Qobuzissime

Revelada a través de la película Belgica (2016) y la fantástica banda sonora firmada por los hermanos Dewaele, y después de dos primeros EP con los que sedujo a todo el mundo (sobre todo con Zandoli en 2019. con el éxito Paténipat), la cantante Charlotte Adigéry lanza ahora su primer álbum junto a Bolis Pupul, su “socio musical” de Deewee, el sello de los Soulwax. Los dos artistas belgas comparten un origen caribeño (ella es de ascendencia yoruba/martinense, y él es chino/martinense) y han decidido burlarse de todos los intolerantes en este Topical Dancer abordando temas como la apropiación cultural, el racismo, el sexismo o el poscolonialismo. Pero todo ello realizado de una forma extremadamente divertida, con Charlotte Adigéry en la cima de su creatividad como letrista.En Esperanto, regaña a los aislacionistas (“Dont say we need to build a wall. Say : I’m a world citizen, I don’t believe in borders”) con una escansión tan refinada como elegante. En el funky Blenda, son los racistas los que se llevan los dardos; luego los misóginos en Ich Mwen, Reappropriate o el sabroso Thank You, que ironiza sobre las opiniones no solicitadas de los hombres sobre el aspecto de las mujeres. Musicalmente, este disco rezuma el sonido pesado y a la vez frío de Deewee, la casa/estudio de Soulwax en Gante, con, como siempre, una mezcla de géneros (electro, pop, no (new) wave...) entre sintetizadores hipnotizantes, bajos rotundos y riffs de guitarra groovy. No es fácil elegir lo más destacado de este álbum surrealista, para escuchar y bailar, aunque no hay que perderse HAHA, un tema conceptual entre la risa y el llanto (el más surrealista de todos) o Making Sense Stop, que da una bofetada a todo el pop francés. Un álbum total, funky, cáustico, comprometido. Un Qobuzissime sin dudarlo. © Smaël Bouaici/Qobuz

Un himno a Bretaña. Para su primer álbum en Astropolis Records, el sello nacido del legendario festival del mismo nombre en Brest, Blutch ha optado por rendir homenaje a la región que lo ha revelado como un DJ inteligente y sensible que no es de los que golpean la baqueta por principio, sino al que le gusta tomar rutas secundarias. El productor de Morlaix, conocido por sus sets de hybrid house, presenta un álbum de debut íntimo y nostálgico, cuyos títulos hacen referencia en su mayoría a lugares de la región, desde Roscoff a Ouessant, pasando por la calle de su infancia.Es un concepto que pone en práctica de forma luminosa, empezando por el deslumbrante Terre Promise. La parte lírica aportada por el violín de Mirabelle Gilis es fusionada por Blutch con un ritmo de garage británico en Cobalan. El breakbeat se encuentra en River, donde de nuevo nos encontramos rodeados de sintetizadores oníricos. Y “onírico” es realmente la palabra clave de este álbum, que adopta alternativamente rasgos contemplativos (Les Bois) o más caóticos (Remparts, con los sintetizadores modulares de Maxime Dangles, otro miembro de la familia Astropolis). El hit electropop Rosko, a medio camino entre Bicep, Rone y Polo & Pan, también es memorable, antes de sumergirse en Floatin en un remolino etéreo de teclados, como si de una versión distorsionada de I Feel Love de Donna Summer se tratase. En este Terre Promise (tierra prometida) asistimos al nacimiento de un artista que merece con creces su Qobuzissime. © Smaël Bouaici/Qobuz

Tras haber causado sensación en 2018 con su primer EP If U Want It, que contenía los éxitos ABC y I DON’T CARE, la surcoreana había entusiasmado al público con sus actuaciones en directo, durante las cuales cogía el micrófono para cantar/rapear sobre lo que mezclaba en los platos. Demasiado pronto catalogada como la nueva prodigio del lo-fi house, Park Hye Jin demuestra ahora, en su primer álbum, que tiene una paleta mucho más amplia. Con base en Los Ángeles, se puede sentir el relajado espíritu del rap californiano sobrevolando este disco, que comienza con una onda garage británica en Let’s Sing Let’s Dance. Park Hye Jin rapea a lo largo de la primera parte del álbum, con estribillos tórridos, como en Good Morning Good Night, con letras cantadas sobre un ritmo apagado y una guitarra con reverberación, como para acentuar el lado soleado del tema. Dentro del mismo género, subrayaremos las hipnotizantes I Need You o Where Did I Go, y sobre todo una capacidad innata para crear estribillos sencillos y pegadizos, siempre con ese flujo despreocupado que se mueve entre el frente y el fondo del escenario sonoro.Pero si en este disco el flujo principal es el rap, el house nunca anda muy lejos. Se pueden escuchar pinceladas tanto en Whatchu Doin Later como en Can I Get Your Number (que se remezclará muy pronto), en la forma en que escanea los estribillos, o en los efectos de su voz. La segunda parte del disco es más franca y directa, con ritmos 4/4 en Sex With Me (DEFG), que retoma el principio de su éxito ABC pero con una letra un poco más atrevida, o en Where Are You Think, un modelo de house lo-fi que resulta demasiado corto, mientras que Hey, Hey, Hey y Never Die elevan los BPM al nivel del techno. Y todo esto termina en una fusión total en forma de trap en Sunday ASAP y I jus wanna be happy, una pista vaporosa a más no poder. Sin previo aviso, Park Hye Jin ha tendido un nuevo puente entre el hip-hop y la música electrónica. Esto merece un Qobuzissime. © Smaël Bouaici/Qobuz

¡Súbase a la máquina del tiempo! Con STR4TA, se han unido dos viejas glorias del groove del otro lado del Canal de la Mancha para recoger la antorcha del funk británico de los 80 (nos acordamos de Beggar & Co, Light of the World, Lynx, Atmosfear, Hi-Tension, Freeez o Shakatak) y el acid-jazz de los 90: el guitarrista londinense nacido en Islas Mauricio Jean-Paul “Bluey” Maunick y el franco-británico Gilles Peterson, DJ, productor y jefe de los sellos Acid Jazz, Talkin’ Loud y Brownswood. Es imposible hablar de su proyecto STR4TA sin recordar a la banda Incognito que, desde 1980, ha estado representando lo mejor del soul británico, una auténtica máquina de crear groove, con sus increíbles metales, sus coros gamberros en traje de noche y, sobre todo, sus inolvidables melodías. Al timón de este crucero por el mar del soul, Bluey aporta baladas dulces pero nunca empalagosas, o sensuales himnos para la pista de baile. El oído funky de este excelente guitarrista es tal que grandes nombres como Chaka Khan y George Benson (su ídolo) le invitaron a algunas producciones y sesiones.A principios de los años 90, Gilles Peterson sacudió Inglaterra con ese soul con componentes de jazz y R&B bautizado como acid-jazz. Un periodo de gloria para bandas como Brand New Heavies, Galliano, Young Disciples, Jamiroquai e Incognito, que acabaron bajo el ala del sello Talkin’ Loud. Toda una escena que imaginaba mezclar las atmósferas y la música de Curtis Mayfield con las de Gil Scott-Heron, o las de Roy Ayers con las de Stevie Wonder. Esto, en el caso de Incognito, con la ayuda de las voces de algunas diosas del soul como Jocelyn Brown, Carleen Anderson, Maysa y Sarah Brown... En 2021, STR4TA retoma esta herencia, junto con su ADN, añadiendo una dosis de smooth jazz, algunos temas dignos de las mejores bandas sonoras de Blaxploitation, un toque de funk irreprimible y, sobre todo, con una producción más moderna. En el estudio de Gilles y JP, encontramos un desfile de virtuosos del groove, la mayoría de ellos ex-Incognito, como los bajistas Randy Hope-Taylor y Francis Hylton, los teclistas Matt Cooper y Ski Oakenfull, el batería Pete Ray Biggin, el saxofonista Paul Booth y el percusionista Francesco Mendolia. En su nuevo álbum, titulado Aspects, cada uno de ellos se entrega a una sincera alegría de tocar, lo que da al disco una sensación de directo que hace que esta música sea aún más hedonista. Con un slap de bajo funky, sintetizadores vintage y una percusión quirúrgicamente precisa que lo une todo, el proyecto STR4TA lo tiene todo para incendiar las pistas de baile y hacer que nos movamos. © Marc Zisman/Qobuz

Hace ya tres o cuatro años que Jean Dasso (alias Yeahman) está en escena. Primero fue con sus noches de bass music/tropical “Ghetto Sonido” en Toulouse, y luego, en 2017, con el tema Miniyamba (con las persuasivas voces de las cantantes Mina Shankha y Hajna), que ayudó a despertar el interés de Wonderwheel Recordings. Encabezado por DJ Nickodemus, este sello con sede en Brooklyn (que incluye a grandes nombres del circuito “global bass” como Quantic, Chancha Via Circuito, DJ Khalab o El Búho) ofreció a Yeahman publicar su primer LP, que él, haciendo honor a su imagen de aventurero, fue a grabar a Dakar, Nápoles, Marsella y Toulouse.Y, desde el mismo inicio del álbum, el francés demuestra su carácter distintivo, con la cautivadora y ensoñadora samba Deelahli, en la que escuchamos la voz casi difusa de Mina Shankha, seguida de la suavísima Baixi Baixi, en la que aparecen las dos hermanas portuguesas de Aluna Project a ritmo de charango y dembow. Pero a Yeahman también le gustan los ritmos más cuadrados, como en Soupe Feu y sus muestras de cuerdas, en Sakoneta (con su kora, hecha en Dakar) o en GLI-F4, todo ello apoyado en un ritmo house aterciopelado e hipnótico. Encontramos de nuevo a Mina Shankha y a Hajna en una versión del clásico de la cumbia peruana Cariñito, o a Omar Zidia, cantante y guitarrista del grupo tuareg Ezza en Ouloullou. Por último, cerramos este viaje Qobuzissime en el Ostriconi (una región paradisíaca de Córcega) con Lecce 74 y la folktrónica del productor inglés Robin Perkins, alias El Búho. © Smaël Bouaici/Qobuz

Tras dos EPs y una impactante gira europea, este combo de Kinshasa se enfrenta a su mayor reto hasta el momento: un álbum completo. KOKOKO! está compuesto por dos músicos que se construyen muchos de sus instrumentos (con latas, máquinas de escribir y todo tipo de deshechos de ferretería), de la vocalista y performer Makara Bianco, alias “la diablesa de Lingwala”, y el productor francés Xavier Thomas, conocido como “Débruit” (y autor del éxito Nigeria What?). Débruit se sintió inmediatamente fascinado por “su lado experimental”. “No son el típico estereotipo de la música africana. Quieren alejarse de los clichés africanos y de la rumba congolesa tradicional. No tienen límites, no le tienen miedo a nada.”Esta libertad y creatividad nacida de las limitaciones recorre Fongola, con sus fascinantes polirritmos mezclados con armonías occidentales, sus voces intensas, sus guitarras, latas, bidones, y un TR-808… La fórmula está diseñada para conciertos en directo, pero resulta igualmente efectiva aquí: muestras de sonidos callejeros, un beat techno 4/4, letras fáciles de recordar y líneas de bajo contundentes. El resultado es un efecto casi de trance. El álbum se grabó en diversos estudios de Kinshasa y Bruselas, y fue finalmente mezclado y masterizado por Débruit en Anderlecht. En sus palabras, “un gigantesco puzzle electrónico sin un plan claro, con piezas casi imposibles de encajar”. Palabras que describen a la perfección este proyecto. Combinando tantos sonidos diferentes y dejando que contrasten unos con otros, KOKOKO! provocan un estado de caos permanente -¡pero precisamente eso es lo que hace de este álbum una genialidad! © Smaël Bouaici/Qobuz

Tras un 2017 en blanco, el productor alemán de origen italiano David August ha creado este 2018 su propia discográfica, 99Chants, donde ha editado un álbum de ambient titulado DCXXXIX A.C. y el presente D’Angelo. Inspirado por uno de los grandes del primer barroco, el pintor Caraggio, David August recurre a lo largo de estos seis cortes (+ un interludio) a la técnica del claroscuro, como en los nueve minutos de The Life of Merisi, que comienza como un film de ciencia ficción o como una partida de Wipeout con ese beat techno/trance de los 90, un sintetizador a lo Moroder y una voz cavernosa, para extinguirse y renacer en las límpidas armonías de un piano acústico, su instrumento favorito.La vaporosa balada 33Chants y la pieza que titula el trabajo, D’Angelo, que parece abrir una brecha espacio-temporal comunicante con Riders on the Storm de los Doors, comparten el mismo espíritu electro/acústico. Orientación seguida por David August desde su primer álbum, Times, donde recuperaba el piano tras algunos maxis “funcionales” para Diynamic Music, el sello de Solomun, y consolidada gracias a dos live excepcionales editados por Boiler Room en 2014 y 2016 (en compañía, aquí, de la Orquesta Sinfónica de Berlín) y a este disco que nos sumerge en una burbuja amniótica que cuesta abandonar. Vaya, que a uno no le importaría demasiado quedarse por toda la eternidad. © Smaël Bouaici

Kiddy Smile se ha propuesto popularizar de nuevo el house. Pese a que el house vintage haya vuelto con fuerza de unos años a esta parte y haber pasado veinte años desde que el French Touch conquistara los charts internacionales, este emblema de la escena del ballroom y el voguing parisino deja claras sus intenciones con este primer álbum. Tras darse a conocer en 2016 con el tema Let A B!tch Know, Kiddy Smile, fichada por el mediático sello Defected, apunta ahora lo más alto posible y convoca los espíritus de Robin S, Armand Van Helden y Mojo, sus principales referencias nusicales, sin dejar de mirar al mismo tiempo a Sylvester, icono gay norteamericano y autor en 1978 del hit planetario You Make Me Feel (Mighty Real).Lo cual no significa por supuesto que reniegue en modo alguno del house, que constituye el fundamento de prácticamente todas las canciones del disco, y más en concreto de ese vocal house que antaño cultivaran Ron Trent y, en especial, Frankie Knuckles, quienes convirtieron el género en mainstream USA durante los 90 con sus remixes de hits soul/pop. ¿Funcionará el mismo modelo en Francia? Veremos. Pero lo cierto es que Kiddy Smile, asistida por Julien Galner (de Château Marmont) en tareas de producción, juega con cartas ganadoras, como en Be Honest featuring Rouge Mary, soberbio temazo soulful de ritmo contagioso, o en One Trick Pony, producido por Boston Bun (Ed Banger), donde conquetea sin complejos con el crossover pop/R&B. Dos cortes de enorme potencial, acompañados por una constelación de hits bailables que pondrán patas arriba los clubs de medio mundo (House of God, Burn the House Down) y por el single Dickmatized, que nos recuerda la eficacia del dúo italiano de fidget house Crookers. Esto es lo que se dice trabajar con los mejores mimbres. A esto se le llama reunir todos los elementos para un merecido éxito, y es por lo que le hemos otorgado nuestro Qobuzissime. © Smaël Bouaici/Qobuz

Lo vimos con You'll Understand, su segundo maxi editado en 2016 por Distant Hawaii, subdivisión del sello londinense Lobster Theremin (mascarón de proa del house lo-fi), y con ese tema melancólico y vehemente que era Talk To Me You'll Understand: Ross From Friends vale un potosí, apreciación no desmentida, sino todo lo contrario, por la escucha de este primer álbum minuciosamente concebido a lo largo de dos años. Cincuenta minutos que entusiasmarán a quienes sucumbieron al hechizo de su suntuoso house y que, sin duda, ampliarán exponencialmente su base de fans.Y es que la música de Ross From Friends tiene un poder adictivo, como atestigua por ejemplo Thank God I’m a Lizzard, tema de house ritualmente chamánico con guitarras ralentizadas a lo Pink Floyd, mientras Wear Me Down desvela un aspecto más orgánico, más acuático, evocando las producciones del argentino Ernesto Ferreyra y el gota a gota tímbrico de Cadenza, el sello de Luciano. Pero al aspecto hipnótico de esas referencias dentro del minimal techno Ross From Friends añade un suplemento personal, extraído de su historia familiar. Sus padres eran de aquellos trotamundos ingleses que en los 80 recorrían Europa con su soundsystem para dar a conocer la buena nueva electrónica (hi-NRG, italo-disco…). The Knife, una especie de synth-pop soul, nos sumerge por lo demás en esos ambientes ochenteros, aumentando a continuación los BPM con el techno de Project Cybersyn. “Cada vez que me ponía a trabajar en un corte sentía cómo me afectaba el aspecto emocional”, según explica. “Esa ha sido desde luego una de las dimensiones más interesantes del álbum, y he intentado profundizar en esas emociones, en esa inestabilidad emocional.” Una dimensión también presente en la obra de otro productor británico de la misma generación, Leon Vynehall, que ha elaborado su último disco, Nothing Is Still, a partir de los recuerdos de sus abuelos, con resultados igualmente formidables.Por su parte el tema Parallel Sequence, con sus estupendos ritmos rotos, demuestra que el artista no gusta de usar machacones bombos ni, a diferencia de otros, esas a veces omnipresentes cajas de ritmos. En cualquier caso, no cuesta demasiado encontrar los ejes temáticos de estas canciones (el término se revela aquí no poco adecuado) que parecen construirse a partir una idea, de un concepto. Un disco verdaderamente cautivador, cuyas doce pistas nos conducen a través de atmósferas y situaciones entre sonidos amortiguados, cuidadosamente confeccionados por Ross From Friends. Estamos aún en verano, pero sin duda se trata de uno de los álbumes del año y, por supuesto, de un perfecto ejemplo de disco Qobuzissime. © Smaël Bouaici/Qobuz

Trastorno duradero relacionado con la lectura que surge en la infancia y la adolescencia, la dislexia está tipificada como una disfunción propia del aprendizaje. Sin duda 10LEC6 ha aprendido también a hacerlo todo de manera… diferente. Este colectivo afro-post-punk, más que nada, ha digerido un número de influencias verdaderamente formidable. Post punk funky a destajo, tal como se hacía en Nueva York durante los 80, al modo de ESG y Liquid Liquid. Pero también carretadas de disco music, de house, de punk a lo Bad Brains, de afrobeat, del electro más anguloso y de las rítmicas tribales más enérgicas. Desde 2004 esta banda de geometría variable formada alrededor del street-artist Simon y del productor y DJ Jess (del dúo Jess & Crabble) viene haciendo un tipo de fusión con fuerte personalidad. Una fusión aún más vitamínica a partir de 2014 con la entrada de la vocalista Nicole, que canta en dialecto Bulu, lengua bantú hablada principalmente al sur de su Camerún natal. En Bone Bame el ritmo se hace con el control del cuerpo y de la mente. Este tercer állbum publicado por Ed Banger, el sello de Pedro Winter, es por encima de todo una extensa sesión de trance percusivo y electrónico, que los bajos graves y adictivos y el hechizante órgano vocal de Nicole convierten en absolutamente imprescindible. Solo queda entregarse con placer a este singular y cosmopolita dancefloor sin parangón conocido. ¡Un Qobuzissime como la copa de un pino! © Marc Zisman/Qobuz

A primera vista, post-rock y techno parecen poco propicios a entenderse. Pero no para Guy Andrews. Fusionando estas dos pasiones, estas dos grandes influencias en su música, el joven productor británico ha alumbrado su segundo álbum, Tåke (niebla en noruego). Un periplo musicalmente atmosférico y visceralmente arraigado en la naturaleza. En el single Fjell Andrews confiesa haberse inspirado directamente en cierta balada dedicada al Cadair Idris, montaña del País de Gales. Inspirado en las etapas de su escalada, en el desafío que representa su ascenso. Y en el orgullo de superar cada fase… Otro viaje, a Noruega en este caso, ha servido igualmente como nutriente de su arte. Todo ello aporta una energía, un aliento especial que recorre esta obra cautivadora de principio a fin. Guy Andrews juega con las atmósferas (sus primeros trabajos estaban muy anclados en el género ambient) para oscilar entre auroras boreales y huracanes violentos. Cada composición incluida en Tåke supone de hecho una especie de minidocumental sonoro inspirado en las numerosas excursiones de su autor. Aquí, aún más que en su primer álbum, Our Spaces, editado en 2016, Andrews se transforma en escultor. De esta manera, cincela cada tema a partir de una electrónica de texturas variadas y de efectos hipnóticos. Por eso no resulta sorprendente que haya concitado la admiración de luminarias como Massive Attack, Scuba, Bonobo, Max Cooper y muchos otros. Hay que escuchar Tåke como si se contemplara un vasto fresco sonoro, animado por el ritmo y propagado en virtud de su encendido cromatismo. Pocas veces la niebla habrá parecido más hechizante. © MD/Qobuz

A French house producer who rarely offers French house music, Brodinski launched his career as an electro don who perfectly fits with Bugged Out! or Southern Fried, but his later work is left-field hip-hop of the highest order, the kind of stuff that attracted mavericks like Danny Brown and Kanye West. Here, the indie electronica DJ with two productions on West's monolithic Yeezus LP makes his album debut with an unexpected and excellent blast of fractured tracks, some so skeletal and wobbly they sound like the Chicago genre of footwork as heard through a nu-disco remix. "Bury Me," with Maluca and MPA Shitro, is a good example as it jerks like a zombie while shining like a diamond, but a more downtown version is "I Can't Help Myself," where SD stutters over trap booms and blasts before disappearing in a whirlwind of rave-rap beats. The weird "Need for Speed," with Louisahhh and Bloody Jay, sounds as if Giorgio Moroder called for Lil Jon, got Trinidad James instead, and was happy the mistake happened; then there's the pounding acid number called "Hector," which is one-part Mad Decent and one-part happy hardcore. With dark bass, aggressive attitude, and the word "bitch" used for emphasis, both Three 6 Mafia and Pimp C's influences are in full effect throughout the album, but even with all these touchstones and special guests, Brava has a unique voice, one that's choppy, quirky, welcoming, and likely smells of blunts when it burps. Think of Mr. Oizo signed to Hypnotized Minds, or Chief Keef as Erol Alkan's hype man, and the delightful, wobbly magic of Brodinski's debut will come as less of a shock. © David Jeffries /TiVo