Discoteca Ideal Qobuz

¡Ojo! o mejor: ¡OÍDO! He aquí una de las mejores grabaciones de André Previn realizadas durante los años 1960 en Londres, época en la que el director norteamericano estaba en estado de gracia. Aquí, la London Symphony Orchestra, galvanizada, en el corazón de su repertorio, suena con una belleza inaudita: los metales eléctricos (¡escuchemos el Scherzo!), la madera siempre poética, la cuerda con una rítmica implacable… Entre las mil y una cualidades que sitúan esta grabación por encima de las demás, señalamos los tempos rapidísimos y siempre controlados con los que André Previn puede desplegar el gran sentido arquitectónico de Walton con una naturalidad inédita –magnífica coda del Allegro assai inicial. Esta interpretación borra casi totalmente las influencias de Sibelius o Hindemith y destaca la verdadera singularidad de la orquestación y de la gestión del tiempo musical que revela la naturaleza exacta de la partitura: un ovni en el paisaje inglés de los años 1930. El logro es aún más notable en esta obra grabada los 26 y 27 de agosto de 1966 –el director ofrecerá una segunda versión con la RPO para Telarc– cuando sabemos que Previn empezó más o menos en esta época, y con los mismos músicos, una integral de las sinfonías de Ralph Vaughan Williams que carece de la más mínima vena poética, viéndose acaso afectada por la transparencia analítica que sin embargo enaltece esta Primera de Walton. Previn grabará igualmente con la LSO la Segunda de Walton, para EMI, unos años más tarde. Podemos además saborear la toma de sonido superlativa realizada por los equipos de la Decca bajo la dirección de James Lock. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

Cómo no entusiasmarse por esta celebérrima versión de Cavalleria Rusticana grabada durante los años 1960 por un Karajan en el apogeo de su arte con los más grandes artistas de una época bendita por los dioses del gran arte lírico. Mascagni dirigido por Karajan parece igualar el genio de Mozart o Verdi. Bajo esta batuta, la orquesta de la Scala de Milán suena con una opulencia casi berlinesa y un arte del legato untuoso. Admiraremos una vez más la belleza del timbre de Carlo Bergonzi, su delicioso acento parmesano y, sobre todo, la intensidad a la vez trágica, poética y llena de fuego que trasmite al personaje de Turridu. Con su personalidad, y su voz radiante, Bergonzi sobrepasa por mucho sus partenaires, a pesar de la presencia volcánica y la voz inmensa de Fiorenza Cossotto. La calidad sonora es parte integrante del placer sentido a cada nueva escucha de esta grabación archiconocida y muy celebrada gracias a una técnica estereofónica prácticamente perfecta en cuanto al equilibrio entre voces y orquesta. Este «disco clásico» no puede envejecer.Inseparable de su melliza Cavalleria Rusticana de Mascagni, el drama de Leoncavallo encuentra en esta célebre grabación, realizada en 1965 en la Scala de Milán, una interpretación que, habiendo marcado varias generaciones, se escucha todavía hoy con admiración y respeto. En primer lugar, gracias a la extraordinaria encarnación de Carlo Bergonzi dando al papel de Canio la imagen de una humanidad ridiculizada, de una intensa emoción. No podemos escuchar su gran aria «Vesti la giubba» sino temblando y apiadándonos de este hombre herido que, a pesar de su dolor, ha de hacer el payaso («pagliaccio» en italiano). Es la demonstración moderna del ensayo de Diderot sobre la paradoja del actor que hace reír mientras esconde su triste realidad bajo su máscara: «Ridi, Pagliaccio !» (¡Ríe, Payaso, de tu amor destrozado!) Con Karajan, aquí en la cima de su arte, la orquesta de la Scala suena en tecnicolor, magníficamente captada por la toma de sonido típica de los años 1960 que equilibra de manera ideal el coro, los cantantes y la orquesta. Karajan insufla una intensidad casi wagneriana al célebre Intermezzo orquestal que precede el desenlace de un drama más exacerbado aún por el intenso sol de Calabria. © François Hudry/Qobuz

Este célebre álbum monográfico dedicado a Aaron Copland es también el alegre símbolo de la amistad que unió de por vida al joven Bernstein de diecinueve años con uno de los grandísimos compositores norteamericanos. Ambos músicos, separados por una diferencia de dieciocho años, se conocieron en el campus de Harvard durante un espectáculo de danza contemporánea. Frente a Copland, compositor respetado, Leonard Bernstein no era sino un glorioso desconocido rebosando de talentos y proyectos. El mayor iba a respaldar al joven recomendándolo, entre otros, al Curtis Institute, luego al Festival de Tanglewood. Agradecido, Bernstein tocará toda su vida la música de Copland por afecto y también por auténtica pasión. Publicado en 1962, este LP reagrupa tres ballets.Appalachian Spring (Primavera en los Apalaches), obra compuesta en 1944 para Martha Graham, cuenta la historia de los pioneros norteamericanos con numerosas canciones populares de la época, entre otras Shaker Dance que sirve de enlace entre los ocho movimientos de la pieza. El Salón México [título original], puramente orquestal al inicio, es una representación idealizada de una sala de baile popular en México, aunque podemos percibir la influencia clara de Stravinski. En esta obra basada en partituras que Copland compró in situ, escuchamos varios estilos de música, de la más popular a la más erudita. Music for the Theater, de 1925, una suite de pequeñas piezas inspiradas por el jazz, provocó un buen escándalo en las salas de concierto conservadoras de los Años Veinte. © François Hudry/Qobuz

Aunque el álbum debut de 1955 de Glenn Gould, Goldberg Variations de Bach, ha alcanzado el estatus de legendario, hay muchos fans devotos que consideran que la grabación de 1981 está a la misma altura, incluso aunque ofrezca una interpretación radicalmente distinta. En esta ocasión los tempos de Gould son más lentos y más acompasados y también difiere la ejecución de las repeticiones. La interpretación de 1981 es reflexiva y cuidada, en contraposición a la brillantez técnica y la energía impulsiva de la primera. El zumbido de fondo de Gould es común a ambos Goldberg y, aunque existía tecnología para eliminarlo, Gould lo mantuvo por miedo a perder la plenitud del sonido del piano. Esta excentricidad puede ser desagradable, pero existen tantos aspectos excelentes en la interpretación de Gould que debe pasarse por alto para poder apreciar el verdadero valor de su música y su comprensión de Bach, la cual resulta original desde cualquier punto de vista. © TiVo