Qobuzissime

Hay un famoso dicho que reza: “La unión hace la fuerza.” Dos años después de su álbum de debut, el multi-instrumentista londinense Tom Misch (24 años, una suerte de primo de Jamiroquai), se ha unido a su compatriota baterista-productor Yussef Dayes (27 años, la mente detrás del proyecto United Vibrations y la mitad del dúo de electro-jazz Yussef Kamaal) para firmar este irresistible álbum, What Kinda Music. Hasta ahora, el solista Misch había utilizado una receta musical muy personal –compuesta por una mezcla de jarabe de smooth jazz, puesto en una mousse de funk, con un toque de soul, algunas especias de hip-hop y una pizca de pop aterciopelado– añadiendo a algunos grandes nombres, como De La Soul, GoldLink, Loyle Carner o Poppy Ajudha, e incluso muestras de Roy Hargrove y los Crusaders, y hasta de Stevie Wonder o Patrick Watson… Sabores y sonidos que forman la base de esta cosecha de 2020, que es incluso más sólida desde el punto de vista rítmico. Yussef Dayes utiliza aquí sus ritmos más jazzísticos y se inclina más por la improvisación. Cada uno añade su propio ladrillo a un edificio construido pieza por pieza de una manera verdaderamente colaborativa, y el equilibrio entre las secuencias instrumentales y las secuencias cantadas es perfecto. Ambos crecieron en Peckham, en el sur de Londres; Tom Misch incluso vio a Dayes tocando la batería en un concurso de talentos musicales cuando tenía 9 años! “Yussef viene de una formación más experimental que yo, y tiene un montón de ideas locas. Sé cómo escribir una melodía pegadiza, pero con acordes interesantes, y también tengo un buen conocimiento de las formas de las canciones pop, así que creo que he racionalizado estas ideas y las he hecho accesibles.”Es la simbiosis perfecta entre esta accesibilidad y la sofisticación en la mezcla de diferentes estilos lo que hace de What Kinda Music un viaje relajado al jazz-soul'n'pop. Tom Misch y Yussef Dayes también pueden estar orgullosos de poder lanzar su álbum en el prestigioso sello Blue Note, que defiende una idea sólida del jazz contemporáneo. “Todo está demasiado dividido y compartimentado en estos días”, dice Dayes. “Me gustaría que la gente que escuche nuestro disco sienta que incluso dos músicos como nosotros, muy diferentes entre sí, pueden encontrar una voz común.” En cuanto a las colaboraciones, el dúo invitó al rapero Freddie Gibbs (impecable amante crooner en Nightrider), a Rocco Palladino (hijo del ilustre Pino, bajista ecléctico y loco como su padre, y que al que solemos ver con Alfa Mist) y al saxofonista Kaidi Akinnibi. Un Qobuzissime sin dudarlo para este álbum, que es una prueba más de la vitalidad de la escena jazzística londinense actual, ¡en su aspecto más funky! © Marc Zisman/Qobuz

Dusty Springfield, Adele, Lulu, Sandie Shaw, Duffy... La tradición de los cantantes británicos de soul pop siempre ha sido muy rica, y el segundo álbum de Ren Harvieu, que hemos premiado con un Qobuzissime, confirma este movimiento con tintes retro inspirados en los años 60. Pero no todo ha sido fácil para esta cantante de Manchester: en 2011, recién fichada por el sello Island, para el que estaba grabando su primer álbum, se rompió la espalda en un grave accidente y pasó meses en una cama de hospital. No obstante, su álbum Through the Night fue lanzado, pero el escaso éxito la llevó a un largo y tumultuoso período de dudas. Es un tiempo que ha dejado atrás y que aborda en Spirit Me Away y You Don’t Know Me, dos puntos destacados de este álbum Revel in the Drama.Este segundo disco es el resultado de su encuentro con el cantante de Magic Numbers, Romeo Stodart, que le ayudó a redescubrir su pasión por la música y su inspiración para volver a grabar. Más refinado que su predecesor, Revel in the Drama aborda las influencias de esta encantadora torch singer; mientras que el espíritu de Dusty Springfield (o, más reciente, Rumer) nunca anda lejos, es ciertamente KD Lang y sus inflexiones vocales en lo que se piensa primero al escuchar este álbum. La escritura de Ren Harvieu es sin embargo única: las sombrías secuencias están siempre impregnadas con su humor característico, un ligero sarcasmo que es 100% británico. La libertad que expresa en su tono y su escritura es similar a la de Fiona Apple, uno de sus ídolos. Revel in the Drama es una magnífica colección de canciones atemporales y conmovedoras, joyas del pop vintage envueltas en magníficos tonos de fácil escucha y arreglos de alta calidad, que se pueden tararear hasta bien entrada la noche. © Marc Zisman/Qobuz

Cuando alguien afirma que un grupo es único, viene a significar que en realidad no es ni más ni menos único que cualquier otro grupo. Y como vivimos en una época en la que es especialmente divertido desdibujar los límites estilísticos y escuchar músicas de forma indiscriminada, el grupo que encaja en este año 2020 como un puño en el ojo es aún más difícil de clasificar que sus contemporáneos... Asha Lorenz y Louis O’Bryen no tienen nada más que rock en sus mentes y sus ideas parecen tan ordenadas como el cuarto de un adolescente, pero presentan uno de los álbumes de debut más sorprendentes e impredecibles que existen. Después de todo este tiempo, los dos londinenses, que se conocen desde sus días de instituto, han tenido sin duda la oportunidad de trabajar extensamente en este 925. No son rivales, son simplemente los mejores amigos, y por eso se turnan para tomar el micrófono en el disco. Y lo comparten entre ellos, como ya hiciera Sonic Youth en el siglo pasado. Por cierto, esto a veces nos recuerda a una, a veces incluso muy suave versión de sus antiguos colegas de Nueva York. Al igual que estos últimos, los Sorry no sonríen mucho, más bien muestran una cara algo ofendida, una especie de pereza casual, que resulta más repulsiva que atractiva. Y aún así, todo es fascinante. El periódico británico The Guardian también destacó este sentimiento, con el titular: “Sorry, este grupo hace que el aburrimiento sea sexy.” No podría ser más apropiado... Del grunge Sorry ha tomado prestada la actitud vaga, de los Pixies sus guitarras (Perfect), de Garbage la burla con efecto sexy (Snakes), de The Kills las asociaciones con los drogadictos (More), del movimiento no wave el saxo alcoholizado y del post-punk las visiones oscuras. Debemos escuchar este Qobuzissime una y otra vez, para medir su singularidad y dejarnos seducir por completo. Este álbum simplemente no puede ser pasado por alto. No hay excusa, Sorry. © Mark Zisman

Autor de una docena de EPs en los últimos años que lo han colocado en el radar de los artistas a seguir, el prolífico y ecléctico productor polaco Bartosz Kruczyńsk, alias Earth Trax, se estrena con el formato de álbum con este sobriamente llamado LP1. Dado a conocer a través del deep house onírico compuesto junto a su compatriota Adam Brocki, alias Newborn Jr., que rápidamente se comparó con la obra de la banda pionera británica Orbital, Earth Trax muestra aquí toda su versatilidad, su talento como arreglista y su cultura electrónica: acid house (Full Throttle, Pandora's Box), electrónica (Adhocracy), breakbeat (Squawk Box), drum'n'bass (Fade Away o el single I'm Not Afraid), ambient/psicodelia (Your Fading Other) o deep house (el lánguido Mechanisms). Son tantas las influencias que se mezclan coherentemente en este proyecto que el resultado es una hermosa tarjeta de presentación que suena como una verdadera demostración de inteligencia musical. © Smaël Bouaici/Qobuz

Desde el principio, los Preludios de Chopin propuestos por Eric Lu seducen por una tranquilidad absolutamente lírica que, al final, dominará los cuarenta minutos que dura este viaje, tan difícil de construir de manera fluida y coherente. Eric Lu nos admira por la unidad, tanto expresiva como polifónica, que aporta al ciclo, que generalmente se presenta de forma más contrastada. El americano quiere cantar por encima de todo, y los versos tan admirablemente fraseados nos transportan a un viaje de gran y noble emoción. Detrás de esta dulzura y este canto perdidos, sin embargo, se encuentra una trágica y creciente melancolía, que revela la expresión de una realidad sombría, o al menos muy preocupada, de los 24 Preludios. Aquí, Chopin vuelve a su romanticismo negro, no tan alejado del de Schumann, el de las Kreisleriana contemporáneas (abril de 1838).No es de extrañar que el pianista continúe este segundo recital en Warner Classics con una de las páginas más extrañas de Schumann, Tema y Variaciones en mi bemol mayor, compuesto en 1854, una especie de despedida de la vida terrenal del compositor romántico alemán. En este homenaje a los grandes maestros del pasado como Bach y Beethoven, Schumann se atreve particularmente con polifonías desnudas, en raros matices pianissimo; desde el punto de vista de los estados de ánimo y de los personajes, Eric Lu crea fácilmente un puente directo con el ciclo de Chopin, permaneciendo del lado de la meditación y de la dulzura sobre todo (Variaciones 2 y 5), y no buscando ningún contraste particular.Cuarto Premio del Concurso Chopin de Varsovia en 2015, donde ya se había distinguido por su interpretación de los 24 Preludios, el joven pianista Eric Lu (nacido en 1997) firma aquí un recital fascinante, a veces desconcertante, probablemente el más logrado de los tres ya publicados – el primero fue publicado en el sello alemán Genuin. Un músico al que hay que seguir muy de cerca. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

De ser “tres bichos raros” de Yorkshire, las hermanas Esmé y Sidonie Hand Halford (bajo y batería) y su amigo de la infancia Henry Carlyle Wade (guitarra) se han convertido en la banda indie a seguir. “Es un álbum de escape; si yo fuera al espacio, probablemente no volvería”, confiesa Esmé, la voz delgada y el bajo sólido de The Orielles. Después de un narcótico Silver Dollar Moment bajo la influencia de Stone Roses lanzado en 2018, esta segunda obra extraterrestre va desde la sicodelia turca tipo Altin Gün al cine experimental italiano, para distanciarse mejor del rock guitarrero de los 90. Dos años es mucho tiempo cuando tienes veintitantos años, cuando sales del aburrido Halifax para ir de gira por Europa. Mientras tanto, llegó Alex Stephens a los teclados, realizaron la versión de It Makes You Forget (Itgehane) de Peggy Gou, “muy instructiva”, que los abrió a la música dance, y la remezcla de su single Sugar Taste Like Salt realizada por el desaparecido Andrew Weatherall.Grabado en el Eve Studio de Stockport, con su productora Marta Salogni (Liars, Temples, Björk o The Moonlandingz), Disco Volador coloca la melodía en el centro, convirtiendo lo antiguo en nuevo. “Todas las influencias que tuvimos cuando escribimos este disco estaban presentes cuando lo grabamos, sabíamos cómo tenía que sonar el disco y cómo llegar allí”, continúa la cantante. Ya sea pop aéreo de los 60 (Come Down on Jupiter), disco experimental (Space Samba (Disco Volador Theme)), funk al estilo de los 70 (Bobbie’s Second World, Euro Borealis), sicodelia uptempo (Rapid i, 7th Dynamic Goo) o hovering al estilo Khruangbin (A Material Mistake), no hay nada que desechar. Brillante, adictivo, Qobuzissime. © Charlotte Saintoin/Qobuz

La nueva escena del jazz inglés mantiene su impulso creativo con el primer álbum en solitario de Moses Boyd. Los fans del movimiento ya conocen a este ecléctico joven baterista que ha trabajado con Shabaka Hutchings, Zara McFarlane, Nubya García, Joe Armon-Jones, Theon Cross y Ashley Henry, pero sobre todo como mitad de Binker & Moses, su salvaje dúo con el saxofonista Binker Golding. Con Dark Matter, Boyd firma más un disco de productor que de baterista. Un álbum en forma de una amplia narración de lo que él es y representa, un músico que creció soñando con convertirse en el nuevo Max Roach o Tony Williams mientras escuchaba a Dizzee Rascal y Wiley, así como ritmos caribeños, reggae y música electrónica. La fuerza de la Dark Matter es fusionar este gran elenco de ídolos dispares en una hermosa instantánea del Londres contemporáneo. Muy rico en sonidos, el álbum lleva un claro ADN de jazz pero se mueve desde el afrobeat (BTB) hasta el dubstep (2 Far Gone), visitando también el post-rock (What Now?). Con la voz de Poppy Ajudha, Obongjayar y Nonku Phiri y el contrabajo de los ex-Jazz Warriors Gary Crosby, Moses Boyd ha creado una extraordinaria orgía rítmica. Un álbum aún más inetiquetable que los de sus demás amigos de la escena inglesa. Muy estimulante. © Marc Zisman/Qobuz

Presentados en 2018 a través del maxi-single Flicker, en el sello de Manchester Gondwana Records (GoGo Penguin, Portico Quartet), Sunda Arc – el proyecto de Nick y Jordan Smart, los miembros principales de la banda de jazz Mammal Hands – se lanza ahora de lleno con este primer álbum completo que no habría estado fuera de lugar en el catálogo de Erased Tapes. Como Nils Frahm, los dos hermanos mezclan armoniosamente sonidos electrónicos y acústicos y están obsesionados con la idea de “encontrar el fantasma en la máquina”, un concepto muy querido por Terry Riley. El fantasma ciertamente se encuentra en algún lugar a lo largo de Vespers, un magnífico tema ambiental para escuchar junto a la chimenea, la última pieza de un álbum perfectamente en sintonía con los tiempos, en algún lugar entre Jon Hopkins, Max Cooper o Rival Consoles.Pero aunque los ambientes contemplativos tengan su prestigio, a los hermanos Smart tampoco les importa hacer que todo baile – sin entrar nunca en el formato de música de club, por ejemplo en el hipnótico Cluster o el inquietante Dawn, que recuerda a ciertas producciones de Caribou, con un guiño a Moderat Daemon. Y también saben ser más ligeros, casi pop, en el single Hymn, demostrando su capacidad para hacer evolucionar un proyecto muy prometedor. © Smaël Bouaici/Qobuz

Supergrupo panafricano lanzado por las cantantes Mamani Keita, Oumou Sangaré y Mariam Doumbia en 2014, Les Amazones d’Afrique continúan la lucha por los derechos de la mujer y sacudiendo los clichés del patriarcado en este segundo álbum. Amazones Power reúne a divas de Mali (Mamani Keita, Rokia Koné, Ami Yerewolo), Benín (Fafa Ruffino), Guinea (Niariu), Burkina Faso (Kandy Guira) y Argelia (Nacera Ouali Mesbah) que ponen su experiencia vocal al servicio de arreglos modernos ideados por Liam Farrell, alias Doctor L (Mbongwana Star, Bantou Mentale...). Los ritmos hip-hop, afrobeat, dub o electro dan la bienvenida a percusiones ancestrales o sintéticas, teclados vintage o plug-ins recientes, guitarras frenéticas y bajos eficientes. Grabado entre Bamako y París y mezclado en Dakar, este manifiesto seriamente conmovedor y lleno de vida también abre su plataforma a algunos simpatizantes masculinos, como los raperos del trío parisino Nyoko Bokbae (Douranne “Boy” Fall y Magueye “Jon Grace” Diouk) en Heavy o el cantante de reggae maliense Koko Dembelé, que se embarca junto a Mamani Keita en Timbuktu et Dogon. Un elenco de 5 estrellas que ofrece una variedad de atmósferas, reforzando el propósito militante de este Amazones Power. © Benjamin MiNiMuM/Qobuz

Esta entrega final de un tríptico inteligente y equilibrado bien merece un Qobuzissime…Llevamos ya algunos años siguiendo a este dúo noble y relajado formado por el violinista Lorenzo Gatto y el pianista Julien Libeer. El tándem belga cierra ahora su integral de sonatas para violín y piano de Beethoven, una integral repleta de espontaneidad y frescura, pero sin un ápice de superficialidad. Al contrario, aquí estamos ante un trabajo fruto de una profunda reflexión, y que se despliega a la manera de una novela en tres capítulos.El primer volumen levantaba el telón abordando la emblemática sonata Kreutzer, obra icónica de Beethoven y culmen del género. La vehemencia dramática del primer movimiento, lento y en modo menor, contrasta con la dulzura del segundo, confirmando en todo momento que la sonata está pensada para dos instrumentos al mismo nivel, sin priorizar al piano, por cierto un Steinway en esta grabación.La segunda entrega refleja el desarrollo de un género en expansión. De la primera a la última sonata, pasando por la más conocida, La primavera, vamos asistiendo a una amplificación de los medios. Desde el opus 12 al opus 96, la forma se va ensanchando, la dificultad técnica crece y el divertimento hace sitio a una retórica más enérgica. Para este segundo álbum, el dúo ha elegido el brillo de un piano de cuerdas paralelas de Chris Maene, instrumento con la resonancia necesaria para estas lecturas que van desde lo más picante hasta lo más tierno.Y la tercera parte enmarca el brillo del Steinway (Sonatas 6 y 7) con la amplitud del Maene (Sonatas 3 y 8), y está centrado en las obras nacidas en la época en la que la sordera del compositor empezó a aparecer. Paradójicamente, esta pesadilla para Beethoven nos ha regalado varias joyas. Combinaciones variadas de timbres, estilos y caracteres constantemente renovados, aparecen a lo largo de este ciclo tan maravillosamente interpretado por Gatto y Libeer.Nuestra particular recompensa afecta también de modo retrospectivo a los primeros dos volúmenes de esta aventura que a lo largo de algunos años ha mantenido su enorme nivel. Sin duda, una integral importantísima que se debe conocer y dar a conocer. © Elsa Siffert/Qobuz

Más de 10.000 kilómetros separan Khartoum de Cleveland. Una distancia superada en dos suspiros por Brittney Parks alias Sudan Archives en su espléndido primer álbum, Athena. A sus 24 años, esta norteamericana autodidacta procedente de Ohio construye puentes sólidos y originales entre los sonidos de ambos continentes. Y su soul contemporáneo, lánguido y onírico, no se parece a ningún otro… El violín, instrumento predominante en la música sudanesa que ella ama tanto, es su herramienta favorita, con un sonido que envuelve en toques electrónicos y suaves ritmos de hip hop. En 2016, Sudan Archives incluso realizó una versión del tema King Kunta de Kendrick Lamar (rebautizado Queen Kunta) solamente con su voz, su violín y un pequeño pedal de efectos. Sus inusuales fusiones musicales nacieron de la revelación que esta artista ahora basada en Los Ángeles experimentó al escuchar las grabaciones del camerunés Francis Bebey, músico ya desaparecido que mezclaba sonidos africanos con música electrónica minimalista. En Athena, editado en Stones Throw, un excelente sello californiano creado por Peanut Butter Wolf especializado en rap underground y funk alocado, Sudan Archives recoge el testigo de reinas del soul underground como Erykah Badu o Solange, pero mostrando su propia originalidad. Su R&B afro-futurista, que superpone capas y capas de sonidos vanguardistas, la diferencia claramente de la competencia. Toda una sorpresa, contundente pero dulce. © Marc Zisman/Qobuz

He aquí seis cuartetos cruciales para comprender la aportación de Joseph Haydn a la historia de la música occidental. La labor de los jóvenes componentes del Quatuor Hanson es impecable gracias a su gran habilidad a la hora de construir y expresar la quintaesencia de estas piezas, y también gracias a su fascinante dominio técnico. Escuchar estas páginas nos obliga a inclinarnos de nuevo ante la genialidad de un compositor que, junto a Boccherini, creó un nuevo género e inmediatamente aportó un conjunto de obras maestras. El título del disco, All shall not die, es la traducción inglesa del epitafio grabado en la lápida mortuoria de Haydn (Non omnis moriar) y hace referencia a la permanencia y universalidad del corpus compositivo del autor. Cuidadosamente escogidas de entre la enorme cantidad de cuartetos de Haydn, estas seis obras resultan especialmente conmovedoras en su expresividad y perfección. No sobra una sola nota, el equilibrio entre las cuatro voces es perfecto, y la inspiración no cesa un momento.Más de doscientos años tras su muerte, el reconocimiento de Haydn como uno de los verdaderamente grandes compositores de la historia le ha llegado hace relativamente poco. Más que predecesor, Haydn es un fundador, un genio cuya influencia se dejó sentir en los que lo siguieron, sin ir más lejos Beethoven y Schubert. Este espléndido álbum pretende subrayar este hecho, y consigue a la vez situar al Quatour Hanson entre los grandes intérpretes actuales del género. © François Hudry/Qobuz

Bach celebró su primera Navidad en Lepizig (1723) presentando su cantata Christen, ätzet diesen Tag, BWV 63, una obra impresionante que resonó en todo su esplendor en la Thomaskirche y que con sus coros inicial y final es un preludio perfecto para el Magnificat BWV 243A que sonó en el oficio de Vísperas.El joven director francés Valentin Tournet (¡de sólo 23 años!) está particularmente interesado por los aspectos menos conocidos de las grandes obras de Bach. Y así, para la primera grabación con su ensemble, ha elegido la primera versión del Magnificat. Compuesta en mi bemol mayor, una tonalidad muy cómoda para las trompas, en esta partitura se usan flautas de pico, con sus reminiscencias pastorales, en vez de flautas traveseras. Mucho menos frecuente que la versión revisada BWV 243 de 1743, la obra se ofrece aquí junto a cuatro laudas para la Navidad.Valentin Tournet aporta talento y valentía en estas interpretaciones particularmente brillantes, para las que tomó varias decisiones inusuales pero coherentes. Siendo Tournet violagambista, es especialmente sensible a la energía vital que pueden aportar los violonchelos, siempre y cuando el órgano no los supere en intensidad. Es por esto que la elección ha recaído sobre un órgano positivo. Otro aspecto encantador es que los vocalistas solistas no se limitan a cantar sus partes, sino que se integran en el coro, creando así una continuidad total y una emoción verdaderamente colectiva. © Elsa Siffert/Qobuz

El American dream es un tema aparentemente inagotable. Ya se aborde frontal o lateralmente, por un lado u otro, supone el carburante último de una verdadera horda de songwriters; y ello aunque alguno ni siquiera haya nacido ahí, en las Américas. Es el caso de J.S. Ondara. Porque este joven keniata, a quien su sello califica de «eslabón perdido entre Tracy Chapman y Michael Kiwanuka» (referencias evidentes pero ciertas), se ha sumado igualmente al carro. En 2013 Ondara se instalaba en casa de su tía de Minneapolis. Bares, clubs y calles se convierten, así, en escenario de las canciones de un chaval que hasta entonces no había salido de su Nairobi natal, canciones construidas a base de guitarra acústica con el objetivo, seguramente, de convertirse en el Bob Dylan del tercer milenio. En el Dylan de The Freewheelin’, su disco fetiche, junto al Nebraska de Springsteen… Pero, claro, si se hubiera limitado a clonar a esos colosos el asunto no tendría mayor interés. Y en Tales of America elude tal peligro. Porque J.S. Ondara dispone de una voz propia: es ese tono quejumbroso y una pizca andrógino lo que marca la diferencia. En cuanto a la instrumentación, se añaden las bienvenidas aportaciones, especialmente, del gran Andrew Bird, de Griffin Goldsmith (de Dawes) o de Joey Ryan (del dúo Milk Carton Kids). Para una América enfrentada, para un mundo más confuso que nunca, las canciones de J.S. Ondara son bastante más que simples apósitos. Suponen más bien poderosos bálsamos que atraviesan la piel del oyente y reconfortan su corazón. Un Qobuzissime, en cierto modo, necesario… © Marc Zisman/Qobuz

¡A todo el mundo le gusta el soul y el funk “vintage”! Pero aunque parece que aparecen herederos de Curtis Mayfield, Al Green, Prince, Sly Stone etc. todos los días, el verdadero interés parece limitado… Pero ya con solamente dos álbumes, el grupo Alabama Shakes ha mostrado su fuertemente original y tórrida versión de un funk de garaje sureño. ¿Su ingrediente secreto? Brittany Howard, esa cantante con un carácter y carisma XXL. Y con ese carisma se ha lanzado a realizar su primer e impresionante álbum a solo, que conserva los valores esenciales de los Alabama Shakes pero incorpora líneas menos convencionales, más originales. Howard firma aquí un disco de funk delirante y sicodélico, en las fronteras de lo experimental, como en History Repeats, con sus vivaces guitarras, sus ritmos irregulares y una voz alborotada.La nativa de Athens se rodea de un reducido grupo de músicos de confianza (Zac Cockrell, bajista de Alabama Shakes, y dos jazzmen curtidos y singulares, Robert Glasper al piano y teclados y Nate Smith a la batería). Es una base reducida pero rica a la vez, y sobre ella, Howard despliega su particular estudio acerca de sus referencias vitales. ¡Todo está aquí! La homosexualidad (Georgia), la muerte (el título del álbum, Jaime, es el nombre de su hermana mayor, que murió de cáncer a los 13 años, cuando Brittany tenía 8), la religión (He Loves Me), y el racismo, que ella misma, hija de una madre blanca y de un padre negro, ha sufrido (Goat Head relata esa mañana en la que su madre encontró las cuatro ruedas de su coche pinchadas y la cabeza cortada de una cabra en el banco del jardín). Es un disco que no deja indiferente. Las referencias e influencias de Howard son evidentes (Prince, Curtis, Sly), o eso parece, pero al final el resultado es de una gran originalidad. © Marc Zisman/Qobuz

No pasa una semana sin que aparezca un nuevo prodigio en la escena jazzística británica. Ashley Henry ve el género con mucha flexibilidad, mezclando sonidos tradicionales con soul, funk, rap, afrobeat, grime o sonoridades caribeñas. Nacido en noviembre de 1991 y graduado en 2016 en la Royal Academy of Music, el joven pianista londinense está en boca de todos los aficionados de la ciudad, tras sus ya muy numerosas colaboraciones que incluyen a conocidos nombres como el rapero Loyle Carner, cantantes de Christine & The Queens, o Zara McFarlane, junto a figuras del jazz como Terence Blanchard, Robert Glasper, Jean Touissant, Jason Marsalis y Anthony Joseph. Para su primer álbum de estudio en el sentido estricto del término, titulado Beautiful Vinyl Hunter, Henry construye un honesto retrato musical de su formación y su herencia multicultural. “Mi música es una clara expresión de lo que soy, y de lo que es Londres en toda su gloriosa diversidad. El inmigrante que llevo en mí tiene sus raíces en el siglo XVII. Es importante para mí que mi música refleje este linaje de generaciones, a través de diferentes estilos de música.”Todo ello lo lleva a cabo con gran energía y vigor, con tres bateristas – Luke Flowers (Cinematic Orchestra), Eddie Hick y Makaya McCraven –, los trompetistas Theo Crocker, Jaimie Branch y Keyon Harrold, el saxofonista Binker Golding, el bajista Dan Casimir, el percusionista Ernesto Marichales y los cantantes Judi Jackson y Milton Suggs, además del rapero Sparkz. Como si de un Herbie Hancock del tercer milenio se tratara, Ashley Henry tiene un groove cálido y generoso; fusiona todo lo que toca con gran facilidad. No parece que haya acercamientos calculados, solamente el puro placer de tocar y compartir buena música… © Marz Zisman/Qobuz

¿Podría ser Dublín el epicentro de un nuevo terremoto post-punk? Siguiendo los pasos de Fontaines D.C. y Girl Band, con los que compartieron espacio de ensayo, ahora llegan estos 5 irlandeses de The Murder Capital para sumergirnos en su claustrofobia urbana. Son post-apocalípticos, furiosos, emocionados y emocionantes. Retomando códigos de Joy Division, The Cure o Fugazi, su primer álbum se titula When I Have Fears, como el famoso poema de John Keats. El frontman de la banda, James McGovern, lo tiene claro: “Sería facilísimo para nosotros escribir un álbum de 10 canciones punk a 170 bpm […] pero no podemos estar enfadados durante tanto tiempo, preferimos reflejar lo que está en nuestras cabezas.” Y así nos encontramos con romanticismo melancólico y explosiones furiosas a partes iguales, expresión de las preocupaciones socio-políticas de McGovern. La semilla de When I Have Fears parece haber sido un evento traumático: “Un amigo muy cercano se suicidó en febrero, y quisimos reflejar la negligencia del sistema irlandés con respecto a la salud mental. Ocurren muertes innecesarias debidas a esta falta de atención, y también por la deficiente inteligencia emocional de nuestra sociedad. Mi amigo simplemente no se podía permitir pagar la ayuda que necesitaba.”El barítono se inspira en la vasta tradición literaria de su país para construir un mordaz retrato de la juventud, a menudo plagada por una cultura de borrachera. Su mensaje queda subrayado por afiladísimos arreglos que rozan el minimalismo. Su simpleza contribuye a resaltar una sensación de urgencia en muchas de las canciones. Por lo demás, el hiperactivo batería Diarmuid Brennan –¡esos hi-hats!– en Don’t Cling To Life, o el piano y los sombríos gruñidos en The Street Adores Me Now demuestran que la banda es más que capaz de ir mucho más allá de los mimbres formales establecidos durante el revival post-punk de los primeros años 2000. When I Have Fears es un disco genuinamente dublinés, que trasciende la frialdad y la miseria sin abandonar nunca la sinceridad y la energía – un Qobuzissime contundente y sensible. © Alexis Renaudat / Qobuz

Desde Anatolia, ¡una especie de samba lo-fi cantada en inglés, francés y turco! Con un programa intensamente colorido, Mantra Moderne está llamado a convertirse en álbum de culto en este verano de 2019. Esta banda sonora indie-world es el fruto del trabajo del dúo Kit Sebastian. El hombre-orquesta Kit Martin vive entre Londres y París, y es el autor de las canciones y de la interpretación instrumental en este álbum donde su cómplice Merve Erdem aporta la voz. La cantante de Estambul está también asentada en Londres. Parece que estos días las inesperadas fusiones estilísticas son una gran moda, y sin duda Mantra Moderne puede considerarse el portaestandarte de esta tendencia. Del tropicalismo brasileño al pop británico de los 60, de la psicodelia turca a la electrónica analógica, Kit Sebastian recorre las músicas del siglo XX como hicieron Stereolab, Broadcast o Khruangbin antes que ellos. El gabinete de curiosidades que es este álbum incluye todo tipo de instrumentos, tanto acústicos como electrónicos: tablas, darbukas, balalaika, oud, un órgano Farfisa, un Korg MS-20, … La pareja compone una sinfonía deliciosamente minimalista, algo maliciosa, y tan anclada en los 60… ¡El Qobuzissime más exótico del año! © Marc Zisman/Qobuz

Tras dos EPs y una impactante gira europea, este combo de Kinshasa se enfrenta a su mayor reto hasta el momento: un álbum completo. KOKOKO! está compuesto por dos músicos que se construyen muchos de sus instrumentos (con latas, máquinas de escribir y todo tipo de deshechos de ferretería), de la vocalista y performer Makara Bianco, alias “la diablesa de Lingwala”, y el productor francés Xavier Thomas, conocido como “Débruit” (y autor del éxito Nigeria What?). Débruit se sintió inmediatamente fascinado por “su lado experimental”. “No son el típico estereotipo de la música africana. Quieren alejarse de los clichés africanos y de la rumba congolesa tradicional. No tienen límites, no le tienen miedo a nada.”Esta libertad y creatividad nacida de las limitaciones recorre Fongola, con sus fascinantes polirritmos mezclados con armonías occidentales, sus voces intensas, sus guitarras, latas, bidones, y un TR-808… La fórmula está diseñada para conciertos en directo, pero resulta igualmente efectiva aquí: muestras de sonidos callejeros, un beat techno 4/4, letras fáciles de recordar y líneas de bajo contundentes. El resultado es un efecto casi de trance. El álbum se grabó en diversos estudios de Kinshasa y Bruselas, y fue finalmente mezclado y masterizado por Débruit en Anderlecht. En sus palabras, “un gigantesco puzzle electrónico sin un plan claro, con piezas casi imposibles de encajar”. Palabras que describen a la perfección este proyecto. Combinando tantos sonidos diferentes y dejando que contrasten unos con otros, KOKOKO! provocan un estado de caos permanente -¡pero precisamente eso es lo que hace de este álbum una genialidad! © Smaël Bouaici/Qobuz

Miss Brown posa como perdida en mitad de una fábrica de color ocre. Muy visual, estupendo. No es de extrañar, esta joven artista norteamericana trabaja como ilustradora en la empresa MailChimp. «Es como tener dos trabajos a tiempo completo: el diseño y la música», según ha explicado. Y casi podemos imaginarla dando forma a sus temas en horario nocturno. Mattiel (pronúnciese Maa-Teel) Brown se pondrá su mono de trabajo y venga, a darle a la voz, a una voz de timbres agrestes y rugosos. Aspereza que, sin duda, algo tendrá que ver con los vastos campos de Georgia entre los que creciera, antes de trasladarse a la poblada Atlanta. Allí conoció a Randy Michael y Jonah Swilley, con los que comienza a componer lo que constituirán los cimientos de Satis Factory. Ellos se ocupan de la parte instrumental y ella de las letras.Y esa alquimia funciona a las mil maravillas. Los riffs enganchan (Je Ne Me Connais Pas) y las melodías suenan pegadizas, pero por encima de todo fascina esa personalidad con temperamento, como las que acostumbra a fichar el sello Burger Records. Personalidad que Mattiel contagia a un folk sesentero con aromas de surf pop y a un blues intemporal con elementos de soul vintage. Una mezcla muy equilibrada y trufada de referencias; de hecho, suele citar entre sus artistas favoritos a Screamin’ Jay Hawkins, Andre3000, Marc Bolan, The Staple Singers y Jack White. Un disco de lo más prometedor. © Charlotte Saintoin/Qobuz