Musique contemporaine

Les albums

813 albums triés par Date : du plus récent au moins récent
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Classique - Paru le 27 octobre 2017 | HORTUS

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
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Concertos pour instruments à vent - Paru le 24 octobre 2017 | Indésens

Hi-Res Livret Distinctions Choc de Classica
« Compositeur par trop méconnu, Ivan Jevtic est ici brillamment mis à l’honneur par le flûtiste Vincent Lucas, soliste de l'Orchestre de Paris. [...] Composées entre 1973 et 1999, à une époque où s’affirmer de son temps sans employer des modes de jeux nouveaux ni rejeter tonalité et modes pouvait être dénigré, ces pages témoignent à travers leur diversité d’une invention foisonnante puisant aux sources balkaniques comme à la polyphonie rythmique brésilienne, s’enrichissant de multiples apports pour mieux affirmer leur identité. [...] La version bénéficie de deux mises à jour de 2016 concernant le Concerto n°1 (1973) créé par Maxence Larrieu, présentant coupures ou ajouts de trilles par rapport à la partition originale, et la Sonate pour flûte et harpe, arrangée ici avec piano. On retrouve le brio, la sensibilité de jeu et la maturité auxquels nous a habitués Vincent Lucas – poussé ici dans des retranchements virtuoses. [...] » (Classica, novembre 2017 / Pascal Gresset)
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Classique - Paru le 22 septembre 2017 | Aeon

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Au-delà de sa carrière légendaire en tant que fondateur et premier violon du Quatuor Arditti, Irvine Arditti a travaillé sur de nombreux projets solo et reste l’un des plus grands interprètes de la musique de notre temps. Au cours de la dernière décennie, Irvine Arditti a donné les premières mondiales d’une pléthore d’œuvres à grande échelle spécialement écrites pour lui. Son approche du violon contemporain est fascinante. Les œuvres de Salvatore Sciarrino, Elliott Carter, Emmanuel Nunes et Pierre Boulez réunies dans cet album figurent parmi les plus connues du répertoire récent pour violon, à la fois à cause du caractère transcendantal des pièces elles-mêmes et de l’impulsion donnée à la technique violonistique, mais aussi et avant tout pour l’achèvement dans la variété de leur mode expressif. L’interprétation qu’Irvine Arditti en donne dans ce disque est magistrale et déjà une référence en la matière. © Aeon/Outhere
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Classique - Paru le 8 septembre 2017 | Aeon

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
À travers un programme de Consort Songs pour 5 violes de gambe et voix de contre-ténor, l’ensemble Céladon met en avant, au-delà de toute temporalité, l’évidente passerelle artistique entre musique de la Renaissance et musique contemporaine anglaises. Cette liation, cette logique du sens harmonique, rythmique et poétique, nous ouvre un champ d’exploration autour de l’identité sonore et de la tradition. Comment les compositeurs de ces deux époques, si éloignées en apparence, ont traité la fusion des timbres, avec cette même volonté de toucher en profondeur, d’aller vers la plénitude d’un son à la fois puissant et caressant ? Pas d’opposition entre les deux époques dans cet album, puisque la musique de Michael Nyman découle tout naturellement de celle de ses prédécesseurs; mais plutôt un savant mélange des genres, démontrant une étonnante proximité de ces œuvres, imbriquées dans le programme. « D’un siècle à l’autre, on ressent la force d’un témoignage projeté par le timbre de contre-ténor, l’intensité du consort de violes de gambe qui porte l’envol, et finalement, une magie qui s’opère : l’expression paradoxale de la voix, qui est à la fois la seule et la septième, parmi les violes. » (Paulin Bündgen) © Aeon « Répétitivité, néotonalisme, mélange des répertoires, plaisant anachronisme du contre-ténor et d’un ensemble de violes dans la musique contemporaine : un tel disque, à l’évidence, vous scelle pour jamais le cercueil des avant-gardes. Pourtant, rien à voir avec les tentatives amusantes – mais guère sérieuses – de réhabiliter Nino Rota comme une pierre angulaire du XXe siècle musical, ou de faire passer Bernard Herrmann pour un super-Schönberg. Michael Nyman incarne de plein droit un minimalisme européen à la chair plus tendre que les édifices de métal et verre des minimalistes new-yorkais. [...] Le classicisme de notre contemporain fait ressortir la modernité des William Byrd et des Nathaniel Patrick. La virtuosité des violes (remarquable ensemble Céladon) s’accorde au chant de Paulin Bündgen admirable par l’intensité du timbre, la variété des attaques, l’élégance de la vocalisation, et par-dessus tout son engagement expressif. » (Diapason, novembre 2017 / Paul de Louit)
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Trios - Paru le 1 septembre 2017 | BIS

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or - Choc de Classica - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Il y a un monde entre le Premier Trio de Hindemith, composé en 1924 « dans le train » ainsi que le précisait le compositeur dans son propre catalogue, et le Second Trio de 1933. Autant le premier comporte encore certains de ces implacables éléments rythmiques et thématiques, quasiment prokofieviens, autant le deuxième déroule tout autant son langage contrapuntique ultra-sophistiqué qu’une douce toile lyrique (avec une pointe d’humour par moments), celle que l’on connaît du Hindemith plus tardif. Et il y a encore un monde entre les trios de Hindemith et celui de Schönberg, conçu en 1946, peu après que le compositeur eut failli succomber à une crise cardiaque. Oui, l’argument thématique est une série dodécaphonique, mais après quelques moments d’adaptation, il est impossible de ne pas déceler mille et une petites vaguelettes tonales, harmoniques, habilement cachées sous la texture. Le compositeur aurait déclaré que l’ouvrage était « une description de sa maladie », avec une bonne dose d’humour noir sans nul doute. Thomas Mann affirmait que Schönberg lui aurait dit qu’il avait tissé en secret son traitement médical, l’infirmier et tout le reste. Hanns Eisler, de son côté, estimait avoir découvert quels accords représentaient les piqûres… Ouille ! Bref, c’est bien là du Schönberg. Le Trio Zimmermann se compose de trois grands solistes internationaux : le violoniste Frank Peter Zimmermann, l’altiste Antoine Tamestit et le violoncelliste Christian Poltéra. Et tous les trois jouent des Stradivarius, excusez du peu. © SM/Qobuz « L'apparente sévérité du programme ne doit pas vous détourner d'une merveille. Plusieurs trios de prestige s'y sont frottés au disque, mais aucun n'a fait preuve d'une constance dans le travail, d'une exigence perfectionniste, d'une maîtrise de la couleur comparables à ce que réalisent depuis quelques années Frank Peter Zimmermann, Antoine Tamestit et Christian Poltera. [...] Antoine Tamestit [...] fait résonner la splendeur de timbre de son Stradivarius. Sur deux instruments du même luthier, Christian Poltera et Frank Peter Zimmermann lui donnent une réplique idéale, et l'on ne sait s'il faut plus admirer la somptuosité de chaque intervention soliste, ou saluer la perfection de l'ensemble, dont les trois voix s'entrelacent avec une égalité exemplaire. [...] Disque exigeant, certes, mais stupéfiant de beauté.» (Diapason, novembre 2017 / Jean-Claude Hulot) « [...] le programme pourra sembler ardu à plus d’un mélomane ! Mais qui osera s’y aventurer a l’assurance de découvrir des territoires musicaux aussi gigantesques que sublimes, révélés par le miracle de l’interprétation. [...] Frank Peter Zimmermann (violon), Antoine Tamestit (alto) et Christian Poltéra (violoncelle) s’emparent avec une véritable gourmandise instrumentale et sonore de ces trois chefs-d’œuvre [...] que les musiciens abordent avec une même soif de liberté musicale dans des cadres structurels stricts. Car le rôle des interprètes est ici primordial [...] » (Classica, novembre 2017 / Antoine Mignon)
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Classique - Paru le 1 septembre 2017 | Winter & Winter

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or
Les quatre quatuors du compositeur danois Hans Abrahamsen sont ici présentés, par le célèbre Quatuor Arditti, dans l’ordre inverse de leur composition : le Quatrième de 2012, le Troisième de 2008, le Deuxième de 1981 – on notera la grande distance dans le temps, ce qui est pourtant d’autant plus compréhensible lorsque l’on sait qu’entre 1990 et 2000, il a posé le crayon et n’a rien composé – puis le Premier de 1973, écrit sous forme de « Dix préludes ». Dès ses débuts de compositeur, Abrahamsen a préféré fuir les doctrines avant-gardistes de « l’École de Darmstadt » et suivre plutôt les sains enseignements de son maître Ligeti, dans un langage qu’il est convenu d’appeler « Nouvelle simplicité ». Et en effet, à l’écoute de ces quatre ouvrages, on est saisi de la capacité d’Abrahamsen à créer des lignes reconnaissables, à la fois si modernes et si anciennes, parfois empreintes de quelques accents folkloriques (réels ou imaginaires), avec un amour évident pour les moments hyper-aigus et planants dans son usage des sons harmoniques. L’auditeur l’aura compris, voilà une musique hautement originale, moderne certes mais dont l’écoute n’exigera aucun effort de compréhension intellectuelle forcée, plutôt qu’un abandon au discours riche et envoûtant des quatre musiciens du Quatuor Arditti. © SM/Qobuz
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Piano solo - Paru le 25 août 2017 | Wergo

Livret Distinctions 5 de Diapason
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Musique vocale sacrée - Paru le 18 août 2017 | Seattle Symphony Media

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Écrits en 1936 pour sa jeune épouse Claire Delbos, les Poèmes pour Mi (« mi » étant le surnom que lui donnait le compositeur) sont une sorte de cadeau de mariage, neuf mélodies pour soprano et orchestre inspirées de près ou de loin par les paysages dauphinois dont Messiaen était tombé amoureux. Bien qu’il n’eût pas encore trente ans, le compositeur y avait déjà trouvé tout son style qui, dans sa structure harmonique et rythmique, ne changerait plus guère – il est même possible de déceler dans l’un ou l’autre des poèmes des accents qu’il reprendrait très clairement, quarante ans plus tard, dans Saint François d’Assise. Comme quoi de la bonne musique reste de la bonne musique, et que le recyclage, délibéré ou non, n’est pas l’apanage des compositeurs des siècles passés ! C’est ici Jane Archibald, presque sans l’ombre d’un accent, qui chante ces petites perles avec grande émotion. Les Trois petites liturgies de la Présence Divine, écrites en 1944 à sa libération de camp de prisonnier de guerre, sont initialement conçues pour chœur de femmes, piano, ondes Martenot et orchestre à cordes. L’Orchestre de Seattle et Ludovic Morlot ont décidé de confier la partie chorale à une maîtrise d’enfants, pour une sonorité plus angélique et « pure », une idée qui ne manque pas de charme. Pour la création de l’ouvrage en 1945, Messiaen pouvait s’enorgueillir de disposer d’un parterre d’auditeurs des plus prestigieux : Honegger, Auric, Poulenc, Sauguet, Roland-Manuel, Jolivet, Claude Delvincourt, Lazare Lévy, Daniel-Lesur, Jean Wiener, Braque, Éluard, Pierre Henry et même Pierre Boulez (ce dernier pas encore prestigieux mais sans doute déjà disposé à être un brin fielleux ?). Le succès fut aussi éclatant qu’immédiat et durable. On y trouve tout ce qui fait Messiaen, y compris une partie de piano assez virtuose (tenue par une certaine Yvonne Loriod lors de la création), des petits oiseaux, Jésus Christ et les accords lumineux et irisés si spécifiques. © SM/Qobuz
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Musique symphonique - Paru le 3 juillet 2017 | San Francisco Symphony

Hi-Res Livret
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Musique symphonique - Paru le 30 juin 2017 | San Francisco Symphony

Hi-Res Livret
Pour Berg alors âgé de trente-deux ans, les Trois pièces pour orchestre marquent la fin définitive de son apprentissage avec Schönberg et son émergence comme personnalité artistique de plein droit. Bien que son ouvrage doive quelque révérence à Schönberg, en particulier ses Cinq pièces pour orchestre, il ne sonne en rien comme ce dernier. S’il est une voix qui se laisse entendre, c’est surtout celle de Mahler, qui s’était éteint en mai 1911, quatre ans avant ces Trois pièces. Les figures empruntées à la valse, à la marche, n’y sont pas étrangères, sans compter que l’on décèle dans le Praeludium un hommage direct à la Neuvième de Mahler. Il est évident que Berg est son héritier le plus direct, et que ses Trois pièces seraient bien plus une sorte de « Onzième de Mahler » que la Première de Brahms n’est une sorte de « Dixième de Beethoven ». Berg avait approché Schönberg dès 1904 et, jusqu’en 1910, avait étudié auprès de lui dans une relation puissante, épuisante, et souvent fusionnelle. En juin 1913, Berg rendit visite à son maître à Berlin, mais ce séjour fut quelque peu cahoteux. D’emblée, Schönberg avait souligné un certain manque de souffle dans les œuvres de son élève pourtant si doué, et l’avait lancé sur la voie d’un grand développement symphonique. Quelques semaines déjà après cette divergence de vue, Berg se lança dans une grande composition, en effet : les Trois pièces pour orchestre, hautement dramatiques, fantomatiques, fantasques, qu’il dédia à son maître malgré (ou à cause de ?) leur différend. Michael Tilson Thomas, connu aussi sous le sobriquet de MTT (prononcez Hemtiti), débuta à l’Orchestre de San Francisco dès 1974, et en devint le directeur musical en 1995. Son ambitieuse politique d’enregistrements a permis à l’orchestre de se hisser au rang des ensembles les plus visibles sur la scène internationale. © SM/Qobuz
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Musique symphonique - Paru le 5 mai 2017 | Oehms Classics

Livret Distinctions 5 Sterne Fono Forum Klassik
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Concertos pour violon - Paru le 21 avril 2017 | Orchid Classics

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
C’est précisément l’année où est né John Adams, 1947, que Heifetz créa le Concerto pour violon de Korngold que nous donne ici le violoniste-star russe Ilya Gringolts – qui joue aussi, on s’en doute, le Concerto d’Adams, écrit en 1993. Tout oppose stylistiquement ces deux ouvrages, hormis leur intense gourmandise mélodique et – tout aussi important – leur total rejet des explorations de l’atonalisme et du dodécaphonisme. Adams est un compositeur qu’il est bien difficile de cataloguer ; on aime à le parquer du fer rouge du « minimalisme », mais ce terme reste bien pauvre eu égard à la richesse de ses palettes sonores, thématiques, harmoniques et rythmiques. Tout au plus pourrait-on parler d’un processus « structure/motif – transformation », dans lequel le compositeur met en marche des éléments de base qu’il reprend inlassablement en les métamorphosant, lentement mais sûrement, tout au long du développement de son discours. Dans le cas du Concerto pour violon, les métamorphoses sont tellement considérables qu’il et bien difficile de déceler le principe de répétition, même s’il y est. Quant au Concerto de Korngold, le compositeur estimait qu’il était plus conçu pour un « Caruso du violon » que pour un Paganini, tant l’élément mélodique est prépondérant. Bien qu’il fît son possible pour que son Concerto ne fût pas vu comme de la musique de film, il n’y intégra pas moins des thèmes repris de quatre partitions pour Hollywood, mais l’auto-recyclage n’est-il pas l’une des marques des grands compositeurs, ainsi qu’on peut le voir jusques et y compris chez Bach ? Et en effet, il aurait été bien dommage que des thèmes d’une telle richesse fussent confinés simplement et uniquement à une bête pellicule. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 21 avril 2017 | NMC Recordings

Hi-Res Distinctions Gramophone Editor's Choice
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Concertos pour clavier - Paru le 21 avril 2017 | Toccata Classics

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 4 étoiles Classica
« Second volume de l'œuvre pour piano et orchestre, largement ancrée dans le dodécaphonisme, d'Ernst Krenek (1900-1991). Le plus modeste de la série, le Petit Concerto pour piano et orgue (1940), remporte la palme de la singularité : un haiku d'une grâce infinie. Après un début nerveux, le Concerto n° 4 (1950) se cherche et finit par se trouver dans de savants jeux de timbres. Créé sous la baguette de Mitropoulos, le Concerto pour deux pianos ne semble guère avoir concerné le compositeur. Interprétation d'une clarté exemplaire de Mikhail Korzhev au piano et de Kenneth Woods à la baguette.» (Diapason, septembre 2017 / Bertrand Boissard)
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Messes, Passions, Requiems - Paru le 17 mars 2017 | ECM New Series

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 5 Sterne Fono Forum Klassik
« Arménien, Tigran Mansurian (né en 1949) a dédié un Requiem à la mémoire des victimes du premier génocide du XXe siècle, celui de son peuple en 1915-1916, objet d’un déni persistant. Un voyage dans la nuit et le silence des âmes, au prix d’une saisissante confrontation du texte latin avec la souplesse mélismatique de l’Orient chrétien. L’Allemagne en est le pont, dans l’écrin d’enregistrement légendaire de la Jesus-Christus-Kirche de Dahlem à Berlin, où brillent un RIAS Kammerchor à la pureté troublante et un Orchestre de chambre de Munich aux cordes translucides. Plus vifs, les archets ne viennent pas perturber cette glaçante sensation de calme ambiant.» (Diapason, novembre 2017 / Benoît Fauchet)

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