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Los álbumes

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Clásica - Publicado el 5 de junio de 2020 | Seattle Symphony Media

Hi-Res Libreto Premios Gramophone Record of the Month
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Clásica - Publicado el 28 de junio de 2019 | PentaTone

Hi-Res Libreto Premios Gramophone Record of the Month
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Clásica - Publicado el 3 de mayo de 2019 | Deutsche Grammophon (DG)

Hi-Res Libreto Premios Diapason d'or - 4F de Télérama - Gramophone Record of the Month - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Composer Mieczyslaw Weinberg has received renewed attention, especially as the centenary year of his birth in 2019 approached. He has hardly received better advocacy than he gets here from the sensational young conductor Mirga Gražinytė-Tyla in her first recording for Deutsche Grammophon, and first as conductor of the City of Birmingham Symphony Orchestra. Weinberg lost most of his family in the Holocaust; he himself fled to the Soviet Union, where he wasn't exactly well treated, but survived and became closely acquainted with Shostakovich. The two mutually influenced each other, but it is surprising how individual Weinberg's style remained. The Symphony No. 21, Op. 152 ("Kaddish") was worked at by Weinberg for some time and was completed in 1991, a few years before his death. The work is dedicated to the victims of the Warsaw Ghetto in World War II and has the feeling of a personal memorial. It is almost unrelievedly grim, although it has an episodic quality deriving partly from its association with a film about the ghetto. You would not pick the youthful Gražinytė-Tyla as an interpreter, but this is an extraordinary reading. The finale has a kind of wordless keening for soprano, which Gražinytė-Tyla takes herself. There is no way to know what Weinberg had in mind for the work, but the effect of her chorister's voice is extraordinary here. A factor adding a personal quality to the performance is the presence of violinist Gidon Kremer, who has championed Weinberg's music, and who here appears not only as the leader of his Kremerata Baltica in Weinberg's Symphony No. 2 for string orchestra, Op. 30, but also takes the violin solo part in the Symphony No. 21. It is as though the Weinberg baton was being handed on to the next generation. The Symphony No. 2 itself is an elegant string serenade that draws more on interwar Czech and Polish music than it does on Shostakovich. The work of Kremerata Baltica and the CBSO here seems almost to mesh, and this is an extraordinary debut overall. How is Gražinytė-Tyla going to follow it up? © TiVo
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Oratorios sacros - Publicado el 12 de abril de 2019 | harmonia mundi

Hi-Res Libreto Premios Diapason d'or - 4F de Télérama - Gramophone Record of the Month - Choc de Classica
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Clásica - Publicado el 1 de marzo de 2019 | Channel Classics Records

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Cantatas (profanas) - Publicado el 23 de noviembre de 2018 | Erato

Hi-Res Libreto Premios 5 de Diapason - Gramophone Record of the Month - Choc de Classica - 5 Sterne Fono Forum Klassik
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Lieder (Alemania) - Publicado el 16 de noviembre de 2018 | Sony Classical

Hi-Res Libreto Premios 5 de Diapason - Gramophone Record of the Month
Alejadísimos de los Lieder de Schubert, que se inscriben en la tradición «popular» alemana, generalmente compuestos en estrofas, con acompañamiento supeditado al canto (¡lo cual no quita nada a su increíble genialidad!), los de Schumann provendrían, según los términos del propio Christian Gerhaher, de la «dramaturgia lírica», de pequeñas óperas en miniatura, teniendo el piano y el canto igual importancia. Lo que no explica porqué los Lieder de Schumann se programan tan raramente en concierto, salvo algunos ciclos repetidos hasta la saciedad –Mirtos, Amores de poeta o Amor y vida de mujer sobre todo. Gerhaher y su pianista Gerold Huber bucearon en el amplio repertorio del compositor para elegir obras que no se cantan prácticamente nunca. Solo tres de los ciclos presentados aquí datan de 1840, «el Año del Lied» –y, dicho sea de paso, el año ¡finalmente! de las bodas con Clara Wieck–, los demás reflejan los últimos años de la vida del compositor, después de 1850, con cuánta nostalgia, y mesura también… No estamos en absoluto en el romanticismo desenfrenado de los primeros años, y el humor es cada vez más sombrío, el discurso más fragmentado, con pinceladas, como esbozado. El contraste entre una época y otra es extraordinario. Gerhaher y Huber nos ofrecen estas sorprendentes maravillas con el debido respeto. © SM/Qobuz
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Ópera - Publicado el 26 de octubre de 2018 | SDG

Hi-Res Libreto Premios Gramophone Record of the Month
Obviamente, Il ritorno d’Ulisse in patria de Monteverdi plantea mil y un problemas a los intérpretes actuales. No existe ningún manuscrito autógrafo definitivo –suponiendo que en la época estuviesen preocupados por el estado «definitivo» de obras que, de una producción a otra, solían remodelarse según los cantantes e instrumentistas disponibles, los caprichos tal o cual diva o divo, las características de las salas, los diktats de la Iglesia– y la única copia de la época del compositor, descubierta en 1881 en Viena, no es del toco completa. Y cuando equiparamos este manuscrito con las diferentes copias del libreto que sobrevivieron, se agravan los problemas. En el caso de esta grabación firmada por Sir John Eliot Gardiner y los English Baroque Soloists, realizada durante unas representaciones en septiembre de 2017, se completó todo lo que podía serlo, con páginas provenientes de obras anteriores de Monteverdi. Obras afortunadamente numerosas dado que El retorno de Ulises fue compuesto en 1640, cuando Monteverdi tenía unas sesenta y cuatro primaveras. Esta versión representa sin duda una de las visiones más cercanas a lo que podía hacerse en la época, máxime cuando los cantantes pusieron esmero en reproducir con la mayor exactitud posible las inflexiones vocales, a veces muy declamatorias, otras muy cantadas, exigidas por los diversos formatos establecidos por Monteverdi. Los recitativos y las arias, los conjuntos et los coros, todo está tratado con sumo cuidado, y la obra gana considerablemente en contraste y claridad. Una magnifica realización. © SM/Qobuz
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Violín solo - Publicado el 5 de octubre de 2018 | Decca Music Group Ltd.

Hi-Res Libreto Premios 5 de Diapason - Gramophone Record of the Month
A student of the last student of Ysaÿe, American violinist Hilary Hahn has played Bach's solo violin music since she was nine, and inaugurated her recording career seven years later with a recording of half the cycle of six, in 1997. That recording rightly won acclaim with its flawless technique and Apollonian lines straight out of the best of the French violin school. Uniquely, she has returned to complete the set 21 years later, and the results are marvelous. It's sometimes hard to pin down the ways in which Hahn's style has changed, but it has to do with a kind of inner relaxation, with a willingness to let the meter vary a bit and pick it up again in the longer line. The flawless tone is still there, but it's not so much an end in itself. It's not an accident that some of the graphics picture Hahn smiling, nor that her quite relevant notes to the album detail the long creative process that went into making it. Sample anywhere, but you could try the very beginning, the first movement of the Sonata for solo violin No. 1 in G minor, BWV 1001, where Hahn takes just a bit of time, draws you in, and lets the rest of the movement flow from there. Decca's engineers do excellent work in a Bard College auditorium that one might not have picked as a venue for this. A superb release from one of the preeminent violinists of our time. © TiVo
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Música sinfónica - Publicado el 10 de agosto de 2018 | Warner Classics

Hi-Res Libreto Premios 5 de Diapason - Gramophone Record of the Month - Toma de Sonido Excepcional - 5 étoiles de Classica
Si Leonard Bernstein fue uno de los mejores directores de orquesta de la segunda mitad del siglo XX, su actividad de intérprete no ocultó nunca su dedicación a la composición. Pero el éxito duradero, y mundial, de West Side Story lo irritaba a menudo porque dejaba en la sombra el resto de un catálogo tan abundante como variado. Antonio Pappano tuvo una excelente idea al reunir las tres sinfonías de Bernstein en un solo álbum, grabado durante varios conciertos en Roma con su Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia que alcanzó bajo su batuta una audiencia internacional. Conviene también recordar que Bernstein mantenía una relación privilegiada con esta institución que solía dirigir con regularidad.Jeremiah, la primera sinfonía de Bernstein, data de 1944. Bernstein tenía veintiséis años, edad en la que también escribió su primer ballet para Broadway, Fancy Free, practicando una mezcla de géneros que será en adelante su marca de fábrica. Desconcertados, muchos melómanos pusilánimes no entendieron entonces que esta dicotomía era inherente al propio genio de Bernstein. Esta primera sinfonía, cantada en hebreo, denuncia el horror del Holocausto en Europa.1949 es el año de The Age of Anxiety (La edad de la angustia), su extraña segunda sinfonía inspirada en un largo y complejo poema de W. H. Auden. Raramente programada debido a la dificultad de la parte de piano solo que pocos intérpretes tienen en su repertorio, esta sinfonía es una suite de «Tema y variaciones». Si el inicio flirtea con la música clásica europea, la de Prokofiev en particular, la conclusión es una suerte de homenaje al «sentimentalismo sincopado» en el estilo de las grandes películas de Hollywood. Interpreta la obra con brío y convencimiento la excelente pianista Beatrice Rana (grabó para Warner Classics un fascinante Segundo Concierto de Prokofiev con el mismo director, y más recientemente unas Variaciones Goldberg de J. S. Bach que provocaron una cierta polémica).Escrita en 1963 y dedicada al presidente Kennedy, Kaddish, su tercera sinfonía, es acaso la obra más personal de esta trilogía. Heterogénea, como toda su música, la obra se basa en un texto propio que escandalizó por su arrogancia iconoclasta, en el que Bernstein le da a Dios consejos para que pueda gobernar la humanidad con más tino… Insatisfecho con su texto, el compositor revisó la obra varias veces hasta conseguir la partitura generalmente utilizada hoy. © François Hudry/Qobuz
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Música sinfónica - Publicado el 4 de mayo de 2018 | Signum Records

Hi-Res Libreto Premios Gramophone Record of the Month - 5 étoiles de Classica
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Integrales de ópera - Publicado el 2 de mayo de 2018 | PentaTone

Hi-Res Libreto Premios 4F de Télérama - Gramophone Record of the Month - Diapason d'or / Arte - Le Choix de France Musique - Choc de Classica
La historia de Los pescadores de perlas de Bizet es, por decirlo con suavidad, algo tormentosa: tras la creación en 1863, la partitura –cuyo manuscrito es ahora desgraciadamente invisible tras haber sido comprado por un coleccionista privado– cayó en el olvido y resucitó muchos años tras la muerte del compositor, cuando consiguió su gran fama, póstuma por tanto, con Carmen. Desgraciadamente, y peor aún, numerosos directores de teatro, creyéndose grandes mandarines, mandaron remodelar la obra, podando por aquí, añadiendo por allá, e incluso modificando el final. Hasta los años 1960, se interpretaron estas versiones funestamente ineptas (siendo el libreto bastante banal ¿para qué añadirle inepcia?); luego, la musicología pudo consultar las partituras originales disponibles, en particular la reducción realizada por el propio Bizet y otros documentos de trabajo de época presentando numerosas indicaciones de orquestación. La presente versión reconstituida en 2014 por Hugh MacDonald y cantada por la crema del gran relevo francés –Julie Fuchs, Florian Sempey, Cyrille Dubois y Luc Bertin-Hugault– restituye en la medida de lo posible la versión inicial de la obra; contiene por tanto grandes sorpresas que son, además, buenísimas: números suplementarios, numerosos desarrollos melódicos y dramáticos... por tanto he aquí, prácticamente, una nueva partitura. © SM/Qobuz
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Conciertos para violín - Publicado el 13 de abril de 2018 | Ondine

Hi-Res Libreto Premios Diapason d'or - Gramophone Award - Gramophone Record of the Month - Toma de Sonido Excepcional - 5 Sterne Fono Forum Klassik - 5 étoiles de Classica
Finlandia es hoy una de las tierras musicales más ricas del planeta; gracias a la calidad excepcional de su enseñanza musical, produce un gran número de compositores, directores e intérpretes con trayectoria profesional en el mundo entero. El riquísimo catálogo del dinámico editor finlandés Ondine contiene numerosas grabaciones del violinista alemán Christian Tetzlaff (Sonatas & Partitas para violín solo) de Bach, Sonatas de Mozart, Tríos de Brahms, Conciertos de Mendelssohn, Schumann y Shostakovich) y del director finlandés Hannu Lintu (Sibelius, Mahler, Enescu, Berio, Messiaen, Lindberg, Melartin), y he aquí el primer disco que reúne a ambos músicos.Los dos Conciertos para violín de Bartók fueron escritos con treinta años de por medio, para dos virtuosos. Si el Segundo, en forma de tema y variaciones con un desarrollo muy ingenioso en tres movimientos, es un concierto muy conocido, el Primero quedó durante mucho tiempo inédito. La violinista suiza de origen húngaro, Stefi Geyer, guardó como un secreto esta obra –una declaración de amor– que Bartók le dedicó; años después de la muerte del compositor, la violinista reveló la obra a un gran amigo de Bartók, el mecenas y director de orquesta Paul Sacher que la estrenó con Hansheinz Schneeberger en 1958.Ambos conciertos, esenciales en el repertorio para violín y orquesta, vuelven felizmente a apasionar a los violinistas de la joven generación –la grabación de estas mismas obras por Renaud Capuçon para Warner salió al mercado hace pocas semanas. Esta nueva versión, magníficamente grabada, explora minuciosamente la riqueza orquestal, en un diálogo perfecto con el violín superlativo de Christian Tetzlaff. © François Hudry/Qobuz
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Música de cámara - Publicado el 6 de abril de 2018 | Chandos

Hi-Res Libreto Premios Gramophone Record of the Month - 5 Sterne Fono Forum Klassik - 5 étoiles de Classica
Clarinetist Bernhard Henrik Crusell, who played the first performance of Mozart's Clarinet Concerto in A major, K. 622, after its posthumous publication, considered himself a Finn despite his Swedish background. He is now regarded as the most prominent Finnish composer before Sibelius, and he wrote a lot for his chosen instrument. The three concertos and the variation set recorded here by Michael Collins, performing and conducting the Swedish Chamber Orchestra (a feat in itself), are virtuoso pieces built on a Mozartian base. Sample the opening movement of the first or the third concerto to assure yourself of Collins' technique. These movements have Mozartian openings that bloom into perilously difficult solo entrances, and Collins executes them without a squawk and even with a bit of charisma and humor. The strongest movements are the slow ones, highly reminiscent of those of the Mozart Concerto and Clarinet Quintet in A major, K. 581: they are not just similar in overall shape, but have the long-breathed beauty of clarinet writing that Mozart mastered so instinctively with the new instrument, and they're really lovely. In all, this is music that should be part of the general concerto repertory but isn't, and it's gorgeously performed. © TiVo
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Piano solo - Publicado el 9 de febrero de 2018 | Deutsche Grammophon (DG)

Hi-Res Libreto Premios Diapason d'or - Gramophone Record of the Month - Le Choix de France Musique - Choc de Classica
¡Nada de eso! no se trata en absoluto de una re-edición de una de las numerosas grabaciones dedicadas a Beethoven que Murray Perahia haya podido realizar en décadas anteriores. Es una lectura reciente, realizada en 2016 y 2017, de dos sonatas radicalmente opuestas: la Nº 14 de 1801, que Rellstab apodó «Claro de luna» en 1832 cuando Beethoven solo escribió Quasi una fantasia, y la Nº 29 de 1819, Große Sonate für das Hammerklavier, escrita tras años de casi-esterilidad. Juntar en un mismo disco estas dos obras, una «de antes de», y otra «de después de» ¿fue un acto consciente del pianista que sufrió, él también, demasiados años de inactividad por culpa de una lesión en la mano que lo alejó de los conciertos de 1990 a 2005? Podríamos imaginarlo, con razón o sin ella… Sea como fuere, Perahia, al igual que Beethoven, volvió en gran forma, lo que prueba esta lectura reciente en la que alternan gestos vigorosos y momentos de intensa introspección, siempre con un fraseo y una articulación impecables y profundamente musicales. Los años durante los cuales el pianista siguió un régimen basado casi exclusivamente en la obra de Bach mientras esperaba curarse, fueron, después de todo, una bendición, según el propio Perahia. © SM/Qobuz
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Clásica - Publicado el 2 de febrero de 2018 | BR-Klassik

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Integrales de ópera - Publicado el 24 de noviembre de 2017 | Warner Classics

Hi-Res Libreto Premios Diapason d'or - 4F de Télérama - Gramophone Record of the Year - Gramophone Award - Gramophone Record of the Month - Victoire de la musique - 4 étoiles Classica
Perdonaremos muy gustosamente las pocas «flaquezas» de la técnica sonora de esta grabación de Les Troyens, la inmensa ópera de Berlioz (realizada en directo y durante un concierto en abril de 2017) considerando la calidad musical y vocal de primerísimo nivel de la distribución (con una gran, y bella, mayoría de voces francesas, encabezadas por Stéphane Degout), de la Orquesta Filarmónica de Estrasburgo y de los tres coros aquí reunidos –inmensas marolas corales acompasan la obra–, el coro de la Ópera Nacional del Rin, el coro de la Ópera Nacional de Baden y los propios coros de la Filarmónica de Estrasburgo. La presente grabación reposa evidentemente en la edición completa original que ofrece Los Troyanos tal como se representó en 1863, antes de que el Théâtre-Lyrique, mediante intensa carnicería, hiciera dos óperas distintas, La Prise de Troie (con los actos I y II) y Les Troyens à Carthage (con los actos III a V), lo que no respeta en absoluto la partitura completa. Apreciaremos por supuesto la imaginación orquestal de Berlioz quien, a cada obra nueva, inventaba a mansalva, presentando prototipos vanguardistas sin dormirse nunca en los laureles. Señalamos la presencia de seis saxhorns, recién inventados por Adolphe Sax (Berlioz fue su incasable paladín, aun cuando no utilizó mucho estos instrumentos en sus composiciones, teniendo acaso en cuenta la pésima calidad de los primeros instrumentistas que supieron –o no– tocarlos), del clarinete bajo y de un ejército de percusiones, entre las cuales algunos instrumentos que debieron sorprender en la época: platillos antiguos, darbuka, tam-tam, máquina de trueno… He aquí una grabación que, obviamente, supone un verdadero hito en la discografía berlioziana. © SM/Qobuz
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Sinfonías - Publicado el 27 de octubre de 2017 | Sony Classical

Hi-Res Libreto Premios Gramophone Record of the Month - Diapason d'or / Arte - Choc de Classica - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Un álbum, una sinfonía: como un regreso a los días del Long Play, a la época de los Mravinsky, Doráti, Markevitch, Karajan y tantos otros intérpretes que marcaron con su sello la discografía de la última sinfonía de Piotr Ilitch Chaikovski. Parece también confirmar esta impresión la portada que recuerda el estilo RCA de los años cincuenta y sesenta. Sony Classical, apoyando plenamente las opciones artísticas del director greco-ruso, no duda en publicar un álbum de, más o menos, cuarenta y cinco minutos – algo que el sello superó al publicar el precedente disco, La Consagración de la primavera (2015), celebrado por toda la prensa. Aquí, Teodor Currentzis prosigue su exploración del mundo chaikovskiano con la Patética, acentuando los contrastes dinámicos, con medios a veces naturales y otras, más técnicos (Adagio lamentoso), practicando así métodos más específicos de las producciones pop. Explota el carácter generalmente sombrío de la obra, e incluso antes de la energía rítmica, procura crear atmósferas que rozan a menudo lo morboso. Los discófilos podrán, con este CD, revisar su discografía, mientras todos los otros ardientes utilizadores de Qobuz tendrán una oportunidad para redescubrir este verdadero emblema del repertorio orquestal. © TG/Qobuz
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Piano solo - Publicado el 8 de septiembre de 2017 | Deutsche Grammophon (DG)

Hi-Res Libreto Premios Gramophone Record of the Month - Choc de Classica - Choc Classica de l'année
En vísperas de su 60º aniversario, el pianista polaco Krystian Zimerman pensó que llegaba el momento de «encontrar la valentía para enfrentarse a estas obras de Schubert y a las últimas sonatas de Beethoven». A pesar de haber tocado estas partituras durante tres décadas, el pianista afirma haberlas temido siempre a causa del gran respeto que siente por sus autores. «Pude acaso –añade Zimerman– tener miedo de esperar demasiado tiempo y que hubiera sido demasiado tarde para grabar estas obras». Zimerman toca un piano moderno, evidentemente, pero concebido para tener las mismas características que los instrumentos que tocaba Schubert. Las cuerdas de este piano son golpeadas por los martillos en un punto diferente de las de un piano de cola actual, lo que les permite aumentar la duración de su sonido cantabile – por otra parte, el cambio de punto de contacto de los martillos sobre las cuerdas, al poner en vibración armónicos diferentes, puede producir la sensación de una afinación extraña. El piano utilizado aquí por Zimerman posee también un mecanismo más ligero. Con un piano de cola moderno, «las numerosas notas repetidas de Schubert corren el riesgo de convertirse en fragmentos de Prokofiev», añade el pianista y, en efecto, gracias a este piano peculiar aunque no se trate de un fortepiano, el Schubert de Zimerman suena a Schubert. Según Zimerman, la grandeza del compositor se puede apreciar, todavía más, en estas dos últimas sonatas: «Pasando con ellas a la velocidad superior, Schubert se atreve a escribir cosas radicalmente nuevas desde el punto de vista armónico y polifónico. Pensando en sus sonatas anteriores, podríamos casi imaginar que se trata de otro compositor». El álbum se grabó en enero de 2016. © SM/Qobuz
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Clásica - Publicado el 1 de septiembre de 2017 | Aparté

Hi-Res Libreto Premios Gramophone Record of the Month - Choc de Classica - 5 Sterne Fono Forum Jazz
Christophe Rousset y sus Talens Lyriques nos llevan a la Académie Royale de Musique donde fue creado en 1748 Pygmalion, acto de ballet de Jean-Philippe Rameau inspirado en un episodio de las Metamorfosis de Ovidio. Pigmalión ama desesperadamente la estatua que ha creado. Conmovido por la situación, el dios Amor anima a la mujer esculpida que se enamora inmediatamente de su creador. Muy sugestiva, la música de este ballet tierno y divertido despliega toda la gracia de las danzas del siglo XVIII. Como Amor en el poema de Ovidio, Christophe Rousset le insufla vida a la partitura que fue uno de los mayores éxitos de Rameau en su época, y nos ofrece, mediante su sentido del drama y su dirección impecable, una lectura nueva e indispensable de este ballet. © Aparté