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Die Alben

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Jazz - Erscheint am 5. November 2021 | ECM

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Jazz - Erscheint am 5. November 2021 | ECM

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Jazz - Erscheint am 5. November 2021 | ECM

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Jazz - Erschienen am 8. Oktober 2021 | ECM

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Jazz - Erscheint am 29. Oktober 2021 | ECM

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Jazz - Erscheint am 29. Oktober 2021 | ECM

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Jazz - Erschienen am 8. Oktober 2021 | ECM

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Jazz - Erschienen am 8. Oktober 2021 | ECM

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Wenn man behauptet, dass Craig Taborn zwar einer der faszinierendsten Pianisten seiner Generation, aber alles andere als leicht zugänglich ist, dann ist damit gemeint, dass der Zuhörer ganz Ohr sein muss. Andächtig sein reicht nicht aus, sondern höchste Konzentration ist erforderlich. Eine derartige Aufmerksamkeit ist natürlich für diesen Konzertmitschnitt am 2. März 2020 in Wien notwendig, bei dem der Amerikaner allein auf der Bühne steht… Der Pianist aus Minneapolis ist ein brillanter Komponist, hier aber ist er ganz schutzlos, nur mit seinen eigenen Kompositionen bewaffnet, die jeden Augenblick die stilistischen Grenzen auslöschen. Seine Fans merken natürlich gleich, dass Shadow Plays genau zehn Jahre nach Avenging Angel erscheint, seiner ersten irrsinnigen Übung im Alleingang, bei der seine unwiderlegbare, äußerst originelle virtuose Technik im Mittelpunkt stand. 2011 schon spielte Taborn wie kein Zweiter mit den Echos, den Hintergedanken und mit einem mehr oder weniger akrobatischen Kontrapunkt. Dieser Stil ist einzigartig und er brachte ihn auch schon im Duo, Trio, Quartett und als Sideman zahlreicher Musikerkollegen (Gerald Cleaver, Vijay Iyer, Roscoe Mitchell, Chris Potter…) zum Ausdruck. Das Solospiel bietet ihm schließlich die Möglichkeit, es auf den Punkt zu bringen und ins Herz der Musik vorzudringen. So gesehen sieht Shadow Play ein bisschen wie der Nachfolger von Avenging Angel aus. Craig Taborn ist auf Klangpausen, Klang und Form aus. Vor allem seinen Stil befreit er von allem Überflüssigem, um der Poesie in seinen Melodien mehr Platz zu lassen. Die siebzehn Minuten Improvisation im Opener Bird Templars sind ziemlich schwindelerregend. In Conspiracy of Things hingegen gibt es mehrere Seiten Geschichte über sein Instrument – Stride Piano inklusive! – Zeit genug, um einen kurzen Notensturm auszulösen. Und so weiter und so fort. Natürlich ist man nach diesem Wiener Konzert sprachlos. Und erschöpft, dafür aber auch unheimlich beflügelt. © Marc Zisman/Qobuz
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Jazz - Erschienen am 8. Oktober 2021 | ECM

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Wenn man behauptet, dass Craig Taborn zwar einer der faszinierendsten Pianisten seiner Generation, aber alles andere als leicht zugänglich ist, dann ist damit gemeint, dass der Zuhörer ganz Ohr sein muss. Andächtig sein reicht nicht aus, sondern höchste Konzentration ist erforderlich. Eine derartige Aufmerksamkeit ist natürlich für diesen Konzertmitschnitt am 2. März 2020 in Wien notwendig, bei dem der Amerikaner allein auf der Bühne steht… Der Pianist aus Minneapolis ist ein brillanter Komponist, hier aber ist er ganz schutzlos, nur mit seinen eigenen Kompositionen bewaffnet, die jeden Augenblick die stilistischen Grenzen auslöschen. Seine Fans merken natürlich gleich, dass Shadow Plays genau zehn Jahre nach Avenging Angel erscheint, seiner ersten irrsinnigen Übung im Alleingang, bei der seine unwiderlegbare, äußerst originelle virtuose Technik im Mittelpunkt stand. 2011 schon spielte Taborn wie kein Zweiter mit den Echos, den Hintergedanken und mit einem mehr oder weniger akrobatischen Kontrapunkt. Dieser Stil ist einzigartig und er brachte ihn auch schon im Duo, Trio, Quartett und als Sideman zahlreicher Musikerkollegen (Gerald Cleaver, Vijay Iyer, Roscoe Mitchell, Chris Potter…) zum Ausdruck. Das Solospiel bietet ihm schließlich die Möglichkeit, es auf den Punkt zu bringen und ins Herz der Musik vorzudringen. So gesehen sieht Shadow Play ein bisschen wie der Nachfolger von Avenging Angel aus. Craig Taborn ist auf Klangpausen, Klang und Form aus. Vor allem seinen Stil befreit er von allem Überflüssigem, um der Poesie in seinen Melodien mehr Platz zu lassen. Die siebzehn Minuten Improvisation im Opener Bird Templars sind ziemlich schwindelerregend. In Conspiracy of Things hingegen gibt es mehrere Seiten Geschichte über sein Instrument – Stride Piano inklusive! – Zeit genug, um einen kurzen Notensturm auszulösen. Und so weiter und so fort. Natürlich ist man nach diesem Wiener Konzert sprachlos. Und erschöpft, dafür aber auch unheimlich beflügelt. © Marc Zisman/Qobuz
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Jazz - Erschienen am 24. September 2021 | ECM

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When We Leave is trumpeter/composer Mathias Eick's fifth leader outing for ECM and his first since 2018's acclaimed Ravensburg. Recorded over two days in November 2020, his sidemen include violinist Håkon Aase, pianist Andreas Ulvo, bassist Auden Erlien, drummers Thorstein Lofthus and Helge Norbakken, and pedal steel guitarist Stian Carstensen. All but the steel player -- who has also worked with Eick before -- appeared on Ravensburg. The trumpeter composed all seven pieces here; they are each identified by a single-word title. Fans of Jaga Jazzist, Eick's other band, will need to adjust their expectations. These compositions reflect the trumpeter's long-held preoccupation with the murky spaces between folk music and modern European jazz. Opener "Loving" offers a drifting, moody piano playing elegiac chords that introduce a lithe lyric line played by trumpet and violin. The two lead instruments circle one another and gradually, as the drummers begin to exchange phrases and time signatures as accents for the frontline players, engage major and minor modes before Aase delivers a sumptuous solo complemented by fills from Ulvo. "Turning" is introduced by plucked violin and bass before piano, violin, and trumpet cascade in a languid, vamp-like melody. Eick's lyricism offers staggered cadences for doubled brass and string harmonies. They add levels of depth and dimension that resist easy classification. The trumpeter's solo, while brief, elevates the tune's entire dramatic premise. While "Flying" appears improvised initially, it opens to express a sparse, even skeletal piano melody that Carstensen and Eick hover over and dole out in single lines for the other players to improvise on. "Arvo," obviously inspired by Estonian composer Arvo Pärt, commences with a wispy Gregorian chant feel as Eick's trumpet, wordless vocals, and Aase's spectral violin exchange phrases, lines, and a mode. The drummers then enter one at a time, followed by Erlien and finally Carstensen, who adds sweeping chord voicings and canny pedal work to elevate the entire proceeding texturally and dynamically. It actually approaches the orchestral until the drummer's snares engage in staggered, nearly martial breakbeat rhythms. "Playing" follows logically. Carstensen controls the tune's body as the two drummers speak in a somewhat urgent processional language. Eick and Aase converse along the economically notated lyric line. Closer "Begging" sounds like a benediction or an exit hymn. It's slow, atmospheric, and at once pastoral and regal. The delicacy in Eick's aching melody expressionistically weds the sacred and the natural worlds while the pianist walks out the changes as an affirmation, and both drummers employ brushes in painting the backdrop with whispering cymbals and snares. Carstensen and Aase speak directly to Eick's lyric solo, embellishing it with textured phrases and elongated octave notes. Eick's composing on When We Leave is muted yet rich, lovely, and sophisticated. He understands exactly how to write to this particular ensemble's strengths, and draws them out individually to express, along with him, longing and vulnerability. © Thom Jurek /TiVo
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Jazz - Erschienen am 24. September 2021 | ECM

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When We Leave is trumpeter/composer Mathias Eick's fifth leader outing for ECM and his first since 2018's acclaimed Ravensburg. Recorded over two days in November 2020, his sidemen include violinist Håkon Aase, pianist Andreas Ulvo, bassist Auden Erlien, drummers Thorstein Lofthus and Helge Norbakken, and pedal steel guitarist Stian Carstensen. All but the steel player -- who has also worked with Eick before -- appeared on Ravensburg. The trumpeter composed all seven pieces here; they are each identified by a single-word title. Fans of Jaga Jazzist, Eick's other band, will need to adjust their expectations. These compositions reflect the trumpeter's long-held preoccupation with the murky spaces between folk music and modern European jazz. Opener "Loving" offers a drifting, moody piano playing elegiac chords that introduce a lithe lyric line played by trumpet and violin. The two lead instruments circle one another and gradually, as the drummers begin to exchange phrases and time signatures as accents for the frontline players, engage major and minor modes before Aase delivers a sumptuous solo complemented by fills from Ulvo. "Turning" is introduced by plucked violin and bass before piano, violin, and trumpet cascade in a languid, vamp-like melody. Eick's lyricism offers staggered cadences for doubled brass and string harmonies. They add levels of depth and dimension that resist easy classification. The trumpeter's solo, while brief, elevates the tune's entire dramatic premise. While "Flying" appears improvised initially, it opens to express a sparse, even skeletal piano melody that Carstensen and Eick hover over and dole out in single lines for the other players to improvise on. "Arvo," obviously inspired by Estonian composer Arvo Pärt, commences with a wispy Gregorian chant feel as Eick's trumpet, wordless vocals, and Aase's spectral violin exchange phrases, lines, and a mode. The drummers then enter one at a time, followed by Erlien and finally Carstensen, who adds sweeping chord voicings and canny pedal work to elevate the entire proceeding texturally and dynamically. It actually approaches the orchestral until the drummer's snares engage in staggered, nearly martial breakbeat rhythms. "Playing" follows logically. Carstensen controls the tune's body as the two drummers speak in a somewhat urgent processional language. Eick and Aase converse along the economically notated lyric line. Closer "Begging" sounds like a benediction or an exit hymn. It's slow, atmospheric, and at once pastoral and regal. The delicacy in Eick's aching melody expressionistically weds the sacred and the natural worlds while the pianist walks out the changes as an affirmation, and both drummers employ brushes in painting the backdrop with whispering cymbals and snares. Carstensen and Aase speak directly to Eick's lyric solo, embellishing it with textured phrases and elongated octave notes. Eick's composing on When We Leave is muted yet rich, lovely, and sophisticated. He understands exactly how to write to this particular ensemble's strengths, and draws them out individually to express, along with him, longing and vulnerability. © Thom Jurek /TiVo
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Jazz - Erschienen am 10. September 2021 | ECM

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Jazz - Erschienen am 10. September 2021 | ECM

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Jazz - Erschienen am 27. August 2021 | ECM

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Before he was able to carve out his own identity, Marc Johnson was known for many years as "Bill Evans' last bassist", a glorious gig which boosted his reputation and enabled him to launch the excellent group Bass Desires with John Scofield, Bill Frisell and Peter Erskine, a few years after Evans' death. What followed was a mixture of tasteful collaborations with people as eclectic as Mel Lewis, Jim Hall, Stan Getz, John Abercrombie, Michael Brecker, Jack DeJohnette, Joe Lovano, Pat Metheny, Enrico Pieranunzi and, his wife, Eliane Elias... At 67 years of age, Marc Johnson brought out Overpass, recorded in January and February of 2018 at the Nacema studio in São Paulo and co-produced with Eliane Elias. An entirely solo album for ECM, a label that is fond of solo records by double bassists. This is the kind of material that promotes introspection, and retrospection too. It is therefore not surprising that Overpass contains the Miles Davis standard Nardis, a cornerstone of Bill Evans' repertoire, as well as Alex North's Love Theme from Spartacus, another of the pianist's favourite compositions. Marc Johnson has written five original compositions, including Samurai Fly, a sort of facelift for Samurai Hee-Haw recorded in the past for ECM with Bass Desires and with John Abercrombie's trio. Each song follows on from the other with impressive flexibility. Johnson's full, rounded-out sound and the finesse of his timing help save us from four-string overdose. This type of solo exercise is hard to sustain across an entire album, but the American bassist always keeps a serious sense of narrative in mind, constantly developing new ideas and high-flying improvisations. Overall, it's impressive. © Marc Zisman/Qobuz
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Jazz - Erschienen am 27. August 2021 | ECM

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Es setzt schon besonderes Können und ja, Gespür voraus, wenn auf einem Album über weite Strecken eher von einem Puls die Rede sein muss denn von einem Rhythmus. Zumal, wenn es sich um eine Einspielung eines Quartetts handelt, das von einem Drummer geleitet wird. Ganz von Ferne mag man an Paul Motians Formationen denken, die ebenso frei mit dem musikalischen Raum umgingen. Immerhin ist hier einmal mehr dessen langjähriger Wegbegleiter Bill Frisell an der Gitarre zu hören. Im Vergleich zum ECM-Vorgänger „Lebroba“ geht es Cyrille in der neuen Einspielung „The News“ noch mehr um Zusammen- und Schönklang, aber die melodischen Motive werden ebenso frei ausgelegt wie konzentriert weitergesponnen. Bassist Ben Street verankert Cyrilles Free Playing im Rhythmus, und David Virelles sorgt für pianistische Glanzlichter. Die kommen neben Frisells Soli besonders in den Balladen zum Tragen. Etwa in Cyrilles „With You In Mind“, einer wunderbaren Liebeserklärung, deren Lyrics der Leader allein vorträgt, bevor Street und Virelles duettierend das Intro bestreiten – erst dann steigen die anderen ein. Das Ganze ist also ein musikalisches Umherschweifen, bei dem das Quartett Hörhorizonte weitet, aber auch Abstraktionsfelder als Abgründe erkundet, die schroff erscheinen: Im Titelsong „The News“ macht Cyrille seine Snare zum Erzähler, Virelles greift in die Tasten des Synthesizers. So ist diese Musik in ihren Gegensätzen klug austariert. Und wenn danach Bill Frisells Song „Baby“ erklingt, ist das wie eine schöne Erkennungsmelodie des gesamten Albums. © Urbach, Tilman / www.fonoforum.de
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Jazz - Erschienen am 27. August 2021 | ECM

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Es setzt schon besonderes Können und ja, Gespür voraus, wenn auf einem Album über weite Strecken eher von einem Puls die Rede sein muss denn von einem Rhythmus. Zumal, wenn es sich um eine Einspielung eines Quartetts handelt, das von einem Drummer geleitet wird. Ganz von Ferne mag man an Paul Motians Formationen denken, die ebenso frei mit dem musikalischen Raum umgingen. Immerhin ist hier einmal mehr dessen langjähriger Wegbegleiter Bill Frisell an der Gitarre zu hören. Im Vergleich zum ECM-Vorgänger „Lebroba“ geht es Cyrille in der neuen Einspielung „The News“ noch mehr um Zusammen- und Schönklang, aber die melodischen Motive werden ebenso frei ausgelegt wie konzentriert weitergesponnen. Bassist Ben Street verankert Cyrilles Free Playing im Rhythmus, und David Virelles sorgt für pianistische Glanzlichter. Die kommen neben Frisells Soli besonders in den Balladen zum Tragen. Etwa in Cyrilles „With You In Mind“, einer wunderbaren Liebeserklärung, deren Lyrics der Leader allein vorträgt, bevor Street und Virelles duettierend das Intro bestreiten – erst dann steigen die anderen ein. Das Ganze ist also ein musikalisches Umherschweifen, bei dem das Quartett Hörhorizonte weitet, aber auch Abstraktionsfelder als Abgründe erkundet, die schroff erscheinen: Im Titelsong „The News“ macht Cyrille seine Snare zum Erzähler, Virelles greift in die Tasten des Synthesizers. So ist diese Musik in ihren Gegensätzen klug austariert. Und wenn danach Bill Frisells Song „Baby“ erklingt, ist das wie eine schöne Erkennungsmelodie des gesamten Albums. © Urbach, Tilman / www.fonoforum.de
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Jazz - Erschienen am 27. August 2021 | ECM

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Before he was able to carve out his own identity, Marc Johnson was known for many years as "Bill Evans' last bassist", a glorious gig which boosted his reputation and enabled him to launch the excellent group Bass Desires with John Scofield, Bill Frisell and Peter Erskine, a few years after Evans' death. What followed was a mixture of tasteful collaborations with people as eclectic as Mel Lewis, Jim Hall, Stan Getz, John Abercrombie, Michael Brecker, Jack DeJohnette, Joe Lovano, Pat Metheny, Enrico Pieranunzi and, his wife, Eliane Elias... At 67 years of age, Marc Johnson brought out Overpass, recorded in January and February of 2018 at the Nacema studio in São Paulo and co-produced with Eliane Elias. An entirely solo album for ECM, a label that is fond of solo records by double bassists. This is the kind of material that promotes introspection, and retrospection too. It is therefore not surprising that Overpass contains the Miles Davis standard Nardis, a cornerstone of Bill Evans' repertoire, as well as Alex North's Love Theme from Spartacus, another of the pianist's favourite compositions. Marc Johnson has written five original compositions, including Samurai Fly, a sort of facelift for Samurai Hee-Haw recorded in the past for ECM with Bass Desires and with John Abercrombie's trio. Each song follows on from the other with impressive flexibility. Johnson's full, rounded-out sound and the finesse of his timing help save us from four-string overdose. This type of solo exercise is hard to sustain across an entire album, but the American bassist always keeps a serious sense of narrative in mind, constantly developing new ideas and high-flying improvisations. Overall, it's impressive. © Marc Zisman/Qobuz
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Jazz - Erschienen am 16. Juli 2021 | ECM

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Mit „Coda“ setzt der 1943 in Wien geborene Michael Mantler den imposanten Schlusspunkt unter sein Schaffen, mit dem er wie kaum ein anderer Europäer die Improvisationsmusik beeinflusste. Spätestens mit Gründung der Jazz Composer’s Orchestra Association (JCOA) 1968 wurde der Trompeter und Komponist, der viele Jahre lang auch als engagierter Aktivist, u.a. mit eigenem Label (WATT), in New York die Arbeitsbedingungen improvisierender Musiker zu verbessern trachtete, zur Legende. Den Titel seines opulenten Orchesteralbums, das mit acht Bläsern, 16 Streichern plus Gitarre, Flügel sowie Vibrafon und Marimba unter Leitung von Christoph Cech im Wiener „Porgy & Bess“ aufgenommen und dann in den südfranzösischen Studios La Buissonne veredelt wurde, muss man (leider) ernst nehmen: „Coda: ein abschließendes Statement, das als Resümee dient und auf der Ausarbeitung von thematischem Material ausgewählter früherer Werke beruht.“ War es 2014 sein „Jazz Composer’s Orchestra Update“, das neue Glanzlichter auf altes Material warf, werden nun fünf Werke aus der Zeit von 1975 bis 2010 zu schwelgender Größe ausgeformt. Wobei es nur für Musikologen ein Vergnügen sei, wie Mantler spöttisch anmerkt, in seinen Suiten, deren Namen wie „TwoThirteen“, „Alien“ oder „HideSeek“ auf die Erstfassung verweisen, den originalen Wurzeln nachzuspüren. Also folgt man schlicht gebannt der schwebenden E-Gitarre von Bjarne Roupé, Mantlers fein akzentuierter Trompete, delikaten Holzbläsersoli oder David Helbocks Pianomelodien, die sich mit den brillant inszenierten Streichern zu zeitgenössischer Kammermusik von immenser Ausdruckstiefe und grandioser Strahlkraft fügen. „Coda“ ist wahrlich eine solche par excellence. © Thielmann, Sven / www.fonoforum.de
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Jazz - Erschienen am 16. Juli 2021 | ECM

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Mit „Coda“ setzt der 1943 in Wien geborene Michael Mantler den imposanten Schlusspunkt unter sein Schaffen, mit dem er wie kaum ein anderer Europäer die Improvisationsmusik beeinflusste. Spätestens mit Gründung der Jazz Composer’s Orchestra Association (JCOA) 1968 wurde der Trompeter und Komponist, der viele Jahre lang auch als engagierter Aktivist, u.a. mit eigenem Label (WATT), in New York die Arbeitsbedingungen improvisierender Musiker zu verbessern trachtete, zur Legende. Den Titel seines opulenten Orchesteralbums, das mit acht Bläsern, 16 Streichern plus Gitarre, Flügel sowie Vibrafon und Marimba unter Leitung von Christoph Cech im Wiener „Porgy & Bess“ aufgenommen und dann in den südfranzösischen Studios La Buissonne veredelt wurde, muss man (leider) ernst nehmen: „Coda: ein abschließendes Statement, das als Resümee dient und auf der Ausarbeitung von thematischem Material ausgewählter früherer Werke beruht.“ War es 2014 sein „Jazz Composer’s Orchestra Update“, das neue Glanzlichter auf altes Material warf, werden nun fünf Werke aus der Zeit von 1975 bis 2010 zu schwelgender Größe ausgeformt. Wobei es nur für Musikologen ein Vergnügen sei, wie Mantler spöttisch anmerkt, in seinen Suiten, deren Namen wie „TwoThirteen“, „Alien“ oder „HideSeek“ auf die Erstfassung verweisen, den originalen Wurzeln nachzuspüren. Also folgt man schlicht gebannt der schwebenden E-Gitarre von Bjarne Roupé, Mantlers fein akzentuierter Trompete, delikaten Holzbläsersoli oder David Helbocks Pianomelodien, die sich mit den brillant inszenierten Streichern zu zeitgenössischer Kammermusik von immenser Ausdruckstiefe und grandioser Strahlkraft fügen. „Coda“ ist wahrlich eine solche par excellence. © Thielmann, Sven / www.fonoforum.de
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Jazz - Erschienen am 18. Juni 2021 | ECM

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Das Label

ECM im Magazin
  • Avishai Cohen | One Cover One Word
    Avishai Cohen | One Cover One Word Begegnung mit dem Trompeter zum Anlass seines Albums "Playing the Room", das er im Duo mit dem Pianisten Yonathan Avishai eingespielt hatte. Ein One Cover One Word-Interview enthüllt uns seinen Mus...