Discothèque Idéale Qobuz

Sorti en 1961, Il faut savoir est le huitième album de Charles Aznavour, quelques mois après la parution de celui qui a lancé sa carrière (Je m’voyais déjà). Celui-ci ne comprend pas de tube à la hauteur du précédent, mais il fait montre d’une maturité exceptionnelle – et même étonnante puisque Charles Aznavour ne semble pas avoir été contaminé par la folie ou l’outrance que la gloire engendre bien souvent. A peine âgé de 37 ans, Charles Aznavour est ici en proie au doute (le slow Il faut savoir) et à la rédemption (le jazzy J’ai tort). Il est également adepte d’une expérience cartésienne de la passion amoureuse (le mambo Ne crois surtout pas). En d’autres mots, derrière des musiques généralement légères et ne crachant pas sur la mode, il s’agit d’un album très personnel d’Aznavour. Mais bien qu’il porte profondément la patte du chanteur, Il faut savoir comprend quelques collaborations notables, qu’il s’agisse de paroliers ou de musiciens. C’est le cas du poète idéaliste Bernard Dimey pour Le Carillonneur, de l’infatigable Michel Legrand pour Avec ces yeux-là ou encore de Georges Garvarentz (qui deviendra plus tard son double musical à temps plein) pour La Marche des anges. © Nicolas Magenham/Qobuz

Bidonville - L'Amour Sorcier - Côte d'Azur - Sing Sing Song - Tu dormiras longtemps - A bout de souffle - Les mains d'une femme dans la farine - Chanson pour le maçon - Schplaouch - Gratte-moi la tête - Armstrong - etc

Passons vite sur cette étiquette de Jacques Brel du troisième millénaire pour ne garder que les treize titres de cette Racine carrée évidemment tout sauf carrée. Avec ce deuxième album, l’extra-terrestre Stromae poursuit ses assemblages improbables entre hymnes dancefloor minimalistes et prose sombre, impeccable coup de zoom sur notre temps. Derrière le groove festif plane toujours cette impressionnante mélancolie quand ça n’est pas un pessimisme des plus anthracite. Dans ses textes. Dans les circonvolutions de sa voix. Là réside sans doute la personnalité musicale d’un artiste qui compte un peu plus à chaque nouvelle chanson. Au final, Stromae prouve surtout avec Racine carrée qu’il a su trouver comme écrire l’après Alors on danse, son acte de naissance de 2010. Étonnant. © CM/Qobuz

Avec L’Aigle noir, sorti le 28 mai 1970 chez Philips, Barbara est en partie fidèle à son image de chanteuse sombre et mystérieuse. En partie seulement. Sur des cuivres au son tantôt ronds (le cor de Michel Barboteu), tantôt fragile (la trompette sourdinée d’Ivan Julien), les refrains de Quand ceux qui vont évoquent la mort de « ceux que nous avons aimés ». L’autre chef d’œuvre ténébreux de l’album est naturellement L’Aigle noir, qui reste à ce jour la chanson la plus célèbre de Barbara. Au sein d’un univers fantasmagorique porté par une mélodie lyrique, un piano exalté, un chœur obscur et une rythmique pop, elle décrit l’arrivée d’un rapace aux ailes « couleurs de la nuit », au milieu d’un songe. Il n’est pas toujours utile d’expliquer le sens profond d’une chanson, surtout si l’onirisme en est le moteur, comme c’est le cas ici. Mais tout porte à croire que ce rapace « surgissant du passé » évoque l’inceste que la chanteuse a subi lorsqu’elle était enfant.  Arrangé par Michel Colombier (qui était alors dans sa période Serge Gainsbourg, avec Elisa ou Bonnie and Clyde), l’album oscille en réalité entre l’obscurité et la lumière. Dans Hop-là, le ton est même d’une légèreté suprême puisqu’il s’agit d’une ode aux « gambettes » qui trottinent dans les rues du XXe arrondissement (où elle a passé une partie de sa vie). La mélodie est une charmante ritournelle aux arrangements particulièrement colorés, tout comme la valse Zinzin, jouée entre autres par l’accordéon électronique, virtuose et souriant, de Roland Romanelli (lequel est également présent dans la douce-amère Amoureuse, en dialogue avec le piano de Barbara). Rappelons que le musicien fut le double musical de « la dame en noir » pendant 20 ans. À noter enfin que l’album contient deux titres créés sur la scène du Théâtre de la Renaissance en janvier 1970, lorsque Barbara comédienne jouait Madame, la tenancière d’un bordel africain, dans la pièce écrite pour elle par Remo Forlani (Je serai douce et Drouot). ©Nicolas Magenham/Qobuz

Le trente et unième de cette chanteuse prolifique fut l'album le plus vendu de l'année 2012 en France. Comment ne le serait-il pas? Comment ne pas être touché par cette chanson ouverture de l'album : Je voudrais parler à mon père. Un album personnel, intime, loin de la star internationale formatée qui triomphe alors à Las Vegas. On notera les collaborations avec Luc Plamondon, Maxime Le Forestier, Jean-Pierre Ferland, Grand Corps Malade, ainsi qu'un duo virtuel avec Henri Salvador : Tant de temps qui est l'un des inédits sur lequel le chanteur travaillait avant de les écarter pour enregistrer Chambre avec vue en 2002. et un duo, bien réel avec Johnny Hallyday dans L'amour peut prendre froid. On retiendra aussi une très belle interprétation de Ne me quitte pas de Jacques Brel. Du grand Céline Dion !

À l’époque où sort La Fossette, la chanson française est plus habituée aux paillettes qu’aux exercices intellectuels. Sorti sur le label d’un ami (Lithium), l’album de Dominique A révolutionne le genre en prouvant qu’il est encore possible d’innover dans la langue de Molière, sans avoir recours à la surenchère. La Fossette reprend plusieurs titres du premier album Un Disque Sourd, auto-produit à 150 exemplaires. Cet album marque dès les premiers morceaux : un brûlot minimaliste décomplexé. L’émotion est à l’état brut, indéniablement rock et intime, prenant à revers l’auditeur par des attaques en chaud-froid. Dans cette noirceur, la lumière y est obscène, intrusive et cassante. Un album à marquer d’une pierre blanche. 1992 et un Dominique A plus tard, on ajouta le préfixe « nouvelle » à la chanson française. ©Copyright Music Story Samuel Degasne 2015