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Los álbumes

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Soul - Publicado el 22 de febrero de 2019 | Rhino

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Jazz - Publicado el 8 de febrero de 2019 | Blue Note

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Sinfonías - Publicado el 16 de noviembre de 2018 | RCA Victor

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¡Ojo! o mejor: ¡OÍDO! He aquí una de las mejores grabaciones de André Previn realizadas durante los años 1960 en Londres, época en la que el director norteamericano estaba en estado de gracia. Aquí, la London Symphony Orchestra, galvanizada, en el corazón de su repertorio, suena con una belleza inaudita: los metales eléctricos (¡escuchemos el Scherzo!), la madera siempre poética, la cuerda con una rítmica implacable… Entre las mil y una cualidades que sitúan esta grabación por encima de las demás, señalamos los tempos rapidísimos y siempre controlados con los que André Previn puede desplegar el gran sentido arquitectónico de Walton con una naturalidad inédita –magnífica coda del Allegro assai inicial. Esta interpretación borra casi totalmente las influencias de Sibelius o Hindemith y destaca la verdadera singularidad de la orquestación y de la gestión del tiempo musical que revela la naturaleza exacta de la partitura: un ovni en el paisaje inglés de los años 1930. El logro es aún más notable en esta obra grabada los 26 y 27 de agosto de 1966 –el director ofrecerá una segunda versión con la RPO para Telarc– cuando sabemos que Previn empezó más o menos en esta época, y con los mismos músicos, una integral de las sinfonías de Ralph Vaughan Williams que carece de la más mínima vena poética, viéndose acaso afectada por la transparencia analítica que sin embargo enaltece esta Primera de Walton. Previn grabará igualmente con la LSO la Segunda de Walton, para EMI, unos años más tarde. Podemos además saborear la toma de sonido superlativa realizada por los equipos de la Decca bajo la dirección de James Lock. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz
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Country - Publicado el 21 de septiembre de 2018 | Capitol Records Nashville

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¡Más de ocho horas y media de música! Bobbie Gentry merecía desde luego un homenaje de este calado pese a que su gloria no duró más de una década. Apartada de los escenarios e inmersa en el más absoluto anonimato desde comienzos de los 80, esta gran artista de los sixties y los seventies cuenta por fin con una lujosa recopilación. 177 temas repartidos en ocho discos: sus seis álbumes en estudio para el sello Capitol (Ode to Billie Joe de 1967, The Delta Sweete y Local Gentry de 1968, Touch ‘Em With Love de 1969, Fancy de 1970 y Patchwork de 1971), su disco a dúo con Glen Campbell editado en 1968 y –los fans no se lo creerán– ¡más de 70 inéditos donde se mezclan tomas alternativas, demos, un live en la BBC y rarezas de todo tipo! Y es que por encima del misterio de su prematura retirada y del culto que no dejaría de aumentar con el tiempo, están las estupendas canciones que compuso. Bobbie Gentry no se limitaba a cantar la habitual mixtura de country, folk y pop, como tantas otras de su generación. La vocalista fue además autora, apenas cumplidos 20 años, de hits como Mornin' Glory, Fancy, Okolona River Bottom Band, Chickasaw County Child o, también, del más célebre de ellos, cantado en todo el mundo, Ode to Billie Joe, sobre la fascinante historia del extraño suicidio del joven Billie Joe McAllister, que saltara desde el Tallahatchie Bridge. Joe Dassin dará en Francia otro sesgo al relato: Billie Joe pasa a llamarse Marie-Jeanne y el Tallahatchie Bridge se transforma en un puente sobre el Garona…Qué sofisticada, relajada y sensual suena la voz de Bobbie Gentry, apoyada por esos lujuriosos arreglos e instrumentos tan adecuados a su timbre: a veces unas cuerdas lounge algo kitsch pero de enorme elegancia, y otras una simple guitarra que la sigue en cada giro. Bobbie Gentry no hacía exactamente country, ni pop, ni soul o folk. Lo que pasa es que no hay nombre para el género que cultivaba. © Marc Zisman/Qobuz
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Clásica - Publicado el 17 de agosto de 2018 | Decca Music Group Ltd.

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Ópera - Publicado el 11 de mayo de 2018 | Deutsche Grammophon (DG)

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Cómo no entusiasmarse por esta celebérrima versión de Cavalleria Rusticana grabada durante los años 1960 por un Karajan en el apogeo de su arte con los más grandes artistas de una época bendita por los dioses del gran arte lírico. Mascagni dirigido por Karajan parece igualar el genio de Mozart o Verdi. Bajo esta batuta, la orquesta de la Scala de Milán suena con una opulencia casi berlinesa y un arte del legato untuoso. Admiraremos una vez más la belleza del timbre de Carlo Bergonzi, su delicioso acento parmesano y, sobre todo, la intensidad a la vez trágica, poética y llena de fuego que trasmite al personaje de Turridu. Con su personalidad, y su voz radiante, Bergonzi sobrepasa por mucho sus partenaires, a pesar de la presencia volcánica y la voz inmensa de Fiorenza Cossotto. La calidad sonora es parte integrante del placer sentido a cada nueva escucha de esta grabación archiconocida y muy celebrada gracias a una técnica estereofónica prácticamente perfecta en cuanto al equilibrio entre voces y orquesta. Este «disco clásico» no puede envejecer.Inseparable de su melliza Cavalleria Rusticana de Mascagni, el drama de Leoncavallo encuentra en esta célebre grabación, realizada en 1965 en la Scala de Milán, una interpretación que, habiendo marcado varias generaciones, se escucha todavía hoy con admiración y respeto. En primer lugar, gracias a la extraordinaria encarnación de Carlo Bergonzi dando al papel de Canio la imagen de una humanidad ridiculizada, de una intensa emoción. No podemos escuchar su gran aria «Vesti la giubba» sino temblando y apiadándonos de este hombre herido que, a pesar de su dolor, ha de hacer el payaso («pagliaccio» en italiano). Es la demonstración moderna del ensayo de Diderot sobre la paradoja del actor que hace reír mientras esconde su triste realidad bajo su máscara: «Ridi, Pagliaccio !» (¡Ríe, Payaso, de tu amor destrozado!) Con Karajan, aquí en la cima de su arte, la orquesta de la Scala suena en tecnicolor, magníficamente captada por la toma de sonido típica de los años 1960 que equilibra de manera ideal el coro, los cantantes y la orquesta. Karajan insufla una intensidad casi wagneriana al célebre Intermezzo orquestal que precede el desenlace de un drama más exacerbado aún por el intenso sol de Calabria. © François Hudry/Qobuz
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Jazz - Publicado el 4 de mayo de 2018 | ECM

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Resulta de nuevo inútil buscar la columna vertebral, por no decir el corazón, de Awase en el piano de Nik Bärtsch. Pues cuando el zuriqués se pone en marcha al frente a su grupo Ronin pone tanto su música como improvisaciones bajo la férula motora de la batería hipermusculada de Kaspar Rast. Como es tradicional en esta banda que se autocalifica como de zen funk, su fuerza hipnótica procede de la repetición de unos motivos rítmicos que estructuran en líneas generales este jazz ciertamente atípico. El término Awase, extraído de las artes marciales, significa «moverse juntos» con el fin de fusionar las energías individuales. Metáfora que funciona muy bien para entender la precisión dinámica, la amalgama de grooves y el minimalismo coreográfico del grupo de Bärtsch. Han pasado seis años desde la aparición del anterior álbum de Ronin, un live grabado en Europa y Japón entre 2009 y 2011; en el ínterin el quinteto se ha transformado en cuarteto y ha fichado a un nuevo bajista, Thomy Jordi. En definitiva, que estos Ronin de 2018 no son exactamente los mismos que conocíamos… Una mutación que se traduce en nuevas fórmulas sonoras, más libres y flexibles, a la hora de concebir las composiciones. No es extraño, así, que el acierto y potencia interpretativa parezcan haberse duplicado. Hasta el punto de que no resulta fácil resistirse a la llamada al trance que realizan estos motivos, estas secciones que se suceden con singular fluidez a lo largo de los 65 minutos que dura Awase. © Max Dembo/Qobuz
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Pop - Publicado el 13 de abril de 2018 | Sony Music CG

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¡Con dos acordes de sintetizador tenemos suficiente! No hace falta más para reconocer el singular sonido de Eurythmics, aquel emblemático grupo de los 80. Y es que el tándem conformado por Annie Lennox y Dave Stewart es hoy de los más representativos de la new wave sintética (de contenidos pop y formas futuristas) de aquella década, cuando se declaró la guerra a las guitarras… El dúo británico se encaramaría varias veces a lo más alto de los charts en los 80, pero Sweet Dreams ha quedado como su obra más recordada. Las composiciones de Dave Stewart son pura new wave sombría, en cierto modo a la manera de Bowie (Love Is A Stranger), con algunas dosis ligeras de krautrock (Sweet Dreams), aunque ocasionalmente pueden adoptar apariencias funky (I’ve Got An Angel) o incluso disco (Wrap It Up). Al micro tenemos, cómo no, a Annie Lennox, que aún hoy sigue impresionándonos con su voz teñida de soul o, por el contrario, con tonos rigurosamente austeros. Todo un clásico del género. © Clotilde Maréchal/Qobuz
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Soul/Funk/R&B - Publicado el 21 de marzo de 2018 | Epic - Legacy

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Clásica - Publicado el 2 de marzo de 2018 | Sony Classical

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Rock - Publicado el 1 de diciembre de 2017 | Rhino - Warner Records

Hi-Res Premios 4F de Télérama - Discoteca Ideal Qobuz - Best New Reissue
Tras un primer, enérgico y fascinante álbum de country alternativo (A.M.), concebido en el momento de la traumática separación de su grupo Uncle Tupelo, Jeff Tweedy se tomó su tiempo para alumbrar este segundo trabajo de Wilco, un doble disco con el que apuntaba muy alto. Formato que, unido a las influencias musicales manejadas, haría pensar a bastantes periodistas que con este álbum aparecido en octubre de 1996 Tweedy había querido componer su Exile On Main Street. Y es que al igual que en esa ecléctica obra maestra de los Stones, las directrices son aquí el rock & roll más básico, el bluegrass, el country rock, la psicodelia, el folk y el soul más sudoroso. Con las guitarras campando por sus respetos, el steel pedal y los metales como parte de una instrumentación poco común, los Wilco de Being There tejen inesperadas conexiones entre los Stones de su mejor época, los Replacements, los Beatles y los Big Star del álbum Third. Alternando baladas y tempestades eléctricas, Tweedy demuestra que con unos fundamentos clásicos (en realidad intemporales) es aún posible escribir grandiosas canciones, componer excelentes piezas de la más sorprendente arquitectura… Esta edición Deluxe remasterizada propone, además del álbum original, quince bonus inéditos que incluyen, entre otras cosas, versiones alternativas de I Got You y Say You Miss Me, así como el directo grabado el 12 de noviembre de 1996 en el Troubadour de Los Ángeles y una sesión para la emisora KCRW de Santa Monica, registrada un día después. © MZ/Qobuz
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Rock - Publicado el 24 de noviembre de 2017 | Rhino - Elektra

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Publicado en diciembre de 1976, el quinto disco de los Eagles se convertiría en su mayor éxito. Hotel California, que incluía el celebérrimo single de igual título, marca un giro en la carrera del grupo estadounidense. Bernie Leadon, el miembro más country de la banda, había abandonado la nave y Joe Walsh vino a sustituirle, mientras Don Henley aprovechaba para ponerse al timón. El resultado es un álbum más mainstream que los anteriores, con un sonido suntuoso, a la altura de las composiciones. ¡Y es que todo está pensado a escala colosal! La producción, las melodías, los solos ¡absolutamente todo! Obra maestra del AOR (Adult Oriented Rock) concebida para conquistar las FM, estamos ante un álbum que goza desde hace mucho de estatus de intemporal y que sigue dejando al oyente con la boca abierta. Glenn Frey, Don Felder, Joe Walsh, Randy Meisner y Don Henley no volverían a alcanzar nunca semejante grado de complicidad ni ese estado de gracia… Lanzado en noviembre de 2017, esta edición por su 40 aniversario nos ofrece la posibilidad de gozar del disco original remasterizado y, de propina, de un potente directo grabado en el californiano Forum de Inglewood en octubre de 1976. © CM/Qobuz
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Punk - New Wave - Publicado el 24 de noviembre de 2017 | Rhino - Warner Records

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La regla del juego había quedado suficientemente clara ya en su primer disco, pero los Ramones consiguieron superarse con este tercer álbum, que viene a sumarse a las nuevas ediciones rematerizadas de su legado. ¡Y no solo superarse, sino perfeccionar su estilo! Una vez más, con Rocket To Russia, lanzado el 4 de noviembre de 1977, en plena guerra fría, su intención pasaba por crear sus micromundos con solo tres acordes, historias gozosamente estúpidas salidas del imaginario adolescente y, sobre todo, por devolver orgullosamente el rock&roll al lugar de donde había salido: ¡el garaje! Claro está que los estribillos de Sheena Is A Punk Rocker o de Teenage Lobotomy resultan insuperables por su eficacia, en tanto que particulares relecturas de géneros como el rock&roll, el pop bubblegum y el surf. Es que incluso cuando revisitan clásicos de culto, como Surfin’ Bird de los Trashmen o el Do You Wanna Dance? popularizado por Cliff Richard, los Beach Boys y Bette Midler, estos guerrilleros punk oriundos de Queens se sacan de la manga el rock más salvaje y cortante que se recuerda. Esta edición conmemorativa de los cuarenta años de tan soberbio atentado sonoro propone al audaz oyente dos mezclas del álbum: la original y una nueva bautizada como Tracking Mix, a cargo de Ed Stasium, ingeniero de sonido de la versión histórica. Y que incluye también 24 temas raros o inéditos, demos, versiones alternativas y caras B. Y como guinda, un incendiario directo inédito de los hermanos Ramones (bueno, no exactamente hermanos...) grabado el 19 de diciembre de 1977 en el muy escocés Apollo Centre de Glasgow. © MZ/Qobuz
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Clásica - Publicado el 24 de noviembre de 2017 | Sony Classical

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Este célebre álbum monográfico dedicado a Aaron Copland es también el alegre símbolo de la amistad que unió de por vida al joven Bernstein de diecinueve años con uno de los grandísimos compositores norteamericanos. Ambos músicos, separados por una diferencia de dieciocho años, se conocieron en el campus de Harvard durante un espectáculo de danza contemporánea. Frente a Copland, compositor respetado, Leonard Bernstein no era sino un glorioso desconocido rebosando de talentos y proyectos. El mayor iba a respaldar al joven recomendándolo, entre otros, al Curtis Institute, luego al Festival de Tanglewood. Agradecido, Bernstein tocará toda su vida la música de Copland por afecto y también por auténtica pasión. Publicado en 1962, este LP reagrupa tres ballets.Appalachian Spring (Primavera en los Apalaches), obra compuesta en 1944 para Martha Graham, cuenta la historia de los pioneros norteamericanos con numerosas canciones populares de la época, entre otras Shaker Dance que sirve de enlace entre los ocho movimientos de la pieza. El Salón México [título original], puramente orquestal al inicio, es una representación idealizada de una sala de baile popular en México, aunque podemos percibir la influencia clara de Stravinski. En esta obra basada en partituras que Copland compró in situ, escuchamos varios estilos de música, de la más popular a la más erudita. Music for the Theater, de 1925, una suite de pequeñas piezas inspiradas por el jazz, provocó un buen escándalo en las salas de concierto conservadoras de los Años Veinte. © François Hudry/Qobuz
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Clásica - Publicado el 24 de noviembre de 2017 | Sony Classical

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Alternativa & Indie - Publicado el 20 de octubre de 2017 | Rhino

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Era su tercer álbum, y los Smiths se encontraban en la cima de su carrera: voz de crooner atormentado, arpegios cristalinos salidos de la guitarra más límpida que quepa imaginar, letras románticas y cínicas, todo contribuía a la hora de plasmar un pop 100% británico, como el que The Kinks, The Who y The Jam fueron capaces de hacer en su momento…The Queen Is Dead, Bigmouth Strikes Again, The Boy With The Thorn In His Side, There Is A Light That Never Goes Out o Some Girls Are Bigger Than Others son otras tantas gemas introspectivas que la voz de Morrissey transforma en poesía pura. Inquietudes adolescentes, retratos sociales, caricaturas sutiles; las letras de Moz (apelativo por el que se conoce al carismático cantante) rozan la perfección. © MD/Qobuz
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Rap - Publicado el 8 de septiembre de 2017 | Melee - Wild Pitch

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Integrales de ópera - Publicado el 16 de junio de 2017 | Warner Classics

Hi-Res Libreto Premios Diapason d'or - Discoteca Ideal Qobuz
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Reggae - Publicado el 26 de mayo de 2017 | Soul Jazz Records

Premios Discoteca Ideal Qobuz - Songlines Five-star review
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Electrónica - Publicado el 5 de mayo de 2017 | Sony Music CG

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