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Alternativamente exaltado o profundamente depresivo como todos los seres bipolares, Hugo Wolf aportó inmensas y preciosas obras maestras al mundo del lied con sus grandes ciclos, en particular este Italienisches Liederbuch, para dos voces, que representa la quintaesencia de su arte. 46 lieder que hablan de amor con las sensibilidades cruzadas de un hombre y de una mujer, mediante diálogos de enamorados en un tono irónico y galante o apasionado. Compuestos sobre textos de Paul Heyse que se inspiró en poemas anónimos toscanos, estos lieder tienen forma de baladas y, sobre todo, de rispetti (complimientos), pequeñas estrofas de ocho versos de carácter popular. La traducción en alemán desfigura considerablemente la ligereza italiana original, máxime cuando Hugo Wolf no intenta introducir «italianadas» en sus composiciones. «Un corazón cálido, os lo aseguro, late en los pequeños pechos de mis hijitos meridionales recién nacidos, quienes, pese a todo, no pueden renegar de sus orígenes alemanes. Sí, sus corazones laten en alemán, aun cuando el sol brilla en italiano», señala el compositor a un amigo. Esta colección italiana se compone, según Stéphane Goldet, de « pequeñas comedias de amor, momentos de impaciencia o despecho; anhelos y advertencias, quejas y recriminaciones, reivindicaciones o rendiciones sin condiciones». Realizado en concierto en la Filarmónica de Essen el 18 de febrero de 2018, esta nueva grabación se sitúa sin duda alguna al lado de los registros míticos, particularmente el de Schwarzkopf y Fischer-Dieskau; se convertirá ciertamente en una nueva versión de referencia. Quienes se preocupaban, con toda legitimidad, por la voz de Jonas Kaufmann constatarán que ha recuperado toda su fuerza y sus mil y un milagrosos matices. Su radiante partenaire, Diana Damrau, moldea su canto para expresar los diversos estados de ánimo de una muchacha inquieta y, a veces, pícara. Pero este diálogo en la cumbre no sería nada sin el piano sutil y refinado de Helmut Deutsch que envuelve estas miniaturas con una ternura infinita. © François Hudry/Qobuz

Según algunos –vamos, nombramos al culpable: Stravinsky–, Vivaldi escribió quinientas veces el mismo concierto, algo radicalmente falso. En cambio, nadie se atrevió a decir que escribió cien veces la misma sonata, con toda justicia. Las Seis sonatas para violonchelo –aquí tocado por Jean-Guilhen Queyras– y bajo continuo –interpretado por Michael Behringer (clave/órgano), Lee Santana (tiorba) y Christoph Dangel (segundo violonchelo)– fueron publicadas en París en 1740. Bien evidentemente, a los editores que utilizaron un manuscrito entonces inédito no se les ocurrió pagar al compositor, y en cuanto a ser fieles a la composición original... Al cotejar el manuscrito con la edición, encontramos numerosas «correcciones»: un continuo sobre-cifrado (mal cifrado también), la supresión de las aumentaciones y diminuciones de intervalos, una llamada al orden para ciertas disonancias, complejidades rítmicas, repeticiones, articulaciones, notas y armonías, entre otros despistes –o más bien ¡insulseces! El manuscrito es evidentemente mucho más rico que la edición, seguramente destinada a amables aficionados no temerarios en demasía. La verdadera música ofrece mil sorpresas, entre delirio cromático, elegancia coreográfica, farsa campesina, arrebatos líricos. En fin, el verdadero Vivaldi, renovándose mil veces de obra en obra. © SM/Qobuz

Gounod no es solo (!) un magistral autor de grandes óperas a la francesa; no podemos en efecto olvidar que compuso, entre otras, algunas ciento cincuenta melodías a lo largo de su amplia carrera. Conviene también subrayar que más de la tercera parte de estas páginas fueron escritas en inglés (durante sus años londinenses, de 1870 a 1874), una quincena en italiano, algunas en español y otras en alemán. Quedan sin embargo un buen número de obras en francés, entre las cuales Tassis Christoyannis y Jeff Cohen eligieron veinticuatro perlas, un abanico completo que abarca desde la primerísima melodía publicada –Où voulez-vous aller ? (¿Adónde quiere ir?) de 1839, el año de su Premio de Roma– hasta À une jeune Grecque (A una joven griega) de la última madurez, en 1884. El compositor pasa por todos sus estilos favoritos, con el eclecticismo que lo caracterizaba: romanticismo francés, Lied a la alemana, orientalismo, escritura arcaica a la antigua… Atento al sentido de las palabras y a su sonoridad, a la oscilación de los versos y a la variedad de las épocas, Gounod sabe como pocos encontrar el movimiento melódico que encaja con las inflexiones de la pronunciación, el ritmo del flujo expresivo de la palabra y sitúa perfectamente las respiraciones que son el alfa y la omega de la elocuencia. Con Gounod, quizá a diferencia de su ilustre predecesor Berlioz, la música está al servicio de la palabra que ha de sostener y, si posible, potenciar. Descubramos este delicioso rosario de perlas, obras que nos gustaría oír mucho más a menudo en recital. © SM/Qobuz