Los álbumes

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Alternativa & Indie - Publicado el 12 de enero de 2018 | Dead Oceans

Hi-Res Premios 4F de Télérama - Qobuzissime
Más tensos que la piel de una pandereta, los chicos de Shame no están para bromas. Y el concentrado de post-punk que anima el primer álbum de este quinteto londinense sorprende por su carisma, violencia y originalidad. Songs Of Praise funciona incluso como hipotética banda sonora de una Inglaterra harto grisácea, donde la frustración campa por sus respetos y en constante estado de alerta. Hay mucho de The Fall, Gang Of Four y Killing Joke en este manojo sonoro de nervios sin que, no obstante, el conjunto parezca obsoleto ni, mucho menos, retrógrado. Al igual que Fat White Family, Ought o Vietnam, Shame está sólidamente instalado en 2018, ¡y se nota! En directo desde Brixton, la voz de Charlie Steen, las guitarras de Sean Coyle-Smith y Eddie Green, la batería de Charlie Forbes y el bajo de Josh Finerty espolean y enjaulan su rabia, ciertamente visceral, en unas canciones que suenan mayormente como puñetazos (Dust On Trial) y a veces ponzoñosas e hirientes (The Lick), pero también, en algunos caso, moderadamente afables (One Rizla). Con honradez, sin engañar a nadie, Shame se dedica a hacer rock sin concesiones. Una simple escucha de Songs Of Praise basta para dejar el cuerpo magullado, y con todo volveremos a caer en la tentación. © MZ/Qobuz
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Rap - Publicado el 1 de diciembre de 2017 | Pineale Prod - Grand Musique Management

Hi-Res Premios Qobuzissime
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Alternativa & Indie - Publicado el 10 de noviembre de 2017 | La Castanya

Hi-Res Premios Qobuzissime
El pop psicodélico, la música surf, el shoegaze y el dream pop parece que ya no pertenecen exclusivamente a las Américas o a Reino Unido. También en Barcelona hay músicos que se identifican con este lenguaje eléctrico y ensoñador: en este caso, dos chilenos y dos españoles expertos en melodías azucaradas, apoyadas por guitarras oníricas y reverberantes, que han creado un disco soberbio y repleto de luz. El acertado título Secret Place es una pequeña isla de hedonismo pop donde las seis cuerdas cristalinas y las voces coloroformes se imponen. Se aprecia un tratamienti muy refinado que recoge influencias contemporáneas (DIIV, Beach House, Black Lips, Wild Nothing, Real Estate, Beach Fossils) pero aportando un tono muy personal. Un Qobuzissime cálido que esperamos le proteja del invierno que ya está aquí… © MZ/Qobuz
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Clásica - Publicado el 3 de noviembre de 2017 | Chandos

Hi-Res Libreto Premios Gramophone Editor's Choice - Qobuzissime
Además del fascinante e indispensable Falstaff de Elgar compuesto en 1913, Estudio sinfónico según la partitura, y en realidad un poema sinfónico siguiendo la gran tradición de Strauss –en el que Elgar pensó sin duda al componer su obra maestra, mientras el violonchelo solista bastante presente no puede no evocar el Don Quijote de Strauss, escrito dieciséis años antes–, el álbum se singulariza por algunas melodías con orquesta del mismo Elgar, un repertorio lamentablemente desatendido a pesar de su belleza sobrecogedora (se cantan, si acaso y de vez en cuando, sus Sea Pictures, que son realmente excepcionales). Así que no podemos sino alegrarnos y felicitar a Andrew Davis y el BBC Philharmonic por su iniciativa de volver a ofrecer estas maravillas y además protagonizadas por el ahora muy célebre barítono Roderick Williams. Aquí, Elgar nos demuestra que, lejos de ser solo un gran maestro de grandes frescos vocales-sinfónicos en forma de oratorio (pensamos, claro está, en The Dream of Gerontius, en The Apostles o en The Music Makers), maneja la miniatura con genial maestría. Roderick Williams, una de las voces más bellas de la escena británica hoy, interpreta estas exquisitas rarezas con un arte no menos raro y exquisito. El álbum concluye con un guiño hilarante, la Smoking Cantata, una cantata con una orquestación enormísima pero con una duración de… 49 segundos, y cuyo texto se limita a: «Kindly, Kindly, kindly do not smoke in the hall or staircase», es decir: «Tenga la bondad, la bondad, la bondad, de no fumar en la sala ni en las escaleras». ¡The best British humor! © SM/Qobuz Notas técnicas de Qobuz acerca de la grabación Una toma de sonido refinada para una orquestación impresionante, con una claridad en la diferenciación de niveles y la distancia entre pupitres verdaderamente magistral, todo ello dentro de una mezcla aérea y con una reverberación naturalmente envolvente que no enmascara jamás el discurso y resulta en una homogeneidad poco habitual entre las familias de la orquesta. Gracias a una dinámica muy controlada y bien registrada, los tutti resultan siempre vivos, y cuando entran las percusines descubrimos una bien proporcionada sala que permite al sonido desarrollarse sin restricciones. Sin caer en la tentación de la microfonía de ultra-proximidad de la que se tiende a abusar en la actualidad, Chandos ha producido una mezcla que realmente respeta la partitura, la interpretación, la escenificación sonora… ¡una auténtica delicia!  
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Alternativa & Indie - Publicado el 13 de octubre de 2017 | Universal Music

Hi-Res Libreto Premios Qobuzissime
Dentro de la categoría «hipster», Lawrence Rothman parece haberse encaramado al podio mundial. Un rostro (y una voz) de calculada androginia que ha saltado a las satinadas páginas de las revistas de moda de medio planeta, una pasión por el transformismo digno de la fotógrafa Cindy Sherman (¡Rothman tiene una pinta diferente en cada nuevo vídeo que saca!) y numerosas e ilustres amistades prestas a echarle una mano (Kim Gordon de Sonic Youth, Angel Olsen, Marissa Nadler, Duff McKagan de Guns N’Roses, Stella Mozgawa de Warpaint, Tom Krell alias How To Dress Well, el bajista Pino Palladino, Kristin Kontrol de Dum Dum Girls...)... ¡no falta nadie! Musicalmente, Rothman se presenta como el típico dandy soul/R&B de los 80. La cosa suena en gran medida a Talk Talk, y ocasionalmente a David Bowie, Depeche Mode y Prince, o incluso, por citar artistas más cercanos a nuestros días, a Ariel Pink y How To Dress Well. Pero bajo esa pátina brillante con algo de relumbrón, su álbum –el primero– está repleto de canciones con melodías impresionantes. Composiciones que envuelven unas letras catárticas en las que Rothman recuerda su personal búsqueda de identidad, definida por el artista como no binaria (genderqueer). Este californiano nacido en Los Ángeles hace 35 años, que se confiesa fan tanto de Charles Bukowski como de R. Kelly, tanto de Tupac Shakur como de Leonard Cohen, firma con The Book Of Law uno de los discos más emocionantes de 2017. Un Qobuzísimo extraordinariamente elegante. © MZ/Qobuz
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Cuartetos - Publicado el 13 de octubre de 2017 | BMC Records

Libreto Premios Qobuzissime
Homero, Joyce y Kafka: he aquí los autores de los textos puestos en música por Peter Eötvös en The Sirens Cycle de 2016. La obra, que requiere un cuarteto de cuerda con soprano coloratura, se inscribe en una cierta estela conceptual –la incorporación de la voz– del Cuarteto nº 2 de Schönberg, de la Suite lírica de Alban Berg (en su variante cantada –último movimiento– o, por lo menos, cantable) o de los Sonetos de Elisabeth Barrett-Browning de Egon Wellesz. Eötvös utiliza tres versiones literarias del Ulises mitológico y de su encuentro con las sirenas. Cada una está escrita para una voz de soprano y cada parte en su lengua original –griego, inglés y alemán. Para Joyce, la primera parte y, con sus siete movimientos, la más larga de la obra, el compositor elige unos pasajes en la trama flexible de la novela Ulysses escrita utilizando la técnica del «monólogo interior». En la Odisea de Homero, en cambio, Eötvös trata un episodio en su integralidad y hace lo mismo con el Silencio de las sirenas de Kafka. En el plano musical, Eötvös da a la parte joyciana el carácter de un arioso expresivo, a la Odisea una forma de Lied, mientras a la página de Kafka le corresponde un recitativo. «Cada lengua, por su ritmo y sus propias consonantes, por sus acentos tónicos y la estructura de sus frases implica un carácter musical singular», recuerda el compositor. El Cuarteto nº 1, Korrespondenz, compuesto en 1992 por Eötvös es una suerte de «mini-ópera» sin canto basada en la correspondencia entre Mozart y su padre durante el año 1778. En las tres «escenas», la viola representa a Wolfgang y el violonchelo a Leopold; el compositor atribuye un intervalo preciso a cada vocal, con glissandos para los diptongos y técnicas específicas para varias consonantes: una suerte de pliego de condiciones personal digno de Georges Perec, con la riqueza inherente a los límites que impone. En la primera escena, Leopold intenta impedir el matrimonio de su hijo con Aloysia Weber; en la segunda, Wolfgang se queja del poco éxito de su música entre los parisinos; en la tercera carta (escena), Wolfgang relata la muerte de madre que lo acompañó a París, donde dio su último suspiro. La partitura incluye el texto de las cartas pero el público no lo oye, ni lo ve. En cierto modo, la música de Eötvös se lee entre líneas… Un compositor fascinante y dos obras fascinantes admirablemente interpretadas por el Cuarteto Calder y la soprano Audrey Luna (en la primera obra). © SM/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 6 de octubre de 2017 | Abbey Records

Hi-Res Premios Qobuzissime
Los británicos siempre han demostrado una capacidad única para reinventar la rueda, es decir, la rueda del rock & roll. Cuando parece que ya está todo dicho, de una vez y para siempre, nos dan a conocer incesantemente a nuevos grupos que aportan su propio granito de arena a una historia musical ya de por sí plagada de jalones. E incluso cuando las influencias manejadas pueden parecer demasiado evidentes, el toque personal elimina cualquier susceptibilidad y se hace con el control de la situación. Pale Seas pertenece a esa raza de grupos que alcanzan la incandescencia ya desde su primer álbum. A orillas del mar, en Southampton, frente a la Isla de Wight, el vocalista Jacob Scott, el guitarrista Graham Poole, el bajista Matthew Bishop y el batería Andrew Richardson han buceado en los primeros discos de Radiohead y Suede para escribir sus propias leyes del rock & roll. Y aunque su pronunciado gusto por el rock británico de los 90 salte a la vista a lo largo de Stargazing For Beginners, la capacidad del cuarteto para elaborar sólidos tejidos guitarrísticos hace de su primer álbum una propuesta realmente original. Mayormente registrado de noche en una antigua abadía, estamos ante un disco Qobuzissime diseñado para despertar el instinto animal de los fans de grupos de guitarras. Una auténtica revelación. © CM/Qobuz
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Clásica - Publicado el 29 de septiembre de 2017 | Erato - Warner Classics

Hi-Res Libreto Premios 4 étoiles Classica - Qobuzissime - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Para su primera grabación, el Cuarteto Arod eligió a Mendelssohn, uno de los pilares del arte del cuarteto, en particular el Cuarto, en mi menor de junio de 1837, su obra maestra, más mozartiana que beethoveniana por su arquitectura y desarrollo, aunque reconocemos de la primera a la última nota la pluma de Mendelssohn. Si buscamos la influencia del Sordo genial, la encontraremos en el Cuarteto nº 2 Op. 13 de 1827, escrito poco después de la muerte de Beethoven, habiendo Mendelssohn descubierto, entre otras cosas, la magnitud de las innovaciones de su modelo. El álbum del Cuarteto Arod prosigue con las Cuatro piezas para cuarteto, agrupadas póstumamente como Op. 81 por Julius Rietz, sucesor de Mendelssohn en el puesto de director de la Gewandhaus, a partir de cuatro páginas independientes datando de épocas diversas. El álbum concluye con una re-escritura firmada por los Arod de un Lied, cantado por Marianne Crebassa y cuya temática recoge nota por nota varios pasajes de Beethoven, en un verdadero homenaje del joven compositor hacia su ilustre modelo. Recordamos la trayectoria meteórica del Cuarteto Arod que consiguió a pesar de su juventud –nació en 2013– un lugar destacado en la esfera mundial como lo demuestra la lista de las salas donde actuó: Philharmonie de París, Auditorium del Louvre, Teatro des Bouffes du Nord, Arsenal de Metz, y fuera de su Francia natal, Mozarteum de Salzburgo, Konzerthaus de Viena, Concertgebouw de Ámsterdam, Tonhalle de Zúrich, Wigmore Hall de Londres, y entre otros países, Japón (Tokio), Finlandia, Suiza... © SM/Qobuz
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Electro - Publicado el 21 de septiembre de 2017 | Houndstooth

Hi-Res Premios Qobuzissime
A primera vista, post-rock y techno parecen poco propicios a entenderse. Pero no para Guy Andrews. Fusionando estas dos pasiones, estas dos grandes influencias en su música, el joven productor británico ha alumbrado su segundo álbum, Tåke (niebla en noruego). Un periplo musicalmente atmosférico y visceralmente arraigado en la naturaleza. En el single Fjell Andrews confiesa haberse inspirado directamente en cierta balada dedicada al Cadair Idris, montaña del País de Gales. Inspirado en las etapas de su escalada, en el desafío que representa su ascenso. Y en el orgullo de superar cada fase… Otro viaje, a Noruega en este caso, ha servido igualmente como nutriente de su arte. Todo ello aporta una energía, un aliento especial que recorre esta obra cautivadora de principio a fin. Guy Andrews juega con las atmósferas (sus primeros trabajos estaban muy anclados en el género ambient) para oscilar entre auroras boreales y huracanes violentos. Cada composición incluida en Tåke supone de hecho una especie de minidocumental sonoro inspirado en las numerosas excursiones de su autor. Aquí, aún más que en su primer álbum, Our Spaces, editado en 2016, Andrews se transforma en escultor. De esta manera, cincela cada tema a partir de una electrónica de texturas variadas y de efectos hipnóticos. Por eso no resulta sorprendente que haya concitado la admiración de luminarias como Massive Attack, Scuba, Bonobo, Max Cooper y muchos otros. Hay que escuchar Tåke como si se contemplara un vasto fresco sonoro, animado por el ritmo y propagado en virtud de su encendido cromatismo. Pocas veces la niebla habrá parecido más hechizante. © MD/Qobuz
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África - Publicado el 8 de septiembre de 2017 | Bonsound Records

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Clásica - Publicado el 1 de septiembre de 2017 | Warner Classics

Hi-Res Libreto Premios Qobuzissime
«Händel goes wild» suena como «Handel se suelta» y en efecto, hemos de reconocer que en este álbum firmado por Christina Pluhar, Handel se suelta a más no poder. La arpista, tiorbista y laudista austriaca agarró un puñado de arias, movimientos de conciertos y oberturas de Handel (y algo de Vivaldi) y los entregó no solo a los músicos barrocos del conjunto L’Arpeggiata, sino también a media docena de músicos de jazz de todos los estilos. Así, la relectura de las obras barrocas es sucesivamente manouche [o jazz gitano], klezmer, salsa, New Orleans, lounge, blues etc., que cada oyente podrá amar o detestar según su propio grado de adaptabilidad. Obviamente, el uso del clarinete y del piano en este lenguaje puede resultar desconcertante… El principio de Pluhar es sencillo: Handel recuperó, remodeló, alteró, maquilló, saqueó, reescribió, obras suyas y de otros compositores, siempre con su pluma inimitable y en el estilo de su época más inmediata. Siendo así ¿por qué no hacer lo mismo hoy día? En cualquier caso, esta mezcla de instrumentos y voces barrocas con instrumentos y géneros musicales del siglo XX es de lo más alucinante. Entre los artistas invitados, cabe señalar al clarinetista Gianluigi Trovesi, al pianista Francesco Turrisi y al contrabajista Boris Schmidt en el ámbito del jazz, y también al contratenor Valer Sabadus y a la soprano Nuria Rial. © SM/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 21 de julio de 2017 | Columbia

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Alternativa & Indie - Publicado el 7 de julio de 2017 | Vertigo Berlin

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Rap - Publicado el 30 de junio de 2017 | Pineale Prod - Grand Musique Management

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Alternativa & Indie - Publicado el 19 de mayo de 2017 | ATO Records

Hi-Res Libreto Premios Qobuzissime