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Rock - Erschienen am 25. September 2001 | Lost Highway Records

Hi-Res Auszeichnungen Qobuz' Schallplattensammlung
One would think that being Ryan Adams would be a pretty good deal at the time of this album's release; he had a major-label deal, critics were in love with him, he got to date Winona Ryder and Alanis Morissette, Elton John went around telling everyone he was a genius, and his record company gave him carte blanche to do whatever he wanted. But to listen to Gold, Adams' first solo album for his big-league sponsors at Lost Highway, one senses that there are about a dozen other musicians Adams would love to be, and nearly all of them were at their peak in the early to mid-'70s. Adams' final album with Whiskeytown, Pneumonia, made it clear that he was moving beyond the scruffy alt-country of his early work, and Gold documents his current fascination with '70s rock. Half the fun of the album is playing "Spot the Influence": "Answering Bell" is a dead ringer for Van Morrison (with fellow Morrison enthusiast Adam Duritz on backing vocals), "Tina Toledo's Street Walkin' Blues" is obviously modeled on the Rolling Stones, "Harder Now That It's Over" sounds like Harvest-period Neil Young, "New York, New York" resembles Stephen Stills in his livelier moments (Stephen's son, Chris Stills, plays on the album), and "Rescue Blues" and "La Cienega Just Smiled" suggest the influence of Adams' pal Elton John. Of course, everyone has their influences, and Adams seems determined to make the most of them on Gold; it's a far more ambitious album than his solo debut, Heartbreaker. The performances are polished, Ethan Johns' production is at once elegant and admirably restrained, Adams is in strong voice throughout, and several of the songs are superb, especially the swaggering but lovelorn "New York, New York," the spare and lovely "When the Stars Go Blue," and the moody closer, "Goodnight, Hollywood Blvd." But while Gold sounds like a major step forward for Adams in terms of technique, it lacks the heart and soul of Heartbreaker or Pneumonia; the album seems to reflect craft rather than passion, and while it's often splendid craft, the fire that made Whiskeytown's best work so special isn't evident much of the time. Gold sounds like an album that could win Ryan Adams a lot of new fans (especially with listeners whose record collections go back a ways), but longtime fans may be a bit put off by the album's richly crafted surfaces and emotionally hollow core. © Mark Deming /TiVo
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Alternativ und Indie - Erschienen am 11. Juni 2021 | PaxAm Recording Company

Hi-Res
Big Colors, das zweite Album einer 2020 mit Wednesdays eingeleiteten Trilogie, ist auch das 18. Soloalbum des Sängers Ryan Adams und war, wie er selbst erklärt, als Soundtrack eines Fantasy-Films der 80er Jahre gedacht gewesen, einer Art Road-Movie zwischen New York und Kalifornien. Nach ein paar Auseinandersetzungen vor Gericht (was die geplante Veröffentlichung seiner Trilogie entsprechend verzögert hatte) beschloss der aus Jacksonville kommende Musiker, mit diesem Album seine Seele bunter zu gestalten. Die gewählten Nuancen sind jedoch weniger grell als vielmehr pastellfarben ausgefallen, was auf die verträumten Synthesizer und dezenten Gitarren zurückzuführen ist, die durch diese 12 Songs wandern. Dass Ryan Adams die melancholische Seite von The Smiths geerbt hat – insbesondere die ihres Gitarristen Johnny Marr – merkt man in Titeln wie etwa der Single Fuck the Rain oder dem introspektiven What I Am. Neben diesen trübselig stimmenden Balladen zeigen andere Songs Ryan Adams wuchtigen Rocksound (Power). Ganz anders als viele seiner Musikerfreunde gibt sich der Sänger nicht mit Anspielungen zufrieden, um diesen ihm so ans Herz gewachsenen 1980er Jahren die Ehre zu erweisen. Mit unerschütterlicher Offenheit startet er in ein neues Jahrzehnt, das er mit „einem Aquarell mit blauem Neonrauch, der sich nächtens durch die sommerlichen Straßen zieht“ assoziiert. © Nicolas Magenham/Qobuz
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Rock - Erschienen am 11. Dezember 2020 | PaxAm Recording Company

Hi-Res
Als Ryan Adams im Januar 2019 die unmittelbare Veröffentlichung dreier neuer Alben ankündigt, verrät er dabei sogar den Titel der beiden ersten davon: Big Colors und Wednesdays. Einen Monat später gerät er in große Schwierigkeiten, weil mehrere Frauen (darunter Phoebe Bridgers) ihm zudringliches Verhalten vorwerfen. Deswegen ändert er seine Pläne und wartet lieber ab, dass die Medien sich wieder beruhigen und ihn in Ruhe lassen. Ein paar Tage vor Weihnachten 2020 bringt Adams nun endlich dieses Wednesdays auf den Markt… 2015 überraschte das Ex-Mitglied von Whiskeytown bereits die ganze Welt, als er Taylor Swifts 1989 neu interpretierte. Zwei Jahre später dachte er in seinem herzbewegenden Prisoner über seine Scheidung von Mandy Moore nach. Mit hundertfünfzigprozentiger Introspektion samt Zweifel, Kummer, Freude und allem was dazugehört. Damit hat sich der gute Mann immer schon hervorgetan. Dieses Prisoner schwamm noch im Kielwasser eines von Tom Petty und Bruce Springsteen geerbten Klassizismus, Wednesdays dagegen guckt sich bei Neil Young um. Das schöne, aber streng wirkende Cover reproduziert ein herrliches Gemälde aus dem Jahre 1908 des niederländischen Impressionisten Siebe Johannes ten Cate, auf dem der Gare du Nord, der Pariser Nordbahnhof zu erkennen ist, der auch die anthrazitfarbene, unruhige Tonlage der Platte andeutet. Das explizite I'm Sorry and I Love You, das den Kampf ansagt – und eben der Form nach sehr nach Young klingt – bestätigt die instabile Gefühlswelt des Songwriters. Es ist ganz offensichtlich, dass auf seinem Weg Ryan Adams bei jedem Schritt vorwärts die ersehnte Erlösung erwartet. Dieser Eindruck wird nur noch stärker, weil er hier und dort kurze Abstecher in den Gospel macht, der sich dann durch diese nüchterne und zugleich kunstvoll geschmiedete Welt des Country-Folk schlängelt. Und zwar dermaßen, dass einige Songs dieses Albums wohl zu seinen schönsten gehören werden… © Marc Zisman/Qobuz
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Rock - Erschienen am 4. Mai 2004 | Lost Highway Records

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Like any Ryan Adams album, Love Is Hell comes with a back-story, one that is carefully calculated to construct the enfant terrible's self-myth. Love Is Hell was intended to be the official follow-up to 2001's Gold -- the album that was not a collection of demos (that was 2002's Demolition), or the recorded-but-shelved albums 48 Hours or The Suicide Handbook, or even his alleged song-by-song cover of the Strokes' Is This It. Longtime Smiths fan that he is, Adams teamed up with John Porter -- the man who produced The Smiths, Meat Is Murder, and part of The Queen Is Dead -- with the intention of creating his own mope-rock album, hence the title Love Is Hell. Americana label that it is, Lost Highway balked at releasing a stylized tribute to Mancunian rainy-day bedsit music and didn't release it, encouraging Adams to record a different album, presumably one more in line with the label's taste. In the press and on the web, our hero spread stories about how the label claimed it was "too depressing" and "dark," thereby cultivating the myth that he's a maverick genius, while the label cheerfully countered with the defense that it just knew that our boy could do better. Eventually, a compromise was arranged: Adams kicked out a new album, the self-descriptive Rock N Roll, while releasing the equally self-descriptive Love Is Hell as two EPs, the first hitting the streets the same day as the "official" album, the second arriving a month later. Five months after that, the full-length Love Is Hell, containing both EPs plus "Anybody Wanna Take Me Home" from Rock N Roll, was released, negating the worth of the individual EPs (which were, after all, merely two halves of one album) and likely irritating legions of fans who bought both EPs. While it took longer than necessary to have the whole bloody affair of Love Is Hell released as its own entity, it's hard not to view it as a companion piece to Rock N Roll, particularly because they're two sides of the same coin. In effect, both Rock N Roll and Love Is Hell are tribute albums, each a conscious aping of a style and sound, both designed to showcase how versatile and masterful Adams is. But since he's a synthesist more than a stylist, Adams, for all his bluster, winds up as a Zelig-styled character, taking on the characteristics of the artists he's emulating -- something that can be sonically pleasurable, but far from being the substantive work of mad genius that he relentlessly sells himself as. If Love Is Hell has the edge over Rock N Roll, it's because it's more carefully considered in its production and writing, and he manages to hide his allusions better than he does on Rock, where every title and chord progression plays like an homage. Here, he shoots for the Smiths and winds up in Jeff Buckley territory tempered with a dash of Radiohead circa The Bends. To claim that it is a dark affair is to criticize its milieu more than its substance, because the songs have the form and feel of brooding, atmospheric mope-rock, not the blood and guts of the music. Adams is fairly adept at crafting that mood -- anybody who's such a fan of rock history should be -- sometimes relying more on a blend of attitude and atmosphere instead of songwriting. Such is the fate of a stylized tribute to a style with specific sonic attributes, but Adams also does come up with a clutch of effective songs: the epic sprawl of "Political Scientist," which captures him at his best Buckley; the title track, which is nearly anthemic with its ringing guitars; the understated "World War 24"; the gently propulsive "This House Is Not for Sale," which would fit nicely between a Julian Cope and Morrissey track on a college radio show from the late '80s. "English Girls Approximately" is an effective Bob Dylan and Paul Westerberg fusion, and the closer, "Hotel Chelsea Nights," is one of his best songs, a mildly anthemic soulful anthem with vague overtones of "Purple Rain." Nevertheless, it's telling that the best song here is a cover of Oasis' "Wonderwall." It's a well-done cover but not much of a reinvention -- Adams uses Noel Gallagher's solo acoustic version of the song as a template, replacing strumming with fingerpicked guitars and altering the phrasing slightly -- which is why the song itself shines through so strongly: it resonates how the other songs are intended to, but don't. While it doesn't fatally hurt Love Is Hell, since it is an effective mood piece, it does undercut it, revealing how Adams delivers the sizzle but not the steak. © Stephen Thomas Erlewine /TiVo
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Rock - Erschienen am 17. Februar 2017 | Blue Note (BLU)

Hi-Res
Kummer im Herzen ist wie ein Düngemittel, von dem alle Songwriter, die es wert sind Songwriter genannt zu werden, nur träumen. So bestätigt es Ryan Adams umso mehr mit seinem Album Prisoner, das sich um seine Scheidung mit Mandy Moore dreht. Nachdem er seine Welt mit 1989 von Taylor Swift überraschte, kommt der alte Leader von Whiskeytown hier wieder zurück ins traute Heim, wo er genau weiß, was er am besten kann. Pure und harte Selbstreflektion, gespickt von Zweifeln, Leiden, Freude und der ganzen Palette der existenziellen Gefühle. Der Stil von Ryan Adams ist da. Dieser Klassizismus, den er sicherlich von Tom Petty und seinen Heartbreakers geerbt hat oder auch von Bruce Springsteen und dem er noch den letzten Schliff in den Refrains gibt, trifft genau ins Schwarze. Dieses 16. Album ist keine Revolution wie so oft bei Ryan Adams, lediglich ganz einfach Rock (aber niemals simpel). Ein knöchriges Album, ohne Fettschicht oder Bluff, das vor allem versucht den Songs Perfektion zu verleihen, ohne dabei zu versuchen, sich an Altem festzuklammern. © MD/Qobuz
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Alternativ und Indie - Erschienen am 21. September 2015 | Columbia

Hi-Res
Sometime in August 2015, Ryan Adams let everybody in on a secret: he'd decided to cover Taylor Swift's 1989 in total. This was not the first album-length cover of Adams' career (he never released his version of the Strokes' Is This It), nor was this his first attempt at 1989. He initially attempted a stark, four-track rendition of the record -- naturally dubbed his Nebraska -- but he wound up settling on "in the style of 'As played by the Smiths'," which was an elegant way of saying Adams' 1989 could easily slide onto a PostModern MTV playlist from 1989-1990 and not ruffle many feathers. Such shimmering sadness is Adams' default mope mode, neatly showcased on Love Is Hell (co-produced by John Porter, who helmed the first Smiths records), and this is certainly a cousin. Sharp guy that he is, Adams realizes the bulk of the record can't all be brokenhearted strums, so not all of 1989 glimmers in a flat black pool. "All You Had to Do Was Stay" surges to a Modern Rock pulse, but he cheekily inverts the exuberance of "Shake It Off," strips the T'Pau and Chvrches out of "Out of the Woods," and softens the steely "Blank Space," thereby turning the first three singles into laments. Nevertheless, there's no disguising how Ryan Adams flips Taylor Swift's 1989 upside-down, turning a moment of triumph into bedsit introspection, a concept that is undoubtedly theoretically interesting, but the record works because Adams doesn't play this as a stunt. He's as canny a producer as he is a conceptualist, coaxing forgotten college rock sounds out of his Pax-Am Studios and treating Swift's originals as text to be interpreted, a move that neither saves nor strengthens the originals but rather highlights the skill of Taylor the songwriter and Adams the musician. © Stephen Thomas Erlewine /TiVo
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Alternativ und Indie - Erschienen am 10. Oktober 2011 | Columbia

Das schwarze Loch hat ihn wieder ausgespuckt. Aus seinen dunkelsten Stunden macht Ryan Adams keinen Hehl, sondern wieder eines von diesen schwermütigen, getragenen Alben, für die er bisher gemocht wurde. Alkohol und Medikamente (die er in Folge einer Innenohrerkrankung und Schlaflosigkeit einnahm) konnten ihn trüben, aber nicht einschüchtern. Er schwor beidem ab, nahm die Sängerin und Schauspielerin Mandy Moore zur Frau und Glyn Johns zum Produzenten, der u.a. mit Led Zeppelin, The Who, den Beatles und Rolling Stones arbeitete. Adams hat "Ashes & Fire" gleich von Anfang an zu Ende gedacht, nicht vorschnell veröffentlicht. Sein Ertrag war ja bisher überdurchschnittlich, jährlich eine LP kramte das Arbeitstier regelmäßig aus sich hervor. Da konnte nicht immer etwas Handfestes übrig bleiben. Vielleicht überhörte man das auch zu schnell, was diesem Herrn durch den Kopf schoss und er so dringlich und bald wie möglich anbot. Ist halt auch nur ein Mensch, der Ryan. Aber ein dialektischer. Er wirft seinen Rettungsanker aus, verortet sich in der Nähe der Wunderwaffe Liebe und reflektiert sich wie ein streitbares Zwei-Parteiengestirn. Sanft setzt er mit seiner Kopfstimme zum Refrain von "Rocks" an und vergeht beim Honigkuchenpferdstück "I Love You But I Don't Know What To Say" vor Sehnsucht. In "Do I Wait" offenbart er, dass selbst im hellsten Glanz noch Schatten wohnen kann. Norah Jones war auch nicht weit. Man weiß nun mittlerweile, wie das ist mit ihr: Sie nimmt freundlich und unaufdringlich Platz an Klavier und Gesang. Unter den Kollegen wird besonders ihre zu jedem Grundakkord taugliche Stimme geschätzt, die an manchen Stellen von Mandy Moore selbst ("Kindness") oder Neal Casal ("Save Me") verdoppelt wird. Wäre die Kassette noch ein üblicher Gebrauchsgegenstand, würde "Ashes & Fire" als Botschaftsträger dienen, den man in mühevollster Kleinarbeit überspielt und sorgsam beschriftet. Für die Romantik versteht sich. © Laut
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Rock - Erschienen am 25. Juni 2007 | Lost Highway Records

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Easy Tiger has a "slow it down there, pal" undertone to its title -- and who needs a word of caution other than Ryan Adams himself, who notoriously spread himself far and wide in the years following his 2000 breakthrough Heartbreaker. After celebrating his 30th birthday with a flurry of albums in one year, Adams decided to pull back, hunker down, and craft one solid album that deliberately plays to his strength. As such, Easy Tiger could easily be seen as the album that many of his fans have wanted to hear since Heartbreaker, a record that is tight and grounded in country-rock. Easy Tiger is focused, but so have been some of the other thematic albums Adams has delivered with such gusto -- when he tried to run with the Strokes on Rock N Roll, mimicked the Smiths and Jeff Buckley on Love Is Hell, even turned out a full-on country album in Jacksonville City Nights, complete with knowing retro cover art, he stayed true to his concept -- but the cumulative effect of the records was to make him seem scattered, even if the records could work on their own merits. With each album since the wannabe blockbuster of 2001's Gold, his restlessness has seemed not diverse but reckless, so even his good albums seemed to contribute to the mess. Easy Tiger intends to break this perception by being concise, right down to how every one but one of these tight 13 songs clock in somewhere between the two-and-a-half and three-and-a-half minute mark. For somebody as doggedly conceptual as Adams, this is surely a deliberate move, one designed to shore up support among supporters (no matter if they're fans or critics), which Easy Tiger very well might. Surely, it is a welcoming album in many ways, partially due to the relaxed Deadhead vibe Adams strikes up with his band the Cardinals, reminiscent of 2005's fine Cold Roses. But if that CD sprawled, this one is succinct, as Adams flits through country-rockers and weepers -- plus the occasional rock detour, like anthemic '80s arena rocker "Halloween Head" or the spacy "The Sun Also Sets," a dead ringer for Grant Lee Phillips -- containing not an ounce of fat. Adams benefits from the brevity, most notably on the sweetly melancholy "Everybody Knows," the straight-up country of "Tears of Gold," or on "Two," which mines new material out of the timeworn "two become one" conceit. Here, his songs don't stick around longer than necessary, so they linger longer in memory, but the relentless onward march of Easy Tiger also gives the performances an efficiency bordering on disinterest, which is its Achilles' heel. As fine as some of the songs are, as welcoming as the overall feel of the record is, it seems a bit like Adams is giving his fans (and label) "Ryan Adams by numbers," hitting all the marks but without passion. This is when his craft learned from incessant writing kicks in -- he can fashion these tunes into something sturdy and appealing -- but it also highlights how he can turn out a tune as lazily as he relies on casual profanity to his detriment. Ultimately, these flaws are minor, since Easy Tiger delivers what it promises: the most Ryan Adamsy Ryan Adams record since his first. For some fans, it's exactly what they've been waiting for, for others it'll be entirely too tidy, but don't worry -- if Adams has proven to be anything it's reliably messy, and he's sure to get ragged again somewhere down the road (and based on his past record, safe money is on October 2007). © Stephen Thomas Erlewine /TiVo
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Alternativ und Indie - Erschienen am 9. September 2014 | Columbia

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All die Jahre war der US-Singer/Songwriter Ryan Adams höchst umtriebig, aber nachdem er 2010 und 2011 gleich drei Alben veröffentlicht hatte – Orion, Ashes & Fire und III/IV, letzteres sogar ein Doppelalbum – brauchte er doch eine Auszeit. Die verbrachte er mit Nebenprojekten und Produzentenarbeit, nebenbei löste er seine Band The Cardinals auf. Mit seinem im Herbst 2014 veröffentlichten selbstbetitelten Album suggeriert Adams nun einen Neustart: Hier präsentiert er elf Songs, die an den sorgfältig produzierten, präzise gespielten Radio-Rock der frühen Achtziger erinnern. Mit der Akustiknummer "My Wrecking Ball" knüpft Adams noch an Heartbreaker an, aber sonst regiert ein warmer, sanft schimmernder Sound. Als Vorabsingle dient "Gimme Something Good". © TiVo
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Rock - Erschienen am 28. April 2017 | Blue Note (BLU)

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Ryan Adams kann man nicht vorwerfen, er lege die Hände in den Schoß. Das eigenwillige Taylor Swift-Coverprojekt "1989" ist keine zwei Jahre alt, aus 2014 datiert sein letztes Album mit originärem Material. Nach dem drogenbedingten Break zwischen "Easy Tiger" (2007) und "Ashes & Fire" (2011) scheint Adams den Weg zurück zum Jahresrhythmus zu finden. Zu erzählen gibt es offenkundig genug, um die Dinge in Ryans World ist es auch heuer nicht eben harmonisch bestellt. Nach sechs Jahren hat sich Adams von Schauspielerin und Sängerin Mandy Moore getrennt. Am Ende stritten sie um die Verteilung der gemeinsamen Hunde und Katzen. Nun denn, "Cats And Dogs", das ewige Missverständnis von der Liebe und ihrem Hang zur Erosion, liefert das Stichwort, gleich der Opener stellt zu offenen Akkorden Marke Stadion-Breitbein die Frage aller Fragen: "Do you still love me?" Musikalisch kommt "Prisoner" dabei wie die logische Fortführung vom selbstbetitelten Album von 2014 um die Ecke. Die allzu typischen Stilmittel sind bekannt: Das Schrumm-Schrumm der Barré-Griffe aus dem Schränkchen von Tom Petty, das angeraute Springsteen-Timbre zwischen blauer Stunde und schwarzer Nacht, die unablässig nagenden Liebeszweifel mit Cowboyhut und Jeansjacke. Die Faust in der Tasche, wenn man quer durch den Raum die Ex mit dem Neuen am verräucherten Billardtisch stehen sieht, sie wieder mal zu laut lacht, während er am "Pabst Blue Ribbon" süppelt. Immer ein bisschen mehr auf der Roadmovie-Seite als im wirklichen Leben, aber so what. It's only Rock'n'Roll, und wir lieben es. Noch einmal zu den stehenden Akkorden, die die eingeworfenen Zeilen dramatisch umschließen: In Peter Illmanns Welt würden dazu Schlagzeuger-Haare von Ventilatoren verweht, stünden Gitarristen mit Bandanas ums Handgelenk auf Felsvorsprüngen in der Mojave. Im Hause Adams, dort also, wo Pausbacken-Knuffigkeit und Deathmetal-Patches friedlich ko-existieren, wohnt dem am Schmockrock entlang tänzelnden Riff-Drama tatsächlich eine nicht zu verleugnende Authentizität inne. Zu "Prisoner" und dem spooky verhangenen "We Disappear" lässt es sich prima Air-Schellenring spielen, "Haunted House" bringt einen auf den Gedanken, mal wieder "Tunnel Of Love" aus dem Regal zu ziehen, und "Anything I Say To You Now", ein absoluter Höhepunkt auf einem durchweg starken Album, lässt erahnen, wie gut der polymusiglotte Johnny Marr selbst bei der E-Street-Band aufgehoben wäre. Diese Gitarren-Kaskaden sind dermaßen Marke Manchester, es scheint, als sei beim Handschlag - "OMG, I just shook Johnny Marr's hand", hatte Adams im Juli 2015 getwittert - etwas übergesprungen. Es bleibt dabei: Happiness is a warm gun und Liebeskummer eine verwehte Mundharmonika. Als Hörer gilt es, sich zwischen drei Möglichkeiten zu entscheiden. Die, die ihn schon immer schätzten, greifen eh zu. Die chronischen Achselzucker intolerieren wie gewohnt, und jene Stichproben-Hörer, die einzelne Songs schätzten, sich dem Backkatalog-Koloss bislang jedoch verweigerten, decken sich nun endlich mit dem Gesamtwerk ein. Tolle Platte. Bis nächstes Jahr dann, Ryan. © Laut
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Rock - Erschienen am 4. November 2003 | Lost Highway Records

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Ryan Adams is the male Courtney Love -- a hard-working hustler with impeccable taste who talks such a good game that it deliberately overshadows his music. Of course, Adams differs from Courtney in many crucial ways. For one, he's a workaholic, recording and releasing more albums than he should, which also points out that, unlike Love, he doesn't need a collaborator to help shove his songs over the goal. But the crucial similarity is that they're both students of rock history, conscious of what accounts for good taste within rock crit land, from 1973 to 2003. They don't just know the canon -- they want to be part of the canon, to the extent that it seems that they want to be the artist that all rock history has inextricably pointed to (or to paraphrase the far more eloquent Morrissey, they want to be the end of the family line). Which is why it rankles Adams when he's pigeonholed as an alt-country singer/songwriter (he's right -- he hasn't been alt-country since he left Whiskeytown) when Jack White steals his spotlight by doing a related, but not similar, spin on roots rock: he's so clearly the Important Artist of the Decade that he needs to pull the spotlight back on himself whenever it's shining somewhere else. With Gold in the fall of 2001, the wind was at his back -- his enfant terrible schtick was still relatively fresh, "New York, New York" became a post-9/11 anthem, and the music was eclectic enough to break him out of the alt-country ghetto, even as it was rootsy enough to still play to that core audience. By 2003, things were getting a little dicey for Adams, partially because he wouldn't shut up -- either to the press or on his online blog; he said many things to both, the most noteworthy being a bizarre pseudo-feud with the White Stripes, where he yo-yoed between calling Jack White a genius and kid's stuff -- and partially because he had diarrhea of the recording studio, cutting more stuff than Lost Highway could possibly release, particularly because he was moving further away from the label's core alt-country audience. They released the demos collection Demolition in 2002 but balked at Love Is Hell, his mope-rock tribute recorded with Smiths producer John Porter, but after some discussion, it was decided that Love Is Hell would surface as a pair of EPs, while Lost Highway would get a big, shiny new rock & roll record. Wearing his intentions on his sleeve in a nearly cynical manner, Adams called the album Rock N Roll, though in a fit of rebellious piss and vinegar, the artwork has it displayed as a mirror image: Llor n Kcor, which isn't quite Efil4zaggin, but the spirit is nonetheless appreciated. The title is so simple it belies the fact that this is a bit of a concept album on Adams' part, a conscious attempt to better the Strokes and the White Stripes at their own game while he performs a similar synthesis of glam rock and Paul Westerberg while dabbling in the new new wave of new wave spearheaded by Interpol to prove that he can do the arty thing too (though that proof is reserved for the Jeff Buckley-aping Love Is Hell). It's not just that the sound echoes bands from the past and future; the titles consciously reference other songs: "Wish You Were Here," "So Alive," "Rock N Roll," and "Boys" borrow titles from Pink Floyd, Love and Rockets, Led Zeppelin, and the Beatles/Shirelles, respectively; "The Drugs Not Working" reworks the Verve's "The Drugs Don't Work," "She's Lost Total Control" is a play on Joy Division's "She's Lost Control," "1974" harks back to the Stooges' "1969" and "1970," "This Is It" is an answer song to the Strokes' "Is This It," and "Note to Self: Don't Die" apes Norm MacDonald's catch phrase. These songs don't necessarily sound like the songs they reference, but there sure are a lot of deliberate allusions to other styles and bands: tunes that sound a bit like the Strokes, songs that sound like Westerberg, tracks patterned after Interpol but sounding like U2, and the glam songs that are meant to sound like T. Rex or the New York Dolls but come out as Stone Temple Pilots. While some of the material suggests that the record was written in a hurry -- instead of lyrics, "Wish You Were Here" sounds like a transcript of Tourette's syndrome -- many songs exhibit considerable studiocraft and songcraft, a reflection of Adams' exceptional taste and skill as a musician. But while some of the songs are undeniably catchy, they're essentially the sound of somebody responding to his influences and peers, sometimes in an alluring way, but not quite carving out a personal, idiosyncratic vision. That said, it's not a bad listen at all, particularly when Adams gets caught up in the sound of it all and sounds consumed by passion instead of mimicking it -- for reference's sake: "This Is It," "1974," "Luminol," and "Burning Photographs." © Stephen Thomas Erlewine /TiVo
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Rock - Erschienen am 10. Januar 2006 | Lost Highway Records

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Draußen ist es kalt und regnerisch, du bist niedergeschlagen und sehnst dich nach etwas Wärme? Bitteschön: Für dich kommt das dritte Werk, das das Arbeitstier Ryan Adams im vergangenen Jahr aufnahm. Mit "29" beschert Ryan uns wiederum Country-lastige, aber auch sehr, sehr ruhige, fast schon besinnliche Musik. Nach zwei Alben mit den Cardinals geht Adams seinen Weg auf "29" wieder alleine (etwas Hilfe bekommt er von Ethan Johns, der schon auf "Heartbreaker" und "Gold" dabei war). Feinfühlig und sanft führen die Stücke den Hörer in einen See voller Tränen, in dem man sich stundenlang verlieren möchte. Klingt kitschig, ist es aber nicht. Ryan Adams und seine Musik sind viel zu bodenständig, um auf solche Klischees reinzufallen. Seine Stimme klingt immer noch gebrochen, wenn sie in manchen Passagen droht, sich zu überschlagen (exemplarisch in "Carolina Rain"). Immer wieder jedoch fängt der Singer/Songwriter-Meister sie auf und mildert sie mit parallel erklingenden Gitarrenläufen ab. Denn er kann mit seiner Stimme umgehen, sie zähmen und komplett beruhigen. Am eindrucksvollsten beweist er diese Fähigkeit auf dem sanften "Strawberry Wine". Auch "Starlit Diner" und "Elizabeth, You Were Born To Play That Part" besänftigen mit der Abbildung der sanften Gesangspur auf dem zurückhaltend gespielten Klavier. Aufgewühlter klingt Adams auf "The Sadness". Mit südländisch angehauchten Rhythmen singt er sich in Rage. "Nightbirds" beeindruckt mit seinen Dopplungen, dem Hall und einer Stimmung, als stünde man mitten in einem Gewitter. Er geht aus sich heraus, richtig laut wird er allerdings nie. Ryan Adams schafft ein rundes, sanftmütiges Album. "29" ersetzt den Kamin in kalten Stunden und entfacht die Wut, die unter der Traurigkeit glüht: "The sadness is mine." © Laut
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Rock - Erschienen am 1. Januar 2002 | Lost Highway Records

Eine Zusammenstellung von Demoaufnahmen eines Songwriters lässt mich normalerweise erschaudern. Oft sind es ärmlich zusammen gewürfelte Stücke halbherzig eingespielter Sessions, die vor Selbstmitleid geradezu triefen. Zudem können solche Veröffentlichungen guten Gewissens als Indiz für das baldige Karriereende des Künstlers genommen werden. Aber nicht in diesem Fall. Ryan Adams schreibt Songs in einer Geschwindigkeit, in der andere Menschen ihre E-Mails beantworten. Demolition ist lediglich der Versuch, die Veröffentlichungen mit der Schreibwut mithalten zu lassen. Die Tracks wurden in fünf verschiedenen Sessions zwischen Dezember 2000 und Oktober 2001 aufgenommen. Adams wählte die schönsten Lieder selbst aus und versichert, dass tatsächlich nur "First Takes" zu hören sind. Es wurde also nicht nachträglich verbessert oder neu eingespielt. Das Ergebnis klingt zwar ein wenig durcheinander, aber Kohärenz war auch nicht das Ziel dieser Veröffentlichung. "Nuclear" ist Adams wie man ihn bereits kennt. Ein rauer Rocksong mit einer bittersüßen Melodie. "Hallelujah" ist eine Mundharmonikanummer im Bob Dylan-Stil. Einige Songs zeigen auch einfach nur den Sänger und seine Gitarre: "Desire", "Cry On Demand" und das wunderschöne "Dear Chicago". Es sind aber jene Songs, die mit Adams Nebenprojekt "The Pinkhearts" aufgenommen wurden, von denen man sich mehr Präsenz auf dem Album wünscht: "Starting To Hurt" fängt mit einer Basslinie an, die man sonst nur bei den "Pixies" erwarten würde und zeigt die Experimentierfreudigkeit des Country-Troubadours. "Gimme A Sign" ist ein ehrlicher Rocksong mit deutlicher Tendenz zum Kopfnicken und wahrscheinlich das eingängigste Stück auf Demolition. Der Vollständigkeit halber seien auch noch die Durchhänger "Tomorrow" und vor allem "Tennessee Sucks" erwähnt. Diese taugen nicht viel mehr als zu Lückenfüllern. Aber sie stören keineswegs den guten Gesamteindruck des Albums, das sich gerade durch seine Vielseitigkeit auszeichnet. So wird wohl jeder Ryan Adams Fan seinen eigenen Lieblingssong auf Demolition finden. © Laut
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Pop - Erschienen am 1. Januar 2001 | Lost Highway Records

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Rock - Erschienen am 17. Februar 2017 | Blue Note (BLU)

Kummer im Herzen ist wie ein Düngemittel, von dem alle Songwriter, die es wert sind Songwriter genannt zu werden, nur träumen. So bestätigt es Ryan Adams umso mehr mit seinem Album Prisoner, das sich um seine Scheidung mit Mandy Moore dreht. Nachdem er seine Welt mit 1989 von Taylor Swift überraschte, kommt der alte Leader von Whiskeytown hier wieder zurück ins traute Heim, wo er genau weiß, was er am besten kann. Pure und harte Selbstreflektion, gespickt von Zweifeln, Leiden, Freude und der ganzen Palette der existenziellen Gefühle. Der Stil von Ryan Adams ist da. Dieser Klassizismus, den er sicherlich von Tom Petty und seinen Heartbreakers geerbet hat oder auch von Bruce Springsteen und dem er noch den letzten Schliff in den Refrains gibt, trifft genau ins Schwarze. Dieses 16. Album ist keine Revolution wie so oft bei Ryan Adams, lediglich ganz einfach Rock (aber niemlas simpel). Ein knöchriges Album, ohne Fettschicht oder Bluff, das vor allem versucht den Songs Perfektion zu verleihen, ohne dabei zu versuchen, sich an Altem festzuklammern. © MD/Qobuz
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Rock - Erschienen am 5. Oktober 2018 | gOLDfISh reCORds

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Pop - Erschienen am 21. Februar 2013 | Pax Am Records

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Alternativ und Indie - Erschienen am 23. April 2021 | PaxAm Recording Company

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Rock - Erschienen am 1. Januar 2007 | Lost Highway Records

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Rock - Erschienen am 4. Mai 2004 | Lost Highway Records

Like any Ryan Adams album, Love Is Hell comes with a back-story, one that is carefully calculated to construct the enfant terrible's self-myth. Love Is Hell was intended to be the official follow-up to 2001's Gold -- the album that was not a collection of demos (that was 2002's Demolition), or the recorded-but-shelved albums 48 Hours or The Suicide Handbook, or even his alleged song-by-song cover of the Strokes' Is This It. Longtime Smiths fan that he is, Adams teamed up with John Porter -- the man who produced The Smiths, Meat Is Murder, and part of The Queen Is Dead -- with the intention of creating his own mope-rock album, hence the title Love Is Hell. Americana label that it is, Lost Highway balked at releasing a stylized tribute to Mancunian rainy-day bedsit music and didn't release it, encouraging Adams to record a different album, presumably one more in line with the label's taste. In the press and on the web, our hero spread stories about how the label claimed it was "too depressing" and "dark," thereby cultivating the myth that he's a maverick genius, while the label cheerfully countered with the defense that it just knew that our boy could do better. Eventually, a compromise was arranged: Adams kicked out a new album, the self-descriptive Rock N Roll, while releasing the equally self-descriptive Love Is Hell as two EPs, the first hitting the streets the same day as the "official" album, the second arriving a month later. Five months after that, the full-length Love Is Hell, containing both EPs plus "Anybody Wanna Take Me Home" from Rock N Roll, was released, negating the worth of the individual EPs (which were, after all, merely two halves of one album) and likely irritating legions of fans who bought both EPs. While it took longer than necessary to have the whole bloody affair of Love Is Hell released as its own entity, it's hard not to view it as a companion piece to Rock N Roll, particularly because they're two sides of the same coin. In effect, both Rock N Roll and Love Is Hell are tribute albums, each a conscious aping of a style and sound, both designed to showcase how versatile and masterful Adams is. But since he's a synthesist more than a stylist, Adams, for all his bluster, winds up as a Zelig-styled character, taking on the characteristics of the artists he's emulating -- something that can be sonically pleasurable, but far from being the substantive work of mad genius that he relentlessly sells himself as. If Love Is Hell has the edge over Rock N Roll, it's because it's more carefully considered in its production and writing, and he manages to hide his allusions better than he does on Rock, where every title and chord progression plays like an homage. Here, he shoots for the Smiths and winds up in Jeff Buckley territory tempered with a dash of Radiohead circa The Bends. To claim that it is a dark affair is to criticize its milieu more than its substance, because the songs have the form and feel of brooding, atmospheric mope-rock, not the blood and guts of the music. Adams is fairly adept at crafting that mood -- anybody who's such a fan of rock history should be -- sometimes relying more on a blend of attitude and atmosphere instead of songwriting. Such is the fate of a stylized tribute to a style with specific sonic attributes, but Adams also does come up with a clutch of effective songs: the epic sprawl of "Political Scientist," which captures him at his best Buckley; the title track, which is nearly anthemic with its ringing guitars; the understated "World War 24"; the gently propulsive "This House Is Not for Sale," which would fit nicely between a Julian Cope and Morrissey track on a college radio show from the late '80s. "English Girls Approximately" is an effective Bob Dylan and Paul Westerberg fusion, and the closer, "Hotel Chelsea Nights," is one of his best songs, a mildly anthemic soulful anthem with vague overtones of "Purple Rain." Nevertheless, it's telling that the best song here is a cover of Oasis' "Wonderwall." It's a well-done cover but not much of a reinvention -- Adams uses Noel Gallagher's solo acoustic version of the song as a template, replacing strumming with fingerpicked guitars and altering the phrasing slightly -- which is why the song itself shines through so strongly: it resonates how the other songs are intended to, but don't. While it doesn't fatally hurt Love Is Hell, since it is an effective mood piece, it does undercut it, revealing how Adams delivers the sizzle but not the steak. © Stephen Thomas Erlewine /TiVo

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Ryan Adams im Magazin
  • Ryan Adams, back to the 80s!
    Ryan Adams, back to the 80s! Mit "Big Colors" reist Ryan Adams, der uns eigentlich als Americana-Künstler bekannt ist, in das Jahrzehnt der von ihm so verehrten The Smiths. Verblüffend gut.
  • Das Leben des Ryan
    Das Leben des Ryan Mit "Prisoner" therapiert Ryan Adams seine Trennungen...