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Los álbumes

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Alternatif et Indé - Publicado el 22 de marzo de 2019 | ATO Records

Hi-Res Premios Pitchfork: Best New Music - Qobuzissime
¡Qué pasada! Una jovenzuela londinense que dice haber aprendido a tocar imitando los acordes de The Libertines. En casa sonaban los discos de folclore turco de su papá y los de música clásica, Simon & Garfunkel y Cat Stevens que ponía mamá. Por otro lado, al parecer, su santísima trinidad pop está conformada por Nina Simone, Amy Winehouse y los Pixies. No tenemos más datos datos, pero así son las cosas. En todo caso, lo que podemos afirmar sin temor a equivocarnos es el que la música de Nilüfer Yanya se mueve desacomplejadamente entre el rock y el soul, con intensidad y cierta tendencia a la ironía. Y si Miss Universe, su primer álbum, destaca de entrada por algo es por la impecable asimilación de las citadas referencias, discos y épocas. Exquisitamente elaborado, incluye potentes canciones dotadas de estribillos imparables (In Your Head), baladas sensibles pero nada insípidas (Monsters Under the Bed), pop desarticulado (Paradise), R&B minimalista (Safety Net) y mil sorpresas más. Pero, sobre todo, Nilüfer Yanya demuestra una frescura nada habitual en los actuales orbes del pop y el rock. ¡Todo ese carisma musical, color vocal y madurez compositiva, con solo 23 años, se merece un Qobuzissime! © Marc Zisman/Qobuz
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Alternatif et Indé - Publicado el 12 de abril de 2019 | Partisan Records

Hi-Res Premios 4F de Télérama - Qobuzissime
Apenas recuperados de Songs of Praise, primer Qobuzissime de los londinenses Shame, el ojo del huracán rock’n’roll se traslada ahora más al norte, a Dublín. Allá, una banda igualmente virulenta llamada Fontaines D.C., aprieta los dientes para demostrarnos que el actual revival postpunk tiene todavía más de un gancho, rodillazo, patada y directo al estómago que propinarnos. Y aunque el álbum de presentación de Fontaines D.C., Dogrel, se enraíce en territorios conocidos (The Fall, Joy Division, Gang Of Four, Public Image Ltd.), el abono es diferente. En primer lugar, por esa singularidad irlandesa que exuda este disco nostálgico de un Dublín de postal, desaparecido a causa de la globalización y la gentrificación. Dogrel termina, por lo demás, con Dublin City Sky, balada acústica alusiva a los viejos pubs y la Guinness bien tirada, y que parece salida de un disco de los Pogues, su grupo de referencia. Pero el combo de Grian Chatten tiene también la particularidad de venerar la literatura y la poesía tanto como el rock’n’roll y la folk music. De ahí esa constante sensación de estar escuchando un panfleto de puro y reivindicativo postpunk, pero nunca burdo. Ese es el punto fuerte de Dogrel, sonar culto sin parecerlo, agitado pero audible. En un posible hit como Big Chatten aúlla «my childhood was small, but I'm gonna be big» (mi infancia fue pequeña, pero voy a ser grande). Y precisamente eso, grandes, es lo que parece que Fontaines D.C. están destinados a ser muy pero que muy pronto… © Marc Zisman/Qobuz
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Alternatif et Indé - Publicado el 30 de agosto de 2019 | Polydor Records

Premios Pitchfork: Best New Music
El magnetismo de su carnal voz es intangible. Elizabeth Grant, conocida como Lana Del Rey, podría susurrar las instrucciones de una aspiradora inalámbrica, o incluso invitar a la Tierra entera a una de sus fiestas (A$AP Rocky, The Weeknd, Stevie Nicks y Sean Lennon en Lust for Life, su álbum de 2017), mientras sigue deambulando por su pequeño planeta hecho de lentitud y melancolía. Es su manera de hablar de su tiempo, de sus contemporáneos, del sueño americano y, también, porqué no, de sí misma... Con su impactante título, su portada de estética pop (con Duke Nicholson, nieto de Jack Nicholson, a bordo de un bote alejándose de una costa en llamas) y su ritmo particularmente lento (solo baladas, sin títulos grandilocuentes), Norman Fucking Rockwell! está impregnado de un ADN más bien folk. Una cascada sonora en la que la cantante se regodea, más melancólica y evanescente que nunca. Un disco diseñado especialmente con Jack Antonoff, autor/productor preferido de estrellas del pop como Taylor Swift, St. Vincent, Lorde, Carly Rae Jepsen y Pink, quien viste su estado de ánimo con tanta sobriedad como eficiencia. Singular y hermoso álbum en cámara lenta en este mundo de matones, una versión de Doin’Time (1996) de Sublime (a su vez una especie de relectura del Summertime Gershwin), una prueba más de la originalidad del caso Lana Del Rey, mucho más complejo de lo que algunos nos quieren hacer creer... © Marc Zisman/Qobuz
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Rock - Publicado el 26 de abril de 2019 | JJ Cale

Hi-Res Premios 4F de Télérama
Lo suyo fue el blues al ralentí y exquisitamente cool. Su atípica aleación de rock, folk, country, blues y jazz convirtió a J.J. Cale en uno de los ermitaños más influyentes del planeta rock. Venerado por Clapton, autor de un hit como Cocaine y residente la mayor parte del tiempo en una caravana, sigue siendo la encarnación más reconocida de ese estilo tan lento como relajado. Así que, para sus fans, Stay Around supondrá un auténtico regalo del cielo, porque este disco póstumo de abril de 2019 reúne quince temas inéditos mezclados y producidos por el propio Cale, recopilados por su viuda, Christine Lakeland, y su viejo cómplice y manager Mike Kappus. «Me planteé poner efectos nunca escuchados a fin de optimizar el ‘factor Cale’», precisa Lakeland…«Pero al final me he limitado a sacar el máximo partido de cuanto salió del corazón y los dedos de John, así como de sus sonoridades, optando por utilizar sus mezclas. Las cosas pueden hacerse de modo tan repetitivo que, al final, pierden el latido humano. Pero John conservó siempre ese aspecto. Y dejó un amplio margen a la interpretación.» Por supuesto, todas estas pequeñas gemas –del tema más despojado (Oh My My) al más dinámico (Chasing You)– no aportan nada sustancialmente nuevo a la música de este rey del cool, que tan bien conocíamos y apreciábamos. Pero Stay Around, que no suena en absoluto como el típico recopilatorio a base de descartes, demuestra, por su calidad, que nuestro hombre se tomaba en serio cada segundo que pasaba en el estudio. Y como siempre en su caso, uno termina de escuchar este álbum póstumo con la impresión de haber vivido la experiencia más humana y cálida imaginable. Una música absorbente y sincera, hecha con el alma y las tripas. © Marc Zisman/Qobuz
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Alternatif et Indé - Publicado el 17 de mayo de 2019 | 4AD

Hi-Res Premios 4F de Télérama
Este octavo álbum de The National enriquece con pequeñas y felices novedades la bien engrasada maquinaria de la banda norteamericana, comenzando por la aparición de numerosas cantantes que escoltan vocalmente a su líder, Matt Berninger, en la mayor parte de los temas. Y así como cabe resaltar la presencia de Gail Ann Dorsey (bajista de David Bowie) en You Had Your Soul With You, debe hacerse lo propio con las bienvenidas colaboraciones de Lisa Hannigan y Mina Tindle, respectivamente, en So Far So Fast y en la muy emotiva Oblivions. Pero, ¿cuál es la razón de tal participación femenina, teniendo en cuenta que el grupo había sido hasta hoy exclusivamente masculino? Pues porque en el germen del disco está el cineasta Mike Mills, que propuso a los chicos de The National ilustrar musicalmente su mediometraje I Am Easy to find, que no por casualidad consiste en el retrato de una mujer. Así que, en realidad, es esta relación con el cine lo que ha alterado el universo pop de la banda de Brooklyn, percibiéndose aquí y allá diferentes referencias a ciertos clásicos del séptimo arte, y en concreto a Vacaciones en Roma de William Wyler (1953). Pero al margen de tales novedades cinematográfico-femeninas, los fans de The National podrán disfrutar una vez más de la legendaria melancolía de la banda, que inunda tanto letras como música. Y en ese sentido se encuadra la desgarradora elocuencia de unas fluidas cuerdas en todos los cortes (con una única salvedad, los violines en staccato de Where Is Her Head), así como un recurrente piano introspectivo (especialmente en un tema tan hermoso como Light Years). Por su parte, la singular guitarra rítmica de Bryan Devendorf despliega múltiples contrastes, desde las más arrolladoras sacudidas (Rylan, The Pull of You) al toque más sensual (Hairpin Turns, I Am Easy to Find). © Nicolas Magenham/Qobuz
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i,i

Alternatif et Indé - Publicado el 9 de agosto de 2019 | Jagjaguwar

Hi-Res Premios Pitchfork: Best New Music
Tras haber llevado al límite la experimentación sónica en el precedente 22, A Million, Bon Iver regresa a un terreno más familiar y menos desconcertante en I,I, su cuarto álbum de estudio lanzado en 2019. Secundado por un extenso equipo de colaboradores, Justin Vernon da forma a un disco que combina todos los elementos de sus anteriores trabajos en un todo más sombrío y expresivo, a la vez más íntimo y más expansivo. La excesiva extravagancia de algunos arreglos, desafortunadamente, a menudo atenta contra el espíritu de las canciones y otorga al disco un carácter confuso. Incluye los sencillos "Hey, Ma" y "U (Man Like)" y la participación de James Blake, Aaron Dessner, Bruce Hornsby y Moses Sumney, entre otros.
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Alternatif et Indé - Publicado el 18 de enero de 2019 | Jagjaguwar

Hi-Res Libreto Premios Pitchfork: Best New Music
Sharon Van Etten ha aguardado cinco años para dar continuación a Are We There, su álbum de 2014, en el que se servía con brillante soltura de influencias como las de Cat Power, Nick Cave, John Cale, Joan As Police Woman, St. Vincent, Feist y Fiona Apple. Un disco donde la norteamericana demostraba su singular personalidad. Y que se confirma en el presente Remind Me Tomorrow, realizado entre los huecos de una apretada agenda en la que han coincidido su papel en la serie The OA, la composición de la banda sonora del film Strange Weather de Katherine Dieckmann, la música del show de la actriz Tig Notaro, el trabajo en su licenciatura de psicología, su aparición en la serie Twin Peaks y el nacimiento de su primer hijo. ¿Se puede pedir más? Lo que sorprende de entrada es la energía desbordante de esta entrega 2019, cuyos arreglos vienen firmados por el productor John Congleton, sin duda el responsable de esos pasajes mucho más ritmicos de lo acostumbrado, a imagen del single Comeback Kid. Así que sus características introspecciones minimalistas se reducen en beneficio de un tono más reivindicativo, si bien Sharon Van Etten no ha perdido sus peculiaridades por el camino. Pero, sobre todo, conviene resaltar que no ha pulido un ápice sus aristas. Congleton ha sabido dar con las texturas sonoras adecuadas para hacer del universo folk gótico de la cantante algo aún más intenso y fascinante, ayudando a crecer a una de las artistas más interesantes de su generación. © Marc Zisman/Qobuz
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Alternatif et Indé - Publicado el 14 de junio de 2019 | Heavenly Recordings

Hi-Res Premios Qobuzissime
Miss Brown posa como perdida en mitad de una fábrica de color ocre. Muy visual, estupendo. No es de extrañar, esta joven artista norteamericana trabaja como ilustradora en la empresa MailChimp. «Es como tener dos trabajos a tiempo completo: el diseño y la música», según ha explicado. Y casi podemos imaginarla dando forma a sus temas en horario nocturno. Mattiel (pronúnciese Maa-Teel) Brown se pondrá su mono de trabajo y venga, a darle a la voz, a una voz de timbres agrestes y rugosos. Aspereza que, sin duda, algo tendrá que ver con los vastos campos de Georgia entre los que creciera, antes de trasladarse a la poblada Atlanta. Allí conoció a Randy Michael y Jonah Swilley, con los que comienza a componer lo que constituirán los cimientos de Satis Factory. Ellos se ocupan de la parte instrumental y ella de las letras.Y esa alquimia funciona a las mil maravillas. Los riffs enganchan (Je Ne Me Connais Pas) y las melodías suenan pegadizas, pero por encima de todo fascina esa personalidad con temperamento, como las que acostumbra a fichar el sello Burger Records. Personalidad que Mattiel contagia a un folk sesentero con aromas de surf pop y a un blues intemporal con elementos de soul vintage. Una mezcla muy equilibrada y trufada de referencias; de hecho, suele citar entre sus artistas favoritos a Screamin’ Jay Hawkins, Andre3000, Marc Bolan, The Staple Singers y Jack White. Un disco de lo más prometedor. © Charlotte Saintoin/Qobuz
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Alternatif et Indé - Publicado el 24 de mayo de 2019 | BMG Rights Management (UK) Limited

Hi-Res Premios 4F de Télérama
A los más grandes artistas les encanta participar en el juego. Basta con recordar a Bowie en Pin-Ups, a Johnny Cash en American IV: The Man Comes Around, a Lennon en Rock & Roll, a Metallica en Garage Inc, a Cat Power en The Covers Record, a Meshell Ndegeocello en Ventriloquism, a Patti Smith en Twelve o a Costello en Almost Blue, por citar algunos. Pero sacar el obligado álbum de versiones no deja de tener sus riesgos, y raras veces supera el rango de lo anecdótico dentro de la discografía del artista en cuestión. Al menos, en California Son Morrissey se divierte y nos divierte exhumando un inesperado puñado de canciones, mayormente oscuras y olvidadas. Y es que las influencias habituales del ex-Smith (New York Dolls, Patti Smith, Roxy Music, Bowie, Sparks, etc.) brillan aquí por su ausencia. Respaldado por siete invitados (LP, Ed Droste de Grizzly Bear, Ariel Engle de Broken Social Scene, Petra Haden, Sameer Gadhia de Young The Giant, Billie Joe Armstrong de Green Day y Lydia Night de The Regrettes), nuestro admirado Moz ha preferido recuperar imprevistos temas de Roy Orbison, Melanie, Laura Nyro, Buffy Sainte-Marie, Bob Dylan o The 5th Dimension, pero también de Jobriath, Phil Ochs, Tim Hardin, Joni Mitchell o Carly Simon. Su voz –verdadero polo de atracción sobre el que gravita el conjunto– suena casi siempre perfecta y se adueña de todos y cada uno de los títulos, ofreciendo relecturas tan sorprendentes como la de Only a Pawn in Their Game de Dylan. Un trabajo especialmente recomendado a los fans de Morrissey. © Max Dembo/Qobuz
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Alternatif et Indé - Publicado el 15 de marzo de 2019 | BMG Rights Management (US) LLC

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Alternatif et Indé - Publicado el 22 de marzo de 2019 | Sub Pop Records

Hi-Res Premios Qobuzissime
Su imagen resulta de lo más misteriosa. Tocado con un Stetson, antifaz en los ojos y velo de flecos que le cubre la boca, Orville Peck parece una especie de vengador enmascarado, disfrazado, embozado, inidentificable, presto a sumarse a las filas de ilustres personajes como Daft Punk, Cascadeur, The Residents, MF Doom o SBTRKT. Nuestro hombre tiene, pues, el aspecto de un cow-boy escapado de alguna pesadilla de David Lynch, como si se tratara de una versión improbable del Llanero Solitario, ese personaje de ficción nacido en 1933 en un folletín radiofónico y protagonista quince años más tarde de una serie televisiva, verdadero icono de la cultura pop norteamericana… Y cuando por fin abre la boca, se descubre una voz de crooner de acentos intemporales y tonalidades de Elvis, Roy Orbison, Chris Isaak, Lloyd Cole y Marlon Williams. Una acariciadora voz de lover inveterado, de cuyos efectos Orville Peck, con todo, no llega a abusar. En Pony, su primer álbum Qobuzissime, editado por el estupendo sello Sub Pop, este misterioso artista nacido no se sabe dónde y de edad desconocida, encadena unas desarticuladas baladas románticas con las más oníricas elegías. Unas canciones enormes envueltas en una producción caracterizada por la reverberación, las guitarras twang, las baterías algodonosas y la steel-guitar impresionista. Como si el country y el shoegaze se amalgamaran para gozar de una tórrida noche de amor. Corazones rotos, moteles desérticos, autopistas infinitas y paisajes de western desteñido; he aquí un bonito disco que deja entrever una imaginería fascinante pintada por ese dotado artista que es Orville Peck. Para sumergirnos en ella bastará con cerrar los ojos y soñar escuchando estas canciones. © Marc Zisman/Qobuz
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Alternatif et Indé - Publicado el 5 de abril de 2019 | Rhino

Premios 4F de Télérama
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Alternatif et Indé - Publicado el 5 de abril de 2019 | Sub Pop Records

Hi-Res Premios Pitchfork: Best New Music
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Rock - Publicado el 27 de septiembre de 2019 | Rhino - Warner Records

Hi-Res Premios Best New Reissue
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Alternatif et Indé - Publicado el 30 de noviembre de 2018 | Polydor Records

Premios Pitchfork: Best New Music
En A Brief Inquiry into Online Relationships the 1975 acentúa fuertemente el vuelco hacia el R&B y el pop adulto insinuado en el precedente I Like It When You Sleep… Ambicioso y a menudo frustrante, este tercer disco de la banda británica mezcla géneros, argumentos y estilos de producción sin ningún tipo de prejuicios, alternando momentos brillantes con otros simplemente irritantes. Un poco como la internet, A Brief Inquiry into Online Relationships funciona mejor en dosis pequeñas.
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Alternatif et Indé - Publicado el 21 de junio de 2019 | Rough Trade

Hi-Res Premios Pitchfork: Best New Music
El revival post-punk que viene sacudiendo el Reino Unido desde comienzos de la década de 2010 no deja de alumbrar bandas de interés. Pero con Black Midi se amplía el espectro de influencias, hasta el punto de enloquecer los sismógrafos encargados de rastrear nuevas vibraciones musicales. Sirviéndose de los códigos del math rock, del krautrock y de la música progresiva, Georgie Greep (voz/guitarra), Cameron Picton (bajo/voz), Matt Kwasniewski-Kelvin (guitarra) y Morgan Simpson (batería) se nos presentan alternativamente a manera de arquitectos y expertos en demoliciones. Rítmicamente superdotado, Schlagenheim se mueve por terra incognita. Y tambíen resulta sorprendente el vanguardista método de trabajo de estos jóvenes londinenses, basado en un proceso de construcción/deconstrucción a partir de una estructura inicial. Sus inacabables jams pueden así transformarse en riffs, adoptando forma de una serie de compases. Las piezas de Black Midi parecen, por ello, criaturas en continuo movimiento, altamente cambiantes, en una mezcla de «droning, ambient, noisy thing». según Greep. Sus sonidos traerán al recuerdo de los más veteranos el rock’n’roll disparatado, free y terrorista de Swans, Boredoms, Neu!, Public Image Ltd., Merzbow, Fugazi o Test Icicles. Y es que los chicos de Black Midi no están aquí para acariciar nuestros oídos, sino para despertar y agitar el planeta rock. Un primer disco sin concesiones. © Marc Zisman/Qobuz
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Rock - Publicado el 30 de noviembre de 2018 | dBpm Records

Premios Pitchfork: Best New Music
La muerte, el paso del tiempo, la depresión, la decrepitud… No parece que semejante universo temático pueda despertar el entusiasmo de las masas. Y eso que la propuesta lleva por título Warm, es decir, cálido, afectuoso, acogedor. Calificativo que le encaja como anillo al dedo a su autor, Jeff Tweedy, uno de los songwriters más afables de su generación, al que cabe recurrir con efectos balsámicos en caso de grave ataque de tristeza invernal. Desde finales de los 80 el líder de Wilco no ha dejado de editar una maravilla tras otra, siempre llenas de letras intimistas que hablan de naufragios afectivos pero con una pizca de humor o ironía… A Tweedy, por otra parte, le encanta relacionarse con los demás. Desde 2010 trabaja habitualmente con una de las grandes reinas del soul, Mavis Staples, a la que suele producir o con la que coescribe algún álbum (You Are Not Alone en 2010 y One True Vine en 2013), mientras en 2014 publicaba un disco a dúo con su hijo, el baterista Spencer Tweedy (Sukierae). Así que hubo que esperar a 2017 para que sacara un trabajo únicamente firmado por él, Together at Last. Bueno, en realidad no se trataba de un verdadero álbum en solitario, puesto que estaba integrado exclusivamente por viejos temas de Wilco y de otros proyectos suyos, como Golden Smog y Loose Fur, revisitados en clave acústica. Pero en Warm el repertorio es cien por cien nuevo, y Jeff Tweedy se declara único responsable del guiso. El terreno de juego es el habitual. El sobrio y hermoso universo de una Americana intemporal, consiguiendo como siempre un impecable equilibrio entre lo amargo y lo dulce. Y, como siempre también, destaca cuando de lo que se trata es tanto de escribir una espléndida melodía (I Know What It's Like) como de hacer ruido (The Red Brick). Pero Tweedy demuestra a la vez que es uno de los mejores poetas rock de nuestra época. Como cuando concluye el tema Some Birds con la frase: I break bricks with my heart, Only a fool would call it art. © Marc Zisman/Qobuz
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Rock - Publicado el 26 de abril de 2019 | Wita records

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Rock - Publicado el 7 de junio de 2019 | Columbia - Legacy

Hi-Res Premios Best New Reissue
En 2002 Dylan dedicaba el volumen 5 de sus Bootleg Series a la famosa Rolling Thunder Revue, su aplaudida gira de otoño de 1975/primavera de 1976, hasta entonces solo documentada por el álbum Hard Rain. Una catarata de 57 conciertos que seguía a la edición de uno de sus mejores discos, Blood on the Tracks, para la cual contó con la colaboración de una ex, Joan Baez, de Roger McGuinn de The Band y de Joni Mitchell, pero también de Ramblin' Jack Elliott, Kinky Friedman, Bob Neuwirth, T-Bone Burnett, el guitarrista de David Bowie Mick Ronson y de la violinista Scarlet Rivera. Una gira excepcional pero atípica dentro de la trayectoria de su autor. Las canciones de Dylan (con 34 años recién cumplidos y en pleno caos sentimental) encontraban un original envoltorio que combinaba tradición folk (con el fantasma de Woody Guthrie revoloteando por ahí), espíritu informal («somos todos muy amigos») y grandes dosis de modernidad, gracias especialmente a la guitarra glam de Ronson. De este modo, Zimmerman transformaría su «tournee» de muchos meses en un circo rockero donde cierto desorden expresivo era elevado a categoría de arte. Con The Rolling Thunder Revue: The 1975 Live Recordings, los dylanófilos saltarán de júbilo: ¡148 temas (¡100 de ellos nunca licenciados antes!) a lo largo de 14 discos que suman más de 10 horas y media de música! Y es que esta auténtica cueva de Alí Babá, destinada especialmente a sus fans más hardcore, reúne íntegros los cinco conciertos grabados en esa gira, así como los ensayos registrados en los estudios SIR de Nueva York y en el Seacrest Motel de Falmouth. Sin olvidar como bonus un disco que recopila cortes raros extraídos de diversas actuaciones procedentes de esta Rolling Thunder Revue. En todo caso, se requiere tiempo para disfrutar de tan excesivo y apasionante documento sonoro, que repasa una etapa vital y creativa clave en la trayectoria de un Dylan mostrado con toda su complejidad: su relación con la tradición, el anclaje en su época, sus vínculos con la escritura pero también con aquellos que le rodeaban. Un verdadero tesoro que aparece al mismo tiempo que Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story by Martin Scorsese, fascinante documental producido por Netflix y dirigido por el realizador de Taxi Driver, centrado en esta gira fundamental para la historia del rock. © Marc Zisman/Qobuz
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Pop/Rock - Publicado el 24 de mayo de 2019 | A&M - Interscope Records

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«Estas canciones forman parte de mi vida. Reconstruidas, reelaboradas e incluso situadas en nuevos contextos, siguen sonando muy actuales», como puede leerse en el comunicado que acompaña un disco que es, por lo tanto, bastante más que una simple recopilación de éxitos de Sting (tanto en solitario como con Police). Y lo que el cantante ha trabajado aquí con mayor tesón es el aspecto rítmico, a fin de eliminar los elementos más «datados» de algunos temas (según explica el propio Sting). Con más percusión que las versiones originales, las baterías de Demolition man, If You Love Somebody Set Them Free, Desert rose o Englishman in New York sorprenderán, pues, a más de un oyente; aunque debe señalarse, en cuanto a ese célebre homenaje al icono gay Quentin Crisp, que se han conservado los pizzicati y el solo de saxo soprano que dotaban de encanto a esa canción de 1988. Por lo demás, las texturas y derroches vocales típicos del artista británico han sido igualmente sometidos a nuevos tratamientos. Menos nítida pero más contundente, la voz de Sting aporta uns nueva dimensión a Fields of gold y Fragile, dos temas que demuestran que el talento melódico de Sting no ha envejecido ni un ápice. Y lo mismo cabe decir de los cortes procedentes del periodo Police, como Message in a bottle, Walking on the moon o la imprescindible Roxanne (presente aquí en versión live). ©Nicolas Magenham/Qobuz

El género

Pop/Rock en el Magazine