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Los álbumes

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Ópera - Publicado el 1 de septiembre de 1972 | Deutsche Grammophon (DG)

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He aquí un Barbiere «di qualità, di qualità» e incluso de grandísima calidad que Deutsche Grammophon grabó en el verano de 1971 en Londres, con ocasión de una de las primeras colaboraciones entre Claudio Abbado y la Orquesta Sinfónica de Londres. Fue también el inicio de las ediciones filológicas emprendidas por Alberto Zedda de las obras de Rossini, cuyas partituras estaban corroídas por malas usanzas desde hacía más de un siglo. Zedda suprimió las añadiduras que se convirtieron, equivocadamente, en tradición, restableció algunos recortes, recuperó la fina instrumentación original y, sobre todo, los intérpretes volvieron a cantar sin pomposidad y con un sentido innato del teatro. Quitarle el polvo rejuveneció esta obra maestra compuesta por un genio de veinticuatro años. ¡He aquí un Barbero sencillamente genial! Un elenco de ensueño con cantantes expertos en este repertorio. Cada uno está donde debe estar, desde la Rosina astuta y traviesa de Teresa Berganza, hasta el Fígaro refinado y brioso de Hermann Prey, pasando por el Conde frívolo de Luigi Alva hasta el ridiculísimo Basilio encarnado por el inenarrable Paolo Montarsolo. Nos divertimos con esta fina comedia mientras admiramos una vez más la implacable maquina perfectamente engrasada del teatro rossiniano bajo la batuta siempre inventiva y vibrante de Claudio Abbado. © François Hudry/Qobuz
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Clásica - Publicado el 1 de septiembre de 1973 | Deutsche Grammophon (DG)

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Opereta - Publicado el 1 de septiembre de 1976 | Deutsche Grammophon (DG)

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Clásica - Publicado el 1 de enero de 1995 | Deutsche Grammophon (DG)

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Clásica - Publicado el 1 de enero de 2014 | Deutsche Grammophon (DG)

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Sinfonías - Publicado el 1 de enero de 2012 | Deutsche Grammophon (DG)

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Cuesta evitar el exceso de superlativos cuando se trata de evocar el estilo de dirección de Carlos Kleiber. Por una parte, su imagen nos permite penetrar más inmediatamente los secretos de su arte: su gestualidad de una elegancia suprema que parece suscitar la música por su energía, su ductilidad y una sonrisa irradiando la cara de un director poseído –se diría– por la inspiración. Por otra parte, la escucha de este álbum de culto no necesita testimonios visuales.Viviendo como un recluido, anulando tres conciertos de cada cuatro, huyendo de los estudios de grabación, Carlos Kleiber aceptó milagrosamente interpretar estas dos sinfonías para Deutsche Grammophon. En 1975, grabó la Quinta Sinfonía en la generosa acústica del Musikverein de Viena con una Filarmónica que bebía sus palabras, respetando cada una de sus intenciones. Bajo su batuta filosofal, la «Quinta» se convierte en un concentrado de energía, una caja de Pandora explosiva que libera todas las esencias, restituyendo exactamente lo que exige la partitura. Las cuatro fatídicas notas del destino son a la vez base y piedra angular de esta obra faro, magníficamente estructurada por Kleiber.¿Escuchó alguien, alguna vez, una Séptima Sinfonía tan aérea? Pensamos inmediatamente en Nietzsche: «Sólo creería en un Dios que supiera bailar». Grabada el año siguiente en la misma sala, esta Séptima «de las suelas de viento»* [*El hombre de las suelas de viento era el apodo de Rimbaud] gira, revolotea, exulta con una alegría panteísta y salvadora y una ligereza que hace levitar a los músicos. «Ahora soy ligero, ahora vuelo, ahora me veo a mi mismo por debajo de mí, ahora un Dios baila en mí». Así hablaba Zaratustra, así dirigía Carlos Kleiber. © François Hudry/Qobuz
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Clásica - Publicado el 1 de enero de 1995 | Deutsche Grammophon (DG)

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Clásica - Publicado el 1 de enero de 2011 | Deutsche Grammophon (DG)

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Poder cautivarnos con una obra tocada hasta la saciedad es el privilegio de unos poquísimos elegidos. Y es el caso de esta célebre versión de la Sinfonía del Nuevo Mundo de Antonín Dvořák que no ha envejecido ni un ápice. Grabada en 1959 en Berlín con un excelente sonido estereofónico, esta interpretación enfebrecida muestra también el milagro que puede crear un director invitado. En pocas sesiones de grabación, Ferenc Fricsay consigue de la Filarmónica de Berlín un sonido en las antípodas del mullido karajanesco. Todo aquí, excepto el Largo irresistiblemente onírico, es cortante como una cuchilla y seco como un latigazo, al estilo de la Filarmónica Checa. Es la magia de una orquesta capaz de adaptarse inmediatamente a la personalidad de un director (¡cuando sabe ser convincente!)
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Clásica - Publicado el 7 de abril de 2015 | Deutsche Grammophon (DG)

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Clásica - Publicado el 7 de abril de 2015 | Deutsche Grammophon (DG)

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Sinfonías - Publicado el 7 de abril de 2015 | Deutsche Grammophon (DG)

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Ópera - Publicado el 1 de enero de 1966 | Deutsche Grammophon (DG)

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Mélodies - Publicado el 1 de enero de 1962 | Deutsche Grammophon (DG)

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Esta bella reedición cumple un doble propósito al rendir homenaje a Claude Debussy muerto en 1918 y a Gérard Souzay nacido el mismo año en Angers. El barítono francés se vio muy afectado por el juicio negativo e inapelable de Roland Barthes en su famoso ensayo Mitologías publicado en 1957. Para el semiólogo, el arte de Gérard Souzay era «signalético» y representaba el arte burgués por excelencia; acusaba a Souzay de cantar los signos de la emoción y no la emoción misma. Podríamos evidentemente discutir largo y tendido el tema de la interpretación sobre-expresiva, tan opuesta al espíritu francés y a su gusto por la mesura y la discreción, pero le debemos agradecer a Gérard Souzay haber sido uno de los mejores representantes de la melodía francesa, que interpretó con pasión a lo largo de su carrera. En 1962, grababa este álbum y debutaba cantando Golaud en la Ópera de Roma, para los cincuenta años de Peleas y Melisande de Debussy, bajo la dirección de Ernest Ansermet, antes de cantarlo en París con el consabido éxito. El repertorio de Gérard Souzay no se limitaba a la melodía francesa, era también un intérprete de lieder muy apreciado en Alemania y Austria, particularmente en el Festival de Salzburgo. Sus grabaciones de los Lieder de Schubert han dado la vuelta al mundo. En 1956, Gérard Souzay creó el Canticum Sacrum de Stravinski, bajo la dirección del compositor, en la basílica de San Marcos en Venecia. Desde la primera melodía de Debussy, Beau soir, hasta las Fêtes galantes y Promenoir des deux amants, Gérard Souzay y Dalton Baldwin nos despliegan un inmenso mapamundi de emociones. Atento a las mínimas inflexiones de este universo fascinante y con una dicción inteligible, Souzay oscila entre el rigor y este ligero preciosismo que conviene perfectamente al arte supremo del artífice y de la armonía compleja. © François Hudry/QOBUZ/feb. 2018
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Ópera - Publicado el 11 de mayo de 2018 | Deutsche Grammophon (DG)

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Cómo no entusiasmarse por esta celebérrima versión de Cavalleria Rusticana grabada durante los años 1960 por un Karajan en el apogeo de su arte con los más grandes artistas de una época bendita por los dioses del gran arte lírico. Mascagni dirigido por Karajan parece igualar el genio de Mozart o Verdi. Bajo esta batuta, la orquesta de la Scala de Milán suena con una opulencia casi berlinesa y un arte del legato untuoso. Admiraremos una vez más la belleza del timbre de Carlo Bergonzi, su delicioso acento parmesano y, sobre todo, la intensidad a la vez trágica, poética y llena de fuego que trasmite al personaje de Turridu. Con su personalidad, y su voz radiante, Bergonzi sobrepasa por mucho sus partenaires, a pesar de la presencia volcánica y la voz inmensa de Fiorenza Cossotto. La calidad sonora es parte integrante del placer sentido a cada nueva escucha de esta grabación archiconocida y muy celebrada gracias a una técnica estereofónica prácticamente perfecta en cuanto al equilibrio entre voces y orquesta. Este «disco clásico» no puede envejecer.Inseparable de su melliza Cavalleria Rusticana de Mascagni, el drama de Leoncavallo encuentra en esta célebre grabación, realizada en 1965 en la Scala de Milán, una interpretación que, habiendo marcado varias generaciones, se escucha todavía hoy con admiración y respeto. En primer lugar, gracias a la extraordinaria encarnación de Carlo Bergonzi dando al papel de Canio la imagen de una humanidad ridiculizada, de una intensa emoción. No podemos escuchar su gran aria «Vesti la giubba» sino temblando y apiadándonos de este hombre herido que, a pesar de su dolor, ha de hacer el payaso («pagliaccio» en italiano). Es la demonstración moderna del ensayo de Diderot sobre la paradoja del actor que hace reír mientras esconde su triste realidad bajo su máscara: «Ridi, Pagliaccio !» (¡Ríe, Payaso, de tu amor destrozado!) Con Karajan, aquí en la cima de su arte, la orquesta de la Scala suena en tecnicolor, magníficamente captada por la toma de sonido típica de los años 1960 que equilibra de manera ideal el coro, los cantantes y la orquesta. Karajan insufla una intensidad casi wagneriana al célebre Intermezzo orquestal que precede el desenlace de un drama más exacerbado aún por el intenso sol de Calabria. © François Hudry/Qobuz