Ihr Warenkorb ist leer!

Genre :

Die Alben

Ab
CD20,49 Fr.

Klassik - Erschienen am 1. Januar 2011 | Deutsche Grammophon (DG)

Booklet Auszeichnungen Choc de Classica - Herausragende Tonaufnahme
Ab
HI-RES21,99 Fr.
CD15,49 Fr.

Klassik - Erschienen am 9. Juni 2014 | Archiv Produktion

Hi-Res Booklet Auszeichnungen 5 de Diapason - Choc de Classica
The casual browser might assume from the large word Farinelli and the picture of a bearded hipster dude in the graphics that this is another album devoted to arias connected with Italian castrato Carlo Broschi, known as Farinelli. But look more closely: the title, "El Maestro," is in Spanish. The album deals with Farinelli's tenure in Madrid, where he held the title of chamber musician to King Philip V and was a sort of impresario. His performing career was over by this time, and the album is mostly instrumental (a couple of countertenor arias, one of them the Farinelli hit Alto giove, are included), consisting of music by composers with whom Farinelli was associated, and might have programmed in Spain. This may seem a slender concept on which to hang the relaunch of the venerable Archiv early music imprint, and about all you can say in its favor is that the music is a great deal of fun. The program mixes opera overtures of the middle 18th century with some engaging dances by Spanish composer José de Nebra, the aforementioned arias, and independent symphonies by Carl Philipp Emanuel Bach and Johann Adolf Hasse. The music is all almost unknown, and it is for the most part zippy and extremely attractive. Start in with the very first track, the overture to La festa cinese (The Chinese Festival) of Nicola Conforto, with its unique rhythmic drive, and then sample the overtures by Jommelli and Traetta, opera seria composers who are almost forgotten today but whom any fan of the time would have known. The Concerto Köln, with a solid group of 28 players, gives this novel music a good deal of rhythmic zest, and it's hard not to conclude that even if the concept is strange, if that's what it took to get the music rediscovered, the effort was worth it. Archiv's studio sound is masterful. © TiVo
Ab
HI-RES63,99 Fr.
CD45,49 Fr.

Klassik - Erschienen am 26. Januar 2015 | Deutsche Grammophon (DG)

Hi-Res Booklet Auszeichnungen Gramophone Editor's Choice - Choc de Classica
Tchaikovsky's final opera was the one-act lyric drama Iolanta, which was planned as a companion piece to the Nutcracker. However, the immensely popular ballet eclipsed it, and today the opera is rarely performed or recorded outside Russia. Yet this live concert performance on Deutsche Grammophon will certainly bring the work greater attention worldwide, thanks to the star power of Anna Netrebko, who has performed the role of the blind princess in Salzburg and Baden-Baden, making it a vehicle for her unique talents. She is joined by a strong Russian cast, which includes Sergei Skorokhodov as Count Vaudémont, Alexey Markov as Robert, and Vitalij Kowaljow as King René, and the orchestral support of Emmanuel Villaume and the Slovenian Philharmonic Orchestra lends the performance rich tone colors and fine details. While Netrebko's name recognition is the chief reason most western listeners will notice this recording, her singing provides the best reason to hear it. Netrebko's commitment to making this opera better known -- indeed, making it her own -- is reflected in her passionate performance, which is immediate and thrilling, and she imbues the music with intense emotion that is moving and memorable. The audio is exceptional, even by Deutsche Grammophon's high standards, so the orchestra's sonorities, dominated by woodwinds, are reproduced with vibrant sound. But above all, the audio gives Netrebko presence and warmth, so this is required listening for all of her fans and curious newcomers. © TiVo
Ab
HI-RES32,49 Fr.
CD23,49 Fr.

Klassik - Erschienen am 7. Oktober 2016 | Deutsche Grammophon (DG)

Hi-Res Booklet Auszeichnungen 5 de Diapason - 4F de Télérama - Gramophone Award - Gramophone Record of the Month - Choc de Classica - Choc Classica de l'année
Daniil Trifonov, derzeit meistbewunderter und um die Welt hetzender Jungstar der Klavierszene, darf in seinem neuen Doppelalbum für die Deutsche Grammophon voll aufdrehen. Sein Liszt-Recital enthält nicht nur, wie der Titel erwarten lässt, die zwölf „Études d’exécution transcendante“, sondern gleich auch noch die Paganini-Etüden und die fünf „Études de Concert“ von „Il Lamento“ bis „Un sospiro“. Ein selbstbewusstes Programm des 25-Jährigen, dessen hohen technischen und musikalischen Ansprüchen er überzeugend, ja grandios gerecht wird. Was zunächst das Manuelle angeht: Man kann von keinem Twen der Welt die Wucht und Umriss-Schärfe erwarten, die beispielsweise ein Svjatoslav Richter in doppeltem Alter in sein Liszt- Spiel einbrachte. Manche mögen daher in Trifonovs Interpretationen das nackt und klar Etüdenhafte etwas vermissen. Aber er zeigt eine phänomenale spielerische Freiheit der Klavierbehandlung. Sie lässt sich – nur zwei Beispiele – an der ansatzlos im Prestissimo lospreschenden Passage zu Beginn der zweiten Paganini-Etüde ebenso ablesen wie an den filigran hingehauchten Doppelgriffen der „Feux follets“. Und vor allem: Trifonov macht mit seinen Mitteln aus jeder der „Transzendentalen Etüden“ ein klanglich üppiges und äußerst farbiges Tongemälde. Mir fällt jedenfalls keine Aufnahme ein, die die „Wilde Jagd“ so wild „malt“ oder in „Chasse-neige“ so suggestiv das Bild einer langsam im Schneegestöber versinkenden Landschaft erstehen lässt. Es gelingt Trifonov mit seinem hochsensiblen Interpretationsansatz sogar, dem eher nüchternen (und später von Komponisten bis hin zu Rachmaninow und Lutoslawski mehrfach variierten) a-Moll-Thema der sechsten Paganini-Etüde neue Züge abzugewinnen. Was auch immer in den kommenden Wochen noch kommen mag: Dies ist für mich eines der wesentlichen Klavieralben des Jahres 2016. Wirklich „transzendental“ – Grenzen überschreitend. © Harden, Ingo / www.fonoforum.de
Ab
HI-RES25,49 Fr.
CD17,99 Fr.

Klassik - Erschienen am 3. Februar 2017 | Deutsche Grammophon (DG)

Hi-Res Booklet Auszeichnungen Choc de Classica
Following his debut album on Deutsche Grammophon, where he offered a live recital of solo piano pieces by Chopin, Seong-Jin Cho presents his first studio recording on the label, again featuring works by the Polish master. First up is Chopin's Piano Concerto No. 1 in E minor, which Cho performed when he won the 17th International Fryderyk Chopin Piano Competition and which is still fresh in his repertoire. Accompanied here by Gianandrea Noseda and the London Symphony Orchestra, Cho dispenses with the layers of sentimentality that have accreted around the work and gives a vigorous but light performance that focuses on brilliant technical displays and the transparent solo part. The orchestral textures are subdued and the feeling of the concerto is almost Mozartean, due to Cho's clarity and the lively tempos that keep the music moving forward. The rest of the program consists of the four Ballades, where Cho is given a greater opportunity to stretch out and indulge in elastic tempos and fluid expressions. The performance of the Piano Concerto No. 1 doesn't quite prepare the listener for this dreamier side of Cho, and his generous use of rubato may come as a surprise after the control he showed earlier in the program. Listeners who prefer a leaner style in Chopin may favor Cho in the concerto, but there's plenty of introspection and poetry in his rapt readings of the Ballades. © TiVo
Ab
HI-RES34,49 Fr.
CD24,49 Fr.

Messen, Passionen, Requiems - Erschienen am 16. März 2018 | Deutsche Grammophon (DG)

Hi-Res Booklet Auszeichnungen 5 de Diapason - Choc de Classica
Die 1971 uraufgeführte Mass von Bernstein lässt sich nur schwer einordnen. Es ist keine echte Messe, sondern eine Art Demontage der traditionellen Messe. Der vollständige Titel lautet übrigens MASS: A Theatre Piece for Singers, Players, and Dancers („Messe: ein Theaterstück für Sänger, Instrumentalisten und Tänzer“). Die Handlung könnte man als eine Art Gottesdienst beschreiben, bei dem einiges schief läuft, bevor dann am Ende doch universeller Frieden eintritt. Am Anfang scheinen sich alle einig zu sein, dann aber beginnen die „Straßenmusiker“ die Notwendigkeit, ja sogar die Existenz Gottes in Frage zu stellen. Die sich daraus ergebende Kakophonie steigt zu einem katastrophalen Höhepunkt an und wird schließlich wieder besänftigt, indem der Zelebrant der Messe alle Geister um die Gottheit versammelt. Die Messe endet mit einem abschließenden „Gehet hin in Frieden“. Bernstein hat in seiner Partitur alle möglichen Elemente der Musik des 20. Jahrhunderts versammelt: Jazz, Blues, Rock, Broadway, Expressionismus, Zwölftontechnik, ein an Britten erinnernder Modernismus, Straßenmusik, Blaskapellenmusik, klassischer Gesang mit Jazz und Gospelrezitationen: ein wahrer Turm von Babel an Stilrichtungen, die nicht ganz einfach zusammengebaut werden können. Man kann sich jedoch auf Yannick Nézet-Séguin verlassen, dem es gelingt, die vielen verschiedenen Elemente miteinander zu verbinden. Die vorliegende live-Aufnahme ist bei einem Konzert mit einer verblüffenden räumlichen Anordnung entstanden. Der Geschichte des Werkes mangelt es nicht an Komik: der FBI – der keine Gelegenheit auslässt, um sich zu blamieren – qualifizierte Mass als pazifistische Kampagne gegen das Establishment und hat Nixon angewiesen, nicht an der Uraufführung teilzunehmen. Dabei wurde das Werk von Jackie Kennedy eigens zur Einweihung des Kennedy Center for the Arts in Washington bestellt, während sich die Vereinigten Staaten mitten im tiefsten Sumpf des Vietnamkrieges steckten… © Marc Trautmann/Qobuz
Ab
HI-RES28,99 Fr.
CD20,49 Fr.

Klassik - Erschienen am 12. Oktober 2018 | Deutsche Grammophon (DG)

Hi-Res Booklet Auszeichnungen Diapason d'or de l'année - Diapason d'or - Le Choix de France Musique - Choc de Classica
Die Deutsche Grammophon schickt ihren jüngsten Klavierstar auf große Reise mit dem „Zielort Rachmaninow“. Und anders als die das Begleitheft durchziehende Bildergeschichte, die den heute 27-jährigen Daniil Trifonov als nachdenklichen Einzelgänger auf nostalgischer Eisenbahnfahrt zeigt, wird er dabei hochkarätig begleitet von einem der früheren „Big Five“ der US-Musikszene, den „Philadelphians“ – immerhin das Orchester, mit dem Rachmaninow vor knapp achtzig Jahren seine eigene Aufnahme der Klavierkonzerte einspielte. Eine hochambitionierte Produktion also, und die Erwartungen, die daraus erwachsen, scheinen sich anfangs voll zu erfüllen: Der große Einstieg ins c-Moll-Konzert hat Aplomb, zeigt Trifonov in virtuoser Hochform, hält im Tempo eine überzeugende Mitte zwischen dem „schweren“ Richter und dem eleganten Kocsis und klingt hervorragend offen und transparent. Bald allerdings beginnt zu irritieren, dass er und Dirigent Yannick Nézet-Séguin aus der Musik offenbar vor allem ein Maximum an gefühligem Sentiment herauszuholen versuchen. Ihnen scheint außer Sicht geraten zu sein, dass die „weltschmerzlichen“ Momente in Rachmaninows Kompositionen immer auch in eine Formung von klassizistischer Strenge eingebunden sind. Eine interpretatorische Einseitigkeit, die sich am Ende aller Virtuosität zum Trotz nicht auszahlt. Günstiger steht es in stilistischer Beziehung um die schon 2015 entstandene, ebenfalls brillante Live-Aufführung des g-Moll-Konzerts. Allerdings muss man hinnehmen, dass gleich in den eröffnenden Takten das Klavier sich in der Hitze des Orchestergetümmels kaum behaupten kann. Zwischen den Konzerten noch die drei solistischen Bach-Sätze: Blitzsauber vorgetragen, nur spielte Rachmaninow selber sie 1942 deutlich knackiger. © Harden, Ingo / www.fonoforum.de
Ab
HI-RES28,99 Fr.
CD20,49 Fr.

Klassik - Erschienen am 8. November 2019 | Deutsche Grammophon (DG)

Hi-Res Booklet Auszeichnungen Diapason d'or - Choc de Classica
Sollte der Deutschen Grammophon mal wieder ein dauerhafter Erfolg mit einem noch jungen Sänger beschieden werden? Nachdem in den vergangenen Jahren vor allem Sony sich als Hort erstklassiger Sänger etabliert hat (Kaufmann, Florez, Kermes, Yoncheva, Gerhaher, Mühlemann, Rachvelishvili), hinkt das gelbe Label hinterher, was den Aufbau wachsender vokaler Hochbegabungen angeht. Wachstum, der aus der Natur entlehnte Begriff, ist mittlerweile eben von den BWLern gekapert – mit Auswirkungen bis in die Führungsetagen vieler großer kunstvermarktender Unternehmen. Ausgewachsen ist ohne Zweifel die Stimme des 1985 in Paris geborenen und in der Schweiz ausgebildeten Tenors Benjamin Bernheim. Im Stimmtyp erinnert er etwas an Roberto Alagna – auch was das mitunter etwas sture Aussingen der Phrasen angeht. Den Mut, um der Phrasierung und der emotionalen Feinzeichnung willen vom vollen Stimmklang wegzugehen, lässt Bernheim noch zu selten vernehmen. Die Abmischtechnik der Aufnahme forciert das mit ihrem zu großen Hall zusätzlich. Dabei hat Bernheim die Fähigkeit, weniger Vokalmasse mit mehr Aussage füllen zu können, ganz wunderbar etwa im „Instant charmant“ aus Massenets „Manon“ und bei „Una furtiva lagrima“ aus dem „Liebestrank“. Der Gefahr, in höheren und hohen Lagen mehr durchzupowern, als das eigentlich fein metallisch legierte lyrische Material hergibt, entgeht Bernheim nicht immer. Aufgrund des guten Stimmsitzes kann er es sich jedoch leisten. Wo er solche Aufstiege aber musikalisch gestaltet („Pourquoi me réveiller“), da wird es richtig schön. Das Prager Orchester unter Emmanuel Villaume begleitet mit flexibler Spannkraft. © Schmitz, Johannes / www.fonoforum.de
Ab
HI-RES28,99 Fr.
CD20,49 Fr.

Klassik - Erschienen am 21. Februar 2020 | Deutsche Grammophon (DG)

Hi-Res Auszeichnungen Choc de Classica
Auf seinem neuesten Album greift Maurizio Pollini Beethovens letzte drei Sonaten (Op. 109 bis 111) wieder auf, vierzig Jahre nach seiner ersten Einspielung dieser Werke. Der Komponist hat hier die Gattung in sensationelle Höhen geführt. Der italienische Pianist interpretiert seit Januar 1977 (dem Jahr seiner ersten Aufnahme der Sonate Nr. 32, während seine Aufnahme der Sonaten Nr. 30 und 31. von Juni 1975 stammt) diese drei Sonaten bei zahlreichen Gelegenheiten. Dadurch konnte er im Lauf der Jahre den Reichtum ihres Materials und ihrer Struktur bis ins kleinste Detail entdecken. In seinen letzten Sonaten kehrte Beethoven der konventionellen Sonatenform, auf die er seit seinem Opus 27 (Quasi una fantasia, Clair de lune) immer wieder zurückgegriffen hatte, den Rücken und ersetzte sie durch eine atemberaubende Formenvielfalt. So bekommen die Variation (Op. 109, Arietta aus Op. 111) und die Fuge (Op. 110, nach der aus Op. 101) hier eine völlig neue Bedeutung, ebenso wie die sehr freien Passagen, in denen Beethoven sehr persönliche Gefühle auszudrücken scheint. Er löst eine expressive Revolution aus, die später in der Romantik den Vorrang der Subjektivität vor der Struktur ermöglichen wird. Maurizio Pollini – der nicht mehr dieselbe Energie wie vor dreißig Jahren zeigt – verleiht diesen im Konzert aufgenommenen Werken eine Dringlichkeit (op. 109) und einen Sinn für Lyrik (op. 110), die einfach überwältigen. Unter allen in den letzten Jahren erschienenen Aufnahmen von Pollini (Beethoven, Debussy, Chopin) erweist sich dieses Album als das unverzichtbarste. Unbedingt anhören. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz