In der Bretagne, in einem Dorf mit 900 Einwohnern mitten im Trégor, hat sich Barbara Hannigan im Jahr 2021, nach Beginn der Corona-Pandemie, niedergelassen. Ehrfürchtig stehen wir vor diesem Haus. Zugegeben, ihre Erfolge sind zahlreich: erste Rollen in Glyndebourne, Aix-en-Provence oder La Fenice, internationale Preise, Uraufführungen und Zusammenarbeit rund um den Globus... Doch die kanadische Sopranistin und Dirigentin empfängt uns mit entwaffnender Neugier und Spontaneität. Sie will wissen, ob wir aus der Gegend sind, ob wir ein Instrument spielen, woher unser englischer Akzent kommt und ob wir eine Katzenallergie haben: « Ich habe drei, die hier herumlaufen, aber sie sind scheu gegenüber Fremden. » Inzwischen haben wir es uns auf der Terrasse gemütlich gemacht, bei einem Kaffee und etwas Schokolade. Dann beginnt etwas, das weniger an ein Interview als an ein freundschaftliches Gespräch erinnert.
Zunächst blicken wir zurück auf die Veröffentlichung von Infinite Voyage, einer Event-CD, die am 8. September 2023 in Zusammenarbeit mit dem legendären Emerson Quartett erschien. Das Album ist dem Repertoire der zweiten Wiener Schule gewidmet, mit einigen Ausflügen zu Paul Hindemith und Ernest Chausson, und entstand aus einer langen Freundschaft zwischen der Sopranistin und dem Quartett. Eine Freundschaft, die um Schönbergs Quartett Nr. 2 Op.10 herum besiegelt wurde, in dessen Partitur eine Sopranistin in den letzten beiden Sätzen zu hören ist: « Das geht auf 2013 oder 2014 zurück. Das Emerson Quartett hat mich mit der Idee kontaktiert, gemeinsam an diesem Stück zu arbeiten. Die Emersons sind ein legendäres Ensemble, es war eine große Ehre für mich, von ihnen angesprochen zu werden, ich erinnere mich, dass ich mich am Telefon fast beherrschen musste, nicht zu schreien! » Eine Zusammenarbeit, die von den ersten Proben an unter dem Zeichen der Komplizenschaft stand. « Ich hatte das Gefühl, mit einer Gruppe alter Freunde zusammen zu sein, wir machten Witze, konnten uns gegenseitig immer konstruktive Kritik geben, ohne dass es für irgendjemanden verletzend war. Wir arbeiteten viel, aber was hatten wir für einen Spaß! » Ein Programm, das sie überall geben: in New York, Berlin, Wien und in der Schweiz. « Am Ende habe ich ihnen gesagt: Leute, wir MÜSSEN eine Aufnahme daraus machen. »
Infinite Voyage ist der bewegende diskografische Abschied des Emerson Quartetts, das nach 47 Jahren seinen Rückzug von der Bühne für den kommenden Oktober angekündigt hat. Ein zusätzlicher Druck für Hannigan bei den Aufnahmen? « Natürlich! Ich wollte ihnen die Ehre erweisen, damit sie diesen Abschied gebührend feiern können! Aber aus den Aufnahmesitzungen nehme ich vor allem die Freundschaft, die Liebe und den Respekt mit, die uns verbinden. » Diese starken Bindungen wurden von Barbaras Lebensgefährten, dem Regisseur und Schauspieler Mathieu Amalric, auf der Leinwand verewigt. Er filmte ihre Arbeitssitzungen im Studio, um daraus einen 70-minütigen Dokumentarfilm zu machen. Der Film wird im Oktober bei ihrem Abschiedskonzert in Paris gezeigt.
Der Kippmoment von Schoenberg
Hannigan bekennt sich zu einer nie erloschenen Leidenschaft für Schönbergs Zweites Quartett: « Ich habe es viele Male gesungen, lange bevor ich die Emersons kennenlernte. Mit dem Arditi-Quartett, dem Jack-Quartett, den Diotimas, manchmal sogar mit Kollegen, die ich zu diesem Anlass zusammenstellte. Es ist ein Stück, das ich faszinierend und verstörend finde. Es ist auch der Wendepunkt, an dem sich Schönberg von der tonalen Harmonie verabschiedet, in einer sehr schmerzhaften Phase seines Lebens, als Mathilde Zemlinsky ihn verließ, um mit dem Maler Richard Gerstl zusammenzukommen. Ich glaube, dass dieses Ereignis ein Katalysator für seine Kreativität war, denn er schrieb die letzten beiden Sätze sehr schnell ». Die durch das Werk verursachten Unruhen bei seiner Uraufführung 1908 sind nun verständlicher. « Endlich mal ‘Aufstände’ von Klassizisten! », schränkt sie etwas spöttisch ein.
Die besondere Anziehungskraft der kanadischen Sopranistin auf Schönberg ist in einer umfassenderen Weise in einer Bühnen- und Diskografiekarriere zu sehen, die der Musik des 20. Jahrhunderts und insbesondere der Zweiten Wiener Schule einen besonderen Platz eingeräumt hat. Ein Tropismus, von dem man meinen könnte, dass er durch die technischen Herausforderungen der seriellen Musik und der Zwölftonmusik stimuliert wurde. Und das aus gutem Grund, denn man weiß, dass die Koloratur auf stimmlicher Ebene alles erreichen kann. « Natürlich kann dieses Repertoire technisch schwierig sein. Aber was mich vor allem interessiert, ist der Begriff der Dekadenz. Und hier beziehe ich mich auf die etymologische Bedeutung des Wortes: Im Englischen gibt es eine gemeinsame Wurzel mit ‘decay’, dem Verrotten. Damit aber etwas verrottet, muss es zuvor geblüht haben! Was ich spannend finde, ist diese Gratlinie, dieser Kipppunkt, an dem der Baum geblüht hat, bis er anfängt zu verfallen. Es ist eine große Reflexion über den Begriff des Abschieds: Schönbergs Quartett ist ein ästhetischer Abschied von der tonalen Harmonie, und dieses Album ist auch ein Abschiedsalbum für das Emerson Quartett! »
Eine sehr dramatische, fast theatralische Sicht auf den musikalischen Gestus, von der man vermutet, dass sie von den zahlreichen Rollen der Opernheldinnen genährt wurde, die Hannigan auf der Bühne verkörperte: ‘Lulu’ in der gleichnamigen Oper, ‘Agnes’ in Written on Skin, ‘Isabel’ in Lessons in Love and Violence, ‘Elle’ in La Voix humaine... Rollen, die oft dunkel und gequält sind, im Gegensatz zu der sonnigen Persönlichkeit der Sängerin. Welche dunklen Geheimnisse verbergen Sie also, Barbara Hannigan? Sie lacht: « Dann muss ich wohl mit meinem Therapeuten darüber reden! Ehrlich gesagt, ich weiß es nicht. Ich glaube, ich liebe es eigentlich, auf der Bühne zu sterben, ich habe es geliebt, mich in « Written on Skin » vom Balkon zu stürzen! » Sie lacht, wieder und wieder. « Im Ernst, ich glaube, wir alle erleben intime Dramen: den Verlust eines geliebten Menschen, ein Liebes-Aus, was auch immer. Musik hat eine fast heilige Kraft, eine kathartische Heilkraft. Und selbst die härtesten oder gewalttätigsten Werke bereiten mir enorme Freude, wenn ich mit ihnen arbeite. Und ich versuche, ihnen Licht zu verleihen. In meiner eigenen Produktion von « La Voix humaine » habe ich ein paar humorvolle Töne hinzugefügt, ein paar Witze! », erzählt sie vibrierend mit großen Armbewegungen.
Eine Dirigentin ohne Taktstock
Bewegungen, die an das Dirigieren erinnern, sind eine weitere Facette ihrer Karriere, die in den letzten Jahren immer wichtiger geworden ist. Die Aufnahmen von Konzerten, die sie fast immer ohne Taktstock dirigiert, zeugen von ihrem totalen Körpereinsatz. Eine Art, den Atem des Gesangs in die instrumentale Interpretation zu übertragen: « Wenn man genauer hinschaut, stellt man fest, dass die meisten Komponisten mit einer ‘gesungenen’ Vision der Musik schreiben, man muss nur die Spielanweisungen in einer Partitur beachten: cantare, cantabile. » Ihre Erfahrung als Sängerin macht sie zu einer beliebten Referentin in Meisterkursen für Instrumentalschüler, insbesondere Schlagzeuger, für die es eine echte Herausforderung ist, zu lernen, ihr Instrument zum Singen zu bringen.
Das Dirigieren war für sie jedoch alles andere als selbstverständlich. « Ich dachte überhaupt nicht, dass ich den Wunsch habe, Dirigentin zu werden. Es waren Kollegen von Produzenten, Musikern oder Dirigenten, die mir sagten, ich solle es versuchen, weil sie spürten, dass ich diese Faser in mir hatte. » Ihr erster « offizieller » Gang auf das Podium erfolgte 2011 im Rahmen des Festivals Présences im Pariser Théâtre du Châtelet. « Ich dachte nicht, dass das etwas an der Richtung meiner Karriere ändern würde. Und dann wurde ich von einem zum anderen gerufen, um ein bestimmtes Orchester oder Werk zu dirigieren... Am Anfang konzentrierten sich 80% meiner Tätigkeit auf den Gesang und 20% auf das Dirigieren. Heute haben sich die Seiten umgekehrt! »
Eine Kreuzung, die sie entspannt erlebt: « Ich habe weiterhin die völlige Freiheit, meine Projekte zu wählen. Wenn ich in der nächsten Saison nur noch singen möchte, kann ich das tun. » Diese Doppelrolle scheint ihr im Übrigen sehr gut zu bekommen: « Und vor allem hat es meinen Zugang zum Singen erheblich erweitert! Ich hatte lange Zeit Angst vor dem Gedanken, stimmlich älter zu werden. Denn es gibt die hartnäckige Vorstellung, dass wir Sänger und Sängerinnen ein Verfallsdatum haben. Nun, natürlich kann ich bestimmte Rollen oder Partituren nicht ewig singen. Aber das bedeutet nicht, dass ich meine Stimme nicht ewig einsetzen kann. Ich kann andere Repertoires und andere Stile erkunden! » So arbeitet Hannigan immer häufiger mit Musiker:innen aus anderen Welten zusammen, wie derzeit mit dem New Yorker Jazzer John Zorn, um im kommenden Herbst in Paris eine Uraufführung zu planen.
Eine Stimme, die in die Geschichte eingegangen ist
In der Tat scheint die Sopranistin in der zeitgenössischen Kunst aufzublühen. Bis heute sind ihr fast hundert Welturaufführungen zu verdanken. Ein Kollegium der britischen Zeitung The Guardian erstellte 2019 eine Liste der 25 besten musikalischen Uraufführungen des 21. Jahrhunderts, und es überrascht nicht, dass Hannigan an vielen davon beteiligt war: Let Me Tell you von Hans Abrahamsen, Written on Skin von George Benjamin, Passion von Pascal Dusapin... « Ich bin sehr stolz darauf, an diesen Projekten mitgearbeitet zu haben, aber ich habe beschlossen, einige davon nicht mehr zu spielen. Es ist sehr wichtig, dass neue Generationen die Nachfolge antreten und ihre eigenen Interpretationen vorlegen. Es darf nicht sein, dass ich die Einzige bin, die sie singt, denn sonst droht ein Repertoire auszusterben. Für « Let Me Tell You » zum Beispiel habe ich meinem Verleger eine Liste mit fünf oder sechs Sopranistinnen geschickt, die mir perfekt für die Rolle erschienen! »
Die preisgekrönte Hannigan wurde bei den Gramophone Awards 2022 zur Künstlerin des Jahres gewählt und gerade von Classic FM unter die 20 besten Sopranistinnen aller Zeiten gewählt. Ehrungen, die sie mit Einfachheit empfängt. « Es wird viel über das Ego von Künstlern und Künstlerinnen gesagt, aber ich denke, die meisten sind demütig.
« Wahrscheinlich braucht man ein Mindestmaß an Selbstvertrauen, um auf die Bühne zu gehen und dem Publikum zu sagen: Ich werde dieses Stück singen oder spielen und es lohnt sich, dass ihr bleibt und zuhört. Aber wie wir in unserer Branche sagen: « You’re only as good as your last concert » (Du bist nur so gut wie dein letztes Konzert). Und wenn dieses letzte Konzert schlecht war, muss man noch mehr arbeiten. Die meisten von uns verbringen viel Zeit mit Lernen und Üben. »
You’re only as good as your last concert.
Äußerst sympathisch zeigt sie sich fast enttäuscht, als man ihr mitteilt, dass das Interview zu Ende geht. Wir machen also noch ein bisschen weiter, um des Gesprächs willen. Wir hatten zwar noch eine Frage auf Lager, aber würde sie das nicht irritieren? « Oh, ich weiß, was Sie mich fragen werden! Etwas, das damit zu tun hat, eine weibliche Dirigentin zu sein, oder irre ich mich? », scherzt sie und nimmt mit einem schelmischen Blick wahrscheinlich vielfach erprobte journalistische Ticks vorweg. Aber da das Thema angesprochen wird, wollen wir es sauber formulieren: Wie kann man zwischen der Herrschaft der politischen Korrektheit und der Cancel Culture in den Produktionen und den heilsamen Anprangerungen von sexuellen und sexistischen Übergriffen in der Musikindustrie einen freien Ton und Kreativität fernab von jeder reduktionistischen Doxa bewahren? « Ehrlich gesagt, habe ich keine klare Antwort auf ein so umfassendes Thema. Es gibt derzeit viele Veränderungen in den Verfahren, und ich denke, das ist gut so. Aber ich habe kürzlich einen spannenden Artikel über den Tod der Nuancen in unserer Gesellschaft gelesen. Heute sagen die Leute: Entweder weiß oder schwarz. Dabei sind Nuancen wichtig und gesund. In jeder Situation müssen wir darauf achten, uns Zeit für die Unterscheidung zu nehmen und den Subtext zu verstehen. Im Laufe meiner Karriere haben mich Fragen immer viel mehr interessiert als eindeutige Antworten. Ich liebe das Geheimnisvolle. » Mit diesen Worten voller stiller Weisheit verlassen wir sie. Mit dem einzigen Bedauern, ihre Katzen nicht getroffen zu haben: « Sie neigen dazu, sich zu entfernen, wenn man über Schönberg spricht! ».
