Grâce au travail réalisé en amont avec les studios d'enregistrement, et en collaboration avec des labels de plus en plus nombreux, indépendants et majors (Plus Loin Music, Bee Jaz, Ambronay Editions, Zig Zag Territoires, ECM, Mirare, Aeolus, Ondine, Winter & Winter, Laborie etc.), Qobuz propose de plus en plus de nouveautés et une sélection croissante de son fond de catalogue en qualité Hi-Res 24 bits. Ces albums reproduisent à l'identique le son fourni par le studio en sortie de console, et offrent un confort d'écoute inégalé, supérieur à celui des CD (généralement \"réduits\" pour le mastering en 44,1 kHz / 16 bits). Les fichiers \"Qobuz Hi-Res\" sont sans DRM et sont 100% compatibles Mac et PC. Loin de la démarche du tout-MP3 qui s'est développée ces dernières années au détriment de la qualité sonore, Qobuz renoue ainsi avec l'exigence sonore pour faire bénéficier les mélomanes tout à la fois du confort de la musique en ligne et de l'exigence audiophile.

Note Les albums vendus par Qobuz en qualité Hi-Res 24 bits nous sont fournis par les labels directement. Ils ne sont pas ré-encodés depuis des SACD et nous garantissons leur provenance directe. Nous nous interdisons, pour faire grossir plus vite cette offre, les tripatouillages suspects.

1320 albums triés par Meilleures ventes et filtrés par Depuis 3 mois et 24 bits / 96 kHz - Stereo
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Rock - Paru le 14 juin 2019 | Columbia

Hi-Res
Quelques mois avant de souffler ses 70 bougies, le Boss sort un album en total décalage avec ses propres clichés. Un disque qui ne ressemble à rien de ce qu’il avait enregistré jusqu’ici. Bye bye le E Street Band, son efficace groupe d’armoires à glace qui fait se lever des stades entiers, et hello cordes, cuivres et chœurs ! Avec Western Stars, Bruce Springsteen se transforme surtout en Glen Campbell du troisième millénaire. On pense souvent au chanteur disparu en 2017 qui tendit le pont le plus solide entre pop, country et soul, voix aussi iconique que celle de Sinatra et Elvis, brillant sur les tubesques Gentle on My Mind, By the Time I Get to Phoenix, Wichita Lineman, Galveston et autre Rhinestone Cowboy…Comme son défunt aîné, Springsteen se détache volontairement du temps présent et joue davantage la carte intemporelle de l’innocence et de la nonchalance plutôt que celle de la résistance et de la défiance. A cette ambiance parfois aux frontières du kitsch, qui fleure bon la Californie fin 60's/début 70's (le Boss a dû se passer en boucle Jimmy Webb, Harry Nilsson et Burt Bacharach), s’ajoute une atmosphère cinématographique due à la production de soie et de velours de Ron Aniello, déjà à l’œuvre sur Wrecking Ball (2012) et High Hopes (2014). Rien donc de purement rock’n’roll dans ce luxueux album à prendre dans son intégralité. Drapé dans la mélancolie, Western Stars s’appréhende comme un roman ou un film, non comme une simple compilation de 13 titres. Un film qu’on se repasse en boucle pour mieux en sonder la beauté comme les secrets. © Marc Zisman/Qobuz
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Soul/Funk/R&B - Paru le 7 juin 2019 | Rhino - Warner Records

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama - Pitchfork: Best New Reissue
Après les compositions au piano Piano & A Microphone 1983, sorties en 2018, voici un second album posthume princier. Concentré sur la période 1981-1991, décennie prolifique pour Prince, et donc conservant une belle unité dans la production, Originals compile majoritairement des enregistrements écrits pours d’autres. Roger Nelson était avant tout un artiste caméléon, ultra-complet, qui savait autant jouer tous les instruments de Purple Rain que performer sur scène comme son idole James Brown ou écrire des tonnes de compositions pour lui comme pour « la galaxie Prince », faite d’interprètes hors pair. Parmi ses 15 titres, on retrouve The Glamourous Life pour Sheila E, le Manic Monday des Bangles. Love Thy Will Be Done de Martika ou encore You’re My Love du crooner country Kenny Rogers. Inédits précieux simplement restaurés, Originals permet de se faufiler en coulisses, lorsque le maître mettait au point dans son laboratoire les meilleures mélodies et les interprétait sans encore trop savoir ce qu’elles allaient devenir, avec brio. A l’instar de Nothing Compares 2 U, véritable pic émotionnel de l’opus. © Charlotte Saintoin/Qobuz
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Musique de chambre - Paru le 7 juin 2019 | BIS

Hi-Res Livret
C’est en 1985 que le violoniste russe Vladimir Spivakov publiait son propre arrangement des Variations Goldberg pour trio à cordes, à l’occasion du tricentenaire de la naissance de Johann Sebastian Bach. Dédiée à la mémoire du pianiste canadien Glenn Gould qui venait de mourir, cette habile transcription a fait le tour du monde depuis, et de nombreux enregistrements ont fleuri. Au moment d’enregistrer à son tour les Goldberg, le Trio Zimmermann (Frank Peter Zimmermann au violon, Antoine Tamestit à l’alto et Christian Poltéra au violoncelle) a décidé de proposer sa propre version pour trio à cordes qui n’est, selon les musiciens, « ni un arrangement ni une transcription, mais essentiellement un dévoilement de la partition de Bach ». Le résultat est splendide, d’autant que les trois instruments de Stradivarius utilisés pour cet enregistrement ont été exceptionnellement bien captés par les ingénieurs de BIS. Il y a du « grain » sonore, de l’air entre les notes et une réverbération parfaitement équilibrée. Une réussite totale grâce à l’addition de la haute qualité des instruments, des instrumentistes et de la technique. © François Hudry/Qobuz
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Musiques pour le cinéma - Paru le 7 juin 2019 | Decca Music Group Ltd.

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or
Quel plaisir de retrouver Riccardo Chailly, à la tête de la Filarmonica della Scala, dans un programme Rota (1911-1979), et plus particulièrement dans des suites écrites pour les grands films de Fellini, comme Amarcord, Huit et demi ou encore La dolce vita ! Avant lui, un autre Riccardo, Muti, avait consacré, dans les années 1990, deux albums chez Sony Classical aux musiques d'écran du compositeur italien - avec une seule incursion dans le corpus non cinématographique, ce qui finalement a peu d'importance : qu'il écrivit pour le cinéma, ou directement pour la salle de concert, Nino Rota déployait, à l'instar d'un Bernard Herrmann aux Etats-Unis, un style propre à lui, où l'on sent une prouesse de génie dans l'évocation des ambiances, mêlant avec une dextérité incroyable les genres les plus divers, comme peut en témoigner la Suite extraite ici de La dolce vita. L'incipit (O Venezia, Venaga, Venusia) de la suite Il Casanova di Federico Fellini, dont le tintement de pendule évoque sans doute le sort tragique du personnage, et l'orchestration aux sombres couleurs plante un décor marin, reste sans doute l'une des plages les plus saisissantes de l'album. une ambiance qui revient dans la dernière partie, plus planante encore (La poupée automate). Régulièrement, des influences de l'Est, de Chostakovitch à Khachaturian (Il Duca di Württenberg), se font sentir, avec un style mélodique plus mériodional, hérité des symphonistes italiens de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Un album passionnant, à ne pas manquer. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz
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Jazz contemporain - Paru le 7 juin 2019 | Razdaz

Hi-Res Livret
« Cette musique que je vous donne ici vient directement de mon cœur, j'espère qu'elle vous émouvra et élèvera votre âme. » Avec Arvoles, les intentions d’Avishai Cohen sont assez claires. Le contrebassiste israélien les écrit même dans le livret de son album. Après plusieurs enregistrements – parfois pop – mettant en avant sa voix, il revient en terres purement jazz. Avec le pianiste Elchin Shirinov et le batteur Noam David, fidèle trio étoffé sur quatre titres par le tromboniste Björn Samuelsson et le flûtiste Anders Hagberg, Avishai Cohen déroule avec la virtuosité poétique qu’on lui connaît des compositions lyriques au possible. Des thèmes mélodiquement très solides, laissant un espace infini à l’improvisation et jouant brillamment à cache-cache avec les grooves et les rythmes.Une musique, comme toujours avec lui, traversée d’influences venues aussi bien de la musique classique, que du be-bop ou des rythmes afro-caribéens… Avec sa belle pochette signée par sa mère Ora Cohen, Arvoles semble être le disque d’une vie. Celui d’un artiste âgé de 49 ans, désireux de regarder aussi bien derrière que devant lui. En cela, les thèmes avec vents offrent des cambrures de nostalgie de toute beauté. Tout l’album est d’ailleurs empreint de nostalgie comme les titres Childhood, New York 90’s ou carrément Nostalgia le prouvent… Enfin, Arvoles est une énième preuve de ses dons de compositeur. Car encore plus qu’à son habitude, la plume d’Avishai Cohen avait rarement été aussi inspirée. © Marc Zisman/Qobuz
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Alternatif et Indé - Paru le 3 mai 2019 | Columbia

Hi-Res
En un peu plus d’une décennie, Vampire Weekend a pris son temps. Après l’éponyme Vampire Weekend (2008), Contra (2010) et Modern Vampires of the City (2013), la bande d’Ezra Koenig sort enfin d’un gros silence de six années ponctuées par le départ du très influent Rostam Batmanglij, qui a sorti en solo l’excellent Half-Light en 2017… Dernier album studio en date, Modern Vampires of the City était une sacrée évolution dans la vie du combo new-yorkais. Les touches ethniques très Talking Heads avaient disparu au profit d’une pop plus léchée, tant dans ses mélodies et ses harmonies que dans ses sons.Désormais cerveau quasi solitaire du groupe, Koenig, qui a quitté NY pour LA, confirme avec Father of the Bride sa boulimie stylistique. Son fil conducteur reste évidemment très pop mais chacune des 18 chansons offre un paysage différent. Il y a de tout dans ce disque copieux. Du Beatles, Beach Boys, Fleetwood Mac, Supertramp, Paul Simon, Wilco, Grateful Dead et mille autres influences. Même côté invités, Vampire Weekend fait dans le 360° avec, entre autres, la pedal steel et la guitare impressionniste de Greg Leisz, la voix de Danielle Haim d’HAIM, la guitare de Dave Longstreth des Dirty Projectors, Steve Lacy de The Internet et même Rostam, rentré au bercail sur deux titres. Au point qu’au fil des écoutes, on se demande si Ezra Koenig ne signe pas ici son “double blanc” (le plus éclectique des disques des Beatles) à lui tout seul… © Marc Zisman/Qobuz
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Soul - Paru le 14 juin 2019 | Fat Possum

Hi-Res
Artisan d'une soul sudiste ultra-sensuelle emballée dans un groove épuré, Al Green livre chez Hi Records ses plus grands enregistrements. Grâce au producteur Willie Mitchell, patron du mythique label de Memphis, le chanteur-révérend au falsetto limite sexuel passe la période 1968/1978 à enquiller les hymnes emballés dans une production originale. Comme son existence est un dilemme permanent entre tentation de la chair et abnégation religieuse (« Il y a pas mal d'églises qui cachent leur linge sale dans un placard. Je le sais bien pour être dans l'église depuis des décennies. »), Al Green ne cesse de se placer entre l’épure soul et gospel du Sud des Etats-Unis et le luxe (la luxure ?) du Philly’s Sound. Sa voix est une incantation érotique impressionnante, portée à bout de bras par la production de Mitchell, épine dorsale de ses albums.Batterie métronomique tout en retenue, points d’exclamation de cuivres, chuchotements de guitare, caresses de cordes, personne n’atteindra une telle décharge de sensualité avec des moyens volontairement aussi modestes que sur I’m Still in Love With You ou Let’s Stay Together. Al Green chuchote ou miaule, parle ou scande, tel un prêcheur soul à la lisière du péché. En 1974, il est même ébouillanté par une maîtresse qui se suicidera quelques minutes plus tard. Un « signe divin » qui le pousse à devenir pasteur deux ans plus tard. « J'ai plus appris à l'église que dans le reste du monde. » Avec cette collection réunissant tous les singles remastérisés de ses douze albums pour Hi Records, on comprend mieux son génie. Comme on reste impressionné par l’association magique entre cette voix unique et cette musique feutrée jamais racoleuse. Essentiel. © Marc Zisman/Qobuz
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Rock - Paru le 7 juin 2019 | Concord Records

Hi-Res
Un demi-siècle exactement après ses débuts, et sa brillante intervention au festival de Woodstock qui le révéla, Santana louche une nouvelle fois vers l’Afrique. La source originelle de bien des musiques. Rappelons que le blues vient du chant des esclaves et qu’il est à la base du jazz, du rock et de la soul, entre autres. Produit par Rick Rubin, cet album a été enregistré presque entièrement dans des conditions du direct, sans retouche et sans filet, un exercice qu’il apprécie tout particulièrement. N’oublions pas que l’homme aime l’improvisation et que sa virtuosité lui permet toutes les audaces. Avec la chanteuse Buika, mais également sa femme Cindy Blackman à la batterie, Santana parvient comme toujours à fusionner le jazz qu’il affectionne aux rythmes latins et réflexes rock qui l’habitent. Le titre premier d'Africa Speaks est une parfaite introduction à cette célébration de sonorités que l’on imagine sorties directement de la nuit des temps. La voix est plus parlée que chantée, elle s’adresse à l’horizon qui n’hésite jamais à lui répondre grâce à ce groupe de choristes. Mais l’ensemble se fait soudain plus funky sur les titres Oy Este Mi Canto ou encore Yo Me Lo Merezco. Et carrément torride sur le tropical Breaking Down the Door aux cuivres qui fanfaronnent, rappelant que de l’Afrique au continent sud-américain, il n’y a que quelques bateaux à emprunter. Si l’idée générale est de rappeler que le rock mais aussi la soul, le blues, le jazz ne sont que des enfants des musiques africaines, l’évidence est drôlement amenée. Tout se marie si bien, tout se mélange si bien, que oui, nous sommes tous frères, et autant en profiter pour se laisser emporter par la chaleur communicative de cet opus. © Christian Eudeline/Qobuz
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Soul - Paru le 10 mai 2019 | Jagjaguwar

Hi-Res Distinctions Pitchfork: Best New Music - Qobuzissime
A quoi je sers vraiment ? Que faire de l’héritage de ceux qui m’ont influencé ? Et que laisserai-je derrière moi ? Ces belles questions métaphysiques, Jamila Woods se les est posées au moment d’attaquer son deuxième album logiquement baptisé Legacy! Legacy!. Un disque Qobuzissime ! Trois ans après Heavn, la soul sister de Chicago aligne douze chansons portant toutes le nom d’un artiste l’ayant marquée. Musiciens, peintres, écrivains, activistes, poètes, tout y passe ! Et les heureux élus sont Betty Davis, Zora Neale Hurston, Nikki Giovanni, Sonia Sanchez, Frida Kahlo, Eartha Kitt, Miles Davis, Muddy Waters, Jean-Michel Basquiat, Sun Ra, Octavia Butler et James Baldwin. Rien de lourdingue ou de didactique ici car la jeune Afro-Américaine attachée à sa Chicago natale ne fait jamais d’hommages frontaux mais plutôt des « à la manière de » assez subtils. Elle conserve surtout son style propre. Celui d’une poétesse les jours pairs (elle est directrice artistique du YCA, un centre dédié aux jeunes poètes), musiciennes les jours impairs et prof les jours fériés ! Et en digne héritière d’Erykah Badu et Lauryn Hill, elle enrobe tous ses mots d’un groove ultraraffiné, aux cambrures nu soul modernisées. Côté featurings, Jamila Woods favorise l’économie locale et solidaire en conviant des amis venant essentiellement de l’underground de la Windy City : le trompettiste Nico Segal, les MC's Saba et Nitty Scott, theMIND, Jasminfire… À l’arrivée, la protégée de Chance The Rapper aura mêlé en 49 minutes, avec intelligence et classe, l’engagement et l’entertainment, le combat et le groove. Parfait. © Marc Zisman/Qobuz
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Classique - Paru le 14 juin 2019 | Ricercar

Hi-Res Livret
Après avoir exploré les motets conservés des ancêtres de Johann Sebastian Bach, Vox Luminis et Lionel Meunier réalisent ici l’enregistrement des compositions vocales sacrées accompagnées d’instruments, des pièces qui s’apparentent encore aux principes du « concert spirituel » (Geistliches Konzert) ou qui, par leur structure en plusieurs parties, peuvent appartenir aux débuts du genre de la cantate sacrée. C’est à travers Johann Sebastian soi-même que l’on doit la connaissance de ses ancêtres musiciens. Vers l’âge de cinquante ans, il éprouve le besoin de collecter et de retracer la généalogie de sa famille, probablement originaire de Hongrie, où le meunier Vitus Bach emportait toujours avec lui un petit cistre pour aller moudre son blé. Les œuvres de la famille Bach présentées ici représentent les premières cantates sacrées allemandes avec celles de Bruhns, Buxtehude ou Pachelbel. On y entend des œuvres des prédécesseurs pour aboutir à une des premières œuvres similaires de Johann Sebastian, sa cantate Christ lag in Todesbanden BWV 4, considérée depuis longtemps comme l’une de ses premières compositions dans le genre. Outre la similitude frappante avec la forme de la cantate éponyme de Pachelbel, cette composition contient de très nombreux éléments dont les modèles se trouvent notamment dans les oeuvres de ses ancêtres. © François Hudry/Qobuz
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Variété francophone - Paru le 7 juin 2019 | Universal Music Division Polydor

Hi-Res
Pour son seizième album, Maxime Le Forestier réussit l’exploit de rester égal à lui-même, à la fois dans le fond et la forme. Son regard ironique et tendre sur le monde reste inchangé, au sein de chansons que l’intéressé qualifie de « sociétales ». Dans Les Ronds dans l’air (sur une mélodie du guitariste Manu Galvin), il vilipende le trop-plein de paroles sur la toile, tandis que dans Ça déborde, il évoque le désastre écologique de notre époque. Et dans La Vieille Dame (dont le texte a été diffusé sur Internet pendant la campagne présidentielle de 2017), il essaie de comprendre pourquoi certains citoyens se tournent vers le vote extrémiste. Mais Le Forestier peut aussi se montrer sous un jour plus introspectif, faisant le bilan de sa vie avec une remarquable sagesse (Dernier Soleil, sur une musique de Julien Clerc ; Mon Ruisseau, sur une musique de Philippe Lafontaine et en duo avec son fils Arthur Le Forestier).L’album se caractérise par une simplicité orchestrale qui se trouve à la juste hauteur du regard parfois critique mais toujours élégant et bienveillant de Maxime Le Forestier. La plupart du temps, il n’est accompagné que d’une guitare, d’une contrebasse et de percussions discrètes. Mais dans Les Filles amoureuses, le violon jazz de Fiona Monbet vient virevolter autour de la charge du chanteur contre le machisme – ou plus précisément contre la soumission intérieure de femmes s’asservissant librement : « Les filles tombent amoureuses de n’importe qui. » Et dans Paraître, c’est le piano qui vient chambouler le système orchestral dépouillé de l’album. Dans ce petit clin d’œil à Hamlet (« Paraître ou ne pas être / Ouh la la la question que voilà »), Maxime Le Forestier vient chatouiller une époque dans laquelle celui qui ne montre pas tout de lui n’existe pas. Mais toujours avec tendresse, sans jugement, et avec une légèreté musicale (d’inspiration latino en l’occurrence) qui prouve que l’interprète de San Francisco ne conçoit pas la colère dans l’agressivité mais dans la douceur. © Nicolas Magenham/Qobuz 
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Lieder (Allemagne) - Paru le 31 mai 2019 | Decca Music Group Ltd.

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or - Gramophone Editor's Choice - Qobuzissime
Née dans un petit village de Norvège en 1987 (et donc immanquablement comparée à sa lointaine compatriote Kirsten Flagstad), la soprano Lise Davidsen semble taillée pour incarner les héroïnes wagnériennes et straussiennes. Pour son premier disque chez Decca, label pour lequel elle a signé un contrat exclusif, elle a choisi de présenter plusieurs visages de la femme sous les traits vocaux d’Elisabeth (Tannhäuser), d’Ariane (Ariane à Naxos) et de… Pauline, l’épouse bien aimée de Richard Strauss à laquelle il a consacré de nombreux Lieder dès son opus 27, le cycle de 1894 offert à sa femme en guise de cadeau de mariage, jusqu’aux ultimes Vier letzte Lieder de 1948. Sous la baguette souple d’Esa-Pekka Salonen, le Philharmonia Orchestra épouse la voix d’airain de la soprano norvégienne avec finesse et élégance. On l’aura compris, cet album au programme soigneusement conçu oscille entre la jeunesse et la vieillesse où rôdent les fantômes et la mort. On peut se demander comment on peut exprimer la mortalité lorsqu’on a trente ans, un timbre puissant, une santé rayonnante et la vie devant soi. La réponse est dans la voix de Lise Davidsen qui s’élève avec les alouettes comme une promesse d’immortalité, celle de la musique du dernier Strauss se retournant une dernière fois sur son passé dans une Europe en ruines. Découvert en 1984, après la mort de sa dédicataire, la cantatrice Maria Jeritza, qui l’avait conservé secrètement, Malven (« Les Mauves ») est le véritable « dernier Lied » de Richard Strauss. D’un ton plus léger que les Vier letzte Lieder auxquels il devait peut-être appartenir, il est présenté ici dans une orchestration de Wolfgang Rihm. © François Hudry/Qobuz
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Blues - Paru le 7 juin 2019 | Universal Music Enterprises

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Folk - Paru le 3 mai 2019 | Nonesuch

Hi-Res Distinctions Songlines Five-star review
« C’est son métissage qui rend la musique américaine si puissante ! » Rhiannon Giddens, prénom gaélique, père blanc, mère noire, origine occanechi, incarne le brassage des cultures nord-américaines. Soprano colorature préférant les voix impénétrables du folk, soul, blues et bluegrass plutôt que l’opéra, Giddens sort son troisième effort. Repérée par les frères Coen (Inside Llewyn Davis aux côtés d’Elvis Costello), invitée par T-Bone Burnett, passée par Carolina Chocolate Drops, la Maison Blanche, auteur de deux albums solo acclamés et un premier avec Our Native Daughters (réunissant Leyla McCalla, Allison Russell et Amysthyst Kiah), la quadra a déjà bien cravaché. En collaboration avec le multi-instrumentiste Francesco Turrisi, produit par l’excellent Joe Henry en cinq jours à Dublin, There Is No Other convoque compositions originales et reprises des anciens, sur fond de musique traditionnelle arabe, d’influence celtique et italienne. On retrouve ainsi I’m Gonna Write Me a Letter d’Ola Belle Reed, Brown Baby de l’activiste Oscar Brown Jr, ou, dans un autre genre, la Pizzica di San Vito ou l’air Black Swan de Menotti. Melting-pot gagnant. © Charlotte Saintoin/Qobuz
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Rock - Paru le 7 juin 2019 | Reprise

Hi-Res
Pour sa énième archive inédite, Neil Young zoome sur un passage de son âge d’or, au début des 70's. Enregistré le 5 février 1973 à l’université d’Alabama, Tuscaloosa provient de sa tournée avec les Stray Gators, formation qui réunit à ses côtés Ben Keith à la pedal steel, Jack Nitzsche au piano, Tim Drummond à la basse et Kenny Buttrey à la batterie. Une tournée déjà documentée sur l’album officiel Time Fades Away (octobre 1973) et durant laquelle le Loner joua essentiellement des chansons extraites d’Harvest (février 1972) et de ses disques à venir, On the Beach (juillet 1974) et Tonight's the Night (juin 1975).Concoctée avec son ingénieur du son John Hanlon, cette archive ne comprend pas l’intégralité du show et le Canadien s’en est expliqué sur son site : « Je n’aime pas sortir beaucoup de chansons sur de nombreux albums, alors On the Way Home a été abandonné. The Loner n’était tout simplement pas assez bon non plus. Je prends toujours ces décisions parce que je suis toujours sur terre. Mais ces deux versions seront disponibles dans mes archives web pour que les membres puissent les entendre. Je n'ai pas l'intention de publier tout ce que j'ai enregistré. Certains titres ne sont tout simplement pas assez bons. » Comme toujours avec les archives de Neil Young, ce sont surtout les complétistes et autres fans jusqu'au-boutistes qui seront à la fête. Et on recommandera plutôt aux novices de se tourner vers les versions studio de ces fabuleuses chansons, captées néanmoins dans d’excellentes versions de concert. © Marc Zisman/Qobuz
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Rap - Paru le 14 juin 2019 | Republic Records

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Classique - Paru le 31 mai 2019 | Chandos

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Country - Paru le 14 juin 2019 | Fantasy

Hi-Res
Sideman de son père Willie mais aussi de Neil Young, Lukas Nelson compare parfois le son roots de son groupe, Promise of the Real, à celui de The Band. « Ils ont soutenu tellement d’artistes incroyables durant leur carrière, mais étaient aussi concentrés sur leur propre musique » On entend effectivement l’influence de la formation de Robbie Robertson sur Out In LA, qui promet les raccourcis d’un groupe de jam avant que n’éclate un solo de guitare à la Robbie Robertson justement. Idem sur Lotta Fun, avec la star montante de la country contemporaine, Margo Price, en deuxième voix. Puis, Sheryl Crow apporte un brin de soleil au titre éponyme, et Kesha lâchant du funk sur Save a Little Heartache. Lukas Nelson ne se soucie pas des frontières entre les genres, de la jangle-pop de Bad Case, à la douceur façon Hollies sur Where Does Love Go, en passant par le boogie-rock sudiste de Something Real, et la lumière tropicale de Stars Made of You. Les mentors du chanteur font également leur apparition – Willie et sa guitare bien-aimée, (surnommée Trigger), pour Mystery, ainsi que Young jouant de l’harmonium sur une version acoustique de Turn Off The News (Build A Garden). A l’arrivée Lukas Nelson a raison : sa musique lui appartient pleinement. © Alexis Renaudat/Qobuz

Rock - Paru le 7 juin 2019 | Columbia - Legacy

Téléchargement indisponible
(Ceci est la version "sampler" 10 titres streamables du coffret de 148 titres disponibles lui uniquement en téléchargement). En 2002, Dylan consacrait le volume 5 de ses Bootleg Series à la fameuse Rolling Thunder Revue, sa tournée culte de l’automne 1975/printemps 1976, jusqu'alors seulement immortalisée par l'album Hard Rain. Une embardée de 57 concerts qui faisait suite à la sortie de l’un de ses meilleurs disques, Blood on the Tracks, et pour laquelle il s’est notamment entouré de son ex Joan Baez, de Roger McGuinn du Band, de Joni Mitchell, mais aussi de Ramblin' Jack Elliott, Kinky Friedman, Bob Neuwirth, T-Bone Burnett, du guitariste de David Bowie Mick Ronson et de la violoniste Scarlet Rivera. Cette tournée fut exceptionnelle car atypique dans le parcours de son auteur. Les chansons de Dylan (alors âgé de 34 ans et en plein chaos sentimental) trouvaient un habillage original mêlant tradition folk (l’esprit de Woody Guthrie règne un peu partout), esprit informel « entre potes » et modernité grâce notamment à la guitare glam de Ronson. Surtout, le Zim transforme sa virée de plusieurs mois en barnum rock où le vrai faux chaos artistique régnant est élevé au rang d’art suprême.Avec The Rolling Thunder Revue : The 1975 Live Recordings, les dylanophiles vont s’évanouir : 148 titres (dont plus de 100 jamais publiés !) sur 14 disques pour plus de 10 heures et demie de musique ! Cette caverne d’Ali Baba réservée à ses fans hardcore réunit les cinq concerts enregistrés de la tournée, dans leur intégralité, ainsi que les répétitions aux studios SIR à New York et au Seacrest Motel à Falmouth. Sans oublier un disque bonus compilant d’autres performances rares extraites de cette Rolling Thunder Revue. Il faut prendre le temps de se plonger dans ce long mais passionnant document historique. Une tranche de vie et de création qui met à nu le cas Dylan dans toute sa complexité. Son rapport à la tradition. Sa façon d’exister dans son temps. Son rapport à l’écriture mais aussi à ceux qui l’entourent. Un vrai trésor qui sort simultanément avec Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story by Martin Scorsese, passionnant documentaire produit par Netflix et dirigé par le réalisateur de Taxi Driver sur cette tournée clé de l’histoire du rock. © Marc Zisman/Qobuz
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Jazz - Paru le 26 avril 2019 | ECM

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