Qobuzissime

En un mundo en el que todo se tiende a simplificar, Isfar Sarabski podría ser apodado el “Tigran de Azerbaiyán”. Pero el pianista de Bakú es más que una copia de su colega armenio. Por supuesto, también viene de Oriente Próximo. Desde luego, no sólo escucha jazz. Y, ciertamente, la música folclórica de sus antepasados también se encuentra en la suya... Pero Isfar Sarabski es simplemente Isfar Sarabski. Su primer álbum, Planet (¡Qobuzissime!), cautiva por su jazz puro y profundo. Con su propio enfoque de la improvisación y con la característica interacción que Sarabski desarrolla con sus destacados compañeros de aventura (dos estrellas americanas, el baterista Mark Guiliana y el bajista Alan Hampton). Este pianista de treinta años, alumno del prestigioso Berklee College of Music y ganador del Concurso Internacional del Festival de Jazz de Montreux en 2009, probablemente haya tomado prestado algo de la forma de tocar el piano de Brad Mehldau, pero de vez en cuando también se adentra en el enfoque minimalista de la música de Nils Frahm, Max Richter u Ólafur Arnalds, y la participación del Main Strings Ensemble y el Baku Strings Quartet refuerza esta impresión. Además, Isfar Sarabski tiene un fuerte sentido de la narrativa y un gran respeto por la tradición del mugham (una mezcla de jazz y música tradicional azerbaiyana); los invitados son The Edge y Novruz Shahriyar Imanov, intérprete del laúd de cuello largo, tar, típico de la música azerbaiyana. Lo más destacado es probablemente la interpretación de Isfar Sarabski de un aria del Lago de los cisnes de Tchaikovsky, que también se encuentra en este primer trabajo. Dejamos el Planet de Sarabski con el deseo de volver a él cuanto antes. Sobre todo porque este hermoso álbum acústico no ofrece toda la gama de su autor, que también pasa su tiempo libre jugando con la electrónica... © Marc Zisman/Qobuz

Las súper bandas son a veces súper comerciales y súper poco interesantes. Lo opuesto al primer álbum de Artemis, publicado por Blue Note. Detrás del nombre de la diosa de la naturaleza, la caza y el parto hay siete intérpretes femeninas procedentes de todo el mundo. Todas ellas son verdaderas grandes del jazz contemporáneo. A la cabeza de este reparto multigeneracional está la pianista canadiense y directora musical del proyecto Renee Rosnes, que ha reunido a la clarinetista israelí Anat Cohen, a la saxofonista chilena Melissa Aldana, a la trompetista canadiense Ingrid Jensen, a la contrabajista japonesa Noriko Ueda, a la baterista estadounidense Allison Miller y, en dos temas, a la cantante franco-estadounidense Cécile McLorin Salvant. “Cada miembro de Artemis es una persona única, y eso es lo que necesita una banda, diversidad”, dice Cohen. “Son estas personalidades diferentes las que hacen la vida interesante y la música fascinante.” La identidad de la banda surgió de forma orgánica, no calculada. Porque Artemis reúne a siete líderes, cada una con su propia visión y perspectiva, pero tocando juntas con un concepto unificado a lo largo del álbum. Para Jensen, a quien se le ocurrió el nombre del septeto, “el carácter de la diosa griega Artemisa es indicativo de las energías y la amplia gama de tapices musicales que nuestro grupo lleva al escenario.” Este es el éxito de un álbum que se centra en la unión natural. El álbum está lleno de relieves con composiciones mayoritariamente originales, pero también presenta versiones eclécticas de The Fool on the Hill de los Beatles, el olvidado éxito de los 40 Cry, Buttercup, Cry popularizado por Maxine Sullivan, el estándar The Sidewinder de Lee Morgan y If It’s Magic de Stevie Wonder. Los arreglos de la experta Renee Rosnes están ahí para soldar cada voz. Ninguna de estas siete amazonas se eleva por encima de las demás. Y aunque la voluntad de fundar una banda exclusivamente femenina es un fuerte mensaje en un planeta jazz dominado por los hombres, saboreamos la belleza y la inteligencia de esta música sin pensar particularmente en el género de quienes la interpretan. © Marc Zisman/Qobuz

En el momento en que sale su verdadero primer álbum en solitario, Nubya Garcia ya se halla sumergida en alabanzas, laureles, premios, proyectos y múltiples colaboraciones. Esta londinense de 29 años es sin duda una de las principales figuras de la nueva escena del jazz inglés, y su colorido y bien articulado saxofón ya ha sonado en numerosas grabaciones, como las de los grupos Nérija y Maisha, o en gran parte de We Out Here (2018), la emblemática compilación del sello Brownswood de Gilles Peterson, que reúne a los grandes nombres de esta nueva generación. Con algunos de estos protagonistas, Garcia ha grabado ahora este Source. Ahí están Joe Armon-Jones (teclados), Daniel Casimir (bajo) o Sam Jones (batería), equipo con el que Garcia se ha asegurado estar bien equipada para llevar su música más allá de las fronteras del jazz contemporáneo y también del jazz del Reino Unido. Los sonidos caribeños, africanos e incluso urbanos aparecen tanto en el ritmo como en la melodía: una fusión que suele estar presente en los álbumes actuales de jazz británicos, pero a la que ella pone su toque especial. La influencia de Herbie Hancock (periodo Headhunters, en los principios de Columbia Records) a veces no parece estar lejos (Inner Game, The Message Continues)… Una sensación amplificada por el toque funky aportado por ese mago del órgano y del sintetizador que es Joe Armon-Jones.Pero Nubya Garcia busca también otros sonidos y paisajes. En la pista que da título al álbum, Source, el dub es claramente central. Con Together is a Beautiful Place To Be, la artista despliega todo su delicada sensualidad soul y R&B. Stand With Each Other se mueve entre ritmos nyabinghi. En cuanto a La cumbia me está llamando, el mismo título no deja dudas sobre sus influencias... Todas las secuencias dibujan el retrato de una mujer firmemente anclada en su tiempo, una artista en armonía con sus raíces y su historia personal y que pone el sentido de lo colectivo en el centro de su reflexión. Para ello, ha invitado a otros músicos como Richie Sievwright, Cassie Kinoshi y Sheila Maurice-Grey del grupo Kokoroko, a los colombianos de La Perla (para La cumbia me está llamando) y a la cantante de Chicago Akenya Seymour (Boundless Beings). Con este álbum Qobuzissime, Nubya Garcia logra sobre todo empujar un poco más, o incluso derribar, los muros que intentarían encerrar el jazz en una especie de gueto. © Marc Zisman/Qobuz

La nueva escena del jazz inglés mantiene su impulso creativo con el primer álbum en solitario de Moses Boyd. Los fans del movimiento ya conocen a este ecléctico joven baterista que ha trabajado con Shabaka Hutchings, Zara McFarlane, Nubya García, Joe Armon-Jones, Theon Cross y Ashley Henry, pero sobre todo como mitad de Binker & Moses, su salvaje dúo con el saxofonista Binker Golding. Con Dark Matter, Boyd firma más un disco de productor que de baterista. Un álbum en forma de una amplia narración de lo que él es y representa, un músico que creció soñando con convertirse en el nuevo Max Roach o Tony Williams mientras escuchaba a Dizzee Rascal y Wiley, así como ritmos caribeños, reggae y música electrónica. La fuerza de la Dark Matter es fusionar este gran elenco de ídolos dispares en una hermosa instantánea del Londres contemporáneo. Muy rico en sonidos, el álbum lleva un claro ADN de jazz pero se mueve desde el afrobeat (BTB) hasta el dubstep (2 Far Gone), visitando también el post-rock (What Now?). Con la voz de Poppy Ajudha, Obongjayar y Nonku Phiri y el contrabajo de los ex-Jazz Warriors Gary Crosby, Moses Boyd ha creado una extraordinaria orgía rítmica. Un álbum aún más inetiquetable que los de sus demás amigos de la escena inglesa. Muy estimulante. © Marc Zisman/Qobuz

No pasa una semana sin que aparezca un nuevo prodigio en la escena jazzística británica. Ashley Henry ve el género con mucha flexibilidad, mezclando sonidos tradicionales con soul, funk, rap, afrobeat, grime o sonoridades caribeñas. Nacido en noviembre de 1991 y graduado en 2016 en la Royal Academy of Music, el joven pianista londinense está en boca de todos los aficionados de la ciudad, tras sus ya muy numerosas colaboraciones que incluyen a conocidos nombres como el rapero Loyle Carner, cantantes de Christine & The Queens, o Zara McFarlane, junto a figuras del jazz como Terence Blanchard, Robert Glasper, Jean Touissant, Jason Marsalis y Anthony Joseph. Para su primer álbum de estudio en el sentido estricto del término, titulado Beautiful Vinyl Hunter, Henry construye un honesto retrato musical de su formación y su herencia multicultural. “Mi música es una clara expresión de lo que soy, y de lo que es Londres en toda su gloriosa diversidad. El inmigrante que llevo en mí tiene sus raíces en el siglo XVII. Es importante para mí que mi música refleje este linaje de generaciones, a través de diferentes estilos de música.”Todo ello lo lleva a cabo con gran energía y vigor, con tres bateristas – Luke Flowers (Cinematic Orchestra), Eddie Hick y Makaya McCraven –, los trompetistas Theo Crocker, Jaimie Branch y Keyon Harrold, el saxofonista Binker Golding, el bajista Dan Casimir, el percusionista Ernesto Marichales y los cantantes Judi Jackson y Milton Suggs, además del rapero Sparkz. Como si de un Herbie Hancock del tercer milenio se tratara, Ashley Henry tiene un groove cálido y generoso; fusiona todo lo que toca con gran facilidad. No parece que haya acercamientos calculados, solamente el puro placer de tocar y compartir buena música… © Marz Zisman/Qobuz

¿Se habrá leído Alfa Mist las obras completas de Roland Barthes, el gran gurú del estructuralismo?… Armado con sus teclados, el británico ha creado su álbum Structuralism teniendo en mente un objetivo de lo más personal: «Mi entorno me ha marcado mucho. Mi educación me ha modulado de tal manera que me resulta difícil comunicarme. El estructuralismo dice “soy lo que soy a causa de la estructura social en la que he crecido”. Y, en estos momentos, lo que necesito es aprender a comunicarme.» Y lo que Alfa Mist comunica en este segundo disco –inmejorablemente, por cierto– es un sentido innato para el groove más aterciopelado y su necesidad existencial de conexión. La enésima prueba de la vitalidad de una actual escena jazzística inglesa que picotea en el soul, el funk y el hip-hop, un hip-hop que coloreaba especialmente la primera entrega de este joven artista.Tras foguearse confeccionando beats para diversos productores de grime y de rap, el londinense descubrió el jazz vía samples y estudiando a fondo tanto los álbumes de J Dilla como de Miles Davis, sin olvidar los del compositor cinematográfico Hans Zimmer, de quien es fan absoluto. Pero Alfa Mist también se sumergió de forma autodidacta en el universo del piano y los teclados. Sea como fuere, en Structuralism traza, con la ayuda de un Fender Rhodes y de un piano clásico, los contornos de un jazz soul melancólico y voluptuoso. Un atmosférico groove influenciado por Herbie Hancock/Robert Glasper con la colaboración del trompetista Johnny Woodham, los baterías Peter Adam Hill y Jamie Houghton, el guitarrista Jamie Leeming, los bajistas Kaya Thomas-Dyke y James Rudi Creswick, los violinistas Katie Neaves, Simmy Singh y Lucy Nolan y la violonchelista Peggy Nolan, contando con la participación de Jordan Rakei en un tema, Door. Un disco de sonoridades apasteladas (¡nada de bajos provocadores ni machaconas baterías!) que confirma el talento como colorista de un músico cuya carrera habrá de seguirs en adelante con atención. © Marc Zisman/Qobuz

A comienzos de 2018 el recopilatorio We Out Here, editado por el sello de Gilles Peterson, supuso una fresca panorámica sobre la escena jazzística británica actual, con su vitalidad, energía y, sobre todo, eclecticismo. Una corriente que tiene como jefe de filas al saxofonista Shabaka Hutchings (Sons of Kemet, The Comet is Coming, Melt Yourself Down…), pese a que el interesado lo niegue… Se trata de un jazz sin fronteras claras, lo mismo que los músicos de esta generación. El quinteto Ezra Collective ya aparecía en esa compilación que, en su momento, mereciera un Qobuzissime. Y con You Can’t Steal My Joy el gang londinense liderado por el batería Femi Koleoso entrega, por fin, su primer álbum. En 2017 su EP Juan Pablo: The Philosopher (que terminaba con una hermosa versión de Space is the Place de Sun Ra) causó sensación, ganó varios galardones y aportó una perspectiva afrobeat al jazz de nuestros días. Y esa particularidad vuelve a comparecer en este ultra funky trabajo. Con Joe Armon Jones a los teclados, TJ Koleoso al contrabajo, Dylan Jones a la trompeta y James Mollison al saxo, Femi Koleoso orquesta una jubilosa sinfonía, de lo más cool, con elevado protagonismo de los metales y los ritmos. Un tsunami híbrido confeccionado a base de afrobeat, jazz, hip hop, reggae, música caribeña y soul. Y para intensificar aún más esta concepción omniabarcadora de la música, Ezra Collective ha invitado a su policromado crucero a la soul sister Jorja Smith (Reason in Disguise), al rapero Loyle Carner (What Am I to Do?) y al grupo de afrobeat Kokoroko (Shakara). Así que, claro está, solo cabe dejarse llevar por este heteróclito desfile de paisajes altamente groovys. © Marc Zisman/Qobuz

¡Gancho derecho, gancho izquierdo y un uppercut en la mandíbula! El primer álbum de Enemy te conquista de forma radical. Detrás de este nombre se encuentra un joven trío compuesto por el pianista Kit Downes, el bajista Frans Petter Eldh y el baterista James Maddren. Tres jóvenes actores de la escena internacional del jazz que ya han demostrado su valía en solitario o junto a otras estrellas. La unión de su fuerza es sobre todo el deseo de dar rienda suelta a sus impulsos creativos y su ansia de libertad. Producido por el propio Eldh, su álbum, muy físico, es un maremoto de jazz contemporáneo. Una tormenta polirrítmica que hará las delicias de los entusiastas de estos power tríos al estilo The Bad More... Con un sonido que mezcla influencias que van desde Keith Jarrett a Oscar Peterson, Kit Downes dibuja improvisaciones multicolores bastante deslumbrantes. Pero el reto del pianista británico es, obviamente, seguir el ritmo de Eldh y Maddren, que hacen las veces de corazón de esta central nuclear de jazz. Pero Enemy no es exclusivamente sinónimo de potencia y energía. Porque cuando el trío se acerca a las baladas, libera una fuerza narrativa igual de cautivadora. En resumen, un Enemy mucho más amistoso de lo que parece... © Marc Zisman / Qobuz

Es fan de Madeleine Peyroux y Melody Gardot, y no lo oculta. Sin embargo, Hailey Tuck posee ya un mundo propio. Un toque personal que hace de esta joven tejana -que ha echado momentáneamente raíces en París- una muy sugestiva vocalista y no una imitadora de segunda fila. Larry Klein, productor de sus dos ídolos femeninos, se ha dignado por lo demás a ocuparse del primer álbum de esta señorita peinada como Louise Brooks y vestida como Joséphine Baker. Klein la envuelve en un tejido sonoro soberbio, en absoluto sobreproducido, puro y depurado, suministrado por un estupendo conjunto de músicos de estudio, entre los que destacan el batería Jay Ballerose (Elton John, Robert Plant) y el guitarrista guitarrista Dean Parks (Joe Cocker, Steely Dan)… En cuanto al repertorio, su eclecticismo y calidad nos informan del exquisito gusto que guía a la artista. Y es que revisita That Don't Make It Junk de Leonard Cohen, Cry To Me, popularizada por Solomon Burke, Cactus Tree de Joni Mitchell, Some Other Time de Leonard Bernstein, Underwear de Pulp, Alcohol de los Kinks, Junk de Paul McCartney, I Don’t Care Much, de la B.S.O. de Cabaret, o la maravillosa Say You Don’t Mind de Colin Blunstone. Hailey Tuck insufla vida, con inteligencia, con su voz juguetona y un punto retro, a cada palabra, a cada frase. Lo único que puede hacer el oyente es dejarse llevar y acunar por este hermoso Qobuzissime que parece situado al margen del tiempo… © Max Dembo/Qobuz

Este soberbio ovni sonoro no se titula Nordub por casualidad. Nor viene de North, de Norte, representado aquí por Nils Petter Molvaer. En 1997, cuando el sello ECM publicó su sorprendente álbum Khmer, este trompetista noruego conmocionó al planera jazz al integrar la electrónica en su atmósferico universo sonoro. Pero Nor remite igualmente a su compatriota y guitarrista Eivind Aarset, así como al productor y DJ finés Vladislav Delay. En cuanto a las tres letras de Dub, apuntan al dúo más emblemático del género: el batería Sly Dumbar y el bajista Robbie Shakespeare. La asociación, impensablemente atípica, del tándem jamaicano con Nils Petter Molvaer se produjo por vez primera encima de un escenario, en 2016, a manera de calentamiento del actual encuentro en un estudio de grabación de Oslo. Desde siempre, el universo de Molvaer ha demostrado un indudable carácter híbrido, acogiendo todo tipo de texturas no siempre muy cercanas al jazz. De ese modo, gusta de pulsar los más diferentes resortes sonoros manteniendo muy alta la energía creativa tanto de sus improvisaciones como de sus composiciones. Y aquí, el trompetista recurre a las identificables sonoridades de Sly & Robbie con impresionante naturalidad. En ello reside, desde luego, la grandeza de Nordub. La comunicación, basada en la sinceridad y el mutuo respeto, es total entre todos los intérpretes, hasta conseguir una perfecta fusión. Incluso los ya sexagenarios músicos jamaicanos abandonan su zona de confort para participar muy activamente en esta obra que toma vuelo desde los primeros compases. Por lo demás, la labor de Aarset y Delay resulta también fundamental a la hora de valorar el resultado final. Juntos, los cinco exploradores de este territorio inédito nos ofrecen una hermosa y planeadora sinfonía a base de un dub & jazz verdaderamente fastuoso. © Marc Zisman/Qobuz