Discoteca Ideal Qobuz

Cómo no entusiasmarse por esta celebérrima versión de Cavalleria Rusticana grabada durante los años 1960 por un Karajan en el apogeo de su arte con los más grandes artistas de una época bendita por los dioses del gran arte lírico. Mascagni dirigido por Karajan parece igualar el genio de Mozart o Verdi. Bajo esta batuta, la orquesta de la Scala de Milán suena con una opulencia casi berlinesa y un arte del legato untuoso. Admiraremos una vez más la belleza del timbre de Carlo Bergonzi, su delicioso acento parmesano y, sobre todo, la intensidad a la vez trágica, poética y llena de fuego que trasmite al personaje de Turridu. Con su personalidad, y su voz radiante, Bergonzi sobrepasa por mucho sus partenaires, a pesar de la presencia volcánica y la voz inmensa de Fiorenza Cossotto. La calidad sonora es parte integrante del placer sentido a cada nueva escucha de esta grabación archiconocida y muy celebrada gracias a una técnica estereofónica prácticamente perfecta en cuanto al equilibrio entre voces y orquesta. Este «disco clásico» no puede envejecer. Inseparable de su melliza Cavalleria Rusticana de Mascagni, el drama de Leoncavallo encuentra en esta célebre grabación, realizada en 1965 en la Scala de Milán, una interpretación que, habiendo marcado varias generaciones, se escucha todavía hoy con admiración y respeto. En primer lugar, gracias a la extraordinaria encarnación de Carlo Bergonzi dando al papel de Canio la imagen de una humanidad ridiculizada, de una intensa emoción. No podemos escuchar su gran aria «Vesti la giubba» sino temblando y apiadándonos de este hombre herido que, a pesar de su dolor, ha de hacer el payaso («pagliaccio» en italiano). Es la demonstración moderna del ensayo de Diderot sobre la paradoja del actor que hace reír mientras esconde su triste realidad bajo su máscara: «Ridi, Pagliaccio !» (¡Ríe, Payaso, de tu amor destrozado!) Con Karajan, aquí en la cima de su arte, la orquesta de la Scala suena en tecnicolor, magníficamente captada por la toma de sonido típica de los años 1960 que equilibra de manera ideal el coro, los cantantes y la orquesta. Karajan insufla una intensidad casi wagneriana al célebre Intermezzo orquestal que precede el desenlace de un drama más exacerbado aún por el intenso sol de Calabria. © François Hudry/Qobuz

Esta bella reedición cumple un doble propósito al rendir homenaje a Claude Debussy muerto en 1918 y a Gérard Souzay nacido el mismo año en Angers. El barítono francés se vio muy afectado por el juicio negativo e inapelable de Roland Barthes en su famoso ensayo Mitologías publicado en 1957. Para el semiólogo, el arte de Gérard Souzay era «signalético» y representaba el arte burgués por excelencia; acusaba a Souzay de cantar los signos de la emoción y no la emoción misma. Podríamos evidentemente discutir largo y tendido el tema de la interpretación sobre-expresiva, tan opuesta al espíritu francés y a su gusto por la mesura y la discreción, pero le debemos agradecer a Gérard Souzay haber sido uno de los mejores representantes de la melodía francesa, que interpretó con pasión a lo largo de su carrera. En 1962, grababa este álbum y debutaba cantando Golaud en la Ópera de Roma, para los cincuenta años de Peleas y Melisande de Debussy, bajo la dirección de Ernest Ansermet, antes de cantarlo en París con el consabido éxito. El repertorio de Gérard Souzay no se limitaba a la melodía francesa, era también un intérprete de lieder muy apreciado en Alemania y Austria, particularmente en el Festival de Salzburgo. Sus grabaciones de los Lieder de Schubert han dado la vuelta al mundo. En 1956, Gérard Souzay creó el Canticum Sacrum de Stravinski, bajo la dirección del compositor, en la basílica de San Marcos en Venecia. Desde la primera melodía de Debussy, Beau soir, hasta las Fêtes galantes y Promenoir des deux amants, Gérard Souzay y Dalton Baldwin nos despliegan un inmenso mapamundi de emociones. Atento a las mínimas inflexiones de este universo fascinante y con una dicción inteligible, Souzay oscila entre el rigor y este ligero preciosismo que conviene perfectamente al arte supremo del artífice y de la armonía compleja. © François Hudry/QOBUZ/feb. 2018

Este célebre álbum monográfico dedicado a Aaron Copland es también el alegre símbolo de la amistad que unió de por vida al joven Bernstein de diecinueve años con uno de los grandísimos compositores norteamericanos. Ambos músicos, separados por una diferencia de dieciocho años, se conocieron en el campus de Harvard durante un espectáculo de danza contemporánea. Frente a Copland, compositor respetado, Leonard Bernstein no era sino un glorioso desconocido rebosando de talentos y proyectos. El mayor iba a respaldar al joven recomendándolo, entre otros, al Curtis Institute, luego al Festival de Tanglewood. Agradecido, Bernstein tocará toda su vida la música de Copland por afecto y también por auténtica pasión. Publicado en 1962, este LP reagrupa tres ballets. Appalachian Spring (Primavera en los Apalaches), obra compuesta en 1944 para Martha Graham, cuenta la historia de los pioneros norteamericanos con numerosas canciones populares de la época, entre otras Shaker Dance que sirve de enlace entre los ocho movimientos de la pieza. El Salón México [título original], puramente orquestal al inicio, es una representación idealizada de una sala de baile popular en México, aunque podemos percibir la influencia clara de Stravinski. En esta obra basada en partituras que Copland compró in situ, escuchamos varios estilos de música, de la más popular a la más erudita. Music for the Theater, de 1925, una suite de pequeñas piezas inspiradas por el jazz, provocó un buen escándalo en las salas de concierto conservadoras de los Años Veinte. © François Hudry/Qobuz