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Para cada género musical, los expertos de Qobuz reúnen discos imprescindibles que han marcado la historia de la música.

A través de la Discoteca Ideal, usted podrá (re)descubrir grabaciones míticas y seguir enriqueciendo su cultura musical.

Los álbumes

2633 álbumes ordenados por Fecha: de más reciente a menos reciente
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Veruschka

Ennio Morricone

Bandas sonoras de cine - Publicado el 1 de enero de 1971 | Gdm

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Bach: Concertos for 2, 3 & 4 Harpsichords, BWV 1060 - 1065

Gustav Leonhardt

Clásica - Publicado el 28 de enero de 2022 | Warner Classics

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Buena Vista Social Club

Buena Vista Social Club

World music - Publicado el 17 de septiembre de 2021 | World Circuit

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La historia del álbum Buena Vista Social Club comienza con el viaje fallido del gran guitarrista Ali Farka Touré y varios músicos de Mali a Cuba. El sello británico World Circuit quería volver a unir dos líneas musicales tan exitosas en los años 60 y para ello había ido a La Habana el productor Nick Gold, quien a su vez sedujo al músico estadounidense Ry Cooder para que le echara una mano. Pero un problema de visado retrasó el viaje y el presupuesto tenía un límite de tiempo, así que mientras buscaban soluciones, escucharon por casualidad a los músicos veteranos que esperaban a los de Mali. Y eso fue para Cooder y Gold una Epifanía.El resultado que todos conocemos es la reunión de un grupo de músicos mayores, algunos ya octogenarios, que tocaron en los estudios Egrem de La Habana como si fuesen adolescentes entusiasmados. Algunos habían sido muy conocidos, como el pianista Rubén González; otros habían sido olvidados, como el cantante Ibrahim Ferrer; otros estaban en plena actividad, como la cantante Omara Portuondo. El encargado de reunirlos fue el productor y músico Juan de Marcos González y el nombre del grupo provino de uno de los clubes sociales de baile que existían en la Cuba pre-revolucionaria y donde aquella generación había tocado: Buena Vista Social Club.Pero, ¿qué hizo tan especial a aquel proyecto? Evidentemente todos creen en la singular energía y entusiasmo de aquellos músicos. Gold, sin embargo, piensa que ayudaron las buenas decisiones, como aquella de poner los micrófonos bastante altos a fin de generar un ambiente. Eso acompañado de la construcción de los estudios en madera antigua, que dieron a la grabación un efecto muy cálido. Otra buena decisión fue grabar en sistema analógico, lo que obligaba a seguir unas pautas a las que los músicos estaban acostumbrados. Para ello fue vital la presencia del ingeniero de sonido Jerry Boys.El resultado fue impactante, conmovedor, entrañable, digno de repetirse en disco y en vídeo, porque en 1999 el cineasta alemán Wim Wenders recogió la esencia del proyecto, las experiencias personales de los músicos y los conciertos suyos en Ámsterdam y Nueva York, y rodó un documental memorable. Buena Vista descubrió para muchas personas una Cuba desconocida, e hizo que la propia isla descubriera el poder de su pasado. Ocho millones de copias vendidas y premios sin fin, además de nuevas grabaciones de cada uno de ellos, pusieron a este álbum en un sitio muy alto en la historia de la música. © José Arteaga/Gladys Palmera
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Chega de Saudade (Remastered Edition)

João Gilberto

World music - Publicado el 2 de abril de 1959 | Ipanema Discos - Atlantic

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Chega de Saudade (1959) fue el primer álbum del músico bahiano João Gilberto, cuya reputación de genio ya había crecido gracias a sus trabajos de estudio con otros artistas. Este álbum inauguró no sólo la carrera en solitario de Gilberto, sino también la bossa nova, un género que lo cambió todo en la historia de la música brasileña. Las voces suaves, inspiradas en el jazz americano, combinadas con un tipo de ritmo de guitarra diferente, que más tarde se denominó “ritmo de bossa”, fueron los elementos esenciales que hicieron de esta obra el punto de partida del movimiento.Esta nueva forma de tocar el instrumento se puso de moda entre los jóvenes y estudiantes de la época e inspiró a futuras estrellas brasileñas como Gilberto Gil, Caetano Veloso, Jorge Ben, Chico Buarque y Milton Nascimento. Al mismo tiempo, João Gilberto consiguió con este Chega de Saudade ganarse a la generación de más edad: aunque revolucionario para su época, el álbum no dejaba de lado las raíces de la música brasileña. Su repertorio incluía composiciones de grandes como Ary Barroso, Geraldo Pereira y Dorival Caymmi, pero con un nuevo giro.Un año antes de su debut en solitario, João Gilberto había participado en el álbum Canção de Amor Demais de Elizeth Cardoso, donde tocó la guitarra en la canción Chega de Saudade, compuesta por Vinicius de Moraes y Tom Jobim. En este disco ya se podía percibir ese “ritmo de la bossa”. Sin embargo, no fue hasta el lanzamiento del LP Chega de Saudade y la versión de João Gilberto de la canción cuando la bossa nova se consolidó. El álbum fue producido por Aloysio de Oliveira y contó con los arreglos y la dirección orquestal de Tom Jobim, convirtiendo el disco en un éxito comercial y de crítica inmediato, incluyendo otros clásicos como Desafinado y Bim Bom. © Nathália Padua/Bananas
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Händel: Suites pour clavecin

Pierre Hantaï

Clásica - Publicado el 20 de noviembre de 2020 | Mirare

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Nueva entrega discográfica de Pierre Hantaï, que se aleja momentáneamente de su querido Scarlatti, y otra joya… El clavecinista francés abre este magistral recital, grabado en enero de 2020 en Haarlem (Países Bajos) por el equipo de Nicolas Bartholomée y que contiene cuatro suites de Georg Friedrich Haendel, con una de las menos conocidas, la HWV 426, que es el primer número del Libro I de 1720. De inmediato, sus dedos se sumergen en este universo heterogéneo y cosmopolita, en el que los mundos francés e italiano se encuentran uno al lado del otro, bajo un sol resplandeciente. Una vez más, deslumbra el arte del fraseo de este músico, que el digno heredero de Gustav Leonhardt despliega para captar la diversidad de los ambientes y pintar deliciosos decorados con una iluminación cambiante.La Suite en fa mayor, HWV 427, es aquí otro milagro. El Adagio inicial resulta conmovedor, de una plenitud melancólica inaudita, en la que se lleva a su máxima expresión el arte de tocar el clave, de cantar, de hacer brillar la polifonía. Tanto es así que el movimiento perpetuo del Allegro que sigue puede asustar inicialmente, y la regularidad métrica de Pierre Hantaï es sorprendente, incluso en las repeticiones más ornamentadas. Sin embargo, las líneas nunca suenan austeras, y recuerdan las líneas de danza de una gavota imaginaria: ¡una sensación inolvidable! El segundo Adagio es una especie de preludio a una animada fuga, no tan lejos aquí de las fugas más alegres del Clave bien temperado de J. S. Bach.La obra central del recital es la larga y más bien sombría Suite en re menor, HWV 428; al principio, los tradicionales Präludium, Allemande, Courante, y luego de repente un largo Air, con su tema desplegado con ternura y que se convierte en un extraño mundo de divagaciones “armónicas”, como si fueran improvisadas, lanzadas como cohetes por el clavecinista – este Air und Variationen es una obra en sí misma.A todos los niveles, estamos ante un recital encantador, para ser abrazado, que dará a muchos la oportunidad de disfrutar una vez más de las Suites para clave de Haendel. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz
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Das Pfefferminz-Experiment

Marius Müller-Westernhagen

Rock - Publicado el 8 de noviembre de 2019 | Polydor

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Keep on Keeping On. Studio Albums 1970-74 (2019 Remaster)

Curtis Mayfield

Soul - Publicado el 22 de febrero de 2019 | Rhino

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Now He Sings, Now He Sobs

Chick Corea

Jazz - Publicado el 1 de enero de 1968 | Blue Note

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Walton: Symphony No.1 in B-Flat Minor

André Previn

Sinfonías - Publicado el 16 de noviembre de 2018 | RCA Victor

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¡Ojo! o mejor: ¡OÍDO! He aquí una de las mejores grabaciones de André Previn realizadas durante los años 1960 en Londres, época en la que el director norteamericano estaba en estado de gracia. Aquí, la London Symphony Orchestra, galvanizada, en el corazón de su repertorio, suena con una belleza inaudita: los metales eléctricos (¡escuchemos el Scherzo!), la madera siempre poética, la cuerda con una rítmica implacable… Entre las mil y una cualidades que sitúan esta grabación por encima de las demás, señalamos los tempos rapidísimos y siempre controlados con los que André Previn puede desplegar el gran sentido arquitectónico de Walton con una naturalidad inédita –magnífica coda del Allegro assai inicial. Esta interpretación borra casi totalmente las influencias de Sibelius o Hindemith y destaca la verdadera singularidad de la orquestación y de la gestión del tiempo musical que revela la naturaleza exacta de la partitura: un ovni en el paisaje inglés de los años 1930. El logro es aún más notable en esta obra grabada los 26 y 27 de agosto de 1966 –el director ofrecerá una segunda versión con la RPO para Telarc– cuando sabemos que Previn empezó más o menos en esta época, y con los mismos músicos, una integral de las sinfonías de Ralph Vaughan Williams que carece de la más mínima vena poética, viéndose acaso afectada por la transparencia analítica que sin embargo enaltece esta Primera de Walton. Previn grabará igualmente con la LSO la Segunda de Walton, para EMI, unos años más tarde. Podemos además saborear la toma de sonido superlativa realizada por los equipos de la Decca bajo la dirección de James Lock. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz
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The Girl From Chickasaw County - The Complete Capitol Masters

Bobbie Gentry

Country - Publicado el 17 de agosto de 2018 | Capitol Records Nashville

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¡Más de ocho horas y media de música! Bobbie Gentry merecía desde luego un homenaje de este calado pese a que su gloria no duró más de una década. Apartada de los escenarios e inmersa en el más absoluto anonimato desde comienzos de los 80, esta gran artista de los sixties y los seventies cuenta por fin con una lujosa recopilación. 177 temas repartidos en ocho discos: sus seis álbumes en estudio para el sello Capitol (Ode to Billie Joe de 1967, The Delta Sweete y Local Gentry de 1968, Touch ‘Em With Love de 1969, Fancy de 1970 y Patchwork de 1971), su disco a dúo con Glen Campbell editado en 1968 y –los fans no se lo creerán– ¡más de 70 inéditos donde se mezclan tomas alternativas, demos, un live en la BBC y rarezas de todo tipo! Y es que por encima del misterio de su prematura retirada y del culto que no dejaría de aumentar con el tiempo, están las estupendas canciones que compuso. Bobbie Gentry no se limitaba a cantar la habitual mixtura de country, folk y pop, como tantas otras de su generación. La vocalista fue además autora, apenas cumplidos 20 años, de hits como Mornin' Glory, Fancy, Okolona River Bottom Band, Chickasaw County Child o, también, del más célebre de ellos, cantado en todo el mundo, Ode to Billie Joe, sobre la fascinante historia del extraño suicidio del joven Billie Joe McAllister, que saltara desde el Tallahatchie Bridge. Joe Dassin dará en Francia otro sesgo al relato: Billie Joe pasa a llamarse Marie-Jeanne y el Tallahatchie Bridge se transforma en un puente sobre el Garona…Qué sofisticada, relajada y sensual suena la voz de Bobbie Gentry, apoyada por esos lujuriosos arreglos e instrumentos tan adecuados a su timbre: a veces unas cuerdas lounge algo kitsch pero de enorme elegancia, y otras una simple guitarra que la sigue en cada giro. Bobbie Gentry no hacía exactamente country, ni pop, ni soul o folk. Lo que pasa es que no hay nombre para el género que cultivaba. © Marc Zisman/Qobuz
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A Bach Recital (Mono recording)

Wilhelm Kempff

Clásica - Publicado el 17 de agosto de 2018 | Decca Music Group Ltd.

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Os Portugueses

Rodrigo Leão

Pop - Publicado el 29 de junio de 2018 | Sony Music Entertainment

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En 2018 Rodrigo Leão, compositor y pianista nacido en Lisboa en 1964, conmemoraba 25 años de carrera en solitario tras el enorme éxito cosechado durante casi una década junto al grupo Madredeus, fundado por él mismo y Pedro Ayres Magalhães en 1985. Ave Mundi Luminar (Columbia, 1993) fue su primer eslabón en un viaje que le ha convertido en uno de los músicos portugueses más emblemáticos y reconocidos del panorama internacional. La celebración incluyó el relanzamiento de la banda sonora del documental Portugal, um Retrato Social (serie de televisión realizada en 2007 por Joana Pontes y Antonio Barreto) bajo el título de Os Portugueses (Sony Music, 2018). Su largo catálogo de 28 canciones incluye 10 nuevas grabaciones de temas de Madredeus (entre las que se encuentran O Pastor y Guitarra) y de Sétima Legião, primera formación del compositor (Mil Maneiras de Amar). Destaca un tema inédito titulado Restos da vida, interpretado por Camané, uno de los más grandes cantantes de fado en la actualidad. Selma Uamusse y Ana Vieira son las otras voces que acompañan las melodías nostálgicas concebidas como música de cámara, cuerdas y acordeón entrelazados con las suaves texturas de sintetizadores y piano.La selección que ha realizado Rodrigo Leão para Os Portugueses pone en valor la lengua lusa y la música tradicional puramente instrumental, que conectan con una visión minimalista más contemporánea. Una mirada íntima de los conceptos que expanden la sonoridad tan característica de un creador que se ha ganado un lugar incuestionable en la música de Portugal. Sigue estando Madredeus presente de manera inequívoca en la mirada del músico, no sólo en su memoria relatada a través de este trabajo sino también en sus proyectos actuales. Un aniversario, en definitiva, de los rasgos más actuales de la música portuguesa. © Ulyses Villanueva/Qobuz
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Mascagni: Cavalleria rusticana / Leoncavallo: Pagliacci

Herbert von Karajan

Ópera - Publicado el 11 de mayo de 2018 | Deutsche Grammophon (DG)

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Cómo no entusiasmarse por esta celebérrima versión de Cavalleria Rusticana grabada durante los años 1960 por un Karajan en el apogeo de su arte con los más grandes artistas de una época bendita por los dioses del gran arte lírico. Mascagni dirigido por Karajan parece igualar el genio de Mozart o Verdi. Bajo esta batuta, la orquesta de la Scala de Milán suena con una opulencia casi berlinesa y un arte del legato untuoso. Admiraremos una vez más la belleza del timbre de Carlo Bergonzi, su delicioso acento parmesano y, sobre todo, la intensidad a la vez trágica, poética y llena de fuego que trasmite al personaje de Turridu. Con su personalidad, y su voz radiante, Bergonzi sobrepasa por mucho sus partenaires, a pesar de la presencia volcánica y la voz inmensa de Fiorenza Cossotto. La calidad sonora es parte integrante del placer sentido a cada nueva escucha de esta grabación archiconocida y muy celebrada gracias a una técnica estereofónica prácticamente perfecta en cuanto al equilibrio entre voces y orquesta. Este «disco clásico» no puede envejecer.Inseparable de su melliza Cavalleria Rusticana de Mascagni, el drama de Leoncavallo encuentra en esta célebre grabación, realizada en 1965 en la Scala de Milán, una interpretación que, habiendo marcado varias generaciones, se escucha todavía hoy con admiración y respeto. En primer lugar, gracias a la extraordinaria encarnación de Carlo Bergonzi dando al papel de Canio la imagen de una humanidad ridiculizada, de una intensa emoción. No podemos escuchar su gran aria «Vesti la giubba» sino temblando y apiadándonos de este hombre herido que, a pesar de su dolor, ha de hacer el payaso («pagliaccio» en italiano). Es la demonstración moderna del ensayo de Diderot sobre la paradoja del actor que hace reír mientras esconde su triste realidad bajo su máscara: «Ridi, Pagliaccio !» (¡Ríe, Payaso, de tu amor destrozado!) Con Karajan, aquí en la cima de su arte, la orquesta de la Scala suena en tecnicolor, magníficamente captada por la toma de sonido típica de los años 1960 que equilibra de manera ideal el coro, los cantantes y la orquesta. Karajan insufla una intensidad casi wagneriana al célebre Intermezzo orquestal que precede el desenlace de un drama más exacerbado aún por el intenso sol de Calabria. © François Hudry/Qobuz
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Awase

Nik Bärtsch

Jazz - Publicado el 4 de mayo de 2018 | ECM

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Resulta de nuevo inútil buscar la columna vertebral, por no decir el corazón, de Awase en el piano de Nik Bärtsch. Pues cuando el zuriqués se pone en marcha al frente a su grupo Ronin pone tanto su música como improvisaciones bajo la férula motora de la batería hipermusculada de Kaspar Rast. Como es tradicional en esta banda que se autocalifica como de zen funk, su fuerza hipnótica procede de la repetición de unos motivos rítmicos que estructuran en líneas generales este jazz ciertamente atípico. El término Awase, extraído de las artes marciales, significa «moverse juntos» con el fin de fusionar las energías individuales. Metáfora que funciona muy bien para entender la precisión dinámica, la amalgama de grooves y el minimalismo coreográfico del grupo de Bärtsch. Han pasado seis años desde la aparición del anterior álbum de Ronin, un live grabado en Europa y Japón entre 2009 y 2011; en el ínterin el quinteto se ha transformado en cuarteto y ha fichado a un nuevo bajista, Thomy Jordi. En definitiva, que estos Ronin de 2018 no son exactamente los mismos que conocíamos… Una mutación que se traduce en nuevas fórmulas sonoras, más libres y flexibles, a la hora de concebir las composiciones. No es extraño, así, que el acierto y potencia interpretativa parezcan haberse duplicado. Hasta el punto de que no resulta fácil resistirse a la llamada al trance que realizan estos motivos, estas secciones que se suceden con singular fluidez a lo largo de los 65 minutos que dura Awase. © Max Dembo/Qobuz
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Sweet Dreams

Eurythmics

Pop - Publicado el 21 de enero de 1983 | Sony Music CG

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¡Con dos acordes de sintetizador tenemos suficiente! No hace falta más para reconocer el singular sonido de Eurythmics, aquel emblemático grupo de los 80. Y es que el tándem conformado por Annie Lennox y Dave Stewart es hoy de los más representativos de la new wave sintética (de contenidos pop y formas futuristas) de aquella década, cuando se declaró la guerra a las guitarras… El dúo británico se encaramaría varias veces a lo más alto de los charts en los 80, pero Sweet Dreams ha quedado como su obra más recordada. Las composiciones de Dave Stewart son pura new wave sombría, en cierto modo a la manera de Bowie (Love Is A Stranger), con algunas dosis ligeras de krautrock (Sweet Dreams), aunque ocasionalmente pueden adoptar apariencias funky (I’ve Got An Angel) o incluso disco (Wrap It Up). Al micro tenemos, cómo no, a Annie Lennox, que aún hoy sigue impresionándonos con su voz teñida de soul o, por el contrario, con tonos rigurosamente austeros. Todo un clásico del género. © Clotilde Maréchal/Qobuz
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Thriller 25 (Super Deluxe Edition)

Michael Jackson

Soul - Publicado el 21 de marzo de 2018 | Epic - Legacy

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Realce

Gilberto Gil

Brasil - Publicado el 1 de enero de 1979 | Palco

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Bartók: Music for Strings, Percussion and Celesta, Sz. 106 - Hindemith: Concert Music for String Orchestra and Brass, Op. 50

Leonard Bernstein

Clásica - Publicado el 2 de marzo de 2018 | Sony Classical

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Being There (Deluxe Edition)

Wilco

Rock - Publicado el 29 de octubre de 1996 | Rhino - Warner Records

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Tras un primer, enérgico y fascinante álbum de country alternativo (A.M.), concebido en el momento de la traumática separación de su grupo Uncle Tupelo, Jeff Tweedy se tomó su tiempo para alumbrar este segundo trabajo de Wilco, un doble disco con el que apuntaba muy alto. Formato que, unido a las influencias musicales manejadas, haría pensar a bastantes periodistas que con este álbum aparecido en octubre de 1996 Tweedy había querido componer su Exile On Main Street. Y es que al igual que en esa ecléctica obra maestra de los Stones, las directrices son aquí el rock & roll más básico, el bluegrass, el country rock, la psicodelia, el folk y el soul más sudoroso. Con las guitarras campando por sus respetos, el steel pedal y los metales como parte de una instrumentación poco común, los Wilco de Being There tejen inesperadas conexiones entre los Stones de su mejor época, los Replacements, los Beatles y los Big Star del álbum Third. Alternando baladas y tempestades eléctricas, Tweedy demuestra que con unos fundamentos clásicos (en realidad intemporales) es aún posible escribir grandiosas canciones, componer excelentes piezas de la más sorprendente arquitectura… Esta edición Deluxe remasterizada propone, además del álbum original, quince bonus inéditos que incluyen, entre otras cosas, versiones alternativas de I Got You y Say You Miss Me, así como el directo grabado el 12 de noviembre de 1996 en el Troubadour de Los Ángeles y una sesión para la emisora KCRW de Santa Monica, registrada un día después. © MZ/Qobuz
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Hotel California

Eagles

Rock - Publicado el 24 de noviembre de 2017 | Rhino - Elektra

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Publicado en diciembre de 1976, el quinto disco de los Eagles se convertiría en su mayor éxito. Hotel California, que incluía el celebérrimo single de igual título, marca un giro en la carrera del grupo estadounidense. Bernie Leadon, el miembro más country de la banda, había abandonado la nave y Joe Walsh vino a sustituirle, mientras Don Henley aprovechaba para ponerse al timón. El resultado es un álbum más mainstream que los anteriores, con un sonido suntuoso, a la altura de las composiciones. ¡Y es que todo está pensado a escala colosal! La producción, las melodías, los solos ¡absolutamente todo! Obra maestra del AOR (Adult Oriented Rock) concebida para conquistar las FM, estamos ante un álbum que goza desde hace mucho de estatus de intemporal y que sigue dejando al oyente con la boca abierta. Glenn Frey, Don Felder, Joe Walsh, Randy Meisner y Don Henley no volverían a alcanzar nunca semejante grado de complicidad ni ese estado de gracia… Lanzado en noviembre de 2017, esta edición por su 40 aniversario nos ofrece la posibilidad de gozar del disco original remasterizado y, de propina, de un potente directo grabado en el californiano Forum de Inglewood en octubre de 1976. © CM/Qobuz