Música vocal profana

Hijo de uno de los Veinticuatro Violines del Rey, Nicolas Clérambault nació en Paris en 1676. Fue tan precoz que se le atribuye un motete para gran coro compuesto a la edad de trece años. Estudió con excelentes maestros y fue un joven colega de Guillaume-Gabriel Nivers, al que sucedió en 1714 en el puesto de organista de San-Sulpicio y en la Institución Real de San-Luis en Saint-Cyr. Aparte de un libro de clavecín y otro de órgano, Clérambault compuso numerosos motetes pero, ya en su tiempo, era sobre todo célebre por sus cantatas francesas: cinco libros con un total de veinte cantatas, además de cinco cantatas sueltas. Podemos seguir así su evolución, empezando por una escritura ornamentada cercana a la de sus maestros del siglo XVII para acabar con un estilo clásico puro que se convirtió pronto en el suyo propio. Apollon, «Cantata Para la Paz, a voz sola, y Sinfonía», escrita «Para el Rey», data de los últimos días del reinado de Luis XIV, afligido por guerras y hambrunas; Clérambault alaba al rey, a menudo representado como Apolo, mientras se hace voz del sentimiento general de los franceses: ¡la paz! La cantata El Celoso de 1710 sale del marco habitual: ninguna acción, ninguna alabanza, ni adulación, sino un ¡delicioso retrato de los celos! El plato fuerte del álbum es sin embargo Pyrame et Thisbé de 1713, cuyo tema proviene de Las metamorfosis de Ovidio. Píramo y Tisbe se aman, pero sus padres se oponen a su unión. Un bello preludio instrumental precede el primer recitativo, que presenta el marco de esta tragedia. El air, o aria francesa, que concluye la cantata, es una suerte de reflexión moral. Entre estos dos polos, Clérambault encadena recitativos, airs, sinfonías, como en una tragedia lírica. El conjunto A Nocte Temporis –flauta, violín, gamba, clavecín– acompaña al tenor Reinoud van Mechelen que nos restituye estos intensos momentos del gran clasicismo francés con una perfecta convicción, una dicción impecable –indispensable en este género de obras donde el texto importa mucho– y la pronunciación específica de la époque. Así, por ejemplo, «l’espoir de se revoir» [espoar//revoar] se convierte en «l’espouêr de se revouêr» [espuer//revuer] © SM/Qobuz

Con este nuevo álbum, Affetti amorosi, Damien Guillon dirige una deslumbrante selección de obras vocales de Girolamo Frescobaldi, elegidas de sus dos libros de Arie musicali. Estas arias datan de 1615-1630, un tiempo en el que Frescobaldi, ya residente en Roma, se había convertido en un compositor «de culto», permitiendo una gran libertad expresiva en la interpretación de su música. Ofreciendo conscientemente una grabación repleta de contrastes, que canta al amor humano y divino, el contratenor Damien Guillon se rodea de los otros talentos vocales que conforman Le Banquet Céleste: la soprano Céline Scheen, el tenor Thomas Hobbs y el bajo Benoît Arnould. Este nuevo registro de Glossa incluye dos de los sonetos espirituales más perdurables y conmovedores de Frescobaldi, Maddalena alla croce y Ohimè che fur, además de una de las formas vocales más queridas por el naciente Barroco, la lettera amorosa, en la pieza Vanne, o carta amorosa. Los cantantes se hacen acompañar por laúd, arpa, violonchelo y clave, todos integrantes estables del conjunto de Guillon. En su inteligente ensayo para el libreto, Pierre Élie Mamou abre las miras habituales para señalar las vitales características de estas músicas barrocas tempranas –incluyendo ese «juego de opuestos que mueve nuestras almas»–, deteniéndose en la polaridad entre ansiedad y placer, y el tiempo que pasa y el tiempo que permanece... © Glossa

Reunidas alrededor de la mezzo franco-italiana Lea Desandre –que hizo un gran debut con William Christie en el marco de los Jardins des voix, luego fue «Revelación lírica» de las Victorias de la música de 2017 en Francia–, las sopranos Natalie Pérez y Chantal Santon-Jeffery realizaron un programa evocando las diversas encarnaciones líricas de Berenice de Egipto y sus desventuras con el rey Antígono Gónatas, mediante el filtro de libreto de Metastasio, Antigono, que musicaron una treintena de compositores, unos centrados en Antígono, otros en Berenice. Oiremos arias desconocidas o poco conocidas de Haydn, Mozart, Johann Christian Bach o Hasse y ahí reside la principal virtud de éste álbum: permitirnos descubrir estas rarezas, a menudo muy virtuosas y adornadas, con una escritura ideal para las muchachas aquí presentes. Rareza entre las rarezas, una sorprendidísima aria de Marianne von Martinez cuyo salón musical vienés solían frecuentar… Haydn y Mozart. © SM/Qobuz

El Gabrieli Consort, bajo la guía de su admirable director Paul McCreesh, explora aquí el riquísimo repertorio coral británico conocido como partsong, una forma de pieza coral compuesta por una canción profana escrita o arreglada para varias partes vocales. La base puede encontrarse en el fondo folklórico (real o imaginario) o en un repertorio más antiguo – el término abarcando un abanico de formatos bastante amplio. Estamos lejos de la ñoñería de tantas obras vagamente pastorales, género muy extendido pero sin duda mucho menos rico dada su limitación en cuanto al ritmo, a la melodía o al texto: numerosas letras aquí grabadas provienen de la gran poesía y forman un corpus de madrigales del siglo XX tan ricos como los gloriosos antepasados del Renacimiento. Vaughan Williams y Elgar a la cabeza, seguidos de Charles Villiers Stanford, Herbert Howell y Percy Grainger (australiano de nacimiento, pero con un corazón muy British), Britten y Warlock (nombre de pluma y de guerra de Philip Heseltine, personaje extravagante y turbísimo) y, formando el relevo hoy, James McMillan y Jonathan Dive –q ue no reniegan en absoluto de la tradición heredada: la vanguardia asesina está por fin muerta y enterrada. He aquí una fuente de deleite para todo aficionado y, cuando esta suntuosa música suena en las voces de los Gabrieli, uno va flotando en la felicidad. © SM/Qobuz

Los teatros londinenses eran unos centros vitales para la música en la época de la Restauración –la Restauración de la monarquía de los Stuart, recordémoslo, tras la dictadura puritana protestante de Cromwell. Reanimados por la llegada de actrices (no solo actores) y suntuosos decorados, los teatros atraían un amplio público sediento de divertimientos tras años de rigor religioso e interdicción virtual de los espectáculos. Locke era el compositor más destacado al inicio de este periodo, con una experiencia adquirida ya durante la era de Cromwell. A pesar del cierre de los teatros por los puritanos, algunas obras pudieron eludir la prohibición, por ejemplo Cupid and Death, un mask basado en Esopo con música de Gibbons y representado ante el embajador de Portugal en 1657 –con reposición en 1659 y música adicional de Locke. Cuando los teatros reabrieron en 1660, el público exigía que todas las obras tuviesen obligatoriamente su música, con función ornamental y no tanto como elemento indisociable de la trama. Cada obra necesitaba un conjunto de airs o arias y piezas instrumentales tocadas al inicio y entre los actos. Locke escribió más de veinte arias de este tipo, que no podemos asociar a obras específicas. La mayoría de sus composiciones escénicas, como Curtain Tune y Lilk, se conservan en diversos manuscritos de la época que recogen música para obras teatrales representadas durante el último decenio del siglo XVII. Son precisamente estas piezas interpuestas, arias o levers de rideaux [oberturas], las que nos propone el conjunto Le Caravansérail de Bertrand Cuiller –recordemos que Cuiller estudió el clave con Pierre Hantaï y Christophe Rousset. Su último álbum en solista, la integral de la obra para clave de Rameau, fue galardonado con el Choc de l’Année Classica 2015. Canta las arias la soprano escocesa Rachel Redmond, gran experta en música barroca. © SM/Qobuz