Indispensable JAZZ NEWS

Das Label Impulse! holt dieses im November 2007 stattgefundene, unveröffentlichte Konzert zwischen zwei Giganten aus seinem Archiv: Charlie Haden & Brad Mehldau. Der im Jahre 2014 verstorbene Kontrabassist begegnete dem Pianisten zum ersten Mal zu Beginn der 1990er Jahre. Der Funken sprang sofort über und in der Folge sollten sich die beiden Virtuosen einander regelmäßig sowohl auf der Bühne wie auch auf den Platten messen. Aber nie als Duo. Diese Live-Aufnahme aus dem Jahre 2007 war also eine Premiere. Da sie zum Enjoy Jazz Festival in Heidelberg eingeladen worden waren, erklärten Haden und Mehldau sich einverstanden, in einer herrlichen Kirche, nämlich der Mannheimer Christuskirche, gemeinsam aufzutreten. Das Ergebnis war umwerfend, dennoch sollten die Aufzeichnungen dann mehr als ein Jahrzehnt lang Staub ansetzen… „Es war faszinierend, mit jemandem zu spielen, der derartig improvisiert“, erinnert sich der amerikanische Pianist. Immerhin war er der Erste, der das auf seinem Instrument gemacht hat. Die ersten Platten des Ornette Coleman Quartetts wie This Is Our Music oder Change of the Century entsprachen insofern nicht dem Free-Jazz, als sie auf die Grundlagen der Harmonie verzichteten. Oft waren sie ‚free‘ im Hinblick auf ein fixes harmonisches Schema, aber Charlie improvisierte Harmonie aus dem Nichts heraus!“. Vor allem ihre tiefgründige Freundschaft ist aus dieser Einspielung herauszuhören. Und diese erhabene Ungezwungenheit, mit der Charlie Haden und Brad Mehldau in ihren Interaktionen Raum und Stille zum Ausdruck bringen. Das in diesem Fall konventionelle und klassische Repertoire (Charlie Parker, Irving Berlin, Johnny Mercer, Gershwin, Kern…) präsentieren sie mit viel Fingerspitzengefühl. © Marc Zisman/Qobuz

Makaya McCraven ist am Schlagzeug genauso präzise wie sonst auch und mit Universal Beings erreicht er einen wahren Höhepunkt. Der 35-jährige Drummer aus Chicago macht weiterhin seine auf Sampeln basierenden Experimente und manipuliert sogar seine eigenen Improvisationen. Diese Technik bringt er mit seiner universellen musikalischen Kultur, die vom Free Jazz über den Hip-Hop bis zum Post-Bop reicht, zum Ausdruck. Nach In The Moment (2015), Highly Rare (2017) und Where We Come From (2018) veröffentlicht McCraven ein ehrgeiziges Werk, das bei den Sessions entstand, die zwischen 2014 und 2018 in New York, Chicago, Los Angeles und London aufgezeichnet wurden. Das Musikerkollektiv, das er aus diesem Anlass um sich geschart hat, ist vor allem der Beweis dafür, dass heute in der traditionellen, angelsächsischen Great Black Music internationale Verbindungen existieren. Eine über Stadt- und Landesgrenzen hinausgehende Herangehensweise, um gemeinsam künstlerisch tätig zu sein. Das erste Kapitel des abenteuerlichen Universal Beings wurde im Kellergeschoß des H0I0 in Ridgewood, im Stadtteil Queens geschrieben. Dort improvisiert Makaya McCraven mit der Harfenistin Brandee Younger, dem Kontrabassisten Dezron Douglas (Sideman von Pharoah Sanders und Ravi Coltrane), dem Vibrafonisten Joel Ross und der Cellistin Tomeka Reid. Im Co-Prosperity Sphere in Chicago, dem Hauptquartier des überschäumenden Labels International Anthem, bei dem dieses Universal Beings erscheint, spielt er dann mit dem Saxofonisten Shabaka Hutchings, als sich der Star der neuen britischen Szene gerade in der Windy City aufhält, sowie mit dem Kontrabassisten Junius Paul (aus der Gruppe Roscoe Mitchell, und Mitglied des Art Ensemble of Chicago). Die dritte Session findet in London, im Total Refreshment Centre statt, wo es dann neben dem Drummer auch die Saxofonistin Nubya Garcia, den Kontrabassisten Daniel Casimir und den Pianisten Ashley Henry gibt. Die vierte und letzte Session findet schließlich in der Garage des Gitarristen Jeff Parker in Los Angeles Country statt, wo der Violinist Miguel Atwood-Ferguson (Flying Lotus, Thundercat), der Perkussionist Carlos Niño (Dexter Story, Jamire Williams), die Kontrabassistin Anna Butterss und der Saxofonist Josh Johnson (Kiefer, Esperanza Spalding) zusammenkommen. Mit diesen, im Laufe vieler Stunden entstandenen Tonbändern auf dem Arm macht sich Makaya McCraven an die Arbeit: Postproduktion, Collagen und neue Arrangements jeder Art ergeben dann vier Folgen, die er chronologisch aneinanderreiht. Am Ende steht ein dichtgedrängtes Resultat (eineinhalb Stunden Musik) mit qualitätsvollen Interaktionen, höchst kreativen Improvisationen und einem soliden roten Faden, der sich durch alle Stücke zieht: Makaya McCraven präsentiert ein Album, das perfekter nicht sein könnte. Diese Platte schlägt einzigartige Brücken zwischen Genres und Epochen, ohne je falsch oder klischeehaft zu klingen. Ein oft sehr poetisches Werk mit unauffälligen Rhythmen, das sehr schwungvoll ist und es auch bleiben wird. © Marc Zisman/Qobuz

Nach zwei faszinierenden Studioalben (When the Heart Emerges Glistening, 2011 und The Imagined Savior Is Far Easier to Paint, 2014) und einem umwerfenden Live-Album (A Rift in Decorum, 2017), die alle drei bei Blue Note erschienen, legt Ambrose Akinmusire einen anderen Gang mit einem ehrgeizigen, vielgestaltigen Werk ein, da er darin eine Jazzband, ein Streichquartett sowie Poeten und Rapper miteinander kombiniert. Bisher hatte der Trompeter aus Kalifornien immer seinen Hang zu Umwegen gezeigt, aber Origami Harvest ist zweifellos sein gewagtestes Oeuvre. Wenn nicht sogar sein Wahnsinnigstes! Begleitet wird er dabei vom Pianisten Sam Harris, vom Schlagzeuger Marcus Gilmore, vom Saxofonisten Walter Smith III und, was am wenigsten zu erwarten war, vom Streichquartett Mivos und von Victor Vázquez alias Kool A.D., dem früheren MC der Hip-Hop-Gruppe Das Racist.Jazz, Free-Jazz, Klassik, Funk, Rap, Soul und Spoken Word, alles purzelt durcheinander und erfordert erhöhte Aufmerksamkeit. Akinmusire könnte man übrigens diese Rundumsicht zum Vorwurf machen. Diesen ästhetischen Übermut, mit dem er vom Free-Jazz zum R&B überwechselt, um dann wieder zu zeitgenössischer Musik oder zum Funk zurückzukehren. Die Entstehung dieses Projekts erklärt auch den Grund für diese Radikalität. Judd Greenstein, der Kurator des Ecstatic Music Festivals in New York, der dieses Werk in Auftrag gegeben hatte, fragte den Kalifornier nach seiner verrücktesten Idee. „Ich will ein Projekt über Extreme realisieren“, antwortete ihm Akinmusire daraufhin, „und Dinge aneinanderreihen, die anscheinend gegensätzlich sind.“Und dennoch erweist sich dieses Origami Harvest als richtig lebhaft, womit es zum perfekten Spiegel seiner Zeit wird. Mit ihren Widersprüchen, ihrer Gewalt, ihrem hektischen Zapping… „Origami bezeichnet die unterschiedliche Art und Weise, wie die Schwarzen, insbesondere die Männer unter ihnen, nachgeben und sich unterwerfen müssen, sei es nun aufgrund eines Misserfolgs oder einfach nur, um sich anzupassen. Als ich dann daran arbeitete, kam mein Sohn zur Welt und dabei dachte ich an diese immer wiederkehrenden Zyklen: Harvest (Ernte).“ Es ist wichtig, sich Zeit zu nehmen, um solch eine kreative Flut zu verdauen. In einer Zeit, in der sich nur wenige  zurückziehen, Halt machen und Ruhe suchen, ist Origami Harvest ein Außenseiter. Eine gesunde Verschnaufpause – auch wenn man dabei unter Druck gerät – denn wir brauchen einfach frische Luft. © Marc Zisman/Qobuz

Konzeptalben können sehr bemüht klingen; dieses bietet intelligent gemachte, anregende Musik. Die Idee geht auf Peter Tschaikowskis „Jahreszeiten, op. 37a“ zurück, einen Zyklus von zwölf Charakterstücken für Klavier, die nach den zwölf Monaten benannt sind. Sie entstanden im Auftrag einer Musikzeitschrift, in der sie 1876 Monat für Monat veröffentlicht wurden. Davon inspiriert, schrieb Saxofonist/Fagottist/Komponist Ben Wendel zwölf Duostücke, die er ebenfalls nach den Monaten betitelte und jeweils dem Partner widmete, mit dem er das entsprechende Stück einspielte. Dabei kam es zu teils ungewöhnlichen Duetten wie Sax/Trompete, Fagott/Gitarre. Die Aufnahmen wurden, eine pro Monat, als Video auf YouTube gestellt, tausendfach angeklickt – und in der New York Times als ein „Top-Album des Jahres 2015“ vorgestellt. Dabei konnte von „Album“ noch keine Rede sein. Das holt Wendel jetzt nach. Mit vieren seiner hochkarätigen Duopartner spielt er dieselben Stücke nochmals im Quintett, von „January“ bis „December“, neu arrangiert fürs Comboformat. In den Duetten hatte er versucht, auf Charakteristika seiner Partner einzugehen und diese in die Stücke einzuschreiben. Im größeren Format ist dies weniger spezifisch. Doch gibt er dem Hörer nicht nur mehr „Fleisch“ als bei den skelettartigen Erstfassungen, sondern die Stücke gewinnen einen völlig neuen Charakter. Wo etwa von Drummer Eric Harland ein New-Orleans-Groove unterm Tenorsax nur angedeutet wurde, steigert sich jetzt das Quintett ganz sachte in ein furioses Finale hinein („April“). Feine Duopassagen, wie ein Sax-Gitarre-Intro mit Gilad Hekselman („December“), gibt es immer noch, doch jetzt ist „The Seasons“ ein Album zum Durchhören. Kompositorisch und klanglich die reine Freude. © Klostermann, Berthold / www.fonoforum.de

Es mutet etwas wagemutig an, seinem Album den Titel Odyssee zu verpassen. Fred Pallem war aber immer schon auf Abenteuer im aktuellen Jazz aus und erwies sich als Störenfried... Sein Trip des Jahres 2018 ist nichts weiter als ein erneutes, flächendeckendes und gewagtes Experiment voller beeindruckender Rhythmen und köstlicher Arrangements. Pallem, der hier von seinem unschlagbaren Sacre du Tympan begleitet wird, konstruiert hier vielseitige, recht funkige und kinematografische Stücke. Das überrascht nicht, wenn man an sein Album aus dem Jahr 2017 denkt, Soul Cinema!, bei dem die Blaxploitation im Mittelpunkt stand, und an seine, im Jahr zuvor erschienene Hommage an die Soundtracks von François de Roubaix. Diese beiden Platten haben auf Odyssée Spuren hinterlassen. Hier sieht es gerade so aus, als würde man einen beinahe echten, irgendwie alten Film (vor allem aus den siebziger Jahren) sehen, der halb Thriller, halb Komödie ist. Die Arrangements sind auf den Millimeter genau ausgetüftelt, die Kompositionen wimmeln nur so von Referenzen und die Soloeinlagen sind durch die Bank weg originell. © Max Dembo/Qobuz

Nach vier recht anmutigen Alben, die seinem Namen einen festen Platz in der aktuellen Jazz-Szene verschafft haben, hat Shai Maestro nun mit einem Vertrag beim Label ECM eine Hürde überwunden. Der israelische Pianist spielt weiterhin in einer Triobesetzung zusammen mit seinem Weggefährten, dem Kontrabassisten Jorge Roeder und dem Schlagzeuger Ofri Nehemya (der ausnahmsweise Ziv Ravitz ersetzt), und erzählt wieder eine ganze Reihe erhabener, facettenreicher Geschichten. Die Melodien stammen sowohl aus dem überlieferten Jazz-Repertoire als auch aus der traditionellen Musik des Orients oder sogar aus der klassischen Musik des Okzidents. Egal, ob seine Musik nun extrem introspektiv ist (My Second Childhood des Israelis Matti Caspi) oder eindeutig provokant (erstaunliche Coverversion des Klassikers These Foolish Things), der sanfte Anschlag genauso wie der schlichte Ausdruck dieses Mannes, der an der Seite des Kontrabassisten Avishai Cohen seinen Anfang gemacht hat, ist immer derselbe. Seit dem Jahr 2012, als er seine erste Platte als Kopf des Trios veröffentlichte, kommt diese durch und durch persönliche Ästhetik zur Geltung. Seine Erzählungen sind recht aussagekräftig, das hält ihn aber nicht davon ab, mit beiden Füßen in seiner Zeit zu stehen, wie man es im letzten Titel hören kann: What Else Needs To Happen?. Dort lässt Shai Maestro auf sehr subtile Weise an einer Stelle Barack Obamas Stimme während einer Rede hören, in der er sich für die Waffenkontrolle einsetzt. © Marc Zisman/Qobuz