Qobuzissime

¡Súbase a la máquina del tiempo! Con STR4TA, se han unido dos viejas glorias del groove del otro lado del Canal de la Mancha para recoger la antorcha del funk británico de los 80 (nos acordamos de Beggar & Co, Light of the World, Lynx, Atmosfear, Hi-Tension, Freeez o Shakatak) y el acid-jazz de los 90: el guitarrista londinense nacido en Islas Mauricio Jean-Paul “Bluey” Maunick y el franco-británico Gilles Peterson, DJ, productor y jefe de los sellos Acid Jazz, Talkin’ Loud y Brownswood. Es imposible hablar de su proyecto STR4TA sin recordar a la banda Incognito que, desde 1980, ha estado representando lo mejor del soul británico, una auténtica máquina de crear groove, con sus increíbles metales, sus coros gamberros en traje de noche y, sobre todo, sus inolvidables melodías. Al timón de este crucero por el mar del soul, Bluey aporta baladas dulces pero nunca empalagosas, o sensuales himnos para la pista de baile. El oído funky de este excelente guitarrista es tal que grandes nombres como Chaka Khan y George Benson (su ídolo) le invitaron a algunas producciones y sesiones.A principios de los años 90, Gilles Peterson sacudió Inglaterra con ese soul con componentes de jazz y R&B bautizado como acid-jazz. Un periodo de gloria para bandas como Brand New Heavies, Galliano, Young Disciples, Jamiroquai e Incognito, que acabaron bajo el ala del sello Talkin’ Loud. Toda una escena que imaginaba mezclar las atmósferas y la música de Curtis Mayfield con las de Gil Scott-Heron, o las de Roy Ayers con las de Stevie Wonder. Esto, en el caso de Incognito, con la ayuda de las voces de algunas diosas del soul como Jocelyn Brown, Carleen Anderson, Maysa y Sarah Brown... En 2021, STR4TA retoma esta herencia, junto con su ADN, añadiendo una dosis de smooth jazz, algunos temas dignos de las mejores bandas sonoras de Blaxploitation, un toque de funk irreprimible y, sobre todo, con una producción más moderna. En el estudio de Gilles y JP, encontramos un desfile de virtuosos del groove, la mayoría de ellos ex-Incognito, como los bajistas Randy Hope-Taylor y Francis Hylton, los teclistas Matt Cooper y Ski Oakenfull, el batería Pete Ray Biggin, el saxofonista Paul Booth y el percusionista Francesco Mendolia. En su nuevo álbum, titulado Aspects, cada uno de ellos se entrega a una sincera alegría de tocar, lo que da al disco una sensación de directo que hace que esta música sea aún más hedonista. Con un slap de bajo funky, sintetizadores vintage y una percusión quirúrgicamente precisa que lo une todo, el proyecto STR4TA lo tiene todo para incendiar las pistas de baile y hacer que nos movamos. © Marc Zisman/Qobuz

Hace ya tres o cuatro años que Jean Dasso (alias Yeahman) está en escena. Primero fue con sus noches de bass music/tropical “Ghetto Sonido” en Toulouse, y luego, en 2017, con el tema Miniyamba (con las persuasivas voces de las cantantes Mina Shankha y Hajna), que ayudó a despertar el interés de Wonderwheel Recordings. Encabezado por DJ Nickodemus, este sello con sede en Brooklyn (que incluye a grandes nombres del circuito “global bass” como Quantic, Chancha Via Circuito, DJ Khalab o El Búho) ofreció a Yeahman publicar su primer LP, que él, haciendo honor a su imagen de aventurero, fue a grabar a Dakar, Nápoles, Marsella y Toulouse.Y, desde el mismo inicio del álbum, el francés demuestra su carácter distintivo, con la cautivadora y ensoñadora samba Deelahli, en la que escuchamos la voz casi difusa de Mina Shankha, seguida de la suavísima Baixi Baixi, en la que aparecen las dos hermanas portuguesas de Aluna Project a ritmo de charango y dembow. Pero a Yeahman también le gustan los ritmos más cuadrados, como en Soupe Feu y sus muestras de cuerdas, en Sakoneta (con su kora, hecha en Dakar) o en GLI-F4, todo ello apoyado en un ritmo house aterciopelado e hipnótico. Encontramos de nuevo a Mina Shankha y a Hajna en una versión del clásico de la cumbia peruana Cariñito, o a Omar Zidia, cantante y guitarrista del grupo tuareg Ezza en Ouloullou. Por último, cerramos este viaje Qobuzissime en el Ostriconi (una región paradisíaca de Córcega) con Lecce 74 y la folktrónica del productor inglés Robin Perkins, alias El Búho. © Smaël Bouaici/Qobuz

El nombre del canadiense Jesse Bru se escuchó por primera vez en Europa en 2012, después de que el sello parisino Karat, dirigido por los DJs y distribuidores de discos Alex y Laëtitia Katapult, se pusiera en marcha gracias a su proyecto micro-house Hot Keys (en el que estaba trabajando en ese momento con su compatriota Ryan Trann). Al año siguiente, el productor de Vancouver causó un gran alboroto con el éxito de club Psychedelic Brain Paint, extraído de su primer EP, Changing for You. La gente descubrió un eufórico house lo-fi que recordaba al del Motor City Drum Ensemble y a sampleos con multitudes enloquecidas y una Janis Joplin rezando (Work Me Lord, versión Woodstock). En ese momento, Jesse Bru se unió al mundo de los DJs cuyas reputaciones suben sin parar. En el camino, por supuesto, terminó en Berlín, donde, para el deleite de todos, lanzó EP tras EP sin tomarse la más mínima pausa. Hace dos años, este trabajo de cadena de montaje le dejó muy agotado, así que volvió a Vancouver e hizo un balance, pensando en algo así como un primer álbumDe hecho, el canadiense ya había lanzado un LP, Mid City (digital, 2012), pero su plan era más bien una colección completa de temas para un álbum. Con The Coast, Jesse Bru finalmente nos proporciona la oportunidad de saborear su música de verdad, ya que sus 15 temas están llenos de pequeñas ideas y grandes delicias. El antiguo productor de hip-hop, que adquirió el gusto por la música electrónica después de un desvío por Montreal, sigue siendo aquí el antiguo Jesse Bru, tan aficionado al sampling. Se autocita cada vez más a menudo, y el oyente descubre el patchwork que le ayudó a triunfar: todo ese surtido de timbres cálidos y house con la variante soul neoyorquina funciona como un denominador común. El resultado son verdaderos pequeños tesoros como All Day Bae et Workin (Should Be Livin) – y luego añade toques de garage UK (Life’s Alright), de techno (Lucid Dreaming), de jazz o de drum’n’bass, como en Cmwtme, un tema celestial con la combinación de trompeta y Amen break. Un homenaje a los noventa abiertamente admitido: “Me gusta mucho el electro, los breaks, el techno y el jungle, y la música muy, muy conmovedora”, explica Jesse Bru, y subraya lo liberador que es este álbum para él. “Sentí que hacía lo mismo todo el tiempo, EP tras EP, sólo para poder estar en el escenario”. Con un álbum de este nivel, casi dan ganas de encerrar a Jesse Bru en el estudio… © Smaël Bouaici/Qobuz

Autor de una docena de EPs en los últimos años que lo han colocado en el radar de los artistas a seguir, el prolífico y ecléctico productor polaco Bartosz Kruczyńsk, alias Earth Trax, se estrena con el formato de álbum con este sobriamente llamado LP1. Dado a conocer a través del deep house onírico compuesto junto a su compatriota Adam Brocki, alias Newborn Jr., que rápidamente se comparó con la obra de la banda pionera británica Orbital, Earth Trax muestra aquí toda su versatilidad, su talento como arreglista y su cultura electrónica: acid house (Full Throttle, Pandora's Box), electrónica (Adhocracy), breakbeat (Squawk Box), drum'n'bass (Fade Away o el single I'm Not Afraid), ambient/psicodelia (Your Fading Other) o deep house (el lánguido Mechanisms). Son tantas las influencias que se mezclan coherentemente en este proyecto que el resultado es una hermosa tarjeta de presentación que suena como una verdadera demostración de inteligencia musical. © Smaël Bouaici/Qobuz

Presentados en 2018 a través del maxi-single Flicker, en el sello de Manchester Gondwana Records (GoGo Penguin, Portico Quartet), Sunda Arc – el proyecto de Nick y Jordan Smart, los miembros principales de la banda de jazz Mammal Hands – se lanza ahora de lleno con este primer álbum completo que no habría estado fuera de lugar en el catálogo de Erased Tapes. Como Nils Frahm, los dos hermanos mezclan armoniosamente sonidos electrónicos y acústicos y están obsesionados con la idea de “encontrar el fantasma en la máquina”, un concepto muy querido por Terry Riley. El fantasma ciertamente se encuentra en algún lugar a lo largo de Vespers, un magnífico tema ambiental para escuchar junto a la chimenea, la última pieza de un álbum perfectamente en sintonía con los tiempos, en algún lugar entre Jon Hopkins, Max Cooper o Rival Consoles.Pero aunque los ambientes contemplativos tengan su prestigio, a los hermanos Smart tampoco les importa hacer que todo baile – sin entrar nunca en el formato de música de club, por ejemplo en el hipnótico Cluster o el inquietante Dawn, que recuerda a ciertas producciones de Caribou, con un guiño a Moderat Daemon. Y también saben ser más ligeros, casi pop, en el single Hymn, demostrando su capacidad para hacer evolucionar un proyecto muy prometedor. © Smaël Bouaici/Qobuz

Tras dos EPs y una impactante gira europea, este combo de Kinshasa se enfrenta a su mayor reto hasta el momento: un álbum completo. KOKOKO! está compuesto por dos músicos que se construyen muchos de sus instrumentos (con latas, máquinas de escribir y todo tipo de deshechos de ferretería), de la vocalista y performer Makara Bianco, alias “la diablesa de Lingwala”, y el productor francés Xavier Thomas, conocido como “Débruit” (y autor del éxito Nigeria What?). Débruit se sintió inmediatamente fascinado por “su lado experimental”. “No son el típico estereotipo de la música africana. Quieren alejarse de los clichés africanos y de la rumba congolesa tradicional. No tienen límites, no le tienen miedo a nada.”Esta libertad y creatividad nacida de las limitaciones recorre Fongola, con sus fascinantes polirritmos mezclados con armonías occidentales, sus voces intensas, sus guitarras, latas, bidones, y un TR-808… La fórmula está diseñada para conciertos en directo, pero resulta igualmente efectiva aquí: muestras de sonidos callejeros, un beat techno 4/4, letras fáciles de recordar y líneas de bajo contundentes. El resultado es un efecto casi de trance. El álbum se grabó en diversos estudios de Kinshasa y Bruselas, y fue finalmente mezclado y masterizado por Débruit en Anderlecht. En sus palabras, “un gigantesco puzzle electrónico sin un plan claro, con piezas casi imposibles de encajar”. Palabras que describen a la perfección este proyecto. Combinando tantos sonidos diferentes y dejando que contrasten unos con otros, KOKOKO! provocan un estado de caos permanente -¡pero precisamente eso es lo que hace de este álbum una genialidad! © Smaël Bouaici/Qobuz

Tras un 2017 en blanco, el productor alemán de origen italiano David August ha creado este 2018 su propia discográfica, 99Chants, donde ha editado un álbum de ambient titulado DCXXXIX A.C. y el presente D’Angelo. Inspirado por uno de los grandes del primer barroco, el pintor Caraggio, David August recurre a lo largo de estos seis cortes (+ un interludio) a la técnica del claroscuro, como en los nueve minutos de The Life of Merisi, que comienza como un film de ciencia ficción o como una partida de Wipeout con ese beat techno/trance de los 90, un sintetizador a lo Moroder y una voz cavernosa, para extinguirse y renacer en las límpidas armonías de un piano acústico, su instrumento favorito.La vaporosa balada 33Chants y la pieza que titula el trabajo, D’Angelo, que parece abrir una brecha espacio-temporal comunicante con Riders on the Storm de los Doors, comparten el mismo espíritu electro/acústico. Orientación seguida por David August desde su primer álbum, Times, donde recuperaba el piano tras algunos maxis “funcionales” para Diynamic Music, el sello de Solomun, y consolidada gracias a dos live excepcionales editados por Boiler Room en 2014 y 2016 (en compañía, aquí, de la Orquesta Sinfónica de Berlín) y a este disco que nos sumerge en una burbuja amniótica que cuesta abandonar. Vaya, que a uno no le importaría demasiado quedarse por toda la eternidad. © Smaël Bouaici

Kiddy Smile se ha propuesto popularizar de nuevo el house. Pese a que el house vintage haya vuelto con fuerza de unos años a esta parte y haber pasado veinte años desde que el French Touch conquistara los charts internacionales, este emblema de la escena del ballroom y el voguing parisino deja claras sus intenciones con este primer álbum. Tras darse a conocer en 2016 con el tema Let A B!tch Know, Kiddy Smile, fichada por el mediático sello Defected, apunta ahora lo más alto posible y convoca los espíritus de Robin S, Armand Van Helden y Mojo, sus principales referencias nusicales, sin dejar de mirar al mismo tiempo a Sylvester, icono gay norteamericano y autor en 1978 del hit planetario You Make Me Feel (Mighty Real).Lo cual no significa por supuesto que reniegue en modo alguno del house, que constituye el fundamento de prácticamente todas las canciones del disco, y más en concreto de ese vocal house que antaño cultivaran Ron Trent y, en especial, Frankie Knuckles, quienes convirtieron el género en mainstream USA durante los 90 con sus remixes de hits soul/pop. ¿Funcionará el mismo modelo en Francia? Veremos. Pero lo cierto es que Kiddy Smile, asistida por Julien Galner (de Château Marmont) en tareas de producción, juega con cartas ganadoras, como en Be Honest featuring Rouge Mary, soberbio temazo soulful de ritmo contagioso, o en One Trick Pony, producido por Boston Bun (Ed Banger), donde conquetea sin complejos con el crossover pop/R&B. Dos cortes de enorme potencial, acompañados por una constelación de hits bailables que pondrán patas arriba los clubs de medio mundo (House of God, Burn the House Down) y por el single Dickmatized, que nos recuerda la eficacia del dúo italiano de fidget house Crookers. Esto es lo que se dice trabajar con los mejores mimbres. A esto se le llama reunir todos los elementos para un merecido éxito, y es por lo que le hemos otorgado nuestro Qobuzissime. © Smaël Bouaici/Qobuz

Lo vimos con You'll Understand, su segundo maxi editado en 2016 por Distant Hawaii, subdivisión del sello londinense Lobster Theremin (mascarón de proa del house lo-fi), y con ese tema melancólico y vehemente que era Talk To Me You'll Understand: Ross From Friends vale un potosí, apreciación no desmentida, sino todo lo contrario, por la escucha de este primer álbum minuciosamente concebido a lo largo de dos años. Cincuenta minutos que entusiasmarán a quienes sucumbieron al hechizo de su suntuoso house y que, sin duda, ampliarán exponencialmente su base de fans.Y es que la música de Ross From Friends tiene un poder adictivo, como atestigua por ejemplo Thank God I’m a Lizzard, tema de house ritualmente chamánico con guitarras ralentizadas a lo Pink Floyd, mientras Wear Me Down desvela un aspecto más orgánico, más acuático, evocando las producciones del argentino Ernesto Ferreyra y el gota a gota tímbrico de Cadenza, el sello de Luciano. Pero al aspecto hipnótico de esas referencias dentro del minimal techno Ross From Friends añade un suplemento personal, extraído de su historia familiar. Sus padres eran de aquellos trotamundos ingleses que en los 80 recorrían Europa con su soundsystem para dar a conocer la buena nueva electrónica (hi-NRG, italo-disco…). The Knife, una especie de synth-pop soul, nos sumerge por lo demás en esos ambientes ochenteros, aumentando a continuación los BPM con el techno de Project Cybersyn. “Cada vez que me ponía a trabajar en un corte sentía cómo me afectaba el aspecto emocional”, según explica. “Esa ha sido desde luego una de las dimensiones más interesantes del álbum, y he intentado profundizar en esas emociones, en esa inestabilidad emocional.” Una dimensión también presente en la obra de otro productor británico de la misma generación, Leon Vynehall, que ha elaborado su último disco, Nothing Is Still, a partir de los recuerdos de sus abuelos, con resultados igualmente formidables.Por su parte el tema Parallel Sequence, con sus estupendos ritmos rotos, demuestra que el artista no gusta de usar machacones bombos ni, a diferencia de otros, esas a veces omnipresentes cajas de ritmos. En cualquier caso, no cuesta demasiado encontrar los ejes temáticos de estas canciones (el término se revela aquí no poco adecuado) que parecen construirse a partir una idea, de un concepto. Un disco verdaderamente cautivador, cuyas doce pistas nos conducen a través de atmósferas y situaciones entre sonidos amortiguados, cuidadosamente confeccionados por Ross From Friends. Estamos aún en verano, pero sin duda se trata de uno de los álbumes del año y, por supuesto, de un perfecto ejemplo de disco Qobuzissime. © Smaël Bouaici/Qobuz

Trastorno duradero relacionado con la lectura que surge en la infancia y la adolescencia, la dislexia está tipificada como una disfunción propia del aprendizaje. Sin duda 10LEC6 ha aprendido también a hacerlo todo de manera… diferente. Este colectivo afro-post-punk, más que nada, ha digerido un número de influencias verdaderamente formidable. Post punk funky a destajo, tal como se hacía en Nueva York durante los 80, al modo de ESG y Liquid Liquid. Pero también carretadas de disco music, de house, de punk a lo Bad Brains, de afrobeat, del electro más anguloso y de las rítmicas tribales más enérgicas. Desde 2004 esta banda de geometría variable formada alrededor del street-artist Simon y del productor y DJ Jess (del dúo Jess & Crabble) viene haciendo un tipo de fusión con fuerte personalidad. Una fusión aún más vitamínica a partir de 2014 con la entrada de la vocalista Nicole, que canta en dialecto Bulu, lengua bantú hablada principalmente al sur de su Camerún natal. En Bone Bame el ritmo se hace con el control del cuerpo y de la mente. Este tercer állbum publicado por Ed Banger, el sello de Pedro Winter, es por encima de todo una extensa sesión de trance percusivo y electrónico, que los bajos graves y adictivos y el hechizante órgano vocal de Nicole convierten en absolutamente imprescindible. Solo queda entregarse con placer a este singular y cosmopolita dancefloor sin parangón conocido. ¡Un Qobuzissime como la copa de un pino! © Marc Zisman/Qobuz

A primera vista, post-rock y techno parecen poco propicios a entenderse. Pero no para Guy Andrews. Fusionando estas dos pasiones, estas dos grandes influencias en su música, el joven productor británico ha alumbrado su segundo álbum, Tåke (niebla en noruego). Un periplo musicalmente atmosférico y visceralmente arraigado en la naturaleza. En el single Fjell Andrews confiesa haberse inspirado directamente en cierta balada dedicada al Cadair Idris, montaña del País de Gales. Inspirado en las etapas de su escalada, en el desafío que representa su ascenso. Y en el orgullo de superar cada fase… Otro viaje, a Noruega en este caso, ha servido igualmente como nutriente de su arte. Todo ello aporta una energía, un aliento especial que recorre esta obra cautivadora de principio a fin. Guy Andrews juega con las atmósferas (sus primeros trabajos estaban muy anclados en el género ambient) para oscilar entre auroras boreales y huracanes violentos. Cada composición incluida en Tåke supone de hecho una especie de minidocumental sonoro inspirado en las numerosas excursiones de su autor. Aquí, aún más que en su primer álbum, Our Spaces, editado en 2016, Andrews se transforma en escultor. De esta manera, cincela cada tema a partir de una electrónica de texturas variadas y de efectos hipnóticos. Por eso no resulta sorprendente que haya concitado la admiración de luminarias como Massive Attack, Scuba, Bonobo, Max Cooper y muchos otros. Hay que escuchar Tåke como si se contemplara un vasto fresco sonoro, animado por el ritmo y propagado en virtud de su encendido cromatismo. Pocas veces la niebla habrá parecido más hechizante. © MD/Qobuz