Los álbumes

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Alternativa & Indie - Publicado el 18 de mayo de 2018 | Marathon Artists

Hi-Res Premios 4F de Télérama - Qobuzissime
El segundo álbum en estudio de Courtney Barnett es tan simple como genial. Simplista no, simple. El rock’n’roll dispensado por esta joven australiana resulta de una pureza y transparencia desarmantes. Y por si fuera poco, compone grandes canciones. Sí, sí, canciones, esas «cosas» que hacen que un disco sea bueno, o no… Al igual que en el recopilatorio con sus dos primeros EP (A Sea of Split Peas) o en su primer álbum (Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit), así como en su disco a dúo con Kurt Vile (Lotta Sea Lice), este Tell Me How You Really Feel contiene diez cortes que conjugan a la perfección humor mordaz e intimismo confesional, mostrando Courtney Barnett un tono mucho más introspectivo. Y como todo le viene rodado, tanto en el ámbito musical (con un impresionante éxito internacional de público y crítica) como en el personal (esa love story que mantiene con su compañera de armas Jen Cloher), se advierte qee la artista se ha tomado todo el tiempo del mundo para pulir estas diez nuevas composiciones. En cuanto a las letras, repasa el repertorio temático más trillado (amores, inquietudes, frustraciones, verdades como puños) sin caer nunca en el tópico, lo que parece particularmente sorprendente. Y como de costumbre, Barnett viste esas letras con un impecable indie rock guitarrero de despojada producción e influenciado por sus habituales fetiches (Lou Reed, Kurt Cobain, Neil Young, Jonathan Richman…), que ayudan a confeccionar, en un par de temas, dos invitadas de postín, las hermanas Kim y Kelley Deal de The Breeders. Como dijera Neil Young en su célebre Hey Hey, My My, Rock’n’roll can never die. © Marc Zisman/Qobuz
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Clásica - Publicado el 11 de mayo de 2018 | Arts & Crafts Productions Inc.

Hi-Res Libreto Premios Qobuzissime
Canadiense de treinta y un años, Jean-Michel Blais no es ningún desconocido en la escena contemporánea neo-clásica. Tras un primer álbum sobriamente intitulado «II», publicado por Caroline Distribution, nos propone hoy una nueva serie de piezas (en su mayoría distribuidas por separado estas últimas semanas) que poseen un lirismo irresistible. Sobre su piano convertido en caja de músicas, viaja siguiendo el capricho del céfiro, hasta orillas donde lo conduce su insaciable creatividad. En el centro del álbum, Blind, quizá el título más seductor de los cuarenta y cinco minutos (aunque sourdine…), nos sumerge, mezclando los sonidos acústicos con las máquinas, en lo ideal de una música relajante y aterciopelada. Una obra como god(s) nos lleva a otra parte, a la iglesia quizá, pero la presencia de capas sonoras indica que los verdaderos dioses de Jean-Michel Blais no son acaso lo que creíamos. igloo hubiera podido ser un título espacial y totalmente panteísta, pero el «iglú» descrito por Blais −que sabe ser caustico cuando quiere− sugiere ante todo estas ciudades contemporáneas, llenas de «cavernas», donde todo se superpone. El nombre de Blais nos evocará, de ahora en adelante, sabores sonoros singulares. Contiene algo de esta melancolía amarga y sin embargo fraternal, dulce y sensual, que recorre gran parte de la creación musical norteamericana, esta melancolía que impregna tanto los grandes espacios sonoros de Copland (Quiet City) o Bernard Hermann (Las Nieves del Kilimanjaro) como las figuras obstinadas de un Steve Reich (The Four Sections) o las volutas aéreas de uno de los representantes más imaginativos de la escena pop canadiense como Patrick Watson −pensamos en su Lighthouse, en la que encontramos este mismo concepto del instrumento, como desembarazado de sus martillos. Jean-Michel Blais suspende su tiempo con discreción pero con tenacidad, bajo una máscara elegante: sus citas (la cautivadora melodía del movimiento lento del Segundo Concierto de Rajmaninov, por ejemplo en la obra roses) nos permiten percibir apacibles y felices paisajes. Blais nos tiende la mano. La cortesía nos incita a aceptar la invitación. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz
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Jazz vocal - Publicado el 4 de mayo de 2018 | Silvertone

Hi-Res Libreto Premios Qobuzissime
Es fan de Madeleine Peyroux y Melody Gardot, y no lo oculta. Sin embargo, Hailey Tuck posee ya un mundo propio. Un toque personal que hace de esta joven tejana -que ha echado momentáneamente raíces en París- una muy sugestiva vocalista y no una imitadora de segunda fila. Larry Klein, productor de sus dos ídolos femeninos, se ha dignado por lo demás a ocuparse del primer álbum de esta señorita peinada como Louise Brooks y vestida como Joséphine Baker. Klein la envuelve en un tejido sonoro soberbio, en absoluto sobreproducido, puro y depurado, suministrado por un estupendo conjunto de músicos de estudio, entre los que destacan el batería Jay Ballerose (Elton John, Robert Plant) y el guitarrista guitarrista Dean Parks (Joe Cocker, Steely Dan)… En cuanto al repertorio, su eclecticismo y calidad nos informan del exquisito gusto que guía a la artista. Y es que revisita That Don't Make It Junk de Leonard Cohen, Cry To Me, popularizada por Solomon Burke, Cactus Tree de Joni Mitchell, Some Other Time de Leonard Bernstein, Underwear de Pulp, Alcohol de los Kinks, Junk de Paul McCartney, I Don’t Care Much, de la B.S.O. de Cabaret, o la maravillosa Say You Don’t Mind de Colin Blunstone. Hailey Tuck insufla vida, con inteligencia, con su voz juguetona y un punto retro, a cada palabra, a cada frase. Lo único que puede hacer el oyente es dejarse llevar y acunar por este hermoso Qobuzissime que parece situado al margen del tiempo… © Max Dembo/Qobuz
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Jazz - Publicado el 6 de abril de 2018 | Okeh

Hi-Res Libreto Premios 4F de Télérama - Qobuzissime
Este soberbio ovni sonoro no se titula Nordub por casualidad. Nor viene de North, de Norte, representado aquí por Nils Petter Molvaer. En 1997, cuando el sello ECM publicó su sorprendente álbum Khmer, este trompetista noruego conmocionó al planera jazz al integrar la electrónica en su atmósferico universo sonoro. Pero Nor remite igualmente a su compatriota y guitarrista Eivind Aarset, así como al productor y DJ finés Vladislav Delay. En cuanto a las tres letras de Dub, apuntan al dúo más emblemático del género: el batería Sly Dumbar y el bajista Robbie Shakespeare. La asociación, impensablemente atípica, del tándem jamaicano con Nils Petter Molvaer se produjo por vez primera encima de un escenario, en 2016, a manera de calentamiento del actual encuentro en un estudio de grabación de Oslo. Desde siempre, el universo de Molvaer ha demostrado un indudable carácter híbrido, acogiendo todo tipo de texturas no siempre muy cercanas al jazz. De ese modo, gusta de pulsar los más diferentes resortes sonoros manteniendo muy alta la energía creativa tanto de sus improvisaciones como de sus composiciones. Y aquí, el trompetista recurre a las identificables sonoridades de Sly & Robbie con impresionante naturalidad. En ello reside, desde luego, la grandeza de Nordub. La comunicación, basada en la sinceridad y el mutuo respeto, es total entre todos los intérpretes, hasta conseguir una perfecta fusión. Incluso los ya sexagenarios músicos jamaicanos abandonan su zona de confort para participar muy activamente en esta obra que toma vuelo desde los primeros compases. Por lo demás, la labor de Aarset y Delay resulta también fundamental a la hora de valorar el resultado final. Juntos, los cinco exploradores de este territorio inédito nos ofrecen una hermosa y planeadora sinfonía a base de un dub & jazz verdaderamente fastuoso. © Marc Zisman/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 6 de abril de 2018 | Transgressive

Hi-Res Premios Qobuzissime
Un viajero. Un narrador. Un mago de la máquinas. Un coleccionista. Y por encima de todo, un autor. ¡Cosmo Sheldrake es todo eso y mucho más! Virtuoso hombre-orquesta, capaz de tocar un indecente número de instrumentos, este joven británico es artífice de las más bellas, cautivadoras y transnacionales sinfonías. Canciones que evocan tanto el espíritu de las fanfarrías beirutíes (que surgen por aquí y por allá) como la música repetitiva y minimalista, la world music, el pop barroco como el que los Kinks de Village Green Preservation Society facturaban a finales de los 60, el universo iconoclasta de Moondog y mil cosas más. Sonidos que Cosmo Sheldrake disfruta recogiendo de un extremo a otro del planeta grabadora portátil en mano. Pero lo mejor de The Much Much How How And I es que no demuestra la menor tentación experimental. Más bien al contrario. Hacer canciones de verdad, con sus comienzos, desarrollos y finales –estribillos y melodías incluidos– sigue siendo su principal objetivo. Y si este álbum resulta tan emocionante y hermoso es porque eso se nota. Con el productor electrónico Matthew Herbert a los controles (otro intrépido fabricante de extravagantes collages), The Much Much How How And I demuestra una imaginación tan desbordante como la de Lewis Carroll o como los colores del arco íris. ¡Qué duda cabe, estamos ante el más Cosmo-polita de los Qobuzissimes! © Marc Zisman/Qobuz
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Electro - Publicado el 9 de marzo de 2018 | Ed Banger Records

Hi-Res Premios Qobuzissime
Trastorno duradero relacionado con la lectura que surge en la infancia y la adolescencia, la dislexia está tipificada como una disfunción propia del aprendizaje. Sin duda 10LEC6 ha aprendido también a hacerlo todo de manera… diferente. Este colectivo afro-post-punk, más que nada, ha digerido un número de influencias verdaderamente formidable. Post punk funky a destajo, tal como se hacía en Nueva York durante los 80, al modo de ESG y Liquid Liquid. Pero también carretadas de disco music, de house, de punk a lo Bad Brains, de afrobeat, del electro más anguloso y de las rítmicas tribales más enérgicas. Desde 2004 esta banda de geometría variable formada alrededor del street-artist Simon y del productor y DJ Jess (del dúo Jess & Crabble) viene haciendo un tipo de fusión con fuerte personalidad. Una fusión aún más vitamínica a partir de 2014 con la entrada de la vocalista Nicole, que canta en dialecto Bulu, lengua bantú hablada principalmente al sur de su Camerún natal. En Bone Bame el ritmo se hace con el control del cuerpo y de la mente. Este tercer állbum publicado por Ed Banger, el sello de Pedro Winter, es por encima de todo una extensa sesión de trance percusivo y electrónico, que los bajos graves y adictivos y el hechizante órgano vocal de Nicole convierten en absolutamente imprescindible. Solo queda entregarse con placer a este singular y cosmopolita dancefloor sin parangón conocido. ¡Un Qobuzissime como la copa de un pino! © Marc Zisman/Qobuz
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Fragmentos de ópera - Publicado el 2 de marzo de 2018 | Decca

Hi-Res Libreto Premios Diapason d'or / Arte - Qobuzissime
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Alternativa & Indie - Publicado el 2 de marzo de 2018 | Domino Recording Co

Hi-Res Premios Qobuzissime
¡Qué lío más tremendo! Hay aquí australianos, japoneses, neozelandeses, ingleses y coreanos, y han elegido la capital británica como centro de operaciones. Les encanta tanto el pop de antaño como el de la actualidad. Y los collages musicales les son tan naturales como el respirar. ¿Y si Superorganism fuera EL grupo por excelencia de hoy, el que mejor captara el espíritu del momento? Este joven colectivo de músicos internacionales que se conocieron por YouTube, adictos todos ellos a la cultura pop, ha compuesto, grabado y producido su primer álbum en un estudio del East End londinense, donde por cierto ¡también viven juntos! Y de esta forma surge este disco de sonoridades directas, un arcoíris de indie pop minimalista, electrónico y bailable, tan extravagante como caleidoscópico y que ha seducido a Frank Ocean o a Ezra Koenig, de Vampire Weekend. Quizá haya quien crea que estamos ante unos primos lejanos de The Avalanches, The Go! Team o I’m From Barcelona, pero Superorganism disponen de una frescura y de una mirada tan onírica como hechizante que hacen de este primer trabajo un Qobuzissime como la copa de un pino. © Marc Zisman/Qobuz
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Jazz - Publicado el 9 de febrero de 2018 | Brownswood Recordings

Hi-Res Libreto Premios Indispensable JAZZ NEWS - Qobuzissime
El grito resuena otra vez: London Calling! Pero en esta ocasión la llamada no proviene de un rock&roll furiosamente iracundo sino más bien del jazz. Un jazz de abigarrado cromatismo, puesto que la joven escena londinense recopilada en We Out Here se ha construido a partir de las influencias más heterogéneas, incluyendo el soul y el afrobeat, la fusion music y la electrónica. Para ofrecer una panorámica de esta nueva generación Brownswood Recordings, el sello de Gilles Peterson, ha confiado la dirección artística del disco al músico más mediático del momento: el saxofonista Shabaka Hutchings. Grabados en solo tres días, los intérpretes y grupos seleccionados apuestan por enarbolar un espíritu jazzístico más que por mantenerse fieles a sus formas. De este modo, el baterista Jake Long parece oficiar, junto a su formación Maisha, un ritual vudú como los del gran Pharoah Sanders. Y el afrobeat de Fela Kuti es utilizado como plataforma de lanzamiento por el Ezra Collective del batería Femi Koleoso, al igual que por el colectivo Kokoroko. Por su parte, otro as de las baquetas, como el carismático Moses Boyd, se arropa con una rítmica salvaje en una espiral electro fascinantemente hipnótica antes de volver a los senderos de su jazz, tan libertario como revitalizador. Este Qobuzissime más colorista que nunca incluye igualmente aportaciones de alto nivel como las de Theon Cross, impresionante virtuoso de la tuba (y compañero además de Shabaka Hutchings en el seno de Sons Of Kemet), Nubya Garcia, saxofonista que encuentra su inspiración en el lirismo de Charles Lloyd, o Joe Armon-Jones, genio loco de los teclados que más bien parece hijo putativo de Herbie Hancock… Con We Out Here la nueva escena jazzística londinense firma un manifiesto tan dinámico como ecléctico. © Marc Zisman/Qobuz
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Chanson francesa - Publicado el 2 de febrero de 2018 | Barclay

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Alternativa & Indie - Publicado el 26 de enero de 2018 | LasVegas Records

Premios Qobuzissime
Desde el lanzamiento de su primer álbum en 2015, Spanish Disco, la música de Leyya conquistó los platos de las radios austriacas. Dos jóvenes vieneses de elección, Marco Kleebauer, productor y compositor, y la vocalista Sophie Lindinger, amigos prácticamente desde niños, forman este dúo creado en 2014 que para actuar en directo pasa a ser cuarteto. Su estilo impregnado de sonoridades electrónicas se revela más maduro en este segundo trabajo, Sauna, con esas texturas sintéticas suministradas por Marco transmutadas en ensoñaciones melódicas, en un ejercicio pop de lo más contemporáneo. Espejismos sonoros sobre los que destaca la voz delicada y natural de Sophie, que a veces resuerda la de Feist. Los temas fueron compuestos en 2017 durante su gira europea, sin prisas, ya que Marco y Sophie, además de hábiles manipuladores de cuanto material musical se les ponga por delante, gustan de tomarse su tiempo para reflexionar, lo que se advierte en todos los aspectos que conforman Sauna. Leyya es un trabajo de artesanía, como el de un pintor de sonidos que manejara su pincel con mirada precisa y perfeccionista. Espacio de transpiración y encuentro, Sauna deja fluir los beats gota a gota (Oh Wow), apuesta por el calor (Heat, Drumsolo) y autoriza a escuchar incluso los gorgoteos (Candy). Tras esta experiencia calorífica, ¿cómo no asomarse a la ventana y ver un arco iris? Leyya transforma el frío invernal en ardor estival y pone color a cualquier día neblinoso. ¡Un disco Qobuzissime que sale en el momento más oportuno! © SD/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 12 de enero de 2018 | Dead Oceans

Hi-Res Premios 4F de Télérama - Qobuzissime
Más tensos que la piel de una pandereta, los chicos de Shame no están para bromas. Y el concentrado de post-punk que anima el primer álbum de este quinteto londinense sorprende por su carisma, violencia y originalidad. Songs Of Praise funciona incluso como hipotética banda sonora de una Inglaterra harto grisácea, donde la frustración campa por sus respetos y en constante estado de alerta. Hay mucho de The Fall, Gang Of Four y Killing Joke en este manojo sonoro de nervios sin que, no obstante, el conjunto parezca obsoleto ni, mucho menos, retrógrado. Al igual que Fat White Family, Ought o Vietnam, Shame está sólidamente instalado en 2018, ¡y se nota! En directo desde Brixton, la voz de Charlie Steen, las guitarras de Sean Coyle-Smith y Eddie Green, la batería de Charlie Forbes y el bajo de Josh Finerty espolean y enjaulan su rabia, ciertamente visceral, en unas canciones que suenan mayormente como puñetazos (Dust On Trial) y a veces ponzoñosas e hirientes (The Lick), pero también, en algunos caso, moderadamente afables (One Rizla). Con honradez, sin engañar a nadie, Shame se dedica a hacer rock sin concesiones. Una simple escucha de Songs Of Praise basta para dejar el cuerpo magullado, y con todo volveremos a caer en la tentación. © MZ/Qobuz
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Rap - Publicado el 1 de diciembre de 2017 | Pineale Prod - Grand Musique Management

Hi-Res Premios Qobuzissime
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Alternativa & Indie - Publicado el 10 de noviembre de 2017 | La Castanya

Hi-Res Premios Qobuzissime
El pop psicodélico, la música surf, el shoegaze y el dream pop parece que ya no pertenecen exclusivamente a las Américas o a Reino Unido. También en Barcelona hay músicos que se identifican con este lenguaje eléctrico y ensoñador: en este caso, dos chilenos y dos españoles expertos en melodías azucaradas, apoyadas por guitarras oníricas y reverberantes, que han creado un disco soberbio y repleto de luz. El acertado título Secret Place es una pequeña isla de hedonismo pop donde las seis cuerdas cristalinas y las voces coloroformes se imponen. Se aprecia un tratamienti muy refinado que recoge influencias contemporáneas (DIIV, Beach House, Black Lips, Wild Nothing, Real Estate, Beach Fossils) pero aportando un tono muy personal. Un Qobuzissime cálido que esperamos le proteja del invierno que ya está aquí… © MZ/Qobuz
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Música sinfónica - Publicado el 3 de noviembre de 2017 | Chandos

Hi-Res Libreto Premios Diapason d'or - Gramophone Editor's Choice - Qobuzissime
Además del fascinante e indispensable Falstaff de Elgar compuesto en 1913, Estudio sinfónico según la partitura, y en realidad un poema sinfónico siguiendo la gran tradición de Strauss –en el que Elgar pensó sin duda al componer su obra maestra, mientras el violonchelo solista bastante presente no puede no evocar el Don Quijote de Strauss, escrito dieciséis años antes–, el álbum se singulariza por algunas melodías con orquesta del mismo Elgar, un repertorio lamentablemente desatendido a pesar de su belleza sobrecogedora (se cantan, si acaso y de vez en cuando, sus Sea Pictures, que son realmente excepcionales). Así que no podemos sino alegrarnos y felicitar a Andrew Davis y el BBC Philharmonic por su iniciativa de volver a ofrecer estas maravillas y además protagonizadas por el ahora muy célebre barítono Roderick Williams. Aquí, Elgar nos demuestra que, lejos de ser solo un gran maestro de grandes frescos vocales-sinfónicos en forma de oratorio (pensamos, claro está, en The Dream of Gerontius, en The Apostles o en The Music Makers), maneja la miniatura con genial maestría. Roderick Williams, una de las voces más bellas de la escena británica hoy, interpreta estas exquisitas rarezas con un arte no menos raro y exquisito. El álbum concluye con un guiño hilarante, la Smoking Cantata, una cantata con una orquestación enormísima pero con una duración de… 49 segundos, y cuyo texto se limita a: «Kindly, Kindly, kindly do not smoke in the hall or staircase», es decir: «Tenga la bondad, la bondad, la bondad, de no fumar en la sala ni en las escaleras». ¡The best British humor! © SM/Qobuz Notas técnicas de Qobuz acerca de la grabación Una toma de sonido refinada para una orquestación impresionante, con una claridad en la diferenciación de niveles y la distancia entre pupitres verdaderamente magistral, todo ello dentro de una mezcla aérea y con una reverberación naturalmente envolvente que no enmascara jamás el discurso y resulta en una homogeneidad poco habitual entre las familias de la orquesta. Gracias a una dinámica muy controlada y bien registrada, los tutti resultan siempre vivos, y cuando entran las percusines descubrimos una bien proporcionada sala que permite al sonido desarrollarse sin restricciones. Sin caer en la tentación de la microfonía de ultra-proximidad de la que se tiende a abusar en la actualidad, Chandos ha producido una mezcla que realmente respeta la partitura, la interpretación, la escenificación sonora… ¡una auténtica delicia!  
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Cuartetos - Publicado el 13 de octubre de 2017 | BMC Records

Libreto Premios Qobuzissime
Homero, Joyce y Kafka: he aquí los autores de los textos puestos en música por Peter Eötvös en The Sirens Cycle de 2016. La obra, que requiere un cuarteto de cuerda con soprano coloratura, se inscribe en una cierta estela conceptual –la incorporación de la voz– del Cuarteto nº 2 de Schönberg, de la Suite lírica de Alban Berg (en su variante cantada –último movimiento– o, por lo menos, cantable) o de los Sonetos de Elisabeth Barrett-Browning de Egon Wellesz. Eötvös utiliza tres versiones literarias del Ulises mitológico y de su encuentro con las sirenas. Cada una está escrita para una voz de soprano y cada parte en su lengua original –griego, inglés y alemán. Para Joyce, la primera parte y, con sus siete movimientos, la más larga de la obra, el compositor elige unos pasajes en la trama flexible de la novela Ulysses escrita utilizando la técnica del «monólogo interior». En la Odisea de Homero, en cambio, Eötvös trata un episodio en su integralidad y hace lo mismo con el Silencio de las sirenas de Kafka. En el plano musical, Eötvös da a la parte joyciana el carácter de un arioso expresivo, a la Odisea una forma de Lied, mientras a la página de Kafka le corresponde un recitativo. «Cada lengua, por su ritmo y sus propias consonantes, por sus acentos tónicos y la estructura de sus frases implica un carácter musical singular», recuerda el compositor. El Cuarteto nº 1, Korrespondenz, compuesto en 1992 por Eötvös es una suerte de «mini-ópera» sin canto basada en la correspondencia entre Mozart y su padre durante el año 1778. En las tres «escenas», la viola representa a Wolfgang y el violonchelo a Leopold; el compositor atribuye un intervalo preciso a cada vocal, con glissandos para los diptongos y técnicas específicas para varias consonantes: una suerte de pliego de condiciones personal digno de Georges Perec, con la riqueza inherente a los límites que impone. En la primera escena, Leopold intenta impedir el matrimonio de su hijo con Aloysia Weber; en la segunda, Wolfgang se queja del poco éxito de su música entre los parisinos; en la tercera carta (escena), Wolfgang relata la muerte de madre que lo acompañó a París, donde dio su último suspiro. La partitura incluye el texto de las cartas pero el público no lo oye, ni lo ve. En cierto modo, la música de Eötvös se lee entre líneas… Un compositor fascinante y dos obras fascinantes admirablemente interpretadas por el Cuarteto Calder y la soprano Audrey Luna (en la primera obra). © SM/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 13 de octubre de 2017 | Universal Music

Hi-Res Libreto Premios Qobuzissime
Dentro de la categoría «hipster», Lawrence Rothman parece haberse encaramado al podio mundial. Un rostro (y una voz) de calculada androginia que ha saltado a las satinadas páginas de las revistas de moda de medio planeta, una pasión por el transformismo digno de la fotógrafa Cindy Sherman (¡Rothman tiene una pinta diferente en cada nuevo vídeo que saca!) y numerosas e ilustres amistades prestas a echarle una mano (Kim Gordon de Sonic Youth, Angel Olsen, Marissa Nadler, Duff McKagan de Guns N’Roses, Stella Mozgawa de Warpaint, Tom Krell alias How To Dress Well, el bajista Pino Palladino, Kristin Kontrol de Dum Dum Girls...)... ¡no falta nadie! Musicalmente, Rothman se presenta como el típico dandy soul/R&B de los 80. La cosa suena en gran medida a Talk Talk, y ocasionalmente a David Bowie, Depeche Mode y Prince, o incluso, por citar artistas más cercanos a nuestros días, a Ariel Pink y How To Dress Well. Pero bajo esa pátina brillante con algo de relumbrón, su álbum –el primero– está repleto de canciones con melodías impresionantes. Composiciones que envuelven unas letras catárticas en las que Rothman recuerda su personal búsqueda de identidad, definida por el artista como no binaria (genderqueer). Este californiano nacido en Los Ángeles hace 35 años, que se confiesa fan tanto de Charles Bukowski como de R. Kelly, tanto de Tupac Shakur como de Leonard Cohen, firma con The Book Of Law uno de los discos más emocionantes de 2017. Un Qobuzísimo extraordinariamente elegante. © MZ/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 6 de octubre de 2017 | Abbey Records

Hi-Res Premios Qobuzissime
Los británicos siempre han demostrado una capacidad única para reinventar la rueda, es decir, la rueda del rock & roll. Cuando parece que ya está todo dicho, de una vez y para siempre, nos dan a conocer incesantemente a nuevos grupos que aportan su propio granito de arena a una historia musical ya de por sí plagada de jalones. E incluso cuando las influencias manejadas pueden parecer demasiado evidentes, el toque personal elimina cualquier susceptibilidad y se hace con el control de la situación. Pale Seas pertenece a esa raza de grupos que alcanzan la incandescencia ya desde su primer álbum. A orillas del mar, en Southampton, frente a la Isla de Wight, el vocalista Jacob Scott, el guitarrista Graham Poole, el bajista Matthew Bishop y el batería Andrew Richardson han buceado en los primeros discos de Radiohead y Suede para escribir sus propias leyes del rock & roll. Y aunque su pronunciado gusto por el rock británico de los 90 salte a la vista a lo largo de Stargazing For Beginners, la capacidad del cuarteto para elaborar sólidos tejidos guitarrísticos hace de su primer álbum una propuesta realmente original. Mayormente registrado de noche en una antigua abadía, estamos ante un disco Qobuzissime diseñado para despertar el instinto animal de los fans de grupos de guitarras. Una auténtica revelación. © CM/Qobuz
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Clásica - Publicado el 29 de septiembre de 2017 | Erato - Warner Classics

Hi-Res Libreto Premios 4 étoiles de Classica - Qobuzissime - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Para su primera grabación, el Cuarteto Arod eligió a Mendelssohn, uno de los pilares del arte del cuarteto, en particular el Cuarto, en mi menor de junio de 1837, su obra maestra, más mozartiana que beethoveniana por su arquitectura y desarrollo, aunque reconocemos de la primera a la última nota la pluma de Mendelssohn. Si buscamos la influencia del Sordo genial, la encontraremos en el Cuarteto nº 2 Op. 13 de 1827, escrito poco después de la muerte de Beethoven, habiendo Mendelssohn descubierto, entre otras cosas, la magnitud de las innovaciones de su modelo. El álbum del Cuarteto Arod prosigue con las Cuatro piezas para cuarteto, agrupadas póstumamente como Op. 81 por Julius Rietz, sucesor de Mendelssohn en el puesto de director de la Gewandhaus, a partir de cuatro páginas independientes datando de épocas diversas. El álbum concluye con una re-escritura firmada por los Arod de un Lied, cantado por Marianne Crebassa y cuya temática recoge nota por nota varios pasajes de Beethoven, en un verdadero homenaje del joven compositor hacia su ilustre modelo. Recordamos la trayectoria meteórica del Cuarteto Arod que consiguió a pesar de su juventud –nació en 2013– un lugar destacado en la esfera mundial como lo demuestra la lista de las salas donde actuó: Philharmonie de París, Auditorium del Louvre, Teatro des Bouffes du Nord, Arsenal de Metz, y fuera de su Francia natal, Mozarteum de Salzburgo, Konzerthaus de Viena, Concertgebouw de Ámsterdam, Tonhalle de Zúrich, Wigmore Hall de Londres, y entre otros países, Japón (Tokio), Finlandia, Suiza... © SM/Qobuz
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Electro - Publicado el 21 de septiembre de 2017 | Houndstooth

Hi-Res Premios Qobuzissime
A primera vista, post-rock y techno parecen poco propicios a entenderse. Pero no para Guy Andrews. Fusionando estas dos pasiones, estas dos grandes influencias en su música, el joven productor británico ha alumbrado su segundo álbum, Tåke (niebla en noruego). Un periplo musicalmente atmosférico y visceralmente arraigado en la naturaleza. En el single Fjell Andrews confiesa haberse inspirado directamente en cierta balada dedicada al Cadair Idris, montaña del País de Gales. Inspirado en las etapas de su escalada, en el desafío que representa su ascenso. Y en el orgullo de superar cada fase… Otro viaje, a Noruega en este caso, ha servido igualmente como nutriente de su arte. Todo ello aporta una energía, un aliento especial que recorre esta obra cautivadora de principio a fin. Guy Andrews juega con las atmósferas (sus primeros trabajos estaban muy anclados en el género ambient) para oscilar entre auroras boreales y huracanes violentos. Cada composición incluida en Tåke supone de hecho una especie de minidocumental sonoro inspirado en las numerosas excursiones de su autor. Aquí, aún más que en su primer álbum, Our Spaces, editado en 2016, Andrews se transforma en escultor. De esta manera, cincela cada tema a partir de una electrónica de texturas variadas y de efectos hipnóticos. Por eso no resulta sorprendente que haya concitado la admiración de luminarias como Massive Attack, Scuba, Bonobo, Max Cooper y muchos otros. Hay que escuchar Tåke como si se contemplara un vasto fresco sonoro, animado por el ritmo y propagado en virtud de su encendido cromatismo. Pocas veces la niebla habrá parecido más hechizante. © MD/Qobuz