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Grâce au travail réalisé en amont avec les studios d'enregistrement, et en collaboration avec des labels de plus en plus nombreux, indépendants et majors (Plus Loin Music, Bee Jaz, Ambronay Editions, Zig Zag Territoires, ECM, Mirare, Aeolus, Ondine, Winter & Winter, Laborie etc.), Qobuz propose de plus en plus de nouveautés et une sélection croissante de son fond de catalogue en qualité Hi-Res 24 bits. Ces albums reproduisent à l'identique le son fourni par le studio en sortie de console, et offrent un confort d'écoute inégalé, supérieur à celui des CD (généralement \"réduits\" pour le mastering en 44,1 kHz / 16 bits). Les fichiers \"Qobuz Hi-Res\" sont sans DRM et sont 100% compatibles Mac et PC. Loin de la démarche du tout-MP3 qui s'est développée ces dernières années au détriment de la qualité sonore, Qobuz renoue ainsi avec l'exigence sonore pour faire bénéficier les mélomanes tout à la fois du confort de la musique en ligne et de l'exigence audiophile.

Note Les albums vendus par Qobuz en qualité Hi-Res 24 bits nous sont fournis par les labels directement. Ils ne sont pas ré-encodés depuis des SACD et nous garantissons leur provenance directe. Nous nous interdisons, pour faire grossir plus vite cette offre, les tripatouillages suspects.

12436 albums triés par Meilleures ventes et filtrés par Classique, 24 bits / 96 kHz - Stereo et 0,00 € à 5,00 €
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Symphonies - Paru le 7 avril 2015 | Deutsche Grammophon (DG)

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Classique - Paru le 7 avril 2015 | Deutsche Grammophon (DG)

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L'une des grandes réussites d'Emil Gilels. Dans les Concertos de Brahms, avec l'incomparable Eugen Jochum à la tête de l'Orchestre Philharmonique de Berlin, Emil Gilels c'est d'abord une matière sonore, une force de conviction qui témoigne d'un sens architectural et d'une intensité dans le toucher proprement inouïs. Une vision ample et nostalgique de l'univers de Brahms tout à fait bouleversante et qui semble défier le temps. © François Hudry
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Concertos pour violon - Paru le 28 août 2008 | Alpha

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Classique - Paru le 1 janvier 2014 | Deutsche Grammophon Classics

Hi-Res Livret Distinctions Choc de Classica - Qobuzissime - Hi-Res Audio
Un premier essai qui est un coup de maître. C'est le premier enregistrement du jeune B'Rock Orchestra de Gand qui se hisse d'emblée parmi les meilleurs du genre. Non, René Jacobs ne quitte pas son label historique Harmonia Mundi, mais cet enregistrement, écho d'une production très remarquée à La Monnaie de Bruxelles en 2012, paraît exceptionnellement sous l'étiquette argentée d'Archiv Produktion à l'occasion de l'anniversaire de ce prestigieux sous-label de DG. Sous la baguette théâtrale fiévreuse et enjouée de René Jacobs, ce Handel est gorgé de sève, d'originalité et de sortilèges inspirés de l'Arioste, avec un orchestre aux fortes couleurs, pas toujours prévues par le compositeur et qui risquent bien de faire tousser certains puristes. Mais qu'importe, c'est l'esprit inventif et exubérant du baroque qui est bien là, avec des chanteurs fabuleux. Sophie Karthäuser est une éblouissante magicienne Angelica et on se demande bien qui pourra maintenant arriver à la cheville de Bejun Mehta qui campe un Orlando paré des mille couleurs de la fantaisie et des tourments, dans une forme vocale exceptionnelle. Un nouvel enregistrement qui est une réussite absolue et une bande son idéale pour que chacun puisse réaliser son propre spectacle mental. FH
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Classique - Paru le 1 juin 2018 | Evidence

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or
« […] En trente-neuf ans d’existence et quarante-sept disques, la lente métamorphose de l’Ensemble Gilles Binchois, dont l’effectif s’est modifié, n’a en rien altéré son identité musicale. […] Les huit chanteurs s'attaquent au Codex Las Huelgas, monumentale anthologie du XIIe au XIVe siècle, témoin précieux des répertoires de l'école de Notre-Dame. [...] On attendait depuis les années 1990 (après Sequentia, Discantus et le Huelgas Ensemble) qu'une nouvelle monographie explorât les nombreux inédits qu'il renferme encore. Après avoir compté parmi les pionniers de la redécouverte de la musique médiévale, après quatre décennies passées à faire découvrir et valoriser ces répertoires, l’Ensemble [...] Gilles Binchois se tient toujours au sommet de son art. Treizième Diapason d’or ! » (Diapason, septembre 2018 / Jacques Meegens)
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Piano solo - Paru le 25 mai 2018 | Evidence

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or
Pour son premier disque le jeune pianiste française Clément Lefebvre a choisi Couperin et Rameau qu’il présente sous la forme très originale d’un parcours expressif couvrant une journée complète, du lever au coucher. En passant ainsi d’un compositeur à l’autre et en jouant malicieusement de leurs titres suggestifs, il souligne ce qui les unit autant que ce qui les séparent avec une intelligence subtile. Clément Lefebvre montre très jeune un vif intérêt pour la musique. À quatre ans il commence le piano, avant de découvrir les percussions. Après l’étude et l’obtention des prix de ces deux instruments au Conservatoire de Lille, c’est au piano qu’il décide de se consacrer pleinement. Hortense Cartier-Bresson le reçoit dans sa classe au Conservatoire de Boulogne-Billancourt et le prépare au concours d’entrée du Conservatoire de Paris (CNSMD). Clément Lefebvre intègre la prestigieuse institution en 2010 et se forme alors auprès de Roger Muraro, Isabelle Dubuis, Claire Désert, Pierre-Laurent Aimard, et Alain Planès. Il bénéficie également des masterclasses de Philippe Bianconi, Xu Zhong, Michael Lewin, Christian Ivaldi, Emmanuel Strosser ainsi que des membres du Trio Wanderer. Clément Lefebvre remporte en 2016 le Premier Prix, ainsi que le Prix du Public, du concours international de piano James Mottram de Manchester. Soliste, il aime aussi pratiquer la musique de chambre, soit avec le Quatuor avec piano Alban Berg qu’il a fondé avec quelques amis ou en duo avec le pianiste Alexandre Leroy. © François Hudry/Qobuz« Un funambule, gymnique et aérien, enjambe les pièges du piano éléphant dans un clavecin de porcelaine. Rameau et Couperin l'inspirent autant. Grand Siècle et grand cœur. Il parle bien cette langue délicate. [...] » (Diapason, novembre 2018 / Ivan A. Alexandre)
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Classique - Paru le 6 novembre 2015 | Evidence

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Bientôt trente disques, vingt-cinq ans d’existence, le Quatuor Debussy est l’un des tout premiers ensembles français à se produire constamment sur la scène mondiale. Et les quatuors de Chostakovitch font partie de son pain quotidien, de sorte qu’ils pourraient jouer ces œuvres par cœur, voire les yeux bandés. Ce qu’ils ont d’ailleurs fait lors d’un spectacle où se mêlaient musique et cirque ! C’est dire que la musique sort de leurs doigts et leurs cœurs sans avoir à se mêler de technique ; et il faut en effet une connaissance intime de ces ouvrages pour en distiller la substantifique moelle, car c’est bien dans ses quatuors que Chostakovitch a versé le plus profond de son âme tourmentée, loin des âpres violences de certaines de ses symphonies – ne serait-ce que du fait de la différence de masse sonore. Voilà un opus discographique qui devrait figurer dans toute les collections. © SM/Qobuz
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Concertos pour violon - Paru le 10 mai 2019 | Naxos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
« [...] Des nuances bien choisies et une excellente coordination avec un orchestre à l'éloquence structurée peaufinent cette version de grande classe du Concerto pour violon, qu'un soupçon de pudeur dans l'Adagio aurait hissée au premier rang. [...] Soutenus par un chef précis et inspiré, les deux solistes s'unissent dans un dialogue captivant. La cohésion des archets et des vibratos, comme celle des âmes qui rivalisent de passion, autant que l'équilibre entre solistes et orchestre sont un modèle du genre. Superbe.» (Diapason, octobre 2019 / Jean-Michel Molkhou)
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Classique - Paru le 23 avril 2013 | Ambronay Éditions

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Musique de chambre - Paru le 9 juin 2017 | Evidence

Hi-Res Livrets Distinctions Choc de Classica
Le Lachrimae, or Seven Teares de Dowland a fait partie du répertoire de l’ensemble Sit Fast depuis sa fondation voici quelques années. Remarquons au passage que l’ensemble, malgré son nom à consonance anglaise, est tout ce qu’il y a de français ; le nom a été emprunté à un titre d’une pièce d’un autre compositeur anglais de cette époque, Christopher Tye, qui signifiait par là que l’auditeur eût non pas à s’asseoir rapidement mais plutôt à bien poser son séant fermement sur le siège pour mieux goûter la captivante musique. Lachrimae est une œuvre centrale dans l’histoire de la musique, l’un des tout premiers ouvrages pour ensemble purement instrumental jamais publié en Angleterre ; on y voit Dowland amener la musique à un niveau de perfection abstraite tout à fait bouleversant, dans la pleine puissance de la mélancolie, un panégyrique de la lenteur contrôlée – les sept mouvements, tous des pavanes, se pavanent dans des tempi extraordinairement lents ! Ces Sept larmes furent publiées en 1604, inspirées de la célèbre pièce Flow, my tears publiée par le même compositeur en 1600, cette dernière pièce sans doute dérivée à son tour d’un Lacrimae pour luth solo encore plus ancien. Quelque quatre siècles plus tard, en 1990, George Benjamin écrivait Upon Silence pour violes et mezzo-soprano, où le consort est traité comme un ensemble de cordes qui lui permettait d’explorer maintes nouvelles techniques, sonorités et palettes de couleurs. Son inspiration semble plutôt avoir été les Fantaisies pour violes de Purcell d’une part, et la musique indienne d’autre part, plus précisément les introductions improvisées de certains ragas. Voilà une synthèse tout personnelle, dans un langage atonal teinté de consonances mélodiques, de poly—modalité, qu’enveloppe une polyphonie très dense et pourtant une grande délicatesse de texture. Lorsqu’il fut informé que son Upon Silence serait couplé avec les Seven Teares de Dowland sur un seul et même album de Sit Fast, Benjamin semble avoir été extraordinairement ému et heureux, à juste titre d’ailleurs. Gageons que l’auditeur ressentira la même émotion. © SM/Qobuz« Le quintette de violes Sit Fast offre une interprétation hypnotique, sensuelle et éloquente de Lachrimae, or Seven Tears de Dowland, qui compte comme l'une de ses plus convaincantes. [...] Rejoint par la mezzo-soprano Sarah Breton, le quintette se montre tout aussi à l'aise dans la musique de Benjamin, plus dynamique, plus instable, mais tout aussi saisissante.» (Classica, octobre 2017)
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Classique - Paru le 20 octobre 2015 | Alpha

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or - Le Choix de France Musique - Choc de Classica
Jean Barrière (1707–1747), natif de Bordeaux, devenu « musicien ordinaire de l’Académie Royale de Musique » (aujourd’hui l’Opéra de Paris) se rendit en Italie sans doute autant pour perfectionner son art instrumental que pour s’imprégner plus profondément de cette culture qui rayonnait alors sur l’Europe entière depuis plusieurs décennies. Loin d’une confrontation « querelleuse et bouffonesque », c’est un subtil métissage qu’il nous offre avec ses quelque vingt-quatre Sonates consacrées au violoncelle, publiées en quatre Livres, se jouant de plusieurs styles et trouvant un ton qui lui est propre. Techniquement, Jean Barrière nous prouve comment il aimait explorer son instrument et comment il devait être habile à en jouer. Le violoncelliste Bruno Cocset nous propose un large éventail de choix parmi ces quatre volumes, au milieu desquels certaines sonates sont dédiées non pas au violoncelle mais au « violoncelle ténor ». Pour plus de variété, le continuo est confié parfois au clavecin, parfois au théorbe. On pourra également découvrir deux pièces extraites d’autres volumes, dont deux pour « pardessus de viole » (ici tenu par Guido Balestracci), et deux fort intrigantes pour clavecin seul. Jean Barrière, oublié la plupart du temps, fait désormais un nouveau retour en force ! © SM/Qobuz« Les violoncellistes "modernes" sont donc toujours plus nombreux à s'essayer aux cordes en boyau. [...] Qu'ils écoutent Bruno Cocset [...] se laisser porter par toute une gamme de résonances propres à la matière et à la tension moindre du boyau ; résonances dont Cocset est un magicien, et que ses Basses Réunies colorent avec une sensibilité fusionnelle. [...] L'articulation, dans ce jeu et dans cette écoute de l'instrument, est indissociable du timbre. Voyez cette gigue, plage 4, qui semble phraser court, mais rebondit largement sur le matelas des résonances. Libérer la phrase en lâchant la note : leçon d'un long compagnonnage avec Savall, dont Cocset rappelle également le lyrisme dans des adagios volupteux.» (Diapason, décembre 2015 / Gaëtan Naulleau)
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Classique - Paru le 10 mars 2017 | Evidence

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Telemann et Bach, amis de cœur et d’esprit, aimaient à transgresser les règles établies et explorer, chacun à leur manière, les formes et les styles de l’époque baroque en les poussant à leurs extrémités. D’où le désir de l’Ensemble Amarillis de les réunir dans ce programme, sans aucunement les opposer, bien sûr, car l’un et l’autre ont su faire converser et se concerter des instruments différents, parfois même antagonistes, en jouant sur l’accord de timbres aussi différents que le sont ceux des cordes et des vents. L’idée de ce programme est de privilégier les concertos pour plusieurs instruments concertants dans des combinaisons sonores variées. Ainsi le Concerto pour flûte à bec et traverso de Telemann, une extrême rareté dans le répertoire baroque puisque personne d’autre ne semble avoir osé se faire répondre les deux frères ennemis qui portent certes le même nom, flûte, mais pas du tout le même prénom : à bec et traversière (« traverso » étant le nom utilisé à l’époque). À cette opposition répond par exemple le Concerto pour violon et hautbois de Bach, auquel répond à son tour le Concerto pour violon, hautbois et deux flûtes traversières de Telemann. Bien évidemment, personne n’ira affirmer que les langages des deux compositeurs sont les mêmes ; par contre, la volonté de mettre en valeur des instruments solistes, hautement virtuoses, dans des concertos qui n’ont plus rien de l’« ancien » format du « concerto grosso », est évidente. © SM/Qobuz
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Piano solo - Paru le 17 mai 2019 | Evidence

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Dans son premier enregistrement salué par la critique, Jean-Paul Gasparian avait démontré que sa technique lui permettait de se mesurer aux géants de la musique russe et que son jeu robuste était capable de sensibilité. Son deuxième opus, consacré cette fois à Chopin, vient confirmer ces qualités. Il faut dire que les quatre Ballades représentent un sacré morceau de bravoure où Jean-Paul Gasparian brille particulièrement. Et si le pianiste français fait preuve de rigueur, il s’abandonne aussi volontiers au lyrisme et à la beauté de ces pages, des Nocturnes aux Valses en passant par les Polonaises. La ligne, toujours élégamment mise en valeur, et la plénitude de l’expression font de cet album un jalon dans la discographie du jeune pianiste et plus généralement dans celle de Chopin. © Evidence
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Messes, Passions, Requiems - Paru le 31 mai 2019 | Evidence

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice
Après quarante années d’activité, plus de cinquante enregistrements et quelque mille concerts, l’Ensemble Gilles Binchois cultive toujours le goût de la curiosité et du partage. Si son répertoire se trouve entre le Moyen Âge et la Renaissance, l’Ensemble a tout chanté, du chant grégorien au répertoire religieux du XIXe siècle. C’est aujourd’hui vers les rives de la Méditerranée qu’il guide nos oreilles, là où une intense vitalité artistique se développe entre les XIVe et XVe siècles. Suivant le modèle de Machaut, les compositeurs des cours d’Avignon, de Barcelone et de Chypre rivalisent d’ingéniosité : leurs motets et leurs messes sont le terrain de trouvailles rythmiques et mélodiques. Pour compléter le paysage sonore offert dans ce nouvel album, l’Ensemble mené par Dominique Vellard interprète des pièces en plain-chant et des compositions instrumentales avec deux vièles et une mandoline médiévale. Premier jalon de leur 40e anniversaire, cet album fait briller pour nous la chaude lumière du Sud grâce aux voix des chanteurs et au timbre des cordes anciennes. © Evidence
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Classique - Paru le 21 avril 2014 | Evidence

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Quatuors - Paru le 21 avril 2014 | Evidence

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Poèmes symphoniques - Paru le 1 décembre 2017 | Naxos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 5 étoiles de Classica
Bien que Berlioz et, dans une plus faible mesure, Franck, écrivirent des poèmes symphoniques, c’est Saint-Saëns qui fut largement crédité pour avoir introduit ce genre en France. Une importante palette orchestrale et dramatique est utilisée pour évoquer l’audace juvénile et la mort de Phatéon, la dernière victoire de la vertu sur le plaisir dans La Jeunesse d’Hercule et le châtiment d’Hercule, filant la laine déguisé en femme dans Le Rouet d’Omphale. La mémorable Danse macabre est une représentation troublante de la mort jouant du violon sur une tombe dans un cimetière, entouré de danseurs squelettiques. © Naxos« [...] Jun Märkl a parfaitement saisi la nature de l'orchestre de Saint-Saëns, son caractère fruité dû aux interventions des bois, la légèreté nécessaire des cordes, même dans les passages visionnaires comme la Danse macabre ou le galop de Phaeton. Les tempos sont justes, la puissance pas écrasante, les équilibres bien soignés. [...] Un enregistrement du plus vif intérêt.» (Classica, mars 2018 / Jacques Bonnaure)
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Classique - Paru le 20 juillet 2018 | Evidence

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Classique - Paru le 18 mars 2016 | Evidence

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles Classica
Selon la « légende noire » de Catherine de Médicis, l’Escadron volant de la reine était un groupe de dames de la cour qui accompagnaient la reine lors de ses voyages diplomatiques et s’attelaient à établir des liens un peu moins belliqueux avec les interlocuteurs (on est à une épouvantable époque de Guerres de religion en ce XVIe siècle), avant que n’interviennent les négociations à proprement parler. Dans un souci d’égalité entre les sexes, l’ensemble L’Escadron volant de la reine, fondé en 2012 pour explorer les répertoires méconnus des XVIIe et XVIIIe siècles, comporte une moitié de gentes dames, une moitié de gentilshommes. Leur premier album propose un florilège d’œuvres composées à cette époque dans la ville de Naples, qui fut pendant des siècles un centre d’intense rayonnement musical, favorisé par la domination espagnole puis la domination autrichienne – générant une intense circulation de musique et de musiciens, au point de consolider la réputation de la ville en tant que capitale musicale. La musique était omniprésente : dans les théâtres, dans les églises et les conservatoires mais aussi dans les palais de la noblesse, autant que dans la rue grouillante d’une des plus nombreuses populations urbaines du vieux continent. Les Lamentations de la Semaine sainte ont inspiré bien des musiciens, en particulier – si l’on se limite à Naples – Alessandro Scarlatti (le père de fiston Domenico aux 555 sonates…) dont l’ensemble présente un imposant choix d’œuvres autour des offices des ténèbres, mais aussi des compositeurs moins connus de nos jours tels que Cristofaro Caresana et Gaetano Veneziano. Des œuvres vocales pour les unes, purement instrumentales pour les autres. Enregistrement réalisé en juillet 2015 en l’église de Saint Rémi de Prouais (Eure-et-Loir). © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 14 juin 2019 | Naxos

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Avec le splendide Coucher de soleil (1917) du peintre soviétique Arkady Rylov, le visuel de la pochette annonce la couleur. La musique de Dmitri Kabalevski (1904-1987), violente et colorée, suit à la lettre les préceptes du « réalisme socialiste », même après le début de détente des années 1980 où tous ses collègues se détournent des orientations officielles. Influencée par la musique française de son temps, en particulier celle de Poulenc et du Groupe des Six, et celle des compositeurs russes émigrés (Stravinsky et Prokofiev), la musique symphonique et instrumentale de Kabalevski semble mieux résister à l’épreuve du temps que ses musiques de circonstances célébrant la gloire de l’Union Soviétique. Encadrées par deux ouvertures, notamment celle très réussie de son opéra Colas Breugnon, les Symphonies n° 1 et n° 2, quoique très différentes, datent toutes les deux du début des années 1930. Composée pour le quinzième anniversaire de la Révolution d’Octobre, la première semble être une épopée sans texte alors que la seconde, écrite en 1934, est de la pure musique, détachée de toute connotation politique. Créée par Albert Coates à Moscou, elle sera dirigée dès 1942 par Arturo Toscanini à New York, toujours à l’affût des œuvres nouvelles provenant de l’Union Soviétique. © François Hudry/Qobuz