Grâce au travail réalisé en amont avec les studios d'enregistrement, et en collaboration avec des labels de plus en plus nombreux, indépendants et majors (Plus Loin Music, Bee Jaz, Ambronay Editions, Zig Zag Territoires, ECM, Mirare, Aeolus, Ondine, Winter & Winter, Laborie etc.), Qobuz propose de plus en plus de nouveautés et une sélection croissante de son fond de catalogue en qualité Hi-Res 24 bits. Ces albums reproduisent à l'identique le son fourni par le studio en sortie de console, et offrent un confort d'écoute inégalé, supérieur à celui des CD (généralement \"réduits\" pour le mastering en 44,1 kHz / 16 bits). Les fichiers \"Qobuz Hi-Res\" sont sans DRM et sont 100% compatibles Mac et PC. Loin de la démarche du tout-MP3 qui s'est développée ces dernières années au détriment de la qualité sonore, Qobuz renoue ainsi avec l'exigence sonore pour faire bénéficier les mélomanes tout à la fois du confort de la musique en ligne et de l'exigence audiophile.

Note Les albums vendus par Qobuz en qualité Hi-Res 24 bits nous sont fournis par les labels directement. Ils ne sont pas ré-encodés depuis des SACD et nous garantissons leur provenance directe. Nous nous interdisons, pour faire grossir plus vite cette offre, les tripatouillages suspects.

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Musique de chambre - Paru le 5 janvier 2018 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles de Classica
« Né en Silésie, Johann-Gottlieb Janitsch entre en 1736 dans l'orchestre du prince-héritier de Prusse. Lorsque ce dernier devient en 1740 le roi Frédéric II, il le suit à Berlin et reste à son service jusqu'à sa mort. Collègue et ami de Carl Philipp Emanuel Bach, Janitsch lui est très apparenté musicalement. [...] Beau programme et belles interprétations, avec en prime une ouverture quadripartite, pas encore une symphonie.» (Classica, mars 2018 / Marc Vignal)
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Classique - Paru le 1 septembre 2017 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles de Classica
À l’occasion du 80e anniversaire de Vladimir Ashkenazy, le Philharmonique de Oxford et la jeune violoniste Irmina Trynkos se sont joints à la star pour enregistrer cet album présentant trois premières mondiales d’œuvres de Nimrod Borenstein, un compositeur dont Ashkenazy s’est fait le champion depuis bien des années déjà. Les trois œuvres diffèrent en format et en caractère, mais le compositeur espère humblement que « qu’en les écoutant, le premier mot qui vous vienne à l’esprit soit Borenstein, tout comme vous pensez Beethoven, Chopin ou Prokofiev en entendant une pièce qui vous est peu familière, mais dont vous connaissez le compositeur – et cela, parce que vous identifiez ce quelque chose », une quête personnelle qui ne manque certes pas d’ambition ! La courte pièce orchestrale If You Will It, It Is No Dream (« Si vous en avez la volonté, ce n’est pas un rêve ») est considérée comme un profond cheminement au cœur des combats et prodiges de la volonté, ainsi qu’un hommage au pays natal du compositeur, Israël. On y trouve divers exemples de cette sensation, chère au compositeur, que le temps suspend son vol, qu’il semble marquer une pause. The Big Bang and Creation of the Universe, son œuvre symphonique la plus importante à ce jour, est une pièce dans laquelle l’importance des contrastes est particulièrement nette. Borenstein y développe un système personnel de contrepoint « multi-mélodique », en recourant à des juxtapositions complexes de rythmes qui génèrent une multiplicité d’atmosphères différentes. Enfin, lorsqu’il commença à composer son Concerto pour violon, Borenstein était décidé à créer une pièce de grande envergure pour le répertoire du violon, s’inscrivant dans la ligne des « grands concertos » de »Brahms, Sibelius ou Chostakovitch – un défi qui lui était particulièrement cher en tant que violoniste. Là encore, on comprend que Borenstein entretient des désirs de grandeur et de continuité des plus imposants compositeurs du passé. À l’auditeur maintenant de se faire une opinion quant à savoir s’il a gagné son pari, et pourquoi Ashkenazy s’est depuis si longtemps fait le défenseur de sa musique. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 2 juin 2017 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 4 étoiles de Classica
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Musique de chambre - Paru le 2 juin 2017 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles de Classica
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Musique symphonique - Paru le 19 mai 2017 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice - 4 étoiles de Classica
Le BBC Philharmonic lance une nouvelle série des plus intéressantes, consacrées aux œuvres symphoniques de George Antheil, un pan totalement négligé du répertoire de ce compositeur dont la carrière avait explosé dès ses débuts en Europe. Il s’était immédiatement taillé un costume d’enfant terrible avec ses pièces d’un avant-gardisme échevelé, en particulier son Ballet mécanique de 1925, dans lequel le « Bad Boy of Musix » (le titre de son autobiographie !) acceptait l’influence du pan le plus féroce de Stravinski ; et pourtant, à son retour aux États-Unis en 1933, Antheil changea totalement de costume, s’orientant désormais vers un langage fondamentalement tonal et mélodique, une surprise considérable pour quiconque connaissait ses premières explosions européennes. En vérité, il se rangeait désormais dans la classe des symphonistes états-uniens néoclassiques et néoromantiques. Lui-même considérait sa Quatrième Symphonie, commencée en 1942, comme une méditation sur plusieurs aspects de la guerre qui faisait alors rage : le second mouvement cherche à évoquer le massacre de Lidice, le troisième – un scherzo – représentait une « farce brutale, la farce de la guerre ». La prémonition du triomphe final des Alliés était l’objet du dernier mouvement. L’œuvre connut un succès considérable, autant auprès du public que des critiques, et Time Magazine estimait que la création présentait un phénomène quasiment inédit : une « nouvelle symphonie américaine qui n’ennuyait pas les mélomanes ». Toutefois, le critique de Time suggérait une forte influence en provenance de Chostakovitch, en particulier dans les accents quelque peu pompiers de la Septième Symphonie, « Léningrad », créée aux États-Unis en juillet 1942. Dans son autobiographie, Antheil réagit avec force contre ces allégations : le passage incriminé de sa Quatrième Symphonie, celui qui semblait être copié de Chostakovitch, reprenait en fait plus ou moins note à note un passage de son propre opéra Transatlantic publié en… 1928 ! Le lecteur peut d’ailleurs vérifier la chose sur la vingtième piste de l’album. Le compositeur ne manquait pas de souligner que cette musique était née peu avant que Chostakovitch écrivît ne serait-ce que sa Première Symphonie. En 1947, Antheil avait commencé une Cinquième Symphonie dont il mit le manuscrit de côté (l’œuvre finirait sous le titre de « Symphonie tragique », non-numérotée) et s’attela à une tout nouvelle cinquième, radicalement différente, d’une nature bien plus festive ainsi qu’en atteste son nom « Joyeuse ». Le compositeur voyait son œuvre comme la rupture définitive avec le modernisme « désormais passé », selon ses propres termes, du début du XXe siècle. Dans sa critique de la représentation donnée à Carnegie Hall, Virgil Thomson – dont on connaît la légendaire dureté de la dent – estimait que c’était le meilleur ouvrage d’Antheil à ce jour. L’album débute avec le court Over the Plains de 1945, ici donné en première discographique, un souvenir musical des émotions qu’avait ressenties Antheil lors d’un voyage à travers le Texas dix ans auparavant, et où il avait conçu qu’un jour il écrirait une pièce célébrant non seulement l’esprit optimiste des pionniers, mais aussi la joie des habitants de cette région. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 17 mars 2017 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles de Classica
Il est tout un pan de la musique orchestrale britannique qui est extraordinairement négligé, celui de compositeurs « mineurs » de la première moitié du XXe siècle. « Mineurs » étant ici à prendre avec une pincée de sel, comme l’on dit en anglais, car si en effet une partie de leur musique est souvent caractérisée de « light music », elle n’a de léger que le ton souvent pastoral et tendrement badin (qui s’approcherait en quelque sorte des comédies cinématographiques douces-amères des Studios Ealing, une époque bénie du cinéma mondial : pensez à Tueur de dames ou Noblesse oblige, par exemple), alors que l’écriture reste toujours tirée à quatre épingles, autant dans la conduite mélodique, l’orchestration hyper-raffinée, l’harmonie beaucoup moins simple qu’on pourrait le penser, voire d’une complexité diabolique. L’Orchestre National de la BBC du Pays de Galles, sous la direction de Rumon Gamba, a lancé une ample série de poèmes musicaux britanniques, dont certains appartiennent en effet à la veine de la « light music », d’autres moins – ou pas du tout, lorsqu’ils s’approchent un peu de Strauss ou Liszt ou Debussy –, une excellente initiative. Pour ce premier volume, ce sera Bantock, Gurney (à qui on doit des centaines de mélodies d’exquise qualité), Henry Balfour Gardiner (grand-oncle de John Eliot G.), Frederic Austin, William Alwyn (justement célèbre pour de nombreuses musiques de film « british »), et Vaughan Williams en guise de divinité tutélaire. Ne manquez pas cette série qui commence sur les chapeaux de roue. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 7 octobre 2016 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 4 étoiles de Classica
La grande particularité de cet enregistrement signé Jean-Efflam Bavouzet de ces deux concertos de Mozart est que, pour le KV. 453, les deux cadences sont de sa plume. Dans un style délicieusement entre-deux-guerres, il dévie lentement vers Jean Françaix, Jean Wiener ou Francis Poulenc, ou encore vers Ravel auquel il fait un très, très subtil clin d’œil à la fin de la cadence du mouvement lent, avec le même glissement d’un demi-ton vers le haut lorsque revient l’orchestre… mais que l’auditeur se rassure, l’album propose une singularité tout à fait originale et utile. En effet, pour quiconque préfère quand même les cadences originales de Mozart, le découpage est tel que, à l’aide d’une playlist, il lui est loisible de choisir la fin bavouzettienne ou la fin mozartienne, de manière à profiter d’une écoute ininterrompue selon le menu qu’il s’est choisi. Cela dit, Ravel ayant rendu hommage à Mozart dans le mouvement lent de son Concerto en sol, il n’est que justice que l’hommage lui soit retourné. Les tempi choisis restent mesurés d’un bout à l’autre des concertos, sans excès, sans lourdeur, cette grande fraîcheur qui tranche est bienvenue. Bavouzet l’est mais inutile d’en rajouter une couche… En complément de programme, l’excellente Manchester Camerata nous offre l’une des « Symphonies salzbourgeoises » du même Mozart, un divertimento pour cordes de jeunesse pourtant d’une insondable profondeur. © SM/Qobuz« [...] En parfaite connivence avec un orchestre aux sonorités précises et colorées, Jean-Efflam Bavouzet propose des lectures impétueuses et élégantes. Avec un plaisir raffiné, il communique à ces partitions une franche bonne humeur, jamais simpliste dans le propos, notamment dans les mouvements lents, empreints d'onirisme et de tendre mélancolie. Les textures sont aérées, les lignes mélodiques ciselées avec une lisibilité proche de l'épure.» (Classica, février 2017 / Jean-Noël Coucoureux)
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Musique chorale (pour chœur) - Paru le 7 octobre 2016 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice - 4 étoiles de Classica - 5 Sterne Fono Forum Klassik
« [...] Edward Gardner, par sa précision autant que par son engagement émotionnel, réussit une belle synthèse. [...] C'est surtout la démonstration orchestrale qui impressionne. L'investissement dramatique et lyrique des cordes est d'une beauté stupéfiante et tous les autres pupitres emboîtent le pas de cette vision si justement contrastée où l'intimité de l'amour tristanesque lutte contre les forces de la malédiction. C'est à l'élaboration d'un cosmos sonore auquel nous assistons et qui rapproche cette lecture norvégienne brûlante de celle d'Ozawa. La palme de la cohérence revient sans doute à la richesse de l'imaginaire de Gardner, un chef étonnant, qui s'impose autant qu'il séduit. (Classica, décembre 2016 / Xavier de Gaulle)
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Classique - Paru le 2 septembre 2016 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 4F de Télérama - 4 étoiles de Classica - 5 Sterne Fono Forum Klassik
« [...] Le Fauré de Lortie est délibérément dépourvu de suavités mondaines. Même dans les pièces les plus mélodiquement complaisantes comme la Pavane, il choisit la plus extrême sobriété et la retenue. Un tel parti pris présente l'avantage d'aller à l'essentiel, de respecter la pureté des lignes mélodiques, et l'originalité de l'écriture polyphonique — tout particulièrement dans certains préludes. En outre, sobriété n'est pas sécheresse et dans l'ensemble, Louis Lortie fait preuve d'un grand raffinement dans les dégradés et les effets de fluidité.» (Classica, février 2017 / Jacques Bonnaure)
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Classique - Paru le 2 septembre 2016 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles de Classica
« [...] L'impressionnante Symphonie pour orgue resplendit dans la sensualité des couleurs qui enserrent l'instrument soliste. Egalement de la première période du compositeur, les Variations pour orchestre puisent leur origine dans les Variations pour piano. [...] John Wilson joue admirablement de l'éparpillement du matériau sonore, créant des atmosphères à la Bernard Herrmann. [...] Il se joue d'une métrique virtuose qui avait fait dire à Koussevitzky que la Short Symphony était impossible à diriger. Une fois encore, les tensions sont exacerbées avec souplesse, un sens de l'impact et une dimension grandiose qui correspondent exactement à l'esprit de l'œuvre. [...] Nous entendons l'Ode symphonique dans son édition révisée de 1955, à l'instrumentation plus modeste. [...] John Wilson et l'orchestre en offrent une lecture aussi précise que dynamique, servis par une prise de son spectaculaire.» (Classica, décembre 2016 / Stéphane Friédérich)
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Classique - Paru le 27 mai 2016 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles de Classica
Si l’on ne joue pas plus souvent la musique orchestrale d’Albéniz, c’est tout simplement… qu’il n’en a presque pas écrit, et que parmi ce peu d’œuvres, une bonne partie a été perdue. Ce nouvel enregistrement propose donc quelques œuvres orchestrées par d’autres. D’autres, certes, mais pas n’importe qui ! Georges Enesco pour la Rhapsodie espagnole (l’original pour orchestre a été perdu…), Tomás Bretón (sous le pseudonyme de J. Trayter) pour le Concerto pour piano No. 1 – d’emblée, l’orchestration avait été confiée par le compositeur à son collègue et ami –, Rafael Frühbeck de Burgos pour la Suite espagnole initialement conçue pour piano : excusez du peu. On comprend dans ces diverses œuvres combien Debussy puis Ravel ont puisé dans ce fonds sans fond pour leurs propres ibériades ; et s’ils ont développé leur propre écriture orchestrale très idiomatique et très française, les rythmes et les éléments thématiques sont bel et bien hérités en droite ligne d’Albéniz. Au piano, Martin Roscoe pour le Concerto, la baguette étant tenue par le non moins espagnol Juanjo Mena. © SM/Qobuz« L'enregistrement aussi fin que dynamique et la direction virtuose de Mena portent ce disque réjouissant.» (Classica, décembre 2016 / Stéphane Friédérich)
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Classique - Paru le 29 janvier 2016 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice - 4 étoiles de Classica
Quelque trente ans séparent les deux concertos pour violoncelle de Saint-Saëns, respectivement de 1872 et 1902. Et pourtant, dans tous deux – y compris le Premier, plutôt de la première maturité – le compositeur s’éloigne des modèles habituels et des standards. Le Premier est conçu en un seul mouvement, dans une forme cyclique, même si le langage harmonique et mélodique est du Saint-Saëns de la veine plus lyrique, celle par exemple du Cygne du Carnaval des animaux. Le Deuxième comporte deux mouvements, dans une écriture quasiment rageuse et orageuse, d’une virtuosité ébouriffante qui rendit sans doute l’ouvrage assez incompris lors de sa création en 1905. De nous jours, il reste encore l’un des concertos pour violoncelle les plus diaboliques du répertoire, et il faut la qualité d’un Truls Mørk, qui joue ici les deux ouvrages, pour en maîtriser toutes les subtilités. L’album se poursuit avec le Carnaval des animaux, justement, dans la version pour orchestre – la partition originale faisant plutôt appel à un quintette à cordes que le plein effectif de cordes de l’Orchestre Philharmonique de Bergen, mais la chose est désormais usuelle. L’on notera que l’Aquarium est joué avec l’harmonica de verre, auquel le manuscrit fait appel, plutôt qu’au célesta ou au glockenspiel trop souvent employés. Au piano, les deux stars canadiennes Louis Lortie et Hélène Mercier. Le présent programme s’achève avec deux bonbons, le Caprice-Valse « Wedding Cake » pour piano et cordes – Lortie en soliste – et la fantaisie Africa, effectivement terminée en Afrique où Saint-Saëns aimait à se rendre dès la seconde partie de sa vie, et dans laquelle il insère des accents plus ou moins arabisants tels qu’on pouvait les imaginer en 1891. Lortie encore au piano. © SM/Qobuz« [...] La maîtrise instrumentale de Truls Mørk, déjà remarquable en soi, est au service d'un jeu d'une étonnante souplesse de phrasé, d'un rubato très cadré comme s'il se souvenait de la tradition française des notes inégales. Neeme Järvi, toujours à l'écoute, obtient de ses musiciens qu'ils y répondent, instaurant un dialogue complice [...] L'osmose entre soliste, orchestre et chef ne laisse rien ignorer des subtilités de l'écriture. [...] Outre Le Cygne chaudement stylé de Truls Mørk, la singularité qui brille à chaque page du Carnaval des animaux suffirait à justifier sa présence aux côtés des concertos. Prise au sérieux, donc avec exigence et malice, cette version se classe parmi les meilleures de la discographie. [...] Louis Lortie offre deux pièces de genres : la piquante Caprice-Valse "Wedding-Cake", et la fantaisie Africa dont l'exotisme chromo et sentimental touche ou hérisse. Inutile de résister car, là encore, Nemme Järvi et l'Orchestre de Bergen prouvent que le mieux n'est pas toujours l'ennemi du bien.» (Diapason, mars 2016 / Gérard Condé)
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Musique symphonique - Paru le 13 novembre 2015 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles de Classica
Quatrième volume de l’excellente, vraiment excellente, série d’enregistrements dédiée à Alfredo Casella par le BBC Philharmonic et son aventureux chef titulaire Gianandrea Noseda – un de ces chefs qui ne cherchent pas mordicus à nous imposer une n-ième version des Symphonies de Mahler ou de Bruckner, ouf ! Dans ce quatrième volet, on pourra découvrir diverses partitions aussi rares que magiques, à commencer par les Cinq fragments tirés du ballet Le Couvent sur l’eau, une « comédie chorégraphique » de 1912 qui est certes sensée se dérouler à Venise, mais on y chercherait en vain la moindre allusion folklorique ou populaire – Casella, en cette fin de son long séjour parisien, avait plutôt suivi les influences franco-russes alors en vogue dans la capitale française. Une partition rutilante, foisonnante, dans laquelle il démontre toute sa science de l’orchestre et des équilibres sonores. De retour à Rome au début de la Première Guerre, Casella rendit hommage aux morts sur le champ de bataille avec l’Élégie héroïque ; plus qu’une marche funèbre débordante d’honneur militaire, son Élégie crie avec horreur et tristesse sa détresse devant le massacre qui ne faisait que commencer. Là encore, il déploie une stupéfiante connaissance de la sonorité orchestrale ; on entendra, à un moment, un passage qu’aurait pu écrire Charles Ives… très étonnant. Enfin, Noseda nous propose la Première Symphonie de 1906, qu’il considérait lui-même comme légèrement « juvénile » ; erreur, monsieur le compositeur : oui, l’influence à la russe (Rachmaninov plutôt que Stravinski, d’ailleurs) s’y fait entendre, ainsi sans doute que la griffe de Franck, mais déjà dans un langage purement casellien. © SM/Qobuz« [...] Moins romantique que l'excellent Francesco La Vecchia (Naxos), Gianandrea Noseda délivre un alliage soigneusement distillé de rigoureuse précision et de passion contenue qui convient admirablement à ces musiques équivoques et sur le fil du rasoir.» (Classica, décembre 2015 / Michel Fleury)
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Classique - Paru le 13 novembre 2015 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles de Classica
« [...] Le duo formé par Hélène Mercier et Louis Lortie traduit parfaitement cette douceur désolée (la cruauté et le sarcasme étant des expressions totalement étrangères à l'univers de Rachmaninov). L'équilibre naturel dans une pulsation déterminée, joyeusement physique et jamais brutale (grâce aux deux fazioli F278), exalte cette luminosité cuivrée : quels Pâques luxuriants et orthodoxes de la Fantaisie ! Un disque rafraîchissant. » (Classica, février 2016 / Luc Nevers)
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Classique - Paru le 30 octobre 2015 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles de Classica
« L'Irlandais Barry Douglas signe ainsi le cinquième volume de son intégrale. Le Livre II des Variations sur un thème de Paganini et les Variations sur un thème original, op. 21 n° 1 permettent d'apprécier à sa juste valeur la profondeur de l'interprétation où la densité de son, l'art des contrastes le disputent à un discours toujours engagé, impulsif et véhément. Les pièces plus courtes (Intermezzi, Op. 76 n° 3 et n° 4 et Op. 118 n° 1 et n° 4, Danses hongroises n° 1, n° 3 et n° 5, Scherzo, Op. 4), par la finesse du toucher, l'éventail de la palette sonore, le phrasé toujours souple, les oppositions rythmiques marquées bénéficient de la même approche impérieuse et poétique.» (Classica, mai 2016)
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Classique - Paru le 25 septembre 2015 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 4 étoiles de Classica
Du tout premier au tout dernier, voilà le voyage que nous propose Imogen Cooper dans le monde de Schumann. Le tout premier, ce sont les Variations Abegg de 1830 ; le tout dernier, c’est encore un cycle de variations : les Variations des esprits (le titre n’est pas de Schumann) de 1854, écrites sur un thème propre quelques jours avant que le compositeur ne soit interné dans une maison de santé. Il semblerait que Schumann ait eut l’idée du thème une nuit et qu’il se serait relevé pour le noter – les esprits en question dans le titre ? Clara rapporte que le thème lui aurait été dicté par des anges… Le cycle ne fut jamais publié du vivant du compositeur, et Brahms réussit seulement à persuader Clara d’en faire paraître le thème initial en 1893, non sans s’en être saisi lui-même dans sa propre série de Variations sur un thème de Schumann, pour piano à quatre mains. Imogen Cooper, une immense star internationale du piano même si elle ne pratique pas le tapage médiatique de certains qui ne lui arrivent d’ailleurs pas à la cheville, sait faire jaillir tour à tour la vitalité et la poésie intérieure de ces diverses œuvres écrites tout au long d’un quart de siècle, puisqu’elle nous offre aussi les Davidsbündlertänze et deux Novelettes dont l’immense huitième, un véritable monument en plusieurs parties. © SM/Qobuz« [...] D'emblée, l'interprète prend possession de l'instrument avec autorité dans les Novelettes emportées par un élan et un sentiment d'urgence qui creusent les contrastes sans perdre la maîtrise du timbre et des nuances. Le même climat règne sur des Davidsbündlertänze où les humeurs changeantes de chaque danse sont bien mises en relief, alternant poésie, fébrilité, dépression et enthousiasme [...] Quant aux Geistervariationen sur le thème original des esprits, elles prennent sous les doigts de la soliste ce caractère fantomatique et tragique dispensé par un compositeur en proie à ses démons. [...] Ce nouveau jalon discographique prend place parmi les versions les plus équilibrées de la geste schumannienne pour clavier.» (Classica, décembre 2015 / Michel Le Naour)
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Classique - Paru le 18 septembre 2015 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles de Classica
« Mesdames et messieurs les Québécois, tirez en premier ! » Car en effet, les deux solistes pour ce disque de musique intimement français sont Louis Lortie et Hélène Mercier, deux incontournables solistes internationaux natifs de la Nouvelle-France du Nord… Mais non, chers qobuzonautes, ne voyez aucun chauvinisme dans ces propos : ce sont des considérations admiratives de l’art de ces deux pianistes qui ont su si magiquement se saisir de ce répertoire délicat, dans lequel tant d’interprètes se sont fourvoyés. Car le Concerto, le Concerto pour deux pianos, Aubade, la Sonate pour quatre mains, l’Embarquement pour Cythère, sont des œuvres de la veine plus « légère », galante, plus aimable de Poulenc, avec quelques tendres incursions dans la farce et la clownerie – qu’il ne convient pas de prendre trop à la lettre ! Disons qu’il faut rester sérieusement facétieux, et drôlement sérieux à la fois, afin d’éviter la sentimentalité ou le guignol. Quant aux quelques passages qui préfigurent les Dialogues des carmélites, ils sont déclamés avec le recueillement qu’ils exigent. Lortie et Mercier font œuvre de finesse, et les clins d’œil restent toujours dans la plus grande élégance. © SM/Qobuz« [...] Louis Lortie et Hélène Mercier atteignent une sorte de légèreté et de brillance qui sont la signature de Poulenc, ce maître du classicisme ressuscité. Ils n'omettent pas non plus l'humour de cette musique qui ose le collage et fraie avec le mauvais goût. Heureuse répartition des rôles entre les deux pianos, même si l'on eut aimé plus d'audace encore, de grandeur narquoise (Concerto pour deux pianos), deux aspects que l'on retrouve dans la Sonate. » Disque rafraîchissant. (Classica, février 2016 / Luc Nevers) 
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Classique - Paru le 30 juin 2015 | Chandos

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Musique symphonique - Paru le 26 mai 2015 | Chandos

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Musique concertante - Paru le 5 novembre 2013 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice - 4 étoiles de Classica