Qobuzissime

Nuestra época adora las bandas atípicas que erradican las barreras estilísticas. A nuestra época le encantará High Pulp. Porque aunque este joven colectivo de Seattle se haya construido sobre una pasión común por el jazz, el lenguaje que habla a lo largo de los cuarenta minutos de Pursuit of Ends va mucho más allá. Como ellos mismos dicen –Rob Homan (teclados), Antoine Martel (teclados, guitarras), Andrew Morrill (saxo alto), Victory Nguyen (flauta, saxo, trompeta), Scott Rixon (bajo) y Bobby Granfelt (batería)–, se reconocen tanto en Miles Davis y Duke Ellington como en Aphex Twin y My Bloody Valentine. Y High Pulp, efectivamente, tiende fuertes cables entre el bop y el post-rock, la música electrónica y el pop, el jazz-fusión y la new wave. Su propuesta exclusivamente instrumental para este primer álbum se basa sobre todo en un marco melódico impecable, a su vez sólidamente respaldado por un patrón rítmico fascinante. A menudo se piensa en la música apátrida de científicos locos como el difunto David Axelrod, otro de los ídolos de High Pulp, cuyas composiciones adoptan la forma de auténtica música de cine falsa con sabores vintage y futuristas. Es en esta pérdida de puntos de referencia espacio-temporales donde Pursuits of Ends se vuelve fascinante. Cuando esos instrumentos de metal se envuelven en grooves hipnóticos (Kamishinjo), y el reloj no indica ninguna hora y el calendario ninguna fecha... Apoyado por algunos invitados como Jaleel Shaw (Roy Haynes, Mingus Big Band), Brandee Younger (Ravi Coltrane, The Roots), Jacob Mann (Rufus Wainwright, Louis Cole) y el trompetista Theo Croker, el ensemble americano hace una entrada muy notable en la escena del jazz... © Marc Zisman/Qobuz

Después de Young Hard and Handsome, un EP autoproducido publicado en septiembre de 2020 y que incluye la épica Hey Boy (You’re One of Us), Walt Disco han publicado su primer y exuberante álbum completo en el sello Lucky Number. El sexteto de Glasgow, cuyos miembros se conocieron en una fiesta en 2016, han encontrado su propio estilo. Inspirados colectivamente por el amor, la androginia y la época en la que vivimos, los jóvenes escoceses se inspiraron en Scott Walker, David Bowie, sus compatriotas Orange Juice y Associates (además de SOPHIE y Arca) para envolver su prosa en una elocuente mezcla de post-punk de los 80, glam rock y pop futurista. La mirada, al igual que su música, no hurga en el pasado, sino todo lo contrario. Los antiguos estudiantes de la Universidad de Glasgow utilizan su lenguaje para contar la historia de una juventud atrapada en un milenio difícil. “Nuestra música tiene un aire teatral y glamuroso, nunca es realmente sutil. La mejor crítica que recibimos fue ‘Walt Disco deberían reescribir Rocky Horror Picture Show’”, dice su cantante James Potter.Unlearning, originalmente titulado Unlearning The Perfect Life, trata de la deconstrucción y la libertad. “Tú dices que somos estúpidos, yo digo que eres viejo / Desde cuándo te has vuelto tan estúpidamente frío / Encerrado en el pasado, estás perdido en él / Déjanos ser jóvenes, duros y hermosos”, canta James sobre la prominente línea de bajo de Cut Your Hair. Bordeando la ópera rock, estas doce pistas, a las que los experimentos electrónicos de The Costume Change sirven de interludio, encuentran su dramaturgia en las inflexiones vocales de James –que aprendió de un cantante de ópera que a su vez era fan de Freddie Mercury– y en los coros de sus compañeros de banda (How Cool Are You?). Pero también se mueven por una especie de universo distópico, donde el patetismo de la darkwave (Weightless), las alegres turbulencias del dance pop al estilo de Dead Or Alive (Selfish Lover), con la ayuda de cajas de ritmos y sintetizadores, se mezclan con un hiperpop angustioso (If I Had a Perfect Life, Macilent) esculpido en el vórtice del software. Es el renacimiento 2.0 de la ola de los Nuevos Románticos que estábamos esperando. ¡Un Qobuzissime obligatorio! © Charlotte Saintoin/Qobuz

Hace unos meses, Decca anunció la firma de un contrato con el joven director de orquesta Klaus Mäkelä (nacido en 1996), poco después de que la Orchestre de Paris le nombrara asesor musical durante dos años y luego director musical a partir de septiembre de 2022. El sello inglés firma por primera vez en varias décadas a un director de orquesta, en este caso un nuevo ejemplo de la ya larga y bastante excepcional línea de discípulos de Jorma Panula, figura clave de la Academia Sibelius de Helsinki. En segundo lugar, entrar en la escena discográfica con un ciclo completo de las siete sinfonías de Sibelius sigue siendo una iniciativa atrevida: cada obra del ciclo, especialmente compleja, ofrece su propia singularidad.En cuanto a las grabaciones, la Orquesta Filarmónica de Oslo no se asocia necesariamente con las obras orquestales de Sibelius, y se han realizado pocas grabaciones con esta institución noruega, aparte de las cuatro sinfonías (nº 1, 2, 3 y 5) grabadas con Mariss Jansons para EMI a principios de los años 90, que adolecían de una grabación muy reverberante. No es el caso de esta grabación de Decca: los equipos técnicos han realizado un trabajo de grabación notable. El oyente percibirá toda la escritura orquestal de Sibelius, la profundidad de las texturas en particular, tanto más cuanto que Klaus Mäkelä cuida los equilibrios (Sinfonía nº 1) y los numerosos intercambios polifónicos, en el curso de visiones a tempos moderados. Aquí no hay contrastes eruptivos ni rupturas explosivas. El gesto de Klaus Mäkelä es tranquilo, imperturbablemente sereno. Poco sensible al burbujeo rítmico del compositor, el director frasea las amplias líneas con impresionante majestuosidad (final de la Sinfonía nº 3). Klaus Mäkelä no exacerba los contrastes entre los bloques orquestales; con un notable respeto por la naturaleza sedosa de la orquesta noruega, intenta siempre fusionar, favoreciendo la continuidad sonora. Incluso la Sinfonía nº 4, compuesta durante el periodo más oscuro de Sibelius, será aquí, bajo la dirección de Klaus Mäkelä, esencialmente luminosa. Estará muy lejos de los cataclismos de Ernest Ansermet (Decca, 1963) o de Sir Thomas Beecham (BBC Legends, en concierto, 1954).A lo largo de las siete sinfonías, este Sibelius, marcado por una voluntad general de eufonía, se distingue innegablemente por la coherencia de su visión y la suntuosidad de la producción. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

Gracias al burlón “grunge” juvenil de su EP autoproducido Take Control en 2019, los Mysterines, formados originalmente por la cantante y guitarrista Lia Metcalfe, George Favager (bajo) y Chrissy Moore (batería), había llamado la atención de los buscadores de talentos de la plataforma BBC Introducing, que los colocaron en sus radios y los invitaron a tocar en el escenario de los festivales de Reading y Leeds. Esta enorme exposición permitió a la banda apoyar a grupos como Royal Blood y The Amazons, al tiempo que creaba expectación por su primer álbum completo. Publicado en el sello Fiction, Reeling, un concentrado de rock de 43 minutos, ha pemitido al trío de Liverpool salir adelante con fuerza. No sin dificultad. Tras un año de altibajos, un cambio de batería y la incorporación de un guitarrista, el recién formado cuarteto se encerró durante tres semanas en los estudios de grabación Assault & Battery de Londres, entre dos confinamientos, bajo la atenta mirada de la productora e ingeniera de sonido Catherine Marks (Foals, Wolf Alice, The Killers).Un periodo de gestación difícil que acabó siendo fructífero, como cuenta el batería Paul Crilly: “No podíamos salir o pasar tiempo con otras personas sin pensar en el álbum. Fue un verdadero alivio entregarlo una vez que terminamos de grabarlo.” Esta tensión también se plasmó entre las cuatro paredes del estudio, creando la materia prima que compone los temas. La liberación de tanta presión, de este rock en las brasas, se abre con Life’s A Bitch (But I Like It So Much), seguida de Hung Up, con riffs llenos de saturación. La presión disminuye gradualmente, aunque la tensión sigue siendo tangible en la más country Old Friend / Die Hard, así como en la balada de guitarra Still Can You Home, que termina de forma inquietante con la lentitud oscura e insidiosa (al estilo de Nick Cave) de Confession Song, con su piano gótico. “Cuando escuché por primera vez la impresión de prueba del disco, volví a experimentar todos esos momentos que vivimos en el estudio”, dice Crilly. Impulsado por la voz de Lia, una perfecta sacerdotisa de la devastación, Reeling revela una amplia gama de matices, desde el rock desenfrenado hasta el “garage” inmortalizado en el momento, pasando por melodías pop más delicadas y tranquilas. Un logro increíble y una prueba de madurez para una banda que apenas ha salido de la adolescencia. En resumen, ¡un claro Qobuzissime! © Charlotte Saintoin/Qobuz

Revelada a través de la película Belgica (2016) y la fantástica banda sonora firmada por los hermanos Dewaele, y después de dos primeros EP con los que sedujo a todo el mundo (sobre todo con Zandoli en 2019. con el éxito Paténipat), la cantante Charlotte Adigéry lanza ahora su primer álbum junto a Bolis Pupul, su “socio musical” de Deewee, el sello de los Soulwax. Los dos artistas belgas comparten un origen caribeño (ella es de ascendencia yoruba/martinense, y él es chino/martinense) y han decidido burlarse de todos los intolerantes en este Topical Dancer abordando temas como la apropiación cultural, el racismo, el sexismo o el poscolonialismo. Pero todo ello realizado de una forma extremadamente divertida, con Charlotte Adigéry en la cima de su creatividad como letrista.En Esperanto, regaña a los aislacionistas (“Dont say we need to build a wall. Say : I’m a world citizen, I don’t believe in borders”) con una escansión tan refinada como elegante. En el funky Blenda, son los racistas los que se llevan los dardos; luego los misóginos en Ich Mwen, Reappropriate o el sabroso Thank You, que ironiza sobre las opiniones no solicitadas de los hombres sobre el aspecto de las mujeres. Musicalmente, este disco rezuma el sonido pesado y a la vez frío de Deewee, la casa/estudio de Soulwax en Gante, con, como siempre, una mezcla de géneros (electro, pop, no (new) wave...) entre sintetizadores hipnotizantes, bajos rotundos y riffs de guitarra groovy. No es fácil elegir lo más destacado de este álbum surrealista, para escuchar y bailar, aunque no hay que perderse HAHA, un tema conceptual entre la risa y el llanto (el más surrealista de todos) o Making Sense Stop, que da una bofetada a todo el pop francés. Un álbum total, funky, cáustico, comprometido. Un Qobuzissime sin dudarlo. © Smaël Bouaici/Qobuz

Ser pionero en un género o subgénero musical se ha convertido en un reto más que complejo en el siglo XXI. Ciertamente, no es un fin en sí mismo, pero lo que ocurre cuando el oído se posa por primera vez en algo nuevo y único ofrece una sensación inigualable, hermosa y vital. Bloodywood ciertamente no reinventa la rueda, pero ha aprendido a utilizarla de forma diferente para forjar y afilar su folk metal indio al rojo vivo.El encuentro entre los instrumentos tradicionales de la India y el rap metal era probablemente lo último que esperaban los aficionados a ambos géneros. Y sin embargo, ¡qué eficaz! Con su doble voz, en indio (y gutural) por Jayant Bhadula y en inglés (rap) por Raoul Kerr, Bloodywood no perdona a nadie. Son los políticos locales e internacionales los que se llevan la peor parte, siempre. Gaddaar (traidor), el tema que abre Rakshak, es de una rara ferocidad que consigue ofrecer con una facilidad casi indecente elementos folclóricos y sinfónicos en un cóctel explosivo que nos retrotrae a lo mejor del nu metal. El combo experimenta mucho y con éxito, como en el increíble Zanjeero Se, alternando con precisión momentos melódicos y extremos para un resultado increíble. Se puede apreciar la influencia de la electrónica en Dana-Dan, o el uso de la flauta en Jee Veerey, salpicada de un montón de instrumentos tradicionales. La incendiaria Chakh Le que cierra el álbum es la síntesis perfecta de lo que Bloodywood intenta conseguir.Rakshak es un manifiesto de algo nuevo, inesperado e increíblemente poderoso. Sabiamente madurada desde 2016 con un canal de YouTube en el que se ve a los nativos de Nueva Delhi producir numerosas versiones, la experiencia adquirida se siente, y el veredicto es claro: Bloodywood está llamado a ser uno de los grandes protagonistas de la escena del metal en los próximos años, y con estilo. ¡Es el momento de Raj Against The Machine! © Maxime Archambaud/Qobuz

El tema de la noche siempre ha servido de inspiración a innumerables artistas, ya sea en la literatura, el arte o la música, y con razón: ofrece un espacio secreto lleno de intimidad, introspección y, sobre todo, fantasía. Expresadas en la música y especialmente a través del arpa, estas misteriosas descripciones se convierten en imágenes concretas para el oyente. Magdalena Hoffmann se ha propuesto capturar estos sonidos encantados en su álbum Nightscapes: “Mi instrumento crea un espacio singular para esta intimidad, pero también para lo fantástico y lo mágico; no en vano el arpa expresa a menudo un momento aéreo o subterráneo en la orquesta.”La arpista alemana, nacida en Basilea en 1990, descubrió el arpa por sí misma a una edad temprana. Un acontecimiento fundamental en su carrera fue el Concurso Internacional de Música de la ARD de 2016, donde fue ganadora de dos premios especiales, y dos años más tarde le ofrecieron el puesto de arpista principal en la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. En 2021 firmó un contrato exclusivo con Deutsche Grammophon, sello en el que ahora nos presenta su primer proyecto.El álbum consta de composiciones originales para arpa, así como de arreglos de piezas para piano. Entre las primeras se encuentra la Suite para arpa, op. 83, de Benjamin Britten, una obra central del siglo XX para el repertorio del instrumento. Además, encontramos la obra Dans des lutins (Danza de los elfos) de la arpista francesa Henriette Renié (1875-1956), para la que ya habían compuesto obras Fauré, Debussy y Ravel.Hoffmann también interpreta piezas de Chopin, Clara Schumann, John Field, Ottorino Respighi y Marcel Tournier. El género de los nocturnos, en particular, pone de manifiesto un momento de intimidad, un estado de ánimo casi místico, y es un género esencial en la música romántica. Pero también podemos disfrutar del Vals de Chopin o de la Fantaisie de Jean-Michel Damase, piezas trasladadas perfectamente al sonido ligero y danzante del arpa, con Hoffmann consiguiendo siempre conservar esa especial intimidad de su instrumento. Un viaje mágico a los paisajes nocturnos. © Lena Germann/Qobuz

Un himno a Bretaña. Para su primer álbum en Astropolis Records, el sello nacido del legendario festival del mismo nombre en Brest, Blutch ha optado por rendir homenaje a la región que lo ha revelado como un DJ inteligente y sensible que no es de los que golpean la baqueta por principio, sino al que le gusta tomar rutas secundarias. El productor de Morlaix, conocido por sus sets de hybrid house, presenta un álbum de debut íntimo y nostálgico, cuyos títulos hacen referencia en su mayoría a lugares de la región, desde Roscoff a Ouessant, pasando por la calle de su infancia.Es un concepto que pone en práctica de forma luminosa, empezando por el deslumbrante Terre Promise. La parte lírica aportada por el violín de Mirabelle Gilis es fusionada por Blutch con un ritmo de garage británico en Cobalan. El breakbeat se encuentra en River, donde de nuevo nos encontramos rodeados de sintetizadores oníricos. Y “onírico” es realmente la palabra clave de este álbum, que adopta alternativamente rasgos contemplativos (Les Bois) o más caóticos (Remparts, con los sintetizadores modulares de Maxime Dangles, otro miembro de la familia Astropolis). El hit electropop Rosko, a medio camino entre Bicep, Rone y Polo & Pan, también es memorable, antes de sumergirse en Floatin en un remolino etéreo de teclados, como si de una versión distorsionada de I Feel Love de Donna Summer se tratase. En este Terre Promise (tierra prometida) asistimos al nacimiento de un artista que merece con creces su Qobuzissime. © Smaël Bouaici/Qobuz

El cielo es bastante gris, casi antracita. Es el abono ideal para hacer crecer un poco más esta rebosante escena del revival post-punk que agita el planeta indie desde principios de la década de 2010. Pero, ¿cómo sacar la cabeza de una melé ya muy densa en la que se empujan entre ellas las bandas Girl Band, Fontaines DC, Shame, Dry Cleaning y otros mil grupos armados con guitarras cuadradas y vocalistas más cercanos a la escansión que a la canción? Para conseguirlo, Yard Act lleva los marcadores del género y las influencias predecibles (The Fall, Gang of Four, Wire, los primeros Talking Heads) por caminos a menudo inesperados. Mejor aún, no se limitan a ser una bola eléctrica de nervios o un viejo escupitajo en la cara de una sociedad (post-Brexit) que va mal. No, no, Yard Act utiliza su rabia para encontrar diferentes formas de expresión. The Overload, el brillante primer álbum de este cuarteto de Leeds, se cierra con el tempo casi apacible de 100% Endurance. Al micrófono, James Smith es un digno heredero del dalai lama del post-punk, el difunto Mark E. Smith de The Fall, con una pizca de groove. Junto con el guitarrista Sam Shipstone, el bajista Ryan Needham y el baterista Jay Russell, Smith envuelve su cinismo y su bilis con ropas brillantes: una forma de dandismo proletario con anfetaminas que a veces se parece a los Sleaford Mods, a Ian Durry y sus Blockheads o incluso a Pulp... Nunca caricaturescas, sino con un oscuro realismo, las viñetas de James Smith son divertidas y musicalmente eclécticas. Suficientes ingredientes para dejar huella y hacer de The Overload un álbum contundente para iniciar el 2022. © Marc Zisman/Qobuz

¿Qué puede ser mejor que un par de manos para tocar el piano? ¡Dos pares de manos! Considerado como “intimista”, el género del piano a cuatro manos ha estado durante mucho tiempo confinado al círculo de lo privado: tocar para los amigos, bien, pero no en concierto. Hay, por supuesto, algunas excepciones famosas, como las hermanas Labèque, las hermanas Walachowski o, entre la generación más joven, Lucas y Arthur Jussen. Casi siempre son hermanos. Por ello, estamos encantados de que dos pianistas “independientes”, David Salmon y Manuel Vieillard, hayan decidido dejar su huella en el mundo de la música de cámara interpretando el repertorio para piano a cuatro manos en los escenarios más importantes, fundando el Geister Duo.Graduados en la Escuela de Música Hanns Eisler de Berlín y en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de París, Manuel Vieillard y David Salmon son concertistas del más alto nivel. Desde que se conocieron durante sus estudios en el CRR de París hasta el inicio de sus carreras internacionales, se inició una simbiosis musical, con el deseo de formar un dúo “real”, no sólo de reunirse para un concierto. Y el plan funcionó: tras casi diez años de colaboración, el conjunto ganó el año pasado el primer premio del prestigioso Concurso Internacional ARD de Múnich. Ahora presentan su primer disco, en el sello Mirare: Schumann - Brahms - Dvořák, una finísima selección de piezas románticas en las que los colores del piano brillan por duplicado.Aunque los compositores elegidos se encuentran entre los más célebres de la época romántica, este álbum nos ofrece piezas innovadoras y poco conocidas, raramente interpretadas o grabadas hasta la fecha. Desde la primera, Imágenes de Oriente (Bilder aus Osten, op. 66) de Schumann, la complicidad y complementariedad entre los dos instrumentistas es evidente. La obra nos arrastra con sus estados de ánimo cambiantes y nos hace pasar por todas las emociones. La atmósfera romántica y melancólica también queda maravillosamente plasmada en las Variaciones sobre un tema de Schumann, op. 23, de Brahms, en las que el compositor rinde homenaje a su colega y mentor. El disco finaliza con el ciclo de piano de Dvořák De los bosques de Bohemia (Ze Šumavy), op. 68, una obra maestra del repertorio pianístico a cuatro manos magistralmente interpretada por Salmon y Vieillard, cuya singular simbiosis artística puede disfrutarse una vez más. No hay duda: dos son mejor que uno. ¡Un hermoso álbum para empezar el 2022! © Lena Germann/Qobuz

Los países nórdicos siempre han ofrecido una fascinante singularidad en su enfoque del jazz. Una singularidad confirmada por el magnífico álbum de Linda Fredriksson publicado el pasado mes de octubre. Con Juniper, la saxofonista finlandesa, anteriormente activa en el trío Mopo y el cuarteto Superposition, despliega aquí toda la amplia gama de su arte. Rodeada por Tuomo Prättälä en el piano (eléctrico y acústico), Minna Koivisto en el sintetizador modular, Olavi Louhivuori en la batería y Mikael Saastamoinen en el bajo, reúne temas compuestos durante varios años para guitarra, piano y voz (que ya se escucharon en Lempilauluni), ahora arreglados para esta formación. Juniper es, según ella, un disco de cantautor, pero interpretado por una banda de jazz instrumental. Es, sobre todo, un disco centrado en la introspección y en una forma elevada de meditación salpicada de pequeños hallazgos, como la lluvia de filigranas que se escucha en Neon Light (and the Sky Was Trans), el ingrávido tema de apertura...Esta fascinación por los cantautores como Neil Young o Sufjan Stevens –dos influencias que Linda Fredriksson reivindica– da a su forma de tocar una verdadera fuerza narrativa. Este jazz elevado, esencialmente acústico, capaz de toscas digresiones (Nana-Tepalle), también se apropia de todo un instrumental electrónico manejado con gran delicadeza. Linda Fredriksson consigue fusionar todo este material dispar, que huele tanto al folclore más rudimentario como a sonoridades futuristas, curvaturas prestadas de la música de Satie o el jazz atípico de sellos como ECM o Hubro. Para unir estos ingredientes, su forma de tocar, heredada del enfoque espiritual de un Pharoah Sanders o del más libertario Eric Dolphy, es un sólido hilo de Ariadna entretejido en el saxo alto, el barítono e incluso el clarinete bajo. Un álbum Qobuzissime vigorizante y de rara poesía. © Marc Zisman/Qobuz

El encanto, la atracción y la seducción son sensaciones que a menudo son explotadas en la música. Con Kesiena Ukochovbara –alias Wayne Snow– la seducción es natural, espontánea, una evidencia. Porque sólo se necesitan unos segundos para dejarse embrujar y rendirse al neo-soul ultrasensual de este fascinante artista nigeriano, criado en París y afincado en Berlín. Con una nube de pop por aquí, unas comas de electro por allá y algunos puntos de jazz (Oscar Jerome, guitarrista del grupo Kokoroko, forma parte del proyecto), el álbum, titulado Figurine, retuerce los códigos del R&B moderno con pequeños y hábiles toques. Producido por el francés Crayon para el sello Roche Musique, el álbum es un vasto mosaico de texturas sonoras de ayer, hoy y mañana. Es como una banda sonora afrofuturista que transporta el legado de Marvin Gaye y Sade a nuevas galaxias. Con Figurine, Wayne Snow se lanza a la conquista de su propia identidad cultural y musical, en respuesta a las grandes cuestiones de nuestro tiempo. Y su atractivo es totalmente natural: este soulman nunca suena como el enésimo clon de Frank Ocean. Wayne Snow es un músico original y su disco es simplemente fenomenal. © Marc Zisman/Qobuz

El Solem Quartet no es nuevo en el mundo de la música clásica y contemporánea. Como ganadores del Jerwood Arts Live Work Fund 2020, forman parte de las voces artísticas más significativas del Reino Unido. Además, el conjunto destaca por su diversidad musical y apertura, gracias a proyectos innovadores y a colaboraciones con artistas de distintos géneros. Ahora estos cuatro músicos de Inglaterra publican su esperado álbum de debut, The Four Quarters, en Orchid Classics: un viaje musical trascendente, inspirado por compositores desde el Barroco hasta el presente.A pesar de la diversidad de las composiciones, hay una pieza que destaca por abarcar todo el álbum: la obra maestra de Thomas Ades The Four Quarters. Los cuatro movimientos serpentean por la amplia gama de piezas incluidas, y aparecen entre arreglos de Henry Purcell, Florence Price, Béla Bartók o Robert Schumann. La composición de Ades se basa en el ciclo del día como metáfora central: un paseo desde las primeras horas de la mañana hasta las profundidades de la noche. La yuxtaposición del tiempo y el espacio, la tierra y el cielo, también se refleja en la música: mientras que en el primer movimiento, Nightfalls, los violines hacen sonar finos armónicos en patrones regulares, la viola y el violonchelo se encargan de la armonía profunda y grave y, por lo tanto, permanecen en tierra.Otro aspecto destacado del álbum es sin duda la interpretación de Easqelä de Aaron Parker. Es el cuarto movimiento de la obra en cinco partes Tuoretu, compuesta especialmente para el Solem Quartet. El nombre fue inventado libremente y hace referencia a las amplias extensiones del este de Inglaterra, así como a los colores difuminados del atardecer, que, al igual que los sonidos, se funden sin límites. El melancólico e inquietante solo de viola, apuntalado por las tenues quintas y cuartas paralelas de los demás instrumentos, refuerza la trascendencia siempre presente y vuelve a poner de manifiesto los elementos fundamentales del álbum: la cercanía a la naturaleza, el sueño y la intemporalidad. Y aunque es la penúltima pista del disco, el final del onírico viaje musical está lejos de estar a la vista...Con The Four Quarters, el Solem Quartet publica un álbum único y muy inspirador, que establece su propio anclaje atemporal entre el arte contemporáneo y los sonidos tradicionales. © Lena Germann/Qobuz

El primer álbum en solitario de Gaspar Claus se ha hecho esperar. Desde hace quince años, el violonchelista ha multiplicado sus viajes, encuentros y colaboraciones con grandes artistas de todos los horizontes: desde su padre Pedro Soler hasta Barbara Carlotti, pasando por Rone o Bryce Dessner. Con todas estas influencias, el músico ha encontrado el mejor hogar posible en el sello InFiné, donde presenta Tancade, un álbum eminentemente personal, ya que por primera vez es el único capitán a bordo del barco. Saludemos las notables contribuciones de Francesco Donadello y David Chalmin en la masterización y la mezcla, que han dado a esta grabación un sonido único y rico en contrastes.El material es mínimo: con un violonchelo como único equipaje, Claus cautiva con la variedad de sus composiciones, explotando las infinitas posibilidades sonoras de su instrumento. Pizzicatos, arcos que son alternativamente flexibles y chirriantes, bajos resonantes que son respondidos por agudos aéreos... Como un verdadero arquitecto del sonido, el intérprete logra hacer de cada uno de los títulos que componen este trabajo un mundo propio, convocando sensaciones únicas. Así, uno puede verse arrastrado al trance casi tribal e hipnotizante de los pizzicatos percusivos de Une Foule, antes de encontrar la atmósfera más meditativa del crepuscular 1999. No se puede sino admirar el genio de Claus para esculpir tanto material con tan pocas herramientas, limitándose la contribución de la electrónica a discretos efectos de reverberación o distorsión: lo mínimo, en definitiva.La gran fuerza de Tancade es que nunca se hunde en una pura demostración de técnica instrumental. El álbum no es un catálogo de todo lo que un chelista puede producir con su instrumento. Está claro que, en cada tema, es solamente la atmósfera deseada la que preside los procesos de composición e interpretación. Gaspar Claus ha creado un álbum magnífico, lleno de inventiva y poesía, que reconecta al oyente con un cúmulo de emociones que se remontan a miles de años atrás. Se puede decir ya que Tancade se convertirá en un clásico imprescindible para el violonchelo contemporáneo. © Pierre Lamy/Qobuz

Tras haber causado sensación en 2018 con su primer EP If U Want It, que contenía los éxitos ABC y I DON’T CARE, la surcoreana había entusiasmado al público con sus actuaciones en directo, durante las cuales cogía el micrófono para cantar/rapear sobre lo que mezclaba en los platos. Demasiado pronto catalogada como la nueva prodigio del lo-fi house, Park Hye Jin demuestra ahora, en su primer álbum, que tiene una paleta mucho más amplia. Con base en Los Ángeles, se puede sentir el relajado espíritu del rap californiano sobrevolando este disco, que comienza con una onda garage británica en Let’s Sing Let’s Dance. Park Hye Jin rapea a lo largo de la primera parte del álbum, con estribillos tórridos, como en Good Morning Good Night, con letras cantadas sobre un ritmo apagado y una guitarra con reverberación, como para acentuar el lado soleado del tema. Dentro del mismo género, subrayaremos las hipnotizantes I Need You o Where Did I Go, y sobre todo una capacidad innata para crear estribillos sencillos y pegadizos, siempre con ese flujo despreocupado que se mueve entre el frente y el fondo del escenario sonoro.Pero si en este disco el flujo principal es el rap, el house nunca anda muy lejos. Se pueden escuchar pinceladas tanto en Whatchu Doin Later como en Can I Get Your Number (que se remezclará muy pronto), en la forma en que escanea los estribillos, o en los efectos de su voz. La segunda parte del disco es más franca y directa, con ritmos 4/4 en Sex With Me (DEFG), que retoma el principio de su éxito ABC pero con una letra un poco más atrevida, o en Where Are You Think, un modelo de house lo-fi que resulta demasiado corto, mientras que Hey, Hey, Hey y Never Die elevan los BPM al nivel del techno. Y todo esto termina en una fusión total en forma de trap en Sunday ASAP y I jus wanna be happy, una pista vaporosa a más no poder. Sin previo aviso, Park Hye Jin ha tendido un nuevo puente entre el hip-hop y la música electrónica. Esto merece un Qobuzissime. © Smaël Bouaici/Qobuz

Es la banda de punk más electrizante de los últimos años, lo hemos dicho antes y lo volveremos a decir. Estos australianos, liderados por la brillante Amy Taylor, están subiendo poco a poco a las alturas de la fama con sus explosivos espectáculos en directo. Tras dos EPs y un álbum de debut homónimo, grabado en Inglaterra con Joey Walker de King Gizzard & The Lizard Wizard y que les valió el premio a la mejor banda de rock en los prestigiosos Aria Awards, llega Comfort To Me y su deforme portada. El nombre Comfort To Me nació en el periodo de confinamiento, en el que Amy, Bryce Wilson (batería), Dec Martens (guitarra) y Fergus Romer (bajo), a puerta cerrada en una casa de Melbourne, trabajaron diariamente en lo que se convertiría en inquietantes canciones con una visceral energía de garage. La receta heredada de Cro-Mags o Cosmic Psychos difiere ligeramente de los lanzamientos anteriores: sección rítmica repetitiva y abrasiva, letras sencillas y crudas en bucle, guitarras gritonas más elaboradas, temas ultracortos. La gran diferencia a destacar: la producción está mucho más cuidada. Pero lo mejor es dejar que sea la propia Amy la que hable de este proyecto: “Si tuviera que explicar cómo es este disco, diría que es como ver un episodio de La niñera (The Nanny), pero el entorno es una feria de coches australiana: Fran está interesada en temas sociales, ha leído unos cuantos libros y el señor Sheffield está bebiendo cerveza al sol. Es un Mitsubishi Lancer que va ligeramente por encima del límite de velocidad en una zona escolar. Es darse cuenta de lo bien que sienta llevar los pantalones en la cama. Es tener a alguien que quiera hacerte la cena cuando estás muy cansada. Soy yo haciendo shadowboxing en el escenario, cubierta de sudor, en lugar de estar sentada tranquilamente en una esquina.” Reconfortante porque está fuera de los esquemas, pues. Como nos gusta. © Charlotte Saintoin/Qobuz

Babatunde Teemituoyo Doherty, alias Baba Ali, es un hombre de los años 80. Pero no sólo eso. Y lo demuestra con creces. Criado con los sonidos de Prince, Michael Jackson e incluso Femi Kuti (un amigo de la familia), además de D’Angelo y J Dilla, este nigeriano nacido en Nueva Jersey consigue combinar la brillantez del funk, la frescura del post-punk, la efervescencia del baile y una multitud de sonidos dentro de su impresionante álbum, Memory Device. Ali, como un esteta, va en busca del arte absoluto. Ya en el instituto, con su dúo Voices Of Black, dijo: “Bueno, somos dos chicos negros pero escuchamos Radiohead y Joy Division y muchas otras cosas: no queremos sentirnos etiquetados, queremos crear una música absoluta que vaya a todas partes y lo toque todo.” Siguiendo esta filosofía, inventó la expresión “yarquismo”, que define el proceso de creación instintivo necesario para alcanzar la pureza. Un proceso que utilizó para crear las maquetas que desarrolló en las clases de arte que Ali tomó en la Universidad de Brown y que fascinaron a su compañero Nicolas Jaar. Este último les ayudó más tarde a publicar su primer EP en el sello de electro Wolf + Lamb (Seth Troxler, Shaun Reeves) del que él mismo había salido. Le siguieron de cerca Nomad (2017) y This House (2020), dos primeros EP llenos de grime, generados por escuchar repetidamente a LCD Soundsystem o Iggy Pop en Londres, donde vive.Escrito en soledad durante el confinamiento y grabado entre septiembre de 2020 y febrero de 2021 con Al Doyle (Hot Chip, LCD Soundsystem) en el este de Londres, este primer LP se inspira tanto en James White And The Blacks como en Heaven To A Tortured Mind (2020) de Yves Tumor y, según admite Baba Ali, se trata de una auténtica bofetada. Podemos encontrar música post-disco de finales de los 70, así como experimentos vanguardistas que pintan atmósferas humeantes (Better Days, Nuclear Family) y su voz, distorsionada y alterada, sobre letras a veces sombrías (“I’ve seen better days”). En este gran trabajo dominan los sintetizadores (Nature’s Curse, Got An Idea), los bajos y los ritmos sostenidos (Black Wagon), la redondez del funk y la new wave (Draggin’ On, Temp Worker). Pero más allá del pluralismo referencial, lo que cautiva es la tensión de un tema a otro, perfecta para una catártica salida nocturna a un club. En definitiva, un Qobuzissime que es como una caverna repleta tesoros, y cuya fórmula se vuelve aún más mágica cuando se comparte. © Charlotte Saintoin/Qobuz

Tras el excepcional recital Le clavecin mythologique, también publicado por el sello francés L’Encelade, con sede en Versalles, que proporcionó un original escenario para una colorida e inspirada exploración del repertorio para clave de la Francia del siglo XVIII, la austriaca Anne Marie Dragosits nos lleva de nuevo al corazón de la noche con su magia única, esa noche que nos invita a soñar y es el momento propicio para dar rienda suelta a la imaginación y la creación artística. Partiendo de la idea del sueño (sommeil), originada en la música francesa (y llevada a su punto álgido por Lully en sus tragédies lyriques), nos invita a un viaje que –y ahí radica todo el interés– tiene sus raíces en Alemania, entre los siglos XVII y XVIII.La dinastía Bach está aquí bien representada, desde los hijos hasta el padre: Wilhelm Friedemann y su increíble Fantasia, Carl Philipp Emanuel Bach y sus variaciones sobre la canción Ich schlief, da träumte mir, después de algunas otras piezas al principio del programa, incluyendo la bellísima Mémoire raisonnée de una serie de miniaturas poco conocidas, Wq. 117. De Johann Sebastian, Anne Marie Dragosits eligió el Praeludium (Harpeggiando), BWV 921, demasiado poco tocado, una auténtica improvisación para teclado llena de contrastes y alegría explosiva, cuyo sonido híbrido recuerda al “Stylus Phantasticus” de Buxtehude. A continuación, la clavecinista inserta aquí y allá, según su estado de ánimo –y sin duda sus sueños– algunas obras de Graupner, Fischer y Kuhnau. Del primero, dos piezas muy bellas tituladas precisamente Sommeille, extraídos de dos suites diferentes del compositor. En el sublime clavecín Christian Zell de 1728 –uno de los más bellos del mundo, conservado en el Museo de Artes Decorativas de Hamburgo–, Dragosits despliega tesoros de ternura, pero también implacablemente sublimes. Su interpretación es impresionante en todo momento – la Passacaglia de Johann Caspar Ferdinand Fischer es la apoteosis de la primera parte del programa, una página llena de influencias lullistas que iba a impactar mucho en el joven J. S. Bach.Este recital Ich schlief, da träumte ich, con su programa original y sus secuencias a menudo muy sutiles (el coral Komm süßer Tod de J. S. Bach se combina con la Sonata bíblica nº 4 de Kuhnau) es un precioso testimonio de una clavecinista de musicalidad cautivadora y que no debería disfrutarse de otra manera que no sea como un paseo, especialmente porque el instrumento en sí mismo es ya un encanto eterno, con sus bajos increíblemente profundos y su asombrosa belleza en el registro de laúd. Y si todo esto le asusta, sugerimos comenzar con el Sommeille de la Suite Febrarius de Graupner: ¡un momento de dulzura caprichosa y poderosa ternura que no le dejará indiferente! © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

¡Atención, artista fenomenal! Tras el nombre de Naia Izumi se esconde un joven superdotado que transmite un groove polifacético, un virtuoso multi-instrumentista que se inspira en la historia de la música soul, pero también en el rock y el jazz fusión. Diagnosticado con autismo a los 16 años, este nativo de Georgia se instaló en California y rápidamente centró su atención en la cultura, leyendo docenas de libros y aprendiendo varios instrumentos, la guitarra en particular. En 2018, Naia Izumi ganó el Tiny Desk Contest organizado por NPR, lo que atrajo la atención de todos los sellos, dispuestos a fichar a este músico extraterrestre de personalidad entrañable, capaz de tocar tanto el bajo como la batería, la mandolina e incluso el koto, el instrumento de cuerda pulsada utilizado en la música tradicional japonesa.Y para hacer su universo aún más singular, Izumi cita las influencias evidentes de Stevie Wonder, Lauryn Hill y Musiq Soulchild, pero también, más raramente, de los maestros de la música progresiva King Crimson y sobre todo del guitarrista de jazz John McLaughlin, cerebro de Shakti y de la Mahavishnu Orchestra. Hay elementos claros que caracterizan sus canciones, con esas construcciones de acordes etéreos y melodías arpegiadas que abrazan su volátil y ligera voz soul. En cuanto a la técnica y el virtuosismo, el principal método de Naia Izumi para tocar su Fender Jazzmaster del 64 es el tapping, más que el clásico punteo. Pero esta complejidad estilística e instrumental nunca impide que su música sea humana, orgánica y, sobre todo, sensual. En A Residency in the Los Angeles Area todo resulta fluido, profundo, agraciado. La caricia de un groove salvador que parece querer curar las heridas de este maltrecho mundo. © Mark Zisman/Qobuz

Una entonación. Un conjunto de palabras. Un sonido onírico. La estructura de una melodía... Estas pequeñas cosas hacen que una canción pueda destacar, especialmente cuando se trata de canciones introspectivas y de pop-folk indie. Tori Zietsch, alias Maple Glider, destaca precisamente por estas características. La australiana, que pasó por Brighton antes de volver a Melbourne, puede competir, sin miedo, con músicos de la talla de Cat Power, Adrianne Lenker, Angel Olsen, Julia Jacklin o Sharon Van Etten... Los temas tratados pueden ser clásicos, o convencionales (una educación estricta y religiosa, el primer amor, el despertar a la realidad, la soledad, la distancia geográfica), pero To Enjoy is the Only Thing aborda la intimidad con un tono singular. Un matiz humorístico o una confesión cortés le permiten evitar sobrecargar temas delicados o utilizar palabras convencionales y obvias. Pero, sobre todo, su disco es el escenario de una voz sencillamente sublime. Y en secuencias de total pureza como Be Mean, It’s Kinder Than Crying, donde su voz ligeramente reverberada se superpone a los mismos dos acordes repetidos cíclicamente, Maple Glider resulta abrumadora. En una nota para el disco, escribe: “Esto es lo que representa este álbum, en mi opinión: caminar entre los árboles recubiertos de guirlandas a mediados de septiembre, nadar en el Parque de los Calanques en el sur de Francia, la escarcha en el capó de un coche, la oscuridad a las 4 de la tarde, la luz hasta las 10 de la noche, la sensación de adormecimiento, la niebla gris perpetua que envuelve la Costa de Plata en las Landas, el color rojo, este horrible vestido verde, el vino tinto, la sangre roja, los labios rojos, el rojo del vestido de los cardenales, Suiza, los diarios de mi madre, el informe de un forense, el sol en mi cara, el fin del amor...” Llegando al final de la última pista de este primer álbum, siempre emotivo, uno se encuentra sobrecogido por estos 35 minutos atemporales, repletos de encanto... © Marc Zisman/Qobuz