la música progresiva King Crimson y sobre todo del guitarrista de jazz John McLaughlin, cerebro de Shakti y de la Mahavishnu Orchestra. Hay elementos claros que caracterizan sus canciones, con esas construcciones de acordes etéreos y melodías arpegiadas que abrazan su volátil y ligera voz soul. En cuanto a la técnica y el virtuosismo, el principal método de Naia Izumi para tocar su Fender Jazzmaster del 64 es el tapping, más que el clásico punteo. Pero esta complejidad estilística e instrumental nunca impide que su música sea humana, orgánica y, sobre todo, sensual. En A Residency in the Los Angeles Area todo resulta fluido, profundo, agraciado. La caricia de un groove salvador que parece querer curar las heridas de este maltrecho mundo. © Mark Zisman/Qobuz

Con sólo veintidós años, Erika de Casier –nueva revelación de la escena mundial del R&B– publica Sensational, un álbum que recuerda a lo mejor del género y a las divas de los 90 que tanto nos hicieron soñar. ¿Y si el futuro del R&B residiera en la dulzura? Una revelación anunciada: Erika de Casier y Ramos Lizardo (este es su nombre completo), forma parte del plantel del sello británico 4AD desde octubre de 2020...Sensational es su segundo álbum, tras Essentials, publicado en el sello Independent Jeep Music, en 2019. Nació en Portugal, de madre belga y padre caboverdiano. La familia se trasladó después a Dinamarca, a Aarhus, y durante sus años escolares fue víctima del racismo diario. Tras pasar un año en Estados Unidos como au pair, regresó a Dinamarca, se unió a un coro y luego empezó a producir música por su cuenta. En ese momento, tenía diecisiete años. En 2014, formó un dúo de R&B con Andreas Vasegaard, llamado Saint Cava. Participaron en el Festival de Roskilde en 2015 y, antes de separarse, publicaron algunos temas en el sello danés Forbandet Ungdom. También colaboró con el colectivo electrónico danés Regelbau. En 2017, lanzó su primer tema en solitario, What U Wanna Do? seguido de un segundo, Intimate. Su primer álbum, Essentials, recibió un montón de críticas favorables y acabó entre los mejores discos del año en varias listas recopiladas por Vice, Crack Magazine y Gorilla Vs. Bear. En abril de 2020, remezcló el tema Physical de Dua Lipa para un EP de la artista estadounidense. Ya bajo el radar de 4AD, los acontecimientos se sucedieron rápidamente. Lanzó varias canciones, ahora incluidas en este álbum, como No Butterflies, No Nothing, y The Fader, un tema ungido como uno de los mejores del año 2020. En abril de 2021, lanzó más canciones, Drama y Polite. Mientras que un cuarto single, Busy, fue lanzado en mayo de 2021.Y, por último, aquí está el álbum, Sensational, que consta de trece temas. Por encima de todo, este álbum es un verdadero y gran retorno a lo que hizo que el género R&B tuviera éxito, con un toque pop, en los años 90. Al escuchar a Erika de Casier, uno no puede evitar pensar en las cantantes que marcaron el R&B americano de la época, como Toni Braxton, Janet Jackson, Aaliyah, Monica, TLC. Y más concretamente, nos lleva a pensar en una artista en particular, quizás un poco olvidada hoy en día: Brandy. Y su gran éxito, The Boy Is Mine, a dúo con Monica. De hecho, al igual que en el éxito de Brandy, encontramos esta voz tan clara, pura y en cierto modo desprendida, volando despreocupadamente sobre ritmos lentos y tranquilos, sobre melodías vaporosas, con una presencia puntual y delicada del arpa. Esta sensación se hace aún más evidente en un tema como Someone To Chill With. Esta vuelta a la delicadeza y a la intimidad es realmente bienvenida, en un entorno de R&B americano donde la vulgaridad es a menudo la tónica, y donde las referencias a la pornografía, ni siquiera demasiado ocultas, se han convertido en la norma (basta pensar en las diversas Nicki Minaj, Cardi B, Megan Thee Stallion, Doja Cat, etc...). Los trece temas de Sensational se suceden como las perlas de un mismo collar, con una coherencia que confiere al álbum una unidad incuestionable. Un álbum que puede conmocionar la escena del R&B, sacando su originalidad de esta dulzura venida de otra década, para una mejor música urbana. © Yan Céh/Qobuz

La voz de una generación. Se decía de Bob Dylan, que no quería ni oír hablar de eso... Anaïs Oluwatoyin Estelle Marinho –aka Arlo Parks– reaccionó de la misma manera cuando fue etiquetada como portavoz de la Generación Z (los nacidos entre 1997 y 2010) tras su EP de 2019, Super Sad Generation. Una vez que dejamos de lado este guiño del marketing, podemos disfrutar sin más distracciones de Collapsed in Sunbeams, su brillante álbum de debut, donde la artista se mueve entre el R’n’B vaporoso, el pop ligero y el neo trip-hop. Probablemente estemos ante el álbum más profundo del inicio de 2021... Antes de escribir canciones, esta cantante londinense nacida en Chad y con raíces francesas y nigerianas escribía sobre todo poesía. Como gran admiradora de Sylvia Plath, Ginsberg y Nabokov, se sintió rápidamente atraída por la escritura, con una gran pasión por contar historias –a menudo personales– incluso antes de ponerles música. Con Collapsed in Sunbeams (un título extrapolado de las páginas de la novela Beauty de Zadie Smith), Arlo Parks enfatiza esta pasión literaria, transfigurándola completamente en música. Y consigue tratar temas como la separación sentimental (Caroline), el amor no correspondido (Eugene) o el alcoholismo (Hurt), con una delicadeza e inteligencia poco comunes. Sus melodías agridulces acompañan a unas letras a menudo melancólicas, a veces tristes, con una energía visceralmente pop. Un tira y afloja apoyado en una voz hipnótica que recuerda a la de la antigua colaboradora de Tricky, Martina Topley-Bird, así como a la de Lily Allen o la de Jorja Smith. Con sólo 20 años, Arlo Parks no está de paso. Probablemente estará en el punto de mira durante muchos años. Una verdadera revelación. © Marc Zisman/Qobuz

¿Era mejor la música soul en el pasado? ¡Claramente no! Esta respuesta nos la confirma el primer álbum de Aaron Frazer. Antiguo baterista y segundo vocalista de Durand Jones & the Indications, este joven soul brother de Baltimore y residente en Brooklyn lanza ahora su carrera en solitario con Introducing..., un trabajo impecable con sabor vintage (pero no demasiado), confiado a las manos del omnipresente Dan Auerbach. En el Easy Eye Sound Studio de Nashville – la guarida de los Black Keys –, el falsete celestial de Frazer, tan influenciado por Smokey Robinson y Curtis Mayfield, resuena a la perfección. Consciente y apasionado como todos los grandes cantantes de soul de los años 50 y 60, hace fantásticos malabares tanto con canciones de amor puro como con temas comprometidos, todo ello con una facilidad desconcertante. Su voz suave es como un susurro divino, moderno y al mismo tiempo intemporal. Como el elenco transgeneracional que lo acompaña, compuesto por viejas glorias como los Memphis Boys  – grandes músicos que firmaron Son of A Preacher Man de Dusty Springfield y (You Make Me Feel Like) A Natural Woman de Aretha Franklin –, y los jóvenes virtuosos de la escudería de Daptone - Big Crown Records... Gospel, doo-wop, funk y soul norteño (con Over You y su adictivo ritmo up-tempo), Frazer incluso evoca los espíritus de Marvin Gaye y de Gil Scott-Heron en la persuasiva y funky Bad News. Frazer conoce y domina los clásicos sin llegar a ser nostálgico. Y su magnífico Introducing... es a todos los efectos un álbum de 2021, no de 1961. Como sus contemporáneos Mayer Hawthorne o Curtis Harding, Aaron Frazer logra trasladar a nuestro tiempo su pasión por la gran música del pasado. Sabe que la belleza del soul reside en el hecho de que es una música que puede llorar contigo, regocijarse contigo, mientras te hace querer bailar o ser más consciente del mundo que te rodea. Ya sea 1961 o 2021. © Marc Zisman/Qobuz

Con Goldress, su primer EP lanzado en 2019, Alban e Yvan Murenzi – alias YellowStraps – ya habían mostrado un nivel muy alto. Incluso la imagen de cubierta era particular: los dos hermanos posaron como colegiales bien educados, directamente en sus overoles, con sus cabezas envueltas en una especie de capucha de satén dorado. Y, por supuesto, ahí estaban los ocho temas: bien construidos y bien pensados y rebosantes de neo-soul, en la línea de los Maverick Sabre, Daniel Caesar o King Krule, en el estilo de la pululante nueva escena soul británica que, liderada por Jordan Rakei, fue capaz de combinar nu soul, chill y jazz con refinamiento y precisión. Demostrar una madurez tan grande a una edad tan temprana es algo raro. Pero hay que decir que los dos hermanos, que se criaron en Uganda pero pronto llegaron a Bélgica, llevan mucho tiempo en la escena de Bruselas – junto con Roméo Elvis y el renombrado productor Le Motel – y ya han tenido varias satisfacciones.El confinamiento de la primavera de 2020 fue para ellos más una inspiración que un obstáculo, y de hecho se impusieron componer una canción al día, multiplicando sus colaboraciones a distancia. Un reto ganado, sin duda, sobre todo porque los dieciséis temas del Yellockdown Project contienen verdaderos tesoros, con invitados de diferentes ambientes musicales pero bien arraigados en la vanguardia del neo-soul y el rap. Por ejemplo, podemos encontrar a los parisinos Crayon y Lord Esperanza, o al californiano Jae Luna. Este trabajo amplía el rango de posibilidades y lleva este tipo de mezcla sonora a un nivel superior. Nótese que, en comparación con Goldress, los hermanos Murenzi han decidido usar también el idioma francés, como en Raison, Visage, Frissons y Si tu savais. Este álbum Qobuzissime es una verdadera joya que revela un enorme potencial, que devuelve a Bélgica y su próspera escena al tablero musical. © Charlotte Saintoin/Qobuz

Más de 10.000 kilómetros separan Khartoum de Cleveland. Una distancia superada en dos suspiros por Brittney Parks alias Sudan Archives en su espléndido primer álbum, Athena. A sus 24 años, esta norteamericana autodidacta procedente de Ohio construye puentes sólidos y originales entre los sonidos de ambos continentes. Y su soul contemporáneo, lánguido y onírico, no se parece a ningún otro… El violín, instrumento predominante en la música sudanesa que ella ama tanto, es su herramienta favorita, con un sonido que envuelve en toques electrónicos y suaves ritmos de hip hop. En 2016, Sudan Archives incluso realizó una versión del tema King Kunta de Kendrick Lamar (rebautizado Queen Kunta) solamente con su voz, su violín y un pequeño pedal de efectos. Sus inusuales fusiones musicales nacieron de la revelación que esta artista ahora basada en Los Ángeles experimentó al escuchar las grabaciones del camerunés Francis Bebey, músico ya desaparecido que mezclaba sonidos africanos con música electrónica minimalista. En Athena, editado en Stones Throw, un excelente sello californiano creado por Peanut Butter Wolf especializado en rap underground y funk alocado, Sudan Archives recoge el testigo de reinas del soul underground como Erykah Badu o Solange, pero mostrando su propia originalidad. Su R&B afro-futurista, que superpone capas y capas de sonidos vanguardistas, la diferencia claramente de la competencia. Toda una sorpresa, contundente pero dulce. © Marc Zisman/Qobuz

¿Qué sé hacer realmente bien? ¿Cómo gestionar la herencia de todos quienes me han influido? ¿Y cuál será mi legado? Tales son las abstrusas cuestiones metafísicas que Jamila Woods se ha planteado en el momento de abordar su segundo álbum, lógicamente bautizado Legacy! Legacy!, por lo demás ¡disco Qobuzissime! Tres años después de Heavn, la soul sister de Chicago ha reunido doce canciones tituladas con el nombre de un artista importante para ella. Músicos, pintores, escritores, activistas y poetas, todos ellos en inmejorable revoltillo. Y los afortunados que han pasado la criba son Betty Davis, Zora Neale Hurston, Νikki Giovanni, Sonia Sanchez, Frida Kahlo, Eartha Kitt, Miles Davis, Muddy Waters, Jean-Michel Basquiat, Sun Ra, Octavia Butler y James Baldwin. Nada aquí suena impostado o excesivamente didáctico, porque esta joven afroamericana tan ligada a su Chicago natal ha esquivado el homenaje directo, optando por un tipo de cita bastante más sutil, un poco «a la manera de». Sin apartarse un centímetro, por supuesto, de su propio estilo, ¡el de poetisa los días pares (es directora artística del YCA, centro dedicado a la joven poesía), intérprete musical los impares y profesora los festivos! Y, como digna heredera de Erykah Badu y Lauryn Hill, sabe cómo envolver sus letras en un groove ultraelegante, de hechuras nu soul actualizadas. En lo referente a invitados, Jamila Woods ha apostado por la economía local y solidaria, llamando a amigos mayormente procedentes del underground de la Windy City: el trompetista Nico Segal, los MC's Saba y Nitty Scott, theMIND, Jasminfire… De este modo, la protegida de Chance The Rapper amalgama a lo largo de 49 minutos, con enorme clase e inteligencia, compromiso y entretenimiento, agitación y groove. Un trabajo pluscuamperfecto. © Marc Zisman/Qobuz

El debut del proteico XamVolo resulta verdaderamente sorprendente. Con solo 23 años este londinense –residente ahora en Liverpool– llena este All the Sweetness on the Surface del soul más delicado trufado de jazz y pop, como el que destilaba muy bien en sus dos EP precedentes, Chirality (2016) y A Damn Fine Spectacle (2018). Un sonido sofisticado que se despliega a lo largo de quince temas de lo más heterogéneo. Pero aunque el paisaje cambie de continuo, permanece siempre esa voz cálida que desgrana cada sílaba como con aparente desgana. Ciertamente, vale la pena perderse en las voluptuosas curvas R&B dibujadas mediante unos cuantos riffs de guitarra, algunos sintetizadores distantes, unos coros alelados y un tempo lento en la deliciosa Lose Love. Y a destacar, también, los metales jazzy preciosamente definidos de Feel Good, que samplea el Thelonious de Thelonious Monk, o el soul perfectamente barnizado de Old Soul. Oculto tras sus redondas gafas de sol, Samuel Akinlolu Folorunsho ha confeccionado un perfecto ambiente neosoul ante el que solo cabe caer rendidos. © Charlotte Saintoin/Qobuz

On his ambitious sophomore set, London native Michael Kiwanuka expands outward from the warm retro-soul of 2012 debut, Home Again. With its trio of producers and transatlantic recording locales, Love & Hate arrives with the weight of high expectations. Announcing his intentions from the start, Kiwanuka challenges listeners with "Cold Little Heart," an exquisitely arranged, ten-minute opus of lush strings and elegant backing vocals whose first line doesn't arrive until the halfway point. It's a Homeric bit of heartbroken prog-soul that shows off its creator's lead guitar chops as much as his rich, sandy voice. Co-produced by Danger Mouse and Inflo, it also introduces the heavy tonal palette that runs through the remainder of the album's ten tracks, even those produced by Kiwanuka's longtime collaborator, Paul Butler. Where Home Again was ultimately an intimate and gentler affair, Love & Hate puts some distance between singer and audience as he offers his worldweary introspections against the framework of '70s R&B, funk, and spaced-out rock. The timely social commentary of lead single "Black Man in a White World" feels lonesome and heavy in spite of its uptempo, hand-clapped rhythm and nimble guitar groove. Throughout the album, the space between parts is somehow wider, yet each tambourine hit, backing vocal, or funky guitar lick feels darker and more severe. The mildly psychedelic title cut is a mid-album standout whose slow-burning swagger and epic seven-minute length is countered by the tight, punchy "One More Night." Overall, Love & Hate has very little of the breezy, quietly strummed charm of its predecessor, but it represents serious growth from an artist deliberately pushing his boundaries. With this release, Kiwanuka has delivered a dark, graceful, and affecting artistic statement that is worth the patience it takes to experience it. © Timothy Monger /TiVo