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Pop - Paru le 21 novembre 1980 | Geffen*

Hi-Res
Aja was cool, relaxed, and controlled; it sounded deceptively easy. Its follow-up, Gaucho, while sonically similar, is its polar opposite: a precise and studied record, where all of the seams show. Gaucho essentially replicates the smooth jazz-pop of Aja, but with none of that record's dark, seductive romance or elegant aura. Instead, it's meticulous and exacting; each performance has been rehearsed so many times that it no longer has any emotional resonance. Furthermore, Walter Becker and Donald Fagen's songs are generally labored, only occasionally reaching their past heights, like on the suave "Babylon Sisters," "Time Out of Mind," and "Hey Nineteen." Still, those three songs are barely enough to make the remainder of the album's glossy, meandering fusion worthwhile. © Stephen Thomas Erlewine /TiVo
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Rock - Paru le 1 octobre 1986 | Geffen*

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After rushing their second album Don't Look Back, Boston took eight years to complete the album Third Stage. The long delay is even more surprising considering that their sound didn't change at all; even though only songwriter/guitarist Tom Scholz and vocalist Brad Delp remained from the original lineup, they were the ones responsible for Boston's sound. As such, it is difficult to avoid comparisons with their landmark debut. Third Stage has some strong moments, especially the number one hit "Amanda" where the band blends acoustic and electric guitars to complement the layered vocals. However, the songs are not as strong as those on their debut, and the album is marred by the presence of instrumental fillers and an attempt to cling to a theme of "journey through life's third stage." Thus, rather than focusing on universal topics such as the exuberance and uncertainties associated with youth, the mature lyrics are lost on most of their young rock audience. Given the time between albums and the changes in the pop landscape, it was a little disappointing to find Boston stuck in the same sound. The album still sounds great when it works on all cylinders ("We're Ready," "Cool the Engines"), but the album is not filled with enough satisfying moments. This may be nostalgic pop rock of the '80s, but casual listeners should start with their debut. © Vik Iyengar /TiVo
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Rock - Paru le 1 octobre 1986 | Geffen*

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After rushing their second album Don't Look Back, Boston took eight years to complete the album Third Stage. The long delay is even more surprising considering that their sound didn't change at all; even though only songwriter/guitarist Tom Scholz and vocalist Brad Delp remained from the original lineup, they were the ones responsible for Boston's sound. As such, it is difficult to avoid comparisons with their landmark debut. Third Stage has some strong moments, especially the number one hit "Amanda" where the band blends acoustic and electric guitars to complement the layered vocals. However, the songs are not as strong as those on their debut, and the album is marred by the presence of instrumental fillers and an attempt to cling to a theme of "journey through life's third stage." Thus, rather than focusing on universal topics such as the exuberance and uncertainties associated with youth, the mature lyrics are lost on most of their young rock audience. Given the time between albums and the changes in the pop landscape, it was a little disappointing to find Boston stuck in the same sound. The album still sounds great when it works on all cylinders ("We're Ready," "Cool the Engines"), but the album is not filled with enough satisfying moments. This may be nostalgic pop rock of the '80s, but casual listeners should start with their debut. © Vik Iyengar /TiVo
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Rock - Paru le 21 novembre 1980 | Geffen*

Hi-Res Distinctions Discothèque Idéale Qobuz - Hi-Res Audio
Aja was cool, relaxed, and controlled; it sounded deceptively easy. Its follow-up, Gaucho, while sonically similar, is its polar opposite: a precise and studied record, where all of the seams show. Gaucho essentially replicates the smooth jazz-pop of Aja, but with none of that record's dark, seductive romance or elegant aura. Instead, it's meticulous and exacting; each performance has been rehearsed so many times that it no longer has any emotional resonance. Furthermore, Walter Becker and Donald Fagen's songs are generally labored, only occasionally reaching their past heights, like on the suave "Babylon Sisters," "Time Out of Mind," and "Hey Nineteen." Still, those three songs are barely enough to make the remainder of the album's glossy, meandering fusion worthwhile. © Stephen Thomas Erlewine /TiVo
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Blues - Paru le 1 juin 1966 | Geffen*

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Given Hooker's unpredictable timing and piss-poor track record recording with bands, this 1965 one-off session for the jazz label Impulse! would be a recipe for disaster. But with Panama Francis on drums, Milt Hinton on bass, and Barry Galbraith on second guitar, the result is some of the best John Lee Hooker material with a band that you're likely to come across. The other musicians stay in the pocket, never overplaying or trying to get Hooker to make chord changes he has no intention of making. This record should be played for every artist who records with Hooker nowadays, as it's a textbook example of how exactly to back the old master. The most surreal moment occurs when William Wells blows some totally cool trombone on Hooker's version of Berry Gordy's "Money." If you run across this one in a pile of 500 other John Lee Hooker CDs, grab it; it's one of the good ones. © Cub Koda /TiVo
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Bandes originales de films - Paru le 25 mai 1993 | Geffen*

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Si le film Jurassic Park est typique du style spectaculaire de Steven Spielberg, la musique de John Williams s’avère, une fois écoutée en dehors du contexte du film, posséder une surprenante qualité intimiste. Le thème le plus connu, « Welcome to Jurassic Park », bénéficie d’une interprétation au piano qui lui confère une douceur assez inédite. Si la musique souffre davantage d’une écoute hors contexte que celle de « La Guerre des étoiles », les morceaux d’action et de suspense gardent leur force et leur efficacité ; on ne conseille cependant cette BO qu’aux vrais fans du film.   © ©Copyright Music Story Nikita Malliarakis 2015
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Rock - Paru le 1 janvier 2013 | Geffen*

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Bandes originales de films - Paru le 25 mai 1993 | Geffen*

Si le film Jurassic Park est typique du style spectaculaire de Steven Spielberg, la musique de John Williams s’avère, une fois écoutée en dehors du contexte du film, posséder une surprenante qualité intimiste. Le thème le plus connu, « Welcome to Jurassic Park », bénéficie d’une interprétation au piano qui lui confère une douceur assez inédite. Si la musique souffre davantage d’une écoute hors contexte que celle de « La Guerre des étoiles », les morceaux d’action et de suspense gardent leur force et leur efficacité ; on ne conseille cependant cette BO qu’aux vrais fans du film.   © ©Copyright Music Story Nikita Malliarakis 2015
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Rock - Paru le 1 janvier 2013 | Geffen*

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Pop - Paru le 1 janvier 2011 | Geffen*

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Rock - Paru le 1 janvier 2011 | Geffen*

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R&B - Paru le 1 janvier 2011 | Geffen*

Bien avant tant d’autres, Mary J. Blige fusionnait déjà R&B et hip hop avec une dextérité unique. Et ce dixième album studio prouve que la couronne de la reine soul du Bronx brille toujours d’un groove étincelant. Autobiographique, cette suite de My Life, son album de 1994, montre une Mary J. osant se mettre à nu, une Mary J. en harmonie avec ce style qui est le sien, unique. Une forme de classe en quelque sorte…
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Pop - Paru le 1 janvier 2011 | Geffen*

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R&B - Paru le 21 novembre 2011 | Geffen*

C’était les années 1990, Mary J Blige régnait sans partage sur le hip hop R&B dont elle était l’incontestable souveraine. The Queen oh hip hop soul, la plus grande depuis Aretha, et sa digne héritière, toute en puissance et en fêlures. My Life, son deuxième album, en 1994, établissait les tables de la loi d’un genre depuis dévoyé. My Life II, dixième du rang, prétend venir remettre les pendules à l’heure de la vraie Great Black Music, telle que réglée par cette désormais grande sœur quadragénaire, devant qui ses pairs générationnels viennent se prosterner, Nas sur « Feel Inside » et Busta Rhymes sur « Next Level », et ces deux organes mâles, épousant la force de Mary, dans un télescopage temporel, viennent à point pour nous rappeler l’ère dorée où cette musique était BONNE ! Comme un chœur antique adoubant cette vestale éternelle, on croise ici et là Rick Ross, Lil Wayne et P. Diddy (pour une version rafraîchie du « Someone To Love Me (Naked) » qui figurait sur le récent album de Diddy et ses deux péronnelles), et même la nouvelle petite merveille canadienne Drake, prince du hip hop émotionnel contemporain. Toujours prompte à chanter ses angoisses et à les magnifier, Mary J Blige a évité l’ornière et le piège que lui tendait l’époque : pas de challenge avec Rihanna, pas de clichés eurodance usinés par l’inévitable et pénible David Guetta, elle s’appuie sur des producteur chevronnés (Rico Love, Danja, Tricky Stewart, Jerry Wonder Duplessis…) et évolue avec la grâce qu’on lui connaît sur un son suffisamment lourd pour les up tempos qui peuplent le début de l’album (dance floor compatibles, avec le single « 25/8 » ou la reprise du « Ain’t Nobody » de Chaka Khan), et confortable quand vient l’heure des ballades, là où la voix devient une telle évidence qu’elle emporte tout sur son passage. My Life, l’originel, reste un classique, une borne, un moment fondateur de ce genre en soi, ce deuxième chapitre 17 ans plus tard (un Act 2 est déjà annoncé pour mai 2012, ce qui est peu probable) n’a pas la même valeur, mais c’est un travail solide et une théorie de chansons flamboyantes. Le sommet étant le duel attendu entre Queen B et la Reine du hip hop soul : « Love A Woman », une ballade comme un tournoi entre Beyoncé et son aînée et modèle incontestable. Beyoncé est technique, mais la patronne reste la patronne, imbattable en puissance émotionnelle. On ressort moite et essoré de ce combat amical entre deux organes majeurs, et on dit que le retour aux affaires de Mary J Blige est une excellente nouvelle. © ©Copyright Music Story Jean-Eric Perrin 2015
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R&B - Paru le 21 novembre 2011 | Geffen*

C’était les années 1990, Mary J Blige régnait sans partage sur le hip hop R&B dont elle était l’incontestable souveraine. The Queen oh hip hop soul, la plus grande depuis Aretha, et sa digne héritière, toute en puissance et en fêlures. My Life, son deuxième album, en 1994, établissait les tables de la loi d’un genre depuis dévoyé. My Life II, dixième du rang, prétend venir remettre les pendules à l’heure de la vraie Great Black Music, telle que réglée par cette désormais grande sœur quadragénaire, devant qui ses pairs générationnels viennent se prosterner, Nas sur « Feel Inside » et Busta Rhymes sur « Next Level », et ces deux organes mâles, épousant la force de Mary, dans un télescopage temporel, viennent à point pour nous rappeler l’ère dorée où cette musique était BONNE ! Comme un chœur antique adoubant cette vestale éternelle, on croise ici et là Rick Ross, Lil Wayne et P. Diddy (pour une version rafraîchie du « Someone To Love Me (Naked) » qui figurait sur le récent album de Diddy et ses deux péronnelles), et même la nouvelle petite merveille canadienne Drake, prince du hip hop émotionnel contemporain. Toujours prompte à chanter ses angoisses et à les magnifier, Mary J Blige a évité l’ornière et le piège que lui tendait l’époque : pas de challenge avec Rihanna, pas de clichés eurodance usinés par l’inévitable et pénible David Guetta, elle s’appuie sur des producteur chevronnés (Rico Love, Danja, Tricky Stewart, Jerry Wonder Duplessis…) et évolue avec la grâce qu’on lui connaît sur un son suffisamment lourd pour les up tempos qui peuplent le début de l’album (dance floor compatibles, avec le single « 25/8 » ou la reprise du « Ain’t Nobody » de Chaka Khan), et confortable quand vient l’heure des ballades, là où la voix devient une telle évidence qu’elle emporte tout sur son passage. My Life, l’originel, reste un classique, une borne, un moment fondateur de ce genre en soi, ce deuxième chapitre 17 ans plus tard (un Act 2 est déjà annoncé pour mai 2012, ce qui est peu probable) n’a pas la même valeur, mais c’est un travail solide et une théorie de chansons flamboyantes. Le sommet étant le duel attendu entre Queen B et la Reine du hip hop soul : « Love A Woman », une ballade comme un tournoi entre Beyoncé et son aînée et modèle incontestable. Beyoncé est technique, mais la patronne reste la patronne, imbattable en puissance émotionnelle. On ressort moite et essoré de ce combat amical entre deux organes majeurs, et on dit que le retour aux affaires de Mary J Blige est une excellente nouvelle. © ©Copyright Music Story Jean-Eric Perrin 2015
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R&B - Paru le 21 novembre 2011 | Geffen*

Livret
C’était les années 1990, Mary J Blige régnait sans partage sur le hip hop R&B dont elle était l’incontestable souveraine. The Queen oh hip hop soul, la plus grande depuis Aretha, et sa digne héritière, toute en puissance et en fêlures. My Life, son deuxième album, en 1994, établissait les tables de la loi d’un genre depuis dévoyé. My Life II, dixième du rang, prétend venir remettre les pendules à l’heure de la vraie Great Black Music, telle que réglée par cette désormais grande sœur quadragénaire, devant qui ses pairs générationnels viennent se prosterner, Nas sur « Feel Inside » et Busta Rhymes sur « Next Level », et ces deux organes mâles, épousant la force de Mary, dans un télescopage temporel, viennent à point pour nous rappeler l’ère dorée où cette musique était BONNE ! Comme un chœur antique adoubant cette vestale éternelle, on croise ici et là Rick Ross, Lil Wayne et P. Diddy (pour une version rafraîchie du « Someone To Love Me (Naked) » qui figurait sur le récent album de Diddy et ses deux péronnelles), et même la nouvelle petite merveille canadienne Drake, prince du hip hop émotionnel contemporain. Toujours prompte à chanter ses angoisses et à les magnifier, Mary J Blige a évité l’ornière et le piège que lui tendait l’époque : pas de challenge avec Rihanna, pas de clichés eurodance usinés par l’inévitable et pénible David Guetta, elle s’appuie sur des producteur chevronnés (Rico Love, Danja, Tricky Stewart, Jerry Wonder Duplessis…) et évolue avec la grâce qu’on lui connaît sur un son suffisamment lourd pour les up tempos qui peuplent le début de l’album (dance floor compatibles, avec le single « 25/8 » ou la reprise du « Ain’t Nobody » de Chaka Khan), et confortable quand vient l’heure des ballades, là où la voix devient une telle évidence qu’elle emporte tout sur son passage. My Life, l’originel, reste un classique, une borne, un moment fondateur de ce genre en soi, ce deuxième chapitre 17 ans plus tard (un Act 2 est déjà annoncé pour mai 2012, ce qui est peu probable) n’a pas la même valeur, mais c’est un travail solide et une théorie de chansons flamboyantes. Le sommet étant le duel attendu entre Queen B et la Reine du hip hop soul : « Love A Woman », une ballade comme un tournoi entre Beyoncé et son aînée et modèle incontestable. Beyoncé est technique, mais la patronne reste la patronne, imbattable en puissance émotionnelle. On ressort moite et essoré de ce combat amical entre deux organes majeurs, et on dit que le retour aux affaires de Mary J Blige est une excellente nouvelle. © ©Copyright Music Story Jean-Eric Perrin 2015
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Blues - Paru le 10 mars 1992 | Geffen*

Même si le principal intéressé jettera plus tard un regard critique sur cette période, elle reste la plus riche, la plus inventive, de la carrière de Buddy Guy. Par ailleurs, les quarante-sept chansons (et les plus de deux heures d’éternité) qui figurent ici, ou plutôt leur simple liste, devrait suffire à elle-même. Tout ce que Buddy Guy a gravé pour le compte de Chess Records entre 1960 (un immédiat post adolescent débarque de Louisiane) à 1966 (un jeune homme signe chez un label concurrent, Vanguard) y figure donc. Mais, naturellement, The Complete… relève d’un intérêt bien plus que comptable, ou même historique. Car Guy, débarrassé des tics qui le contraignaient à pâlement imiter ses maîtres (Guitar Slim en tête de liste), s’est enfin forgé ici un style en propre, décliné selon deux paramètres majeurs : une attaque du manche incisive, voire brutale, et un sens consommé du silence, et de la retenue, comme aliment indispensable du solo. De plus, son séjour chez Chess constitue une ininterrompue et homérique bataille de tranchées, entre un musicien explosif, baroque et éruptif, convaincu qu’il ne saurait marquer l’époque que dans l’excès, et un patron de compagnie, Leonard Chess, Polonais immigré, et garant d’une absolue orthodoxie, voire d’un rigorisme affirmé, dans son approche de la musique. C’est de ces frustrations, et de ces emportements, que sont nés quelques standards du blues de Chicago (« First Time I Met the Blues », ou « Stone Crazy », classique absolu de Guy), de plaisants dérivatifs (une surprenante reprise de « Moanin’ », standard jazz de Bobby Timmons), ou des inédits, en symboles de la fabuleuse paire de compositeurs que constituaient le guitariste et l’extraordinaire Willie Dixon (« I Dig Your Wig »). De plus, le casting, rassemblant, avec le guitariste Robert Nighthawk, Otis Spann et son piano, l’ami de toujours Junior Wells, ou Sonny Boy Williamson, tous deux à l’harmonica, quelque chose comme le nec plus ultra de la scène blues de l’Illinois dans les sixties, The Complete… offre un authentique pan d’histoire de la musique noire américaine. Et, naturellement, en plus, cela swingue. © ©Copyright Music Story Christian Larrède 2015
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Pop - Paru le 1 janvier 2010 | Geffen*

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Pop - Paru le 1 janvier 2010 | Geffen*

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R&B - Paru le 1 janvier 2010 | Geffen*