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Grâce au travail réalisé en amont avec les studios d'enregistrement, et en collaboration avec des labels de plus en plus nombreux, indépendants et majors (Plus Loin Music, Bee Jaz, Ambronay Editions, Zig Zag Territoires, ECM, Mirare, Aeolus, Ondine, Winter & Winter, Laborie etc.), Qobuz propose de plus en plus de nouveautés et une sélection croissante de son fond de catalogue en qualité Hi-Res 24 bits. Ces albums reproduisent à l'identique le son fourni par le studio en sortie de console, et offrent un confort d'écoute inégalé, supérieur à celui des CD (généralement \"réduits\" pour le mastering en 44,1 kHz / 16 bits). Les fichiers \"Qobuz Hi-Res\" sont sans DRM et sont 100% compatibles Mac et PC. Loin de la démarche du tout-MP3 qui s'est développée ces dernières années au détriment de la qualité sonore, Qobuz renoue ainsi avec l'exigence sonore pour faire bénéficier les mélomanes tout à la fois du confort de la musique en ligne et de l'exigence audiophile.

Note Les albums vendus par Qobuz en qualité Hi-Res 24 bits nous sont fournis par les labels directement. Ils ne sont pas ré-encodés depuis des SACD et nous garantissons leur provenance directe. Nous nous interdisons, pour faire grossir plus vite cette offre, les tripatouillages suspects.

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Classique - Paru le 4 novembre 2016 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Record of the Month
Troisième et dernier volume de l’intégrale des Sonates de Beethoven par Jean-Efflam Bavouzet. On notera que le pianiste a choisi de les présenter chronologiquement, de sorte que cet ultime opus discographique contient les ultimes opus pianistiques du compositeur. Des chefs-d’œuvre conçus entre 1804 pour la 22e et 1822 pour la 32e, "l’Opus 111" dont il n’est pas même besoin de dire qu’il est de Beethoven… Bavouzet déploie à la fois un lyrisme de tous les instants et un éventail de sonorités qui rend justice à l’ampleur de la tâche, tout en évitant la démonstration de virtuosité digitale – qui n’est pas du tout le propos de Beethoven, et il l’a magistralement compris. Voilà une intégrale qui fera sans nul doute date dans les annales des « trente-deux », et la critique internationale ne s’est pas retenue de la saluer à sa juste valeur, dès le premier volume d’ailleurs. © SM/Qobuz« [...] Par ses phrasés équilibrés, son sens de l'architecture, sa légèreté d'accent et d'articulation, son usage parcimonieux de la pédale, son extrême précision dans les nuances dynamiques, sa transparence un rien "abstraite" et aiguisée dans l'éclairage de la texture, le jeu de Bavouzet rayonne de probité et de connivence : il nous tend la main et laisse parler le compositeur. [...] Classicisme et romantisme, ombre et lumière, action et contemplation trouvent, au terme de l'odyssée, leur vrai rapport beethovénien dans une Sonate op. 111 personnelle et remarquable de limpidité.» (Diapason, juin 2017 / Patrick Szersnowicz)
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Quatuors - Paru le 29 mars 2019 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice
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Musique symphonique - Paru le 5 janvier 2018 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Prise de son d'exception
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Messes, Passions, Requiems - Paru le 5 octobre 2018 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
« [...] L'équilibre de la conception d’ensemble comme de la réalisation des détails sont si magistralement dominés, l’inspiration si une et si limpide que l’image d’un temple grec correspondrait davantage que celle d’une cathédrale gothique. C’est assez dire que l’interprétation la plus fidèle sera la moins excentrique. Et voici qu’elle nous arrive du Danemark, enregistrée live au festival de Bergen car, non seulement le respect des dynamiques, des accents, des liaisons est d’une rare exactitude, mais encore la polyphonie vocale, que les doublures instrumentales colorent sans les étouffer, est aussi claire à l’oreille qu’à lire sur la partition. [...] La direction rigoureuse d’Edward Garner rend justice, par sa fidélité aux injonctions du compositeur, à tout ce que la Grande Messe des morts, contient de singulier et de régulier. [...] » (Diapason, janvier 2019 / Gérard Condé)
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Musique de chambre - Paru le 3 septembre 2013 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice - Hi-Res Audio
Le jeune prodige canadien James Ehnes s'est attaqué cette fois à l'intégrale (2 CD) de la musique pour violon de Prokofiev ! Non seulement la musique de chambre (Sonates n°1 & n°2, Sonate pour violon seul, 5 mélodies) avec son fameux complice le pianiste Andrew Armstrong et l'américaine Amy Schwartz Moretti dans la Sonate pour deux violons, mais aussi les deux concertos en compagnie du BBC Philharmonic dirigé par Gianandrea Noseda. Un répertoire d'une sidérante beauté expressive que James Ehnes aborde avec une bravoure et une force de séduction rares.
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Classique - Paru le 2 juin 2017 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 4 étoiles de Classica
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Musique de scène - Paru le 6 novembre 2012 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 4 étoiles de Classica - Hi-Res Audio
The Starlight Express d'Edward Elgar est une adaptation du livre d'Algernon Blackwood "A Prisoner in Fairyland", pour une production théâtrale pendant la Première Guerre Mondiale. A la fois conte et mélodrame, l'histoire décrit un monde fantastique habité par des enfants qui possèdent une lumière magique. Cet nouvelle production de référence est basée sur la nouvelle édition officielle, sous la direction de Sir Andrew Davis, avec les formidables solistes Eilin Manahan Thomas et Roderick Williams. En bonus, trois mélodies de Clive Carey (1883-1968) directement liées à cette oeuvre.
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Musique de chambre - Paru le 3 mai 2019 | Chandos

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Musique symphonique - Paru le 1 mai 2012 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 4 étoiles de Classica
Concerto pour orchestre, op.61 - A notte alta, op.30 - Fragments symphoniques de La donna serpente, op.50 / Martin Roscoe, piano - BBC Philharmonic - Gianandrea Noseda, direction
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Piano solo - Paru le 4 janvier 2019 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
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Piano solo - Paru le 2 novembre 2018 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Que diable le pianiste Barry Douglas entend-il par son titre « Tchaikovsky plus one » ? Très simple : ayant remporté en 1986 le prestigieux Concours Tchaikovsky, il souhaite ainsi rendre hommage au compositeur en publiant une (courte) série d’enregistrements, dans lequel il présente d’abord une des (trop rares) œuvres pour piano de Tchaïkovski, puis un choix d’œuvres d’autres compositeurs russes ayant gravité, de près ou de loin, dans sa sphère musicale ou pédagogique. Pour ce premier volume, Douglas vise haut puisqu’aux côtés des assez simples et concises Saisons, conçues comme des livraisons mensuelles tout au cours d’une année à partir de décembre 1875 pour un journal musical pétersbourgeois, il nous propose l’un des sommets de la littérature pianistique russe, les Tableaux d’une exposition de Moussorgski. Il est à noter que ces Tableaux datent pratiquement de la même époque, 1874, et que la différence de modernité est frappante. Certes, Tchaïkovski écrivit ses Saisons à destinations des pianistes amateurs abonnés à la revue, Moussorgski concevait son œuvre dans l’absolu, quasiment abstrait, en hommage à son ami le peintre Hartmann dont les tableaux avait effectivement orné une exposition. La juxtaposition ne manque pas de piquant ! Et Douglas se plaît à souligner les oppositions, mais aussi les parallèles harmoniques et mélodiques. © SM/Qobuz
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Musique symphonique - Paru le 1 février 2019 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Si l’on croit que Mozart, Mendelssohn ou Schubert sont morts jeunes, que dire de Juan Crisóstomo Arriaga, disparu avant même d’avoir atteint son vingtième anniversaire ! Dans ces tristes conditions, on ne peut que se réjouir du relativement fort nombre de ses compositions qui nous sont parvenues, et qui lui ont valu le sobriquet de « Mozart espagnol » ou, pour les plus nationalistes, « Mozart basque » puisqu’il est né et a grandi à Bilbao avant de poursuivre ses études à Paris. La remarque n’a pas pour seule raison le fait qu’il soit né, jour pour jour, un demi-siècle avant le divin Wolfgang Amadeus, ou qu’il porte le même prénom (Juan Crisóstomo = Johannes Chrysostomus, les deux premiers prénoms de Mozart), mais aussi l’élégance et l’apparente simplicité de son langage qui cache une étonnante complexité de conception et d’architecture. On découvre ici sa géniale Symphonie pour grand orchestre, de 1824 – seize ans… qui ne penserait pas aux chefs-d’œuvre de Schubert de la même tranche d’âge, en particulier dans le traitement très spectaculaire des tonalités et des modulations ! –, ainsi que sa cantate Herminie et quelques airs de soprano isolés, de toute beauté. Arriaga travailla avec Cherubini dont il fut d’ailleurs le protégé, et l’influence du strict et rigoureux Italien ne peut qu’avoir été bénéfique au jeune prodige. La juxtaposition de l’ouverture des Esclaves heureux, œuvre de la prime jeunesse, et de la Symphonie, laisse comprendre la stupéfiante évolution d’Arriaga dont on se demande avec un brin de tristesse jusqu’où il serait allé s’il avait vécu aussi longtemps que, disons, Schubert… C’est ici l’Orchestre Philharmonique de la BBC de Manchester qui officie sous Juanjo Mena, avec la soprano Berit Norbakken Solset pour les arias et la cantate. © SM/Qobuz
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Concertos pour clavier - Paru le 7 septembre 2018 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 5 Sterne Fono Forum Klassik - 5 étoiles de Classica
Il est de bon ton aujourd’hui en France de bouder la musique de Camille Saint-Saëns considérée comme le parangon de l’académisme le plus convenu. Souvenons pourtant qu’en écrivant ses deux concertos, Maurice Ravel voulait faire « aussi bien que Monsieur Saint-Saëns ». À l’âge de vingt-trois ans, Saint-Saëns, pianiste ébouriffant et compositeur fécond, donne à la France son premier concerto digne de ce nom. Commençant par un appel de cors de chasse entendu dans la forêt de Fontainebleau par son jeune auteur, le Concerto n° 1 en ré majeur, Op. 17 sottement négligé par tant de pianistes, part à la conquête de son public avec une fraîcheur juvénile joyeusement optimiste. Ce premier volume de l’intégrale des cinq concertos de Saint-Saëns est magistralement servi par le pianiste canadien Louis Lortie dont la virtuosité intrépide n’a jamais caché l’instinct musical le plus fin. Sous ses doigts, le compositeur français devient l’égal de Liszt ou de Grieg, avec un toucher d’une infinie variété qui sait varier les climats avec une grande subtilité. Les Second et Quatrième qui figurent sur ce premier album étaient autrefois les chevaux de bataille de monstres-sacrés comme Arthur Rubinstein ou Alfred Cortot. Le pianiste canadien ne leur cède en rien, tant il renouvèle la vision de ces œuvres classées comme mineures et qui témoignent au contraire d’une inventivité qui n’a rien perdu de sa force ni de son originalité. Louis Lortie trouve en Edward Gardner et l’Orchestre Philharmonique de la BBC des partenaires de choix épousant idéalement les sonorités variées du piano tout en soulignant les qualités d’orchestrateur de Camille Saint-Saëns. © François Hudry/Qobuz
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Piano solo - Paru le 1 février 2019 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
« Un programme schumannien peu commun. Version révisée du Concert sans orchestre, la Grande Sonate (n° 3) est une œuvre difficile à appréhender. [...] Le troisième mouvement, son épicentre, consiste en des variations sur un thème de Clara Wieck, parfois présentées à part. Jean-Efflam Bavouzet se meut avec aisance dans ces pages porteuses d'un doux poison. [...] Superbe ! [...] Bavouzet, en conclusion, trouve le ton juste des fuyants Chants de l'aube, moment de lucidité avant que le compositeur ne rejoigne les ténèbres, et recueil précieux — ne serait-ce que pour l'étreignante quatrième pièce. Un Schumann d'une remarquable facture. » (Diapason, avril 2019 / Bertrand Boissard)
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Musique symphonique - Paru le 4 janvier 2019 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
« [...] Comme chez tant de compositeurs états-uniens arrivés à maturité au milieu du XXe siècle, la tentation hymnique – façon grands espaces orchestraux – existe aussi chez Antheil. La netteté du rythme et une pulsation volontaire sont des qualités cardinales dans cet univers en perpétuel mouvement. John Storgards et le BBC Philharmonic s’en acquittent avec brio [...] L’ensemble du disque transmet sans s’essouffler la vivacité contagieuse de cette musique. [...] » (Diapason, mars 2019 / Rémy Louis)
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Musique vocale (profane et sacrée) - Paru le 2 mars 2018 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
La postérité a surtout retenu le nom de Giulia Frasi (célèbre entre 1740 et 1774) comme celui de la créatrice des principaux rôles de soprano dans les derniers oratorios d’Haendel. Cet album explore ce qui fut la spécialité de Frasi : incarner des personnages dont les parcours émotionnels sont planifiés avec un pathétique émouvant. Toutefois, au cours de ses trente-et-une années d’activité à Londres, Frasi ne se contenta pas d’être la dernière « prima donna » de Haendel ; elle mena une carrière plus variée, plus complexe et bien plus riche. Frasi reçut sa formation à Milan, fit ses débuts lyriques en Italie, puis se rendit en Grande-Bretagne pour intégrer la troupe d’opéra italien de Lord Middlesex en 1742 – peu de temps après que Haendel a décidé d’arrêter de composer et de faire représenter des opéras sur la scène londonienne. Au début, Frasi se vit attribuer des rôles mineurs, mais elle prit peu à peu de l’importance et participa à au moins quatorze saisons lyriques au King’s Theatre de Haymarket entre novembre 1742 et 1761. Ses premières prestations londoniennes en 1743 sont rappelées dans les souvenirs musicaux de Charles Burney : « Giulia Frasi était alors une personne jeune et intéressante, dotée d’une voix douce et claire, et d’un style de chant fluide et sobre qui, toutefois, froid et impassible, plut aux oreilles naturelles et échappa à la censure de la critique. » Burney soulignait le fait qu’étant venue dans ce pays au début de sa vie tout en provenant d’un autre creuset linguistique, elle prononçait l’anglais de manière plus articulée et intelligible que les autochtones. Il semble qu’elle attira l’attention d’Haendel avec cette qualité, et un don évident pour traduire le pathos musical. La soprano anglaise Ruby Hugues a choisi des airs tirés d’un large éventail d’œuvres, pas seulement de Haendel, mais aussi de tout le répertoire londonien de Frasi, de Arne à Smith en passant par Hayes ou Ciampi. Premier Prix et Prix du public au Concours de chant Haendel de Londres, Hugues a fait ses débuts au Theater an der Wien sous la direction de René Jacobs, avant de chanter des premiers rôles au Festival international de Buxton, au Festival international d’Édimbourg, au Festival Haendel de Londres, au Festival d’Aix-en-Provence, aux Musikfestspiele de Potsdam et aux Festspiele de Schwetzingen, ainsi qu’à l’English National Opera, à l’Opéra de Garsington, au Scottish Opera ou encore à l’Opéra de Toulon. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 4 mai 2018 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Prise de son d'exception
Absolute Jest, écrit en 2011 et remanié peu après, est l’une des œuvres les plus irrésistibles de John Adams. Le compositeur y emprunte librement à Beethoven, dans les quatuors mais aussi la Neuvième Symphonie, pour distiller une partition à cent à l’heure, somptueusement orchestrée – en plus du quatuor à cordes solo, qui fait de l’ouvrage une sorte de concerto si l’on veut, Adams rajoute à l’orchestre une harpe et un piano tous deux accordés selon le tempérament mésotonique, une manière de brouiller les cartes tonales et sonores – et dans laquelle les allusions sont considérées comme des sortes de « tatouages » (selon Adams lui-même) à la Ludwig van, sur un corps adamien. Même si le dernier mouvement n’hésite pas à citer le Stravinski de la Symphonie en trois mouvements, d’ailleurs. Hautement original, Absolute Jest avait été écrit pour Michael Tilson Thomas et l’Orchestre de San Francisco (Qobuzissime de notre été 2015), mais selon toute évidence, chaque nouvelle interprétation permet d’en découvrir d’autres facettes. La remarque s’applique aussi à Naïve and Sentimental Music, écrit pour le Los Angeles Philharmonic (en existe un formidable enregistrement par Salonen chez Nonesuch) ; on précisera au passage que la partition n’est ni naïve ni sentimentale, mais plutôt féroce et originale ; le titre est sans doute emprunté à Schiller (De la poésie naïve et sentimentale), qui selon sa propre terminologie voyait Shakespeare et Homère parmi les poètes « naïfs ». Parmi les sonorités un brin inhabituelles, on y trouvera une guitare électrique et un piano relié à un sampler… © SM/Qobuz
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Concertos pour instruments à vent - Paru le 6 juillet 2018 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 5 Sterne Fono Forum Klassik
« […] Compositeur, pianiste, le musicien britannique a trempé sa plume dans l’audace estivale de Darmstadt (1955) et des cours parisiens (1957-1959) de Pierre Boulez avant de se diriger vers des territoires sonores moins escarpés. Installé à New York à partir de la fin des années 1970, il s’est joué des frontières entre le savant et le populaire, écrivant pour le cinéma (Le Crime de l’Orient-Express de Sidney Lumet, 1974), assumant son amour pour le jazz, donnant même de sa voix de crooner, au piano, pour quelques songs…[…] Sur le versant « classique » de sa production, deux volumes enregistrés l’an dernier regroupent des œuvres orchestrales et concertantes couvrant près de trois décennies, et témoignent d’une évolution polarisée, pour le dire vite, entre postsérialisme et néoromantisme, avec des bonheurs divers. La plus incontestable réussite, à nos oreilles : une Symphonie n° 2 d’un seul mouvement, que Leonard Bernstein a créée à New York en 1968 et que Bennett considérait comme « un essai de mise en place d’une structure forte et satisfaisante sur le plan émotionnel ». Il y est parvenu au-delà de ses attentes, bousculant sa syntaxe sérielle par une grande liberté expressive et en faisant le pari de contrastes saisissants […] Le BBC Scottish Symphony a assez de talents, d’énergie et de discipline dans ses rangs pour composer ce bouquet très olfactif tout en le faisant tenir droit. […] Le compositeur a également le don d’offrir de très beaux rôles à des instruments peu courus dans le champ concertant : une aubaine aussi pour le saxophone ténor de Howard McGill tant le Concerto pour Stan Getz (1990), créé après la mort du dédicataire, flatte le potentiel bondissant, fluide et coruscant de l’instrument. À la baguette, John Wilson connaît assez la muse populaire de Broadway et Hollywood comme un répertoire XXe siècle plus savant pour ne réduire Bennett ni à l’un ni à l’autre, et veiller sur la flamme de cette grande liberté qui fait son charme.» (Diapason, octobre 2018 / Benoît Fauchet)
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Musique symphonique - Paru le 6 avril 2018 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice
On ne va pas raconter pour la n-ième fois la création tumultueuse du Concerto pour alto du jeune Walton, que devait donner Lionel Tertis avant de se rétracter – et d’être remplacé par Hindemith en personne : l’histoire fait désormais partie de la mythologie waltonienne. Voici ce chef-d’œuvre sous les doigts de l’altiste James Ehnes. L’album se poursuit avec des œuvres du même Walton que l’on n’entend hélas pas bien souvent : la Partita pour orchestre de 1955, ouvrage de la grande maturité, fut créée par l’Orchestre de Cleveland sous la direction de George Szell (1958). Le compositeur ne cherche en rien à surclasser le modernisme ambiant, encore moins à suivre la dictature dodécaphonique, et écrit à la place une partition truculente, vivante en diable, assez « visuelle » quand bien même sans aucun programme. On croirait assister à l’une de ces comédies brillantes et enlevées de la grande époque du cinéma britannique ! Plus rare encore est la Sonate pour orchestre à cordes, écrite en 1970 pour Neville Marriner en se basant sur le quatuor à cordes des années 1945. La réécriture est de la plume de Walton – même s’il semble avoir été aidé par Malcolm Arnold – et emprunte au passage le format d’une sorte de concerto grosso, avec dialogue entre solistes et orchestre. La Partita et cette Sonate pour orchestre à cordes méritent vraiment d’être découvertes de ce côté de la Manche, où Walton reste très peu joué. © SM/Qobuz
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Musique concertante - Paru le 7 septembre 2018 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 5 étoiles de Classica
Le Concerto pour violoncelle de Gerald Finzi est son ultime œuvre majeure, créée peu de mois avant sa disparition prématurée en 1956 par rien moins que sous la direction de Sir John Barbirolli. L’ouvrage avait été commencé quelque dix ans plus tôt, à l’époque où le compositeur apprenait qu’il était atteint d’une maladie incurable qui ne lui laissait que quelques années à vivre… On ne s’étonnera donc pas du caractère sombre du concerto, ici joué par Paul Watkins. Les autres œuvres sur cet album comportent le mouvement isolé Eclogue, pour piano et cordes, retrouvé dans les manuscrits du compositeur et créé de manière posthume, même si l’ouvrage existait déjà en 1920 – il devait servir de mouvement lent à un concerto abandonné. Remarque identique d’ailleurs pour la Grande fantaisie et Toccata de 1928, partie d’un concerto tout aussi abandonné. Dans les deux cas, la partie soliste est ici tenue par Louis Lortie. Enfin, New Year Music célèbre l’an nouveau… sans l’ombre d’une gaieté festive, voire avec une certaine tristesse froide, comme si Finzi voulait ainsi souligner que l’année nouvelle signifiait surtout qu’il restait une année de moins à vivre. Le langage du compositeur (100% anglais, bien que son père fût italien et sa mère allemande), initialement façonné par Holst et Vaughan Williams, garde toujours cet ample lyrisme toujours un brin nostalgique si intimement britannique. © SM/Qobuz