Grâce au travail réalisé en amont avec les studios d'enregistrement, et en collaboration avec des labels de plus en plus nombreux, indépendants et majors (Plus Loin Music, Bee Jaz, Ambronay Editions, Zig Zag Territoires, ECM, Mirare, Aeolus, Ondine, Winter & Winter, Laborie etc.), Qobuz propose de plus en plus de nouveautés et une sélection croissante de son fond de catalogue en qualité Hi-Res 24 bits. Ces albums reproduisent à l'identique le son fourni par le studio en sortie de console, et offrent un confort d'écoute inégalé, supérieur à celui des CD (généralement \"réduits\" pour le mastering en 44,1 kHz / 16 bits). Les fichiers \"Qobuz Hi-Res\" sont sans DRM et sont 100% compatibles Mac et PC. Loin de la démarche du tout-MP3 qui s'est développée ces dernières années au détriment de la qualité sonore, Qobuz renoue ainsi avec l'exigence sonore pour faire bénéficier les mélomanes tout à la fois du confort de la musique en ligne et de l'exigence audiophile.

Note Les albums vendus par Qobuz en qualité Hi-Res 24 bits nous sont fournis par les labels directement. Ils ne sont pas ré-encodés depuis des SACD et nous garantissons leur provenance directe. Nous nous interdisons, pour faire grossir plus vite cette offre, les tripatouillages suspects.

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Musique de chambre - Paru le 17 mai 2019 | Glossa

Hi-Res Livret
Au cours de sa carrière prestigieuse, Fabio Biondi a développé une empathie remarquable pour la musique italienne à travers les siècles et, en particulier, la sonate pour violon du premier Baroque dont le répertoire allait être projeté dans l’avenir d’une façon spectaculaire par Arcangelo Corelli et son légendaire Opus 5. Inspirée par cette empathie, l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Rome a prêté l’un des joyaux de sa collection d’instruments – le précieux Toscano construit en 1690 par Antonio Stradivari – à Biondi pour ce nouvel album du label Glossa. L’un des charmes, irrésistibles, de Biondi consiste en l’art de concevoir des programmes passionnants, au concert comme au disque ; ainsi, ce nouvel album dédié au violon du XVIIIe naissant illustre le rayonnement universel de Corelli surnommé « Arcangelo Bolognese », l’Archange de Bologne, et son influence sur ses collègues compositeurs de Dresde, Venise, Padoue, Londres ou Amsterdam. Soutenu par le continuo de son Europa Galante (Antonio Fantinuoli, violoncelle, Giangiacomo Pinardi, théorbe et Paola Poncet, clavecin), Biondi interprète des sonates de Vivaldi, Corelli, Geminiani, Tartini et Locatelli, ainsi qu’une Ciaccona de Veracini. Enregistré à Rome sur un instrument conçu pour la cour florentine de Ferdinand de Médicis (et qui a survécu miraculeusement à mille et une vicissitudes avant d’aboutir à Rome !), Fabio Biondi nous restitue avec délice le parfum enivrant de cette musique italienne du XVIIIe siècle. © Glossa
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Classique - Paru le 15 mars 2019 | Glossa

Hi-Res Livret
Dans ce nouvel enregistrement dédié à Alessandro Scarlatti, La Ritirata de Josetxu Obregón montrent un art vocal et instrumental éblouissant : quatre cantates comprenant flûtes et violons, ainsi qu’une aria indépendante pour soprano, constituent un jalon de plus dans l’impressionnante série de musiques napolitaines chez Glossa. Provenant d’un catalogue d’environ 800 cantates séculaires, ces œuvres allient harmonieusement des récitatifs débordants d’imagination avec des arias expressives et dramatiques rythmées par des sinfonias et des ritornelli aux couleurs vives, formant un tout élégant et cohérent ; les textes des poèmes s’inscrivent dans l’esthétique raffinée de l’Accademia degli Arcadi, cercle littéraire actif à Rome au tournant du XVIIIe siècle. Le décor entourant la créativité du prolifique Scarlatti est brossé de main de maître par Stefano Russomanno dans l’essai accompagnant le livret. La partie vocale est confiée à trois des premiers interprètes du temps : la mezzo Giuseppina Bridelli, le contre-ténor Filippo Mineccia et la soprano Alicia Amo. Les défis instrumentaux élaborés par le maître palermitain sont relevés avec feu par les membres de longue date de La Ritirata, Tamar Lalo (flûte) et Hiro Kurosaki (violon), que rejoignent le flûtiste Michael Form et le violoniste Pablo Prieto. Avec le violoncelliste Josetxu Obregón, Lalo et Kurosaki sont aussi les protagonistes des « Concertos napolitains pour plusieurs instruments », le récent album de La Ritirata. © Glossa
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Musique vocale profane - Paru le 4 janvier 2019 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Avec Vieni, dolce Imeneo, La Compagnia del Madrigale nous invite une fois encore à découvrir l’inépuisable trésor de l’art vocal profane italien de la Renaissance finissante et du Baroque naissant. Ce nouvel album est dédié à Cipriano de Rore, l’un des compositeurs les plus importants de son temps, longtemps oublié et qui, aujourd’hui, est en passe de (re)devenir un compositeur-culte. D’origine flamande, Cyprien converti en Ciprianio illumina les cours de Ferrare et de Parme et son prestige s’étendit dans toute l’Europe. Il composa dans de nombreux genres mais c’est sans doute dans le madrigal profane – auquel est dédié cet enregistrement – où son art brilla le plus. On admirera entre autres l’innovation de sa ligne mélodique, ample et expressive, peuplée de pré-échos de la « seconda pratica » que Monteverdi perpétuera – avec les critiques que l’on sait. La grande expérience des membres de La Compagnia del Madrigale, mêlant avec une rare délicatesse les timbres vocaux et soulignant les dynamiques avec raffinement, qui nous a permis de goûter les plaisirs exquis d’autres albums Glossa de madrigaux de Marenzio, Gesualdo et Monteverdi, se retrouve dans ces dix-neuf madrigaux de Cipriano de Rore composés à l’apogée de sa carrière. L’art du compositeur volant à la même hauteur que celui des poètes qui inspirent ces madrigaux – entre autres, Pétrarque et l’Arioste – permet de consommer idéalement cette douce union de la musique et de la poésie, reflétée, comme l’indique le fascinant essai de Marco Bizzarini, dans le titre de l’album : Vieni, dolce Imeneo. © Glossa
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Messes, Passions, Requiems - Paru le 4 janvier 2019 | Glossa

Hi-Res Livret
Réconfortante méditation, Un Requiem allemand de Johannes Brahms est présenté dans la version décapante et inspirée de Daniel Reuss à la tête de l’Orchestre du XVIIIe siècle. Cet ensemble prestigieux décida, après la mort encore récente de Frans Brüggen, de suivre la dynamique de son fondateur consistant à programmer plusieurs tournées par an et à enregistrer les œuvres en concert en choisissant les meilleures prises. Voulant conserver son indépendance, la formation préfère choisir un chef selon le répertoire : l’un d’eux, Daniel Reuss, est aussi le directeur artistique de la Cappella Amsterdam, chœur ayant assidûment collaboré avec l’Orchestre du XVIIIe siècle ces dernières années. La Missa solemnis de Beethoven enregistrée par ces deux ensembles trouve son pendant protestant et humaniste dans cette œuvre sacrée mais non liturgique de Brahms. Enregistré dans la salle De Doelen à Rotterdam, ce Requiem allemand, dont les deux solistes sont Carolyn Sampson (soprano) et André Morsch (baryton), respecte le plus possible (timbres, intentions, tempi) les indications du compositeur. L’œuvre, basée sur des textes de la Bible traduits par Luther, et d’une puissance émotionnelle constante sur toute sa durée (soixante-dix minutes), a sans doute été composée en souvenir de la mère du compositeur et de son cher Robert Schumann. © Glossa
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Classique - Paru le 19 octobre 2018 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 4F de Télérama - Gramophone Editor's Choice
L’un des plus grands compositeurs du Baroque français, Michel-Richard de Lalande, brillait par son absence dans la discographie et ce n’est que récemment qu’il y trouve sa juste place. Glossa se réjouit de participer à cette renaissance avec cet enregistrement de trois grands motets somptueux où Olivier Schneebeli dirige Les Pages et les Chantres du Centre de Musique Baroque de Versailles. Très influent durant le règne de Louis XIV, Lalande accapara à partir de 1680 les fonctions musicales les plus importantes de la cour. L’une d’elles consistait à composer de la musique sacrée pour la Chapelle Royale du château de Versailles. Bien que la consécration de la chapelle « définitive » n’ait eu lieu qu’en 1710, ce trio de grands motets (pièces vocales et chorales de grande dimension, avec accompagnement instrumental, se fondant généralement sur les textes des psaumes) fut conçu en pensant aux caractéristiques architecturales et acoustiques de ce nouvel espace. L’essai de Thomas Leconte, du CMBV, inclus dans le livret, situe cette musique dans son contexte historique. Nous disposons d’une information détaillée sur l’interprétation au temps de Lalande – incluant la configuration des effectifs instrumentaux ainsi que les révisions successives réalisées par le compositeur – qui a permis aux experts du CMBV de préparer méticuleusement l’enregistrement, dans la Chapelle Royale, de ces trois motets, Venite, exultemus Domino, De profundis et Dominus regnavit. À la qualité vocale de la maîtrise de cette institution s’ajoute l’art de quatre solistes experts en la matière, Chantal Santon-Jeffery, Reinoud Van Mechelen, François Joron et Lisandro Abadie, ainsi que l’environnement instrumental idéal du Collegium Marianum. © Glossa
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Musique de chambre - Paru le 22 juin 2018 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice
Si, d’habitude, on associe Paganini avec ses vingt-quatre Caprices et la diabolique virtuosité qu’ils exigent du violoniste, le voici sous un tout autre jour : celui des œuvres pour violon et guitare, autrement plus proches de Haydn et de Mozart que de la main du diable qui le guida pour les Caprices. Écrites soit au tout début du XIXe siècle pour les unes, et les années 1830 pour celles des recueils connus sous le nom de Centone di sonate, ces œuvres font la part belle autant au violon qu’à la guitare - on rappellera ici que Paganini était aussi un phénoménal guitariste. Quant au terme « Centone », il évoque une collection d’œuvres constituée d’éléments éventuellement repris à une ou plusieurs autres ; une sorte de patchwork, en quelque sorte, et en effet le compositeur y a intégré un peu tout ce qui pouvait être à la mode à l’époque, de la valse à la polonaise, de la pastorale à la marche – on ne sait pas forcément de qui ou quoi il l’a repris, ou s’il a seulement utilisé le terme pour caractériser l’aspect medley de la chose. Fabio Biondi au violon et Giangiacomo Pinardi à la guitare romantique (un instrument de 1825) s’en donnent à cœur joie, et nous prouvent que Paganini pouvait être tout autre chose qu’un simple dérouleur de virtuosité. © SM/Qobuz
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Musique vocale (profane et sacrée) - Paru le 2 mars 2018 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice - 5 Sterne Fono Forum Klassik
"Siface: l’amor castrato", tout un programme ! celui d’un opéra-pasticcio imaginaire et imaginé par le contreténor Filippo Mineccia, en compagnie de Javier Ulises Illán à la tête de l’ensemble Nereydas : la musique, la vie, l’amour, qui ne font qu’un pour ce castrat contralto surnommé Siface, d’après le rôle qui le lança. Né Giovanni Francesco Grossi en 1653 en Toscane, Siface, célébrissime pour son art, le devint encore plus par la tragédie qui couronna sa vie amoureuse. Il chanta dans les opéras et les oratorios des plus grands : Stradella, Pasquini, Bassani, Pallavicino ou Agostini. Longtemps au service de Francesco II d’Este à Modène, Siface était le chanteur étoile du « circuit ducal » dans la Péninsule italienne, et fut même envoyé en Angleterre pour chanter devant les monarques et où il rencontra et impressionna... Henry Purcell ! Filippo Mineccia fait sienne cette urgence des émotions kaléidoscopiques traversant ce choix d’arias qui reflètent le mode de vie torride et spectaculaire de la fin du XVIIe en Italie (et forment aussi une mise en miroir de la mort de Siface sur la route de Ferrare à Bologne). L’ensemble espagnol Nereydas s’inscrit entièrement dans l’esprit de cette célébration de la musique vocale et instrumentale, parfois colorée, toujours profonde et poignante, où l'on trouve aussi des pages d'Alessandro Scarlatti (l’émotive berceuse Dormi o fulmine), Francesco Cavalli ou Purcell (My song shall be alway). Dans son texte, Elena Bernardi donne corps à certains aspects encore peu compris du début de l’opéra à la fin du Seicento. © Glossa
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Opéra - Paru le 16 février 2018 | Glossa

Hi-Res Livret
Mirobolante Roberta Invernizzi ! L’éblouissante soprano ressuscite pour Glossa le compositeur baroque et, évidemment, italien Francesco Gasparini en interprétant quelques-unes de ses oeuvres vocales les plus spectaculaires. D’une intelligence égale à sa voix, Roberta prélève la sève des poèmes de Zeno, Piovene ou Salvi tout en s’ébattant avec une aisance époustouflante dans cette mer de musiques – créées à la fin du XVIIe siècle et à l’orée du suivant, elles influencèrent sans doute Handel, d’une vingtaine d’années plus jeune que Gasparini. Carlo Ipata, à la tête de ses Auser Musici, plonge lui aussi dans cette musique italienne avec un instinct infaillible – rappelons le tout aussi passionnant Il Bajazet pour Glossa – pour repêcher les meilleures arias à demi-oubliées d’un compositeur, Gasparini, qui écrivit environ soixante (!) opéras, sans compter oratorios et cantates. Pour Invernizzi, Ipata a donc fait un choix sur mesure d’oeuvres qui enthousiasmèrent les dilettantes fréquentant les soirées princières de Rome autant que le public payant des théâtres vénitiens. Dans ce disque tous azimuts, les arias proviennent d’opéras comme Il Roderigo et Amleto, d'oratorios comme L’oracolo del Fato et Atalia, pour rivaliser avec Andate o miei sospiri, cantate sans rivale (ou presque) écrite à l’occasion d’une de ces joutes dont le monde musical était alors si friand, et à laquelle participa aussi Alessandro Scarlatti. Un ravissant concerto pour flûte, écrit alors que notre compositeur enseignait à l’Ospedale della Pietà de Venise, complète ce récital vocal de haut vol. © Glossa
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Classique - Paru le 16 février 2018 | Glossa

Hi-Res Livret
Champion de la musique de Luigi Boccherini, Emilio Moreno écrit un nouveau chapitre de son entreprise de défense de l'oeuvre du compositeur espagnol - entamée il y a quelques années - avec ce nouvel album intitulé "Sonates apocryphes", un quatuor d’oeuvres dans une version pour violon et clavier. Moreno y fait voler son archet et Aarón Zapico fait danser les touches du clavecin. Durant la seconde moitié du XVIIIe, malgré la demande d’oeuvres pour violon et clavier de la part de musiciens professionnels et amateurs, et aussi malgré la l’abondance de sa musique de chambre, Boccherini ne semble avoir composé qu’une seule poignée de sonates pour violon (disponibles chez Glossa, avec Emilio Moreno et Jacques Ogg). Mais aussitôt composées, toutes les oeuvres de Boccherini se retrouvaient dans tous les coins de l’Europe (et au-delà !), dans des arrangements les plus divers. Ne nous étonnons donc pas que ses contemporains utilisèrent les trios, quatuors et quintettes de ce compositeur alors si populaire (Haydn l’admirait) afin de les transcrire pour violon et clavier – mais en conservant évidemment le nom "Boccherini" sur toutes les nouvelles partitions ! Moreno y Zapico, dont l’élégant parcours englobe un vaste spectre temporel de la carrière de Boccherini – de Milan à Madrid –, plongent eux-aussi dans le monde de la transcription pour produire deux sonates de Boccherini, dérivées des oeuvres surnommées La Tirana et La Seguidilla. © Glossa
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Musique de chambre - Paru le 19 janvier 2018 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Le Baroque napolitain, précisément celui de la première moitié du XVIIIe siècle, fut une époque vibrante et vitale pour la musique instrumentale, comme le démontrent Josetxu Obregón et La Ritirata dans ce nouvel enregistrement de six concertos de ce temps et de ce lieu. L’école napolitaine – qui doit tant à Francesco Provenzale – fleurit grâce aux Francesco Mancini, Nicola Porpora, Nicola Fiorenza, Giovanni Battista Pergolesi et Alessandro Scarlatti, tous réunis dans le cadre de ce nouveau projet édité par Glossa. Les quatre grands conservatoires de la ville formèrent un creuset immensément productif et innovateur, pour les étudiants autant que pour leurs maîtres. Les compositeurs représentés dans cet enregistrement étudièrent et travaillèrent dans ces conservatoires ou à la Chapelle Royale de Naples. Le concerto napolitain avait une structure différente de celle de son homologue vénitien ou vivaldien ; il reflétait aussi l’esprit de compétition féroce qui régnait parmi les solistes, désireux de prouver leur virtuosité. Comme nous avons pu le constater dans un précédent album Glossa, Il Spiritillo Brando, les membres de La Ritirata sont les héritiers idéals de leurs prédécesseurs napolitains, du point de vue du style comme de la technique. Les solistes réunis par Obregón sont des stars du panorama musical espagnol actuel : le violoniste Hiro Kurosaki (dans un concerto de Fiorenza), Tamar Lalo qui joue de la flûte douce (Scarlatti et Mancini), Ignacio Prego et Daniel Oyarzabal au clavecin (Pergolesi) et, bien sûr, Obregón dans les concerts pour violoncelle de Fiorenza et de Porpora.© Glossa
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Classique - Paru le 19 janvier 2018 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Dans ce CD d’œuvres tardives de Chopin, Late piano works, Edoardo Torbianelli mêle une fois encore la poésie de son art pianistique à la rigueur de ses recherches musicologiques. Aux côtés de l’experte Jeanne Roudet qui signe l’essai contenu dans le livret, Torbianelli affronte d’un regard innovateur la musique composée par Frédéric Chopin au cours de ses quinze dernières années. Dans la collection de la Schola Cantorum Basiliensis comme chez Glossa, Torbianelli avait déjà signé la production Pian e forte. Aujourd’hui, il choisit un grand piano d’Ignace Pleyel pour enregistrer, à la Fondation Royaumont, des œuvres comme la Polonaise-Fantaisie op. 61, la Sonate en si mineur op. 58 ainsi qu’un choix de Mazurkas et de Nocturnes. Par ce programme, Edoardo Torbianelli rapproche Chopin de ses racines polonaises ; avant son exil, le compositeur était en effet à Varsovie à la veille du Soulèvement de Novembre 1830. Au contraire de Berlioz et de Liszt, selon l’essai de cet album, Chopin évitait de s’inspirer directement de la littérature et – encore une fois, à la différence de Liszt – la technique et le style interprétatif de sa musique pour le piano emprunte certains traits au bel canto, descendant de l’art des castrati du XVIIIe siècle et perpétué au XIXe par des chanteurs italiens que Chopin connut à Paris. De ce fait, ses œuvres sont imprégnées d’une qualité vocale que Torbianelli retrouve dans son interprétation pour nous offrir non seulement une façon nouvelle d’aborder le compositeur mais encore une réflexion magistrale sur son génie. © Glossa
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Classique - Paru le 6 octobre 2017 | Glossa

Hi-Res Livret
Filippo Mineccia et Raffaele Pe – deux des contre-ténors actuels les plus éblouissants – se rencontrent dans A due alti pour nous proposer un récital enivrant de duettos baroques. L’écoute du disque nous révèle, entre autres, que Handel n’était pas le seul à composer des chefs-d’œuvre pour ce genre qui contenait tout le baroque, ses drames et ses charmes, dans l’intimité d’une miniature. La qualité de ces merveilles se reflète dans l’intérêt croissant du marché discographique (et du public !) pour les autres compositeurs présents dans cet album : Steffani, Bononcini, Caresana et Marcello. L’engouement, à partir de 1680, des cercles aristocratiques pour ces duettos était tel que même les princesses voulant augmenter leur brillance en commandaient ! L’enthousiasme était à son comble surtout en Italie et dans les territoires allemands, où des compositeurs d’opéra comme les rivaux londoniens, Handel et Bononcini, succombèrent à ce genre avec la même passion que certains virulents détracteurs de l’opéra, Benedetto Marcello entre autres. Quelqu’en soit le compositeur, il y réconciliait la sensualité méditerranéenne des lignes vocales avec le goût pour le contrepoint propre à l’Europe du Nord. Avec les voix de Pe et Mineccia, se mêlant ou s’opposant selon les nécessités dramatiques des œuvres, Claudo Cavina imprègne ces musiques de sa sensibilité innée puis façonnée par une expérience exceptionnelle au sein et à la tête de La Venexiana. Stefano Russomanno s’immerge dans l’histoire du duetto vocal et nous offre un essai fascinant pour le livret qui accompagne le chant onctueux des deux contre-ténors. © Glossa
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Musique de chambre - Paru le 1 septembre 2017 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Avec son nouvel enregistrement dédié aux Fantaisies de Telemann, Paolo Pandolfo continue d’explorer des voies rarement fréquentées par la viole de gambe. Après Kind of Satie, Pandolfo démontre une fois encore sa versatilité – que ce soit dans le cadre du répertoire traditionnel où au-delà. Ici, Pandolfo se plonge dans l’oeuvre innombrable de Georg Philipp Telemann, un compositeur uni par une telle affinité avec la diversité musicale du temps qu’il fut capable d’écrire pour des instruments qu’il ne maîtrisait pas. Comme dans le cas des divers recueils de Fantaisies pour instrument seul qu’il adaptait à la demande du marché d’amateurs florissant à Hambourg. L’une de ces séries de 12 Fantaisies sans accompagnement – pour la viole de gambe – composée vers 1735, que l’on croyait perdue, a été retrouvée très récemment. C’est donc une magnifique occasion pour les gambistes contemporains d’explorer et de revivifier ces oeuvres écrites pour un instrument qui, dans les années 30 du XVIIIe siècle, commençait à décliner. Structurées selon les trois mouvements traditionnels, ces Fantaisies abondent en langages variés, depuis l’écriture contrapontique et les références au style galant jusqu’aux différents reflets des influences françaises et italiennes. Paolo Pandolfo, qui signe un texte incisif dans le livret, a aussi inclus la Sonate en ré majeur (1728) provenant de Der getreue Music-Meister, qui était la seule oeuvre connue de Telemann pour la viole de gambe seule, tandis que le musicologue Peter Wollny aborde, dans son essai, le développement compositionnel de Telemann. © Glossa
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Classique - Paru le 2 juin 2017 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 Sterne Fono Forum Klassik - 5 Sterne Fono Forum Jazz
C’est plutôt pour ses 91 quatuors à cordes, ses 110 quintettes avec deux violoncelles, ses 12 quintettes avec deux altos, 3 quintettes avec contrebasse et 6 sextuors à cordes dont la composition s'étend de 1771 à 1795 que Boccherini s’est taillé une place dans la postérité. Mais le musicien a aussi expérimenté d'autres combinaisons, dont douze quintettes avec piano et rien moins que 42 trios à cordes. Ce sont ces trios, fort délaissés par les musiciens et les mélomanes de nos jours, que s’est penché l’ensemble La Retirata – qui joue sur instruments et selon les modes d’exécution d’époque –, en l’occurrence deux de l’Op. 35 écrits en 1781 et publiés l’année suivante. A cette époque, Boccherini était compositeur en titre de l’infant Luis de Borbón qu’il avait suivi dans une demi-retraite à quelque vingt-cinq lieues de Madrid (l’infant avait eu une liaison avec une demoiselle de la basse noblesse, inadmissible pour la cour espagnole) ; il le resterait jusqu’en 1785 lorsque, coup sur coup, moururent l’épouse du compositeur puis l’infant, ce après quoi il s’en retourna à Madrid. La maturité de ces œuvres témoigne du grand art instrumental développé par Boccherini depuis des décennies, son inépuisable inspiration mélodique, son audace harmonique certaine et l’indicible charme de son inclassable langage. On remarquera que le violoncelle, loin de se cantonner à la seule basse, se voit souvent confier des parties quasi-concertantes aux côtés desquelles les deux violons font office d’accompagnement, un génial tour de force d’écriture qui témoigne, bien sûr, que le compositeur fut l’un des plus fameux violoncellistes de son temps. L’ensemble La Retirata, plutôt que de se limiter aux éditions habituelles (trop souvent chargées d’erreurs, d’approximations et d’ajouts d’éditeurs tout à fait hors de propos), a préféré se reposer sur les manuscrits les plus anciens disponibles, une excellente initiative. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 5 mai 2017 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice
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Musique vocale sacrée - Paru le 14 avril 2017 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions Qobuzissime - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Les Vêpres de la Vierge de Monteverdi – Vespro della Beata Vergine – est un ouvrage composé de plusieurs ouvrages, si l’on veut. Le compositeur semble avoir mis dans cette publication vénitienne de 1610 tout ce qu’il avait à offrir, comme pour un immense catalogue de ce qu’il savait faire, dans l’ancien, le moderne, le strict, le flamboyant, l’instrumental, le vocal, le choral, le solo, la messe parodique, le magnificat, le psaume… Aurait-il voulu utiliser cet ouvrage au titre de dossier d’audition et de candidature pour Venise, où il devint effectivement maître de chapelle de 1613 ? Le fait que plusieurs passages soient conçus pour deux tribunes accueillant chacune un chœur pourrait militer dans ce sens. Toujours est-il que pour un dossier de candidature, Monteverdi a produit là l’un de ses plus impérissables chefs-d’œuvre, réalisant le pont entre la Renaissance finissante – avec les passages empruntés à la Prima practica, le style développé par Palestrina – et le baroque naissant et la Seconda practica chère à Monteverdi qui libéra la dissonance du carcan ancien. Pour cet enregistrement, Giuseppe Maletto a rassemblé les riches forces de La Compagnia del Madrigale et des ensembles Cantica Symphonia et La Pifarescha, car il faut beaucoup de beau monde pour se saisir des Vêpres en grand style. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 24 mars 2017 | Glossa

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Daniel Reuss, directeur musical de la Cappella Amsterdam, signe ici une lecture – à la tête, en plus du chœur, de l’Orchestre du XVIIIe siècle (fondé en 1981 par le défunt Frans Brüggen, et à la mémoire de qui cet album est dédié) – profondément « chorale », car on peut argumenter que le rôle principal de l’ouvrage est, en effet, tenu par le chœur. Les mélomanes habitués aux visions très orchestrales, courantes dans le passé, seront sans doute étonnés, agréablement nous le pensons, d’entendre cette œuvre dépouillée d’une partie du surpoids orchestral à la faveur d’une tendresse chorale et vocale. Le quatuor de solistes – Carolyn Sampson, Marianne Beate Kielland, Thomas Walker et David Wilson-Johnson – se fond avec intelligence dans le tout, sans que personne ne cherche à se mettre en avant. Une version à recommander. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 6 janvier 2017 | Glossa

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Fille du chanteur et compositeur Giulio Caccini, Francesca Caccini (1587–après 1641) fut non seulement cantatrice, claveciniste, luthiste, guitariste, mais aussi, sans nul doute, la première femme ayant composé des opéras. Sa première apparition publique connue date d’octobre 1600, lorsque – âgée de treize ans donc – elle se produisit avec son père et quelques autres membres de sa famille lors des célébrations du mariage de Henri IV et Marie de Médicis. Devenue jeune adulte, elle poursuit une véritable carrière de musicienne de cour à plein temps et de plein droit, auprès du Grand-Duché de Toscane, puis au service de Catherine de Lorraine. Le seul opéra de Francesca Caccini qui nous soit parvenu est cette La Liberazione di Ruggiero dall'Isola d'Alcina, dont tout porte à croire que c’est le premier ouvrage lyrique écrit d’après Orlando furioso de l’Arioste. Il fut commandé pour le Carnaval de Florence de 1625 par Marie-Madeleine d’Autriche ; on y découvre une musique tout en rigueur – Caccini dut-elle se plier aux exigences ou aux capacités vocales précises de tel ou tel chanteur ? –, avec accompagnement de flûtes, de cordes et de sacqueboutes, que la compositrice semble avoir ordonnées et disposées de manière fort précise dans ses didascalies. Les intermèdes dansés sont improvisés par les deux ensembles qui joignent leurs forces pour cette interprétation, Allabastrina et La Pifarescha, le tout sous la direction d’Elena Sartori. Voilà une bien belle découverte. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 18 novembre 2016 | Glossa

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Classique - Paru le 28 octobre 2016 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 4F de Télérama