Los álbumes

1951 álbumes ordenados por Fecha: de más reciente a menos reciente y filtrados por Música vocal sacra
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Música vocal sacra - Publicado el 2 de noviembre de 2018 | Herald

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Música vocal sacra - Publicado el 2 de noviembre de 2018 | Herald

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Música vocal sacra - Publicado el 10 de septiembre de 2018 | Channel Classics Records

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Música vocal sacra - Publicado el 10 de septiembre de 2018 | Channel Classics Records

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Música vocal sacra - Publicado el 10 de septiembre de 2018 | Channel Classics Records

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Oratorios sacros - Publicado el 31 de agosto de 2018 | Alpha

Hi-Res Libreto Premios 5 de Diapason
No faltan paralelismos entre Caldara y Vivaldi: ambos venecianos, ambos autores de un impresionante repertorio con varios centenares de obras de cualquier género, ambos muertos en Viena (¡en la misma calle y en la misma miseria!), aunque Caldara compusiera más óperas y oratorios que el prete rosso. Este álbum ofrece precisamente uno de sus treinta y dos oratorios conocidos, Maddalena ai piedi di Cristo, escrito en Venecia hacia 1698; se trata de un «oratorio volgare», es decir recitado en italiano y no en latín. Concebido como una incitación para ejercicios espirituales, el oratorio remplazaba la ópera profana durante las épocas de cierre de las salas de espectáculo, en particular desde el mes de noviembre hasta Cuaresma. El oratorio adopta el estilo de la ópera y utiliza gran número de sus artificios: naves y altares (re)decorados, maquinarias, trajes. En realidad, se trata simplemente de una ópera con un tema sagrado... El texto y el argumento de Maddalena ai piedi di Cristo se adaptan perfectamente a aquellos meses de penitencia. Tiene como meta exponer la fractura moral que tortura a la pecadora teniendo que escoger entre el amor profano y el amor sagrado, entre llevar una vida de lujuria o convertirse en la novia de Cristo. El conjunto Le Banquet Céleste, dirigido por Damien Guillon (que también canta la parte de alto del Amor celeste), interpreta esta rareza con fervor y deleite. © SM/Qobuz
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Cantatas sacras - Publicado el 22 de junio de 2018 | Ricercar

Hi-Res Libreto Premios 5 de Diapason
La mayoría de las obras aquí propuestas por el Ensemble Clematis y el contratenor Paulin Büntgen provienen de la rica colección Düben, conservada en la Universidad de Uppsala. Gustav Düben fue maestro de capilla de la corte de Suecia durante el siglo XVII; recopiló estas partituras, en gran parte manuscritas, de numerosos autores alemanes, franceses, italianos y bálticos. Esta compilación es una de las fuentes más importantes del repertorio luterano del siglo XVII, sobre todo considerando el gran número de las partituras en unicum (único ejemplar conservado de una edición única). Algunos de los compositores grabados aquí estudiaron directa o indirectamente con Schütz, pero conviene recordar que los compositores alemanes de la época –en particular Schein, Franz Tunder (el maestro de Buxtehude) o Johann Fischer– fueron fuertemente influenciados por el barroco italiano. Notaremos la presencia de dos Bach en este álbum: Johann Michael (1648-1694) y Johann Christoph (1642-1703), primos segundos de Johann Sebastián. El Lamento de Johann Christoph Bach –«profundo compositor» según el primo– es sin ninguna duda una de las composiciones más célebres del repertorio alemán sacro de la época. Como en todo este repertorio, el papel de las cuerdas es primordial. Encontramos en esta aria sacra numerosos efectos descriptivos del texto, como le requería la pintura en música: los términos más llamativos (llorar, suspirar, fluir etc.) vienen subrayados por efectos vocales o instrumentales análogos. Este Lamento es sin duda alguna el perfecto modelo de la forma del Aria da capo que Johann Sebastián Bach utilizará frecuentemente en sus obras sacras. Completan este programa de música vocal algunas piezas instrumentales cuya función puede asimilarse a la música de iglesia. © SM/Qobuz
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Música vocal sacra - Publicado el 8 de junio de 2018 | Alpha

Hi-Res Libreto Premios Gramophone Editor's Choice
En 1668, Dietrich Buxtehude, que entonces tenía treinta y un años, accedió al codiciado puesto de organista titular de la iglesia de Santa María de Lübeck, entonces una metrópoli hanseática de considerable importancia; el músico adquiría así una posición social de lo más envidiable. Muy pronto provocó una gran sensación con los conciertos organizados fuera del marco de los servicios religiosos y que tenían lugar todos los años, al final de la tarde, durante los cinco domingos anteriores a la Navidad. Durante estos «Abendmusiken» (música vespertina), como se los llamaba, a veces se interpretaban grandes obras del género del oratorio, pero más a menudo se interpretaba una mezcla de piezas instrumentales, arias de iglesia, arreglos de salmos y obras similares a cantatas. A partir de 1700, estas series de conciertos se habían convertido en un gran acontecimiento cultural en la ciudad. Liberado de la atención rutinaria a la música religiosa, de la que se ocupaba el Cantor de la Iglesia de Santa María -como era entonces lo habitual en el norte de Alemania- Buxtehude compuso sus obras vocales sólo por iniciativa propia y de esta manera logró darles un nivel de calidad significativamente más alto que las de Cantor, por ejemplo, obligado a componer obras en cadena un domingo tras otro. Las cantatas aquí grabadas atestiguan las altas ambiciones artísticas de estas obras vocales: a menudo lejos de las convenciones estilísticas y genéricas de su tiempo que cumplen, no obstante, con las tareas que exigían los textos usando soluciones musicales audaces, aventuradas y bastante espléndidas. Las sonatas de Buxtehude que completan el programa vocal de este disco también se caracterizan por su marcado carácter experimental. El Ensemble Masques de Olivier Fortin -flauta de pico, cuerdas, órgano positivo- y Vox Luminis de Lionel Meunier se unen para ofrecernos estas bellezas del cambio al siglo XVIII en el norte de Alemania, bellezas tales que el joven Bach -recorriendo 100 millas por trayecto a pie desde Arnstadt- no dudó en ir a escuchar interpretadas al órgano por Buxtehude, probablemente en sus célebres Abendmusiken. © SM/Qobuz
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Cantatas sacras - Publicado el 25 de mayo de 2018 | harmonia mundi

Hi-Res Libreto Premios 5 de Diapason
Las «cantatas en diálogo» de Bach suelen representar al personaje de Jesús dialogando con el alma humana, atormentada y luego, finalmente, sosegada. Pertenecen a este género las tres cantatas elegidas por la Akademie für Alte Musik de Berlín, que reúne desde 1982 (y desde entonces ¡más de un millón de discos vendidos!) a músicos de diversas orquestas de la ciudad –inicialmente los de la zona bajo la dictadura soviética, luego de todas las orquestas tras la caída del Muro. Estas obras datan de la gran época de Leipzig, es decir el tercer ciclo compuesto en 1726 por Bach para dicha ciudad. Dado el tema de estas cantatas, no nos sorprenderemos de la esencia apasionada, desgarrada, de las primeras arias. Luego, las obras evolucionan gradualmente hacia el sosiego y la alegría. Los primeros momentos nos revelan así al Bach más intenso, doliente, cromático, terriblemente moderno también en su concepción del discurso musical, a la vez romántica y profundamente lírica pero siempre rigurosa. La Cantata BWV 49 posee una originalidad asombrosa: empieza por una Sinfonía con órgano obligado –el oyente reconocerá el último movimiento del Concierto para teclado en mi mayor, que Bach recicla unos diez años más tarde– y prosigue con un aria en la que todavía figura el órgano solo, luego una segunda aria con violonchelo y oboe, ambos solistas envolviendo la alegre voz de soprano. Finaliza la obra un magnífico coral con aria, confiada al bajo y engalanada por el órgano solo, mientras la soprano canta, desde los cielos, el tema del coral, creando un impacto asombrosamente moderno. © SM/Qobuz
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Misas, Pasiones, Réquiems - Publicado el 25 de mayo de 2018 | Alpha

Hi-Res Libreto Premios Diapason d'or - Gramophone Editor's Choice
En el siglo XVII, las iglesias romanas competían en fastuosidad durante las celebraciones de sus Santos Patronos. Para estas ocasiones, tenían lugar tres servicios extraordinarios en los que se solía contratar a numerosos músicos, cantantes e instrumentistas, que se juntaban con los músicos ordinarios para unos suntuosos oficios a menudo ejecutados por varios coros vocales e instrumentales. Una descripción que data de esta época nos da una idea de esta opulencia: diez coros y conjuntos se contestan, dos en las tribunas fijas, y otros ocho repartidos simétricamente a lo largo de la nave sobre tarimas construidas para el evento. Cada tribuna suplementaria tiene un órgano positivo, mientras diversos instrumentos incrementan la suntuosidad sonora. Para que todos estos músicos puedan tocar juntos a pesar de la distancia, se recurre a varios «capi di coro» o directores de coro que marcaban el compás. Orazio Benevolo (1605-1672) fue uno de los más extraordinarios creadores de estos extravagantes monumentos policorales. Benevolo ingresó como niño cantor en la iglesia San Luis de los Franceses en Roma, antes de ascender en el escalafón hasta ocupar el cargo de Maestro di Cappella en 1638. El compositor dejó una obra abundante, con no menos de treinta y cuatro motetes para diversas formaciones, entre los cuales Regna terrae para doce partes de soprano distribuidas en seis coros de dos voces, cada parte con su propio bajo continuo. Le debemos también doce versiones del Magníficat, de ocho a veinticuatro voces, una de las cuales, a dieciséis voces en cuádruple coro, está incluida en este álbum. Hervé Niquet y su Concert spirituel llenan la amplia acústica de la iglesia Nuestra Señora del Líbano en París, perfectamente concebida para recibir las puestas en espacio de los numerosos coros y conjuntos dispuestos por todo el edifico, y así crear la sensación de envoltura y de plenitud espacial deseada por el compositor. © SM/Qobuz
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Música vocal sacra - Publicado el 18 de mayo de 2018 | DUX

Libreto Premios 5 de Diapason
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Música vocal sacra - Publicado el 11 de mayo de 2018 | Signum Records

Hi-Res Libreto Premios Diapason d'or - Gramophone Editor's Choice
Fascinado por el culto mariano cuyas contradicciones subraya con placer, Paul McCreesh propone un itinerario puramente coral, dejando de lado, en esta nueva grabación, los sortilegios de los instrumentos y de la orquesta. A la vez virgen y madre, símbolo de castidad y fertilidad, la figura de María contiene de hecho un fuerte potencial erótico que Paul McCreesh deja patente en este álbum formado por compositores ingleses desde el Renacimiento hasta hoy. Este recorrido, sin la más mínima disparidad estilística, confirma ¡si fuese necesario! la pujanza y la continuidad de la música coral británica. El gran movimiento inglés de redescubrimiento de la polifonía en los siglos XX y XXI no se contenta con explorar la música de la Renacimiento; investiga además los archivos para reutilizar, en nuevas composiciones, los bellos textos medievales puestos en música sin modificación a lo largo de los siglos. Al volver a las fuentes de la música occidental, Paul McCreesh se pregunta si la repentina popularidad de la música sacra no proviene de un deseo subliminal de recrear un mundo en el que casi todos creían en lo divino. Luchando contra un cierto enfoque etéreo y angélico de la música coral sacra, MacCreesh compara la gran polifonía con la arquitectura de una amplia catedral mientras reconoce que quiere también subrayar el lado visceral de, por lo menos, algunas de estas obras. Señalamos en este álbum la primera grabación mundial de una nueva obra encargada por Paul McCreesh y el Gabrieli Consort al joven compositor británico Matthew Martin. A Rose Magnificat (que da su nombre al álbum), escrito para doble coro interpolando el magníficat con el poema medieval There is no rose. Matthew Martin compuso su obra de manera «casi stravinskiana» según sus propias palabras, adoptando al mismo tiempo sabores orientales o bizantinos. © François Hudry/Qobuz
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Oratorios sacros - Publicado el 27 de abril de 2018 | deutsche harmonia mundi

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Cantatas sacras - Publicado el 20 de abril de 2018 | Audax

Hi-Res Libreto Premios 5 de Diapason
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Música vocal sacra - Publicado el 30 de marzo de 2018 | Ligia

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Música vocal sacra - Publicado el 30 de marzo de 2018 | Mirare

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Nos quedan hoy tres de las nueve Lecciones de tinieblas que François Couperin hubiera presumiblemente escrito. Compuestas para las «Damas religiosas» que pertenecían a la Orden de las Clarisas de la abadía de Longchamp, cerca de Paris −totalmente destruida durante la Revolución francesa−, estas Lecciones representan la cumbre del pietismo barroco a finales del reinado de Louis XIV, todavía impregnado por el jansenismo del siglo anterior. La abadía estaba abierta al público y se hizo costumbre dar las Lecciones de tinieblas no de noche, sino durante las tardes de los Miércoles, Jueves y Viernes santos. Era un acontecimiento mundano que los parisinos no querían perderse. Muy populares durante la segunda mitad del siglo XVII, las Lecciones de tinieblas se convirtieron en un género muy apreciado por numerosos compositores, entre los cuales Marc-Antoine Charpentier que escribió por lo menos una treintena de ellas, desgraciadamente perdidas en su mayor parte. Al volver a este género algo arcaico a principio del siglo XVIII, François Couperin supo insuflarle una forma nueva, mezclando la austeridad requerida con una expresión del dolor muy italianizante, que da a sus piezas una perturbadora sensualidad. La Tercera Lección a dos voces, en particular, rebosa vocalizaciones ricas en cuanto a la expresión de los sentimientos. Gracias al genio de François Couperin, esta interpretación exacerbada del dolor no se aleja nunca de la ópera cuyas representaciones estaban prohibidas durante la Cuaresma. El público podía así asistir al delicioso espectáculo de las pasiones humanas más febriles y sutiles so pretexto de religión. El conjunto Les Ombres [Las Sombras], co-dirigido por Margaux Blanchard y Sylvie Sartre, nos ofrece en este nuevo álbum las Lecciones de tinieblas junto con extractos de misas y motetes de Couperin, en una atmosfera de claroscuro que fusiona hábilmente el espíritu de rigor francés con la dulce teatralidad italiana. © François Hudry/Qobuz
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Misas, Pasiones, Réquiems - Publicado el 23 de marzo de 2018 | Aparté

Hi-Res Libreto Premios 5 de Diapason
Desde los primeros años del siglo XVIII, se afirma en la Alemania luterana la tradición de un oratorio de la Pasión interpretado cada año durante la Semana santa. Podemos pues imaginar el número de Pasiones que Telemann presentó en Hamburgo durante sus cuarenta y seis años como director de la música de esta ciudad. Pero en otros puestos ocupados con anterioridad, hizo ejecutar unos oratorios de la Pasión, lo que lleva a más de ¡sesenta! el número de sus obras sobre este único tema. Estas Pasiones podían ser estrictamente litúrgicas, es decir, seguir rigurosamente el texto de uno de los cuatro evangelios, y también parafrasear libremente el relato de la Pasión, en una narración de un autor coetáneo, e incluso proponer meditaciones sobre aquellos acontecimientos. Así Seliges Erwägen de Telemann, cuyo tema viene precisado por el título entero: Oratorio de la Pasión, o Contemplación espiritual de los amargos sufrimientos y la muerte de Jesucristo, para incitar al rezo, en diversas meditaciones que provienen del relato de la Pasión. No un relato lineal de la Pasión, como en Bach, sino una serie de meditaciones individuales en música. La obra dataría de 1719, en su versión primitiva, antes de ser revisada y completada tres años más tarde para Hamburgo donde tuvo lugar la primera ejecución el 19 marzo de 1722. El éxito, al parecer, fue considerable y la obra se interpretó numerosas veces a lo largo de los decenios siguientes. Puede que fuera la obra basada en la Pasión más tocada durante el siglo XVIII, incluso antes que la Brockes Passion del mismo Telemann… No hay ni evangelista ni narrador, sino una evocación de los principales acontecimientos de la Pasión. Por tanto son solo dos los «papeles» principales: Cristo, con seis arias y seis recitativos, y la alegoría de la Devoción (soprano o tenor) como portavoz de los pensamientos de los fieles, con ocho arias y ocho recitativos. La narración recae en Pedro, con su reniego y su desesperanza, y Caifás, el sumo sacerdote, con una sola y muy violenta aria, que condena a Jesús. Se trata pues de una sucesión de meditaciones devocionales individuales. La instrumentación posee ella también una riqueza extraordinaria. Además de la cuerda, el continuo y la madera habitual, intervienen, por su color específico, dos trompas, dos chalumeaux, antepasados del clarinete –es una pena que Bach no haya contemplado esta sonoridad–, efectos de eco de flautas de pico, un magnífico solo de fagot entremezclado con la voz de soprano; en resumen, una vez más, Telemann nos demuestra que, muy lejos de ser un grifo de agua tibia barroca, posee una de las mentes musicales más poderosas de su tiempo. Al mando, el ejemplar Freiburger Barockorchester y un hermoso conjunto de solistas. © SM/Qobuz
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Misas, Pasiones, Réquiems - Publicado el 23 de marzo de 2018 | Pan Classics

Libreto Premios 5 de Diapason
Absolutamente todas las notas de esta abrumadora Misa de la Santa Virgen de Ghiselin Danckerts (1510-1567) son de la mano del compositor. La observación no es anodina, puesto que en esta época una buena parte del repertorio gregoriano servía de base para mil improvisaciones, por definición no anotadas. Sin embargo, Danckerts las apuntó todas y con todo lujo de detalles, lo que nos permite saber precisamente lo que entonces cantaban e improvisaban los coros y los solistas sobre los pasajes gregorianos de su misa (el Introito, el Aleluya…) Es por tanto una gran rareza, sobre todo porque el compositor no duda en reproducir ciertas disonancias singulares que provienen de una implacable lógica melódica. Dejó además algunos escritos en los que precisa con exactitud el arte y la manera de cantar los sostenidos y los bemoles, desarrollar los melismas, etc. Naturalmente, las páginas polifónicas –Kyrie, Credo etc.– muestran también un extravagante florecimiento armónico y melódico. Cuesta creer que esta música cumplirá pronto 500 años. Danckerts ingresó como cantante en la Capilla papal en 1538 y no la dejó antes de 1565, no exactamente por decisión propia dado que, según su carta de despido, se le acusaba de haber perdido la voz, dedicarse al placer de las damas, ser rico a reventar y estar demasiado enfermo para seguir en la institución. Con todo, la Iglesia no lo abandonó enteramente porque el terrible pecador siguió cobrando su salario hasta su muerte acaecida dos años más tarde. El magnífico conjunto Cantar Lontano grabó esta maravilla en la cautivadora acústica de dos iglesias barrocas italianas, en Pesaro y Castelbellino, ni demasiado sonoras, ni demasiado secas. © SM/Qobuz
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Misas, Pasiones, Réquiems - Publicado el 16 de marzo de 2018 | Deutsche Grammophon Classics

Hi-Res Libreto Premios 5 de Diapason - Choc de Classica
Es difícil clasificar la Misa de Bernstein, compuesta en 1971. No se trata realmente de una misa, hablando con propiedad, sino de una especie de desenmarañado de la misa tradicional; de hecho, el título completo es: MASS: A Theater piece for Singers, Players and Dancers («MISA: Una obra de teatro para cantantes, músicos y bailarines»), y el argumento podría ser el de una especie de servicio divino que se tuerce antes de regresar, finalmente, a reencontrar la paz universal. Al principio, todo el mundo parece estar sumido en un acuerdo pero luego, los «músicos callejeros» empiezan a cuestionar la necesidad, o incluso la existencia, de un dios. La cacofonía que se va instalando hasta la catastrófica Elevación es finalmente apaciguada después de que el celebrante reúna a todas las almas alrededor de la deidad y pronuncie el último «podéis ir en paz». Bernstein reunió en su partitura todos los elementos posibles e imaginables de la música del siglo XX: banda de jazz, blues, grupo de rock, Broadway, expresionismo, dodecafonismo, modernismo, que no es más que una reminiscencia de Britten, música popular, fanfarria, voces clásicas mezcladas con voces de rock y jazz, recitativos de Gospel: una auténtica Torre de Babel que no tenía por qué ser necesariamente fácil de reunir al mismo tiempo. Pero podemos confiar en Yannick Nézet-Séguin y en su saber hacer para enlazar todos estos elementos dispares. Hay que tener en cuenta que se trata de una grabación hecha en vivo y en concierto, con una distribución espacial completamente espeluznante. Curiosidad histórica, el FBI –que nunca pierde la oportunidad de ponerse en ridículo– consideró MASS como una diatriba pacifista y anti-establishment, instando a Nixon a no asistir al estreno. A sabiendas de que la obra había sido encargada por Jackie Kennedy para la inauguración del Centro Kennedy para las Artes en Washington, en pleno lodazal estadounidense en Vietnam… © SM/Qobuz
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Música vocal sacra - Publicado el 15 de marzo de 2018 | Art House Records