Herausragende Tonaufnahme

Das Hauptwerk dieses Albums ist ohne Zweifel die Siebte Sinfonie (sie wird manchmal auch als Achte betrachtet), „Unvollendete“ genannt…, auch wenn sie uns hier vollendet präsentiert wird. Denn in Wirklichkeit war die Komposition des Scherzo in Form eines Particell schon weit fortgeschritten und teilweise auch vom Komponisten selbst instrumentiert worden. Warum hat er nicht weitergemacht? Die Frage bleibt offen. Manche denken, er sei der Meinung gewesen, das Scherzo läge weit unter der Monumentalität der beiden ersten Sätze, beinahe ein Fauxpas (das ist natürlich nur eine Meinung unter vielen) – der Hörer soll sich dazu eine eigene Meinung bilden, indem er hier die von Nicola Samale und Benjamin-Gunnar Cohrs 2015 ergänzte Fassung anhört. Was den vierten Satz betrifft, so besteht Einigkeit darüber, dass die ausführliche Entracte-Musik von Rosamunde, in der selben Tonart, zur selben Zeit und mit zahlreichen thematischen Parallelen geschrieben, zweifellos ein naheliegender Kandidat wäre. Der erste Teil des Albums präsentiert einige Lieder, in orchestrierter Fassung, aber nicht von den Erstbesten! Hier sind es Webern und Brahms. Und welch eine Überraschung, hat man beim Hören der bewegtesten Passage von Gruppe aus dem Tartarus mit Orchesterbegleitung nicht auf einmal den Eindruck … Anklänge an die Schmiedeszene in Siegfried zu hören „Nothung, neidliches Schwert“! Es spielt Concentus Musicus, die hier ihre erste Aufnahme nach Harnoncourts Tod realisieren. Die Lieder werden von Florian Boesch gesungen. © SM/Qobuz

Welch ungewöhnliches und reizendes Werk ist doch diese Erste Sinfonie von Witold Lutosławski! Die Sinfonie, die 1947 geschrieben wurde, macht noch bei Strawinsky, Bartók, Prokofjew und deutlich auch bei Roussel Anleihen, und weist gleichzeitig schon auf die eigenen Ideen des Komponisten und seine erfolgreiche Instrumentierungskunst hin. Er hatte damals jedoch weder die Zwölftontechnik übernommen – die er nach eigenem Gutdünken verändern sollte – noch die Prinzipien der Aleatorik, die man in Jeux vénitiens von 1961 findet. Dort bedeutet Aleatorik, dass die Musiker oder verschiedene Instrumentengruppen eine gewisse Freiheit haben, ihren Part vorzutragen, wenn sie Lust haben oder wenn der Dirigent ihnen einen Einsatz gibt. Der formale Rahmen bleibt natürlich genau vorgegeben; man kann auch sagen, dass jede neue Interpretation eine andere Sichtweise desselben Werkes erlaubt. Das Album schließt mit der Vierten Sinfonie, Lutosławskis letzten, die er zwischen 1988 und 1991 schrieb, und die 1993 unter der Leitung des Komponisten selbst nur wenige Monate vor seinem Tod uraufgeführt wurde. Er kommt hier eindeutig auf harmonische und melodische Vorstellungen wie bei Mahler oder Bartók zurück, auch wenn der Gesamtstil absolut modern ist. Der Kontrast zwischen der Ersten Sinfonie, Jeux vénitiens und der Vierten Sinfonie ist spektakulär und vermittelt einen guten Eindruck vom Werdegang eines genialen Musikers, der die verschiedensten Einflüsse nicht ablehnte, sondern sie sogar immer in seinen eigenen Stil integrierte. © SM/Qobuz

Das Cellokonzert von Lutosławski und Tout un monde lointain (ebenfalls ein Cellokonzert) von Dutilleux haben ein seltsam ähnliches Schicksal. Beide wurden von Rostropowitsch bestellt. Beide wurden 1967 begonnen und 1970 vom Auftraggeber uraufgeführt. Beide wurden im „Westen“ uraufgeführt, das eine in London, das andere in Aix-en-Provence. Danach begann es für Rostropowitsch schwierig zu werden, denn er fiel unter der sowjetischen Diktatur von Breschnjew offiziell in Ungnade. Als der Solist 1974 die UdSSR endgültig verließ, ereilte Lutosławskis Cellokonzert übrigens das gleiche Schicksal im „Osten“ und es wurde lange Zeit kaum aufgeführt. Obgleich die beiden Werke wie auch die beiden Komponisten aus exakt derselben Zeit stammen, könnten sie nicht unterschiedlicher sein. Wo Lutosławski's Cellokonzert ein gewisses Chaos zu beschreiben scheint, mit einem Solistenpart, der nach Art eines Don Quichotte gegen das Orchester ankämpft, ist Tout un monde lointain in ein fantastisches Licht getaucht, in dem das Cello als „primus inter pares“ zum Orchester gehört. Zwei grundverschiedene Visionen, die hier vom Cellisten Johannes Moser mit der gleichen Leidenschaft vorgetragen werden, der sie so lange immer wieder geübt und gespielt hat, bis in der vorliegenden Aufnahme jede Nuance reiflich überlegt klingt. © SM/Qobuz

Zwei Komponisten, die auf die eine oder andere Weise von den Schrecken des Krieges sangen, zwei, die dort ihr Leben ließen – Ian Bostridge, am Klavier meisterlich begleitet von Antonio Pappano, hat die Wette gewonnen. Die beiden ersten sind Kurt Weill mit seinen Four Walt Whitman Songs, in denen der Dichter die Soldaten beklagt, die während des Sezessionskrieges gefallen sind, und Gustav Mahler, dessen drei Lieder aus Des Knaben Wunderhorn mit Grausamkeit und Empörung das Leben der armen, kaum der Schule entwachsenen Burschen, Bauern und Lehrlinge schildert, die als Kanonenfutter an mögliche Fronten geschickt wurden. Direkter betroffen, wenn man so sagen darf, sind George Butterworth – er fiel mit 31 Jahren an der Somme – , dessen A Shropshire Lad zweifellos sein größtes Meisterwerk ist, und Rudi Stephan. Dieser starb 1915 mit 28 Jahren in Galizien. Sein Zyklus Ich will dir singen ein Hohelied ist ein Gipfel an doppeldeutiger Erotik… Wie hätte das Schicksal der deutschen Musik ausgesehen, wenn dieses Genie beispielsweise ein Gegengewicht zur aufkommenden Zwölftonmusik gebildet hätte? Bostridge gibt sein Bestes anlässlich dieses traurigen 100-jährigen Jubiläums zum Ende des schrecklichen Krieges, von dem sich damals viele wünschten, es sei der letzte… © SM/Qobuz

Fast alle Stücke dieses Albums hat der lettische Geiger Gidon Kremer uraufgeführt und weithin gefördert; eines von ihnen – Tabula rasa (1977) – wurde eigens für ihn geschrieben. Auch zeigen alle diese Werke den von Arvo Pärt selbst so bezeichneten „Tintinnabuli-Stil”, den der Komponist in den 1970er Jahren beim Studium mittelalterlicher Kirchenmusik entwickelt hatte. Pärt hat dazu erklärt: „Ich habe entdeckt, dass es ausreicht, wenn nur eine einzige Note schön gespielt wird. Diese eine Note, oder eine Pause, oder ein Moment der Stille, tröstet mich. Ich arbeite mit nur sehr wenigen Elementen & mit einer oder zwei Stimmen. Dabei benutze ich die simpelsten Strukturen – ein Dreiklang, eine besondere Tonalität. Die drei Noten des Dreiklangs sind wie Glocken, und das bezeichne ich als Tintinnabuli.” Die beiden 1977 komponierten Stücke Tabula rasa und Fratres begründeten Pärts internationales Ansehen wirkungsvoll. Tabula rasa ist im Grunde ein Konzert für zwei Violinen mit Streichorchester und präpariertem Klavier, das im langsamen zweiten Satz deutlich Glockenklänge hervorbringt. Fratres wurde seit der Uraufführung durch Hortus Musicus, ein estnisches Alte Musik-Ensemble, für verschiedene Instrumentenkombinationen bearbeitet. Die Version, die hier zu hören ist, ist die des Komponisten aus dem Jahre 1991 für Solovioline, Streicher und Schlagzeug (mit Klanghölzern sowie Bass-Trommel oder Tom-Tom). Bach übte lange großen Einfluss auf Pärts Musik aus, wie es sich in seiner 2003 komponierten Passacaglia und in dem Stück Darf ich... erweist, das ursprünglich 1995 geschrieben wurde und Yehudi Menuhin gewidmet ist; Pärt überarbeitete das Werk danach 1999, und Kremer spielte die Erstaufführung dieser revidierten Fassung mit seinem Ensemble Kremerata Baltica. Spiegel im Spiegel, komponiert 1978, ist eine von Pärts einfachsten Kompositionen, in der eine Geige gemächlich eine Melodie meist stufenweise über der stetig arpeggierenden Klavierstimme spielt. © Onyx Classics

Auch wenn Leonard Bernstein einer der größten Dirigenten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts war, so hat seine Aktivität als Interpret nie die des Komponisten überdeckt. Aber der weltweite und dauerhafte Erfolg der West Side Story hat ihn oft geärgert, weil dieser den Rest seines reichhaltigen und abwechslungsreichen Werkkatalogs in den Schatten stellte. Antonio Pappano hatte den guten Einfall, die drei Bernstein-Sinfonien in einem Album zusammenzustellen. Er hat dieses im Laufe mehrerer Konzerte mit seinem Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia in Rom aufgenommen, das unter seiner Leitung international bekannt geworden ist. Bernstein hatte zu diesem Ensemble, mit dem er regelmäßig zusammenarbeitete, ein besonders enges Verhältnis. Bernsteins erste Sinfonie, Jeremiah, stammt aus dem Jahr 1944. Er war damals 26 Jahre alt und schrieb im gleichen Jahr sein erstes Ballett für den Broadway, Fancy Free. Er mischte gerne die musikalischen Gattungen. Diese Praxis wurde zu seinem Markenzeichen und irritierte eine ganze Reihe misstrauischer Musikliebhaber, die nicht verstehen konnten, dass diese Dichotomie die Frucht seines Genies war. Diese erste, auf Hebräisch gesungene Sinfonie prangert das Grauen des Holocausts in Europa an. 1949 entstand The Age of Anxiety (Das Zeitalter der Angst), seine eigenartige, zweite Sinfonie nach einem langen und schwierigen Gedicht von W. H. Auden. Diese wegen ihres heiklen Klaviersolos selten gespielte Symphonie besteht aus einer Abfolge von "Themen und Variationen". Sie flirtet zu Beginn noch mit der europäischen Kunstmusik, insbesondere der von Prokofjew, um dann in einer synkopierten Sentimentalität nach Art der großen Hollywood-Filme zu enden. Die ausgezeichnete Pianistin Beatrice Rana (die für Warner Classics mit demselben Dirigenten ein sehr spannendes Zweites Klavierkonzert von Prokofjew sowie in jüngerer Zeit eine eher umstrittene Aufzeichnung der Goldberg-Variationen von J. S. Bach realisiert hat) erweist sich hier als brillante und überzeugende Interpretin. Die dritte Sinfonie, Kaddish, die 1963 geschrieben und dem Präsidenten Kennedy gewidmet wurde, ist zweifellos das persönlichste Werk dieser Trilogie. Die für Bernstein so typische, heterogene Musik begleitet ein aus seiner Feder stammender Text, der aufgrund seiner ikonoklastischen Arroganz einen Skandal ausgelöst hat - denn Bernstein erteilt Gott Ratschläge darüber, wie er die Menschen besser regieren sollte... Da er mit seinem Text unzufrieden war, hat der Komponist sein Werk mehrfach überarbeitet, um ihm die heute allgemein übliche Form zu geben. © François Hudry/Qobuz

Bei den ersten Tönen meint man, einen Countertenor zu hören. Aber einen sehr guten, im Vibratolosen ganz frei resonierend. Mit ihrem Album „Perpetual Night“ treffen die Mezzosopranistin Lucile Richardot und das Ensemble Correspondances unter Leitung von Sébastien Daucé tief in jene leicht melancholisch gefärbten Stimmungen, die wir gemeinhin mit dem englischen Lautenlied des 17. Jahrhunderts verbinden. Die reine Lautenbegleitung bildet auf dieser Aufnahme jedoch nur den Ansatzpunkt für die Weiterentwicklung dieser Gattung am britischen Hof unter dem Einfluss der frühen italienischen Barockmusik. Dieser etablierte auch das Begleiten der Melodie auf der Basis der notierten Generalbasslinie in England. Die Freiheit, die dies den Instrumentalisten eröffnet, nutzt das Ensemble für ein sehr ausgewogenes Klangbild, in das Harfe, Laute, Theorbe und auch Cembalo viele schöne Schattierungen einbringen, alles ganz gediegen, ohne starke Affekte. Einige mehrstimmig-vokale und zwei kurze Instrumentalsätze (John Jenkins, Matthew Locke) ergänzen die Beiträge von Lucile Richardot. Den Löwenanteil machen die von ihr vorgetragenen „Ayres and Songs“ aus, wie Robert Johnson, William Lawes, Nicholas Lanier, John Banister, James Hart und auch John Blow und Henry Purcell („When Orpheus sang“) sie in Töne gesetzt haben. Das gut geschriebene, leider nicht auf Deutsch übersetzte Beiheft gibt anhand der einzelnen Komponisten einen kurzen Überblick über die politischen und künstlerischen Entwicklungen des Jahrhunderts, als dessen End- und Höhepunkt uns Heutigen Purcell erscheint, das in seinem Verlauf jedoch viele Meister der sanft deklamierenden Textbehandlung hervorgebracht hat. Die hohe Musikalität von Lucile Richardot, ihre makellose Stimmführung bei gleichzeitig verführerisch-strömender Tongebung machen dies empfind- und erlebbar. © Schmitz, Johannes / www.fonoforum.de

Unter den vielen jungen Talenten, die neu in der Musikszene sind, gibt es einige mit einem ganz besonderen gewissen Etwas. So etwa Florian Noack, dessen hochherziges und sonniges Wesen gleich bei der ersten Begegnung Eindruck macht. Er ist von einer hinreißenden Lebendigkeit und Neugierde. Seine „fünfundzwanzig“ über das Klavier fliegenden Finger kann man nur bewundern. Und vor allem erfüllen seine Offenheit und seine Bescheidenheit sein Umfeld mit Respekt. Ins Zentrum der Folklore verschiedener Nationen reisen, ihre einzigartigen virtuosen oder zurückhaltenden Klänge mit uns teilen, manchmal seine eigenen Arrangements als Weltpremiere anbieten… das ist das erstaunliche musikalische Abenteuer, zu dem wir vom Pianisten Florian Noack auf seinem ersten Album für La Dolce Volta nach mehreren anderen für ARS Produktion und Artalinna eingeladen werden. Florian Noack bietet uns hier ein Programm rund um den Tanz: Brahms, Grieg, Schubert, Rachmaninow, Szymanowski, Komitas, Janáček, Nín, Martucci und Grainger mit virtuosen, poetischen und intimen Momenten. Mit seinem äußerst vielfältigen Talent gelingt es Florian Noack, uns die Essenz dieser Stücke nahezubringen, die in den Händen eines anderen zu reiner Salonmusik würden. Ein überaus charmantes Album, das Ihnen bestimmt gefallen wird! © La Dolce Volta

Finnland ist heute eine der fruchtbarsten Musik-Regionen der Welt und bringt dank der hervorragenden Qualität seiner Musikerziehung viele Komponisten, Dirigenten, und Interpreten mit internationalen Karrieren hervor. Der ausführliche Katalog des dynamischen finnischen Verlags Ondine enthält zahlreiche Aufnahmen des deutschen Geigers Christian Tetzlaff (Sonaten und Partiten für Solo-Violine von Bach, Sonaten von Mozart, Trios von Brahms, Konzerte von Mendelssohn, Schumann und Schostakowitsch) sowie des finnischen Dirigenten Hannu Lintu (Sibelius, Mahler, Enescu, Berio, Messiaen, Lindberg und Melartin). Die vorliegende Aufnahme ist jedoch die erste, die sie gemeinsam realisiert haben. Die beiden Violinkonzerte von Bartók wurden mit 30 Jahren Abstand für zwei verschiedene Virtuosen geschrieben. Das Zweite Violinkonzert, das sich als Thema in Form von Variationen über drei Sätze hin auf geniale Weise entwickelt, wurde schon früh bekannt, wohingegen die Uraufführung des ersten Violinkonzerts erst lange nach seiner Entstehung stattfand. Als Liebeserklärung an Stefi Geyer, der Schweizer Geigerin ungarischer Abstammung, in die sich Bartók verliebt hatte, wurde es von seiner Widmungsträgerin zunächst geheim gehalten. Erst nach dem Tod des Komponisten zeigte die Geigerin dem Mäzen und Dirigenten Paul Sacher, einem guten Freund Bartóks, das Werk, das 1958 schließlich von diesem mit Hansheinz Schneeberger an der Violine uraufgeführt wurde. Die beiden Konzerte von Bartók, wichtiger Bestandteil des Repertoires für Violine und Orchester, finden glücklicherweise bei den Geigern der jungen Generation zunehmendes Interesse – erst vor kurzem ist eine Aufnahme derselben Werke mit Renaud Capuçon bei Warner erschienen. Die hier vorliegende neue Fassung, in ausgezeichneter Aufnahmequalität, erkundet mit Bedacht den ganzen Reichtum des Orchestersatzes in einem perfekten Zwiegespräch mit Christian Tetzlaffs unübertrefflicher Violine. © François Hudry/Qobuz

Der bemerkenswerte türkische Pianist Fazıl Say (geb. 1970) bietet uns hier ein bemerkenswertes Album, das Debussys Erstem Buch der Préludesvon 1910 gewidmet ist und 2016 im Großen Saal des Mozarteums in Salzburg aufgenommen wurde. Diesem stellt er sozusagen Saties sechs Gnossiennes (die ersten drei aus dem Jahr 1890, die letzten drei von 1897) gegenüber, sowie die Werke, die Satie berühmt gemacht haben: die drei unsterblichen Gymnopédies aus dem Jahr 1888. Beim Zuhören dieser Werke ist man fast überrascht, dass Saties Werke Debussys Préludes praktisch um zwei Jahrzehnte vorausgehen. Es ist nicht verwunderlich, dass Satie heute als echter Avantgardist gilt, auch bei den Minimalisten unserer Zeit. Angesichts der Tatsache, dass diese beiden Komponisten in allem völlig gegensätzlich sind, ist es nicht verwunderlich, dass sie ihr Leben lang befreundet waren, besonders wenn wir an Debussys Neigung zur Eifersucht gegenüber seinen Zeitgenossen denken… Dabei kann man auf ein so sanftes und flüchtiges Wesen wie Satie unmöglich eifersüchtig sein. Say breitet diese beiden entgegengesetzten Pole – so weit entgegengesetzt, dass sie fast wieder zusammentreffen – mit unendlicher Zärtlichkeit vor uns aus. © SM/Qobuz

Nach drei CDs, die sie den großen Instrumentalzyklen Vivaldis gewidmet hat, La Stravaganza (2004), La Cetra (2012) et L’Estro armonico (2015), setzt die englische Geigerin Rachel Podger ihre Arbeit mit dem Ensemble Brecon Baroque mit dieser neuen Version der Vier Jahreszeiten fort, die durch drei Violinkonzerte ergänzt wird. Das Ensemble Brecon Baroque ist aus dem Festival gleichen Namens hervorgegangen, das jedes Jahr Ende Oktober in Wales stattfindet: an einem zauberhaften Ort an der Mündung zweier Flüsse inmitten eindrucksvoller Landschaften, der Hunderte von Besuchern anzieht. Rachel Podger, die in Deutschland ihre Ausbildung gemacht hat, liebt Vivaldis und Bibers Musik gleichermaßen und beweist mit ihren Interpretationen, dass die Musik des "roten Priesters" ebenso wie die Bibers mysteriös und bizarr sein kann. Man könnte sogar so weit gehen, Vivaldi als einen entfernten Abkömmling des Manierismus aus der ausgehenden Renaissance und dem beginnenden Barock betrachten. Eine besonders interessante und überzeugende Sichtweise. © François Hudry/Qobuz

„Reise“ – diese Metapher wird oft verwendet, um die Musik des estnischen Komponisten Erkki-Sven Tüür (geboren 1959) zu beschreiben. Er bezeichnet sein Konzert für Viola Illuminatio als eine „Pilgerreise zum ewigen Licht“, und weist in seiner Achten Sinfonie auf die Bedeutung der Idee hin, „ständig unterwegs zu sein“. Damit wird viel über Dynamik, Wachstum und Entwicklung seiner Musik gesagt und um die Aussage noch etwas weiter zu fassen, kann man behaupten, dass Tüürs gesamte Karriere eine Art Reise ist. Während seiner beruflichen Laufbahn, seit den 1980er-Jahren, hat er seine musikalischen Idiome und Prinzipien ständig umgestaltet und korrigiert. Seine anspruchsvolle Reise hat… bei der Rockmusik begonnen, auch wenn er gleichzeitig am Konservatorium Flöte, Schlagzeug und Komposition studierte. Seit 1992 hat er sich als „Freelance“-Komponist niedergelassen. Zu Beginn seiner Karriere entwickelte er einen „polystilistischen“ Ansatz, der zwei einander anscheinend widersprechende, bzw. antagonistische Aspekte miteinander verband: Minimalismus und Tonalität auf der einen Seite, Modernismus auf der anderen in einer musikalischen Sprache, die aus Kontrasten und aus Synthese besteht. Zu Beginn des neuen Jahrhunderts hat er seine Kompositionsweise zu einer neuen Sprache hin verändert, bei der “die gesamte Komposition in einem Quellcode enthalten ist – einer Art Gen, das im Laufe seiner Entwicklung alle Punkte zu einem einzigen Gewebe verbindet, aus dem das Werk in seiner Gesamtheit entsteht.“ Alle auf dem vorliegenden Album enthaltenen Werke stammen aus dieser neuen Periode. Zu den Angelpunkten in Tüürs Werk gehört die Orchestermusik (darunter neun Sinfonien und zahlreiche Konzerte) sowie die Kammermusik und seine Vokalkompositionen. Während das Viola Concerto als Reise betrachtet werden kann, so ist Whistles and Whispers from Uluru („Pfeifen und Flüstern aus Uluru“) aus dem Jahr 2007 für Blockflöten und Kammerorchester von einem Land – Australien – und einem Klang – dem der Blockflöten inspiriert. Das Werk wurde vom Australian Chamber Orchestra für die Flötenvirtuosin Genevieve Lacey bestellt, die auf der vorliegenden Aufzeichnung alle Flöten spielt, von der Sopranino- bis zur Bassblockflöte, deren Klänge zum Teil elektronisch verändert wurden. Wenn ein Komponist nicht weniger als neun Sinfonien schreibt, so kann man daraus schlussfolgern, dass diese Gattung für ihn eine gewisse Bedeutung hat. Tüür versteht „sinfonisch“ im weitesten Sinn, nicht wie eine formal strenge Gattung, sondern eher als eine einzigartige und unabhängige Struktur für jedes seiner sinfonischen Werke. Seine neun Sinfonien bilden das Herzstück seiner Arbeit, von der ersten aus dem Jahr 1984 bis zur jüngsten von 2017. Die Achte aus dem Jahr 2010 wurde durch das Scottish Chamber Orchestra in Auftrag gegeben. Im Hinblick auf die Besetzung dieses Ensembles hat sich Tüür auf eine Instrumentierung eher in der Art einer „Sinfonietta“ als der einer großen Philharmonie beschränkt. Daher die allgemeine Struktur von oft kammermusikalischer Natur. © SM/Qobuz

Neben den beiden Violinkonzerten von Prokofjew, deren umfassende Diskografie durch die neue Interpretation der georgischen Geigerin Lisa Batiashvili und des ausgezeichneten Dirigenten Yannick Nézet-Seguin zusätzlich bereichert wird, sind auf dem vorliegenden Album drei „Bonbons“ von Prokofjew zu hören, gezeichnet Tamás Batiashvili – Vater von Lisa B. und in seinem Heimatland renommierter Pädagoge. Es handelt sich um Transkriptionen für Violine und Orchester einiger Stücke von Prokofjew: dem Tanz der Ritter aus dem Ballet Romeo und Julia, dem Walzer aus Cinderella und dem dämonisch-komischen Marsch aus der Oper Die Liebe zu den drei Orangen. Vater Batiashvili verschlankt den musikalischen Diskurs und gibt der Solovioline dadurch in manchen dichten Passagen der Originalpartitur mehr Raum, insbesondere im wuchtigen Tanz der Ritter, der an Gewicht verliert und an Lyrik gewinnt. Das Chamber Orchestra of Europe ist angesichts des sehr transparenten Stiles von Prokofjew in beiden Violinkonzerten der ideale Partner. © SM/Qobuz

Alfred Schnittke und Arvo Pärt haben beide die Zeiten intensiver Umwälzungen während der letzten Jahrzehnte vor der Auflösung der Sowjetunion erlebt. Seit den 1970er-Jahren kehrte die Religion in dem Maße allmählich wieder in das öffentliche Leben zurück, wie die staatlichen Einschränkungen abnahmen. Schnittke wandte sich dem Christentum zu und blieb gleichzeitig den orientalischen Kirchen gegenüber offen. Arvo Pärt, der aus einer lutherischen Familie in Estland stammt, nahm in den 1970er-Jahren den orthodoxen Glauben an. Die beiden Komponisten begangen in der Folge, religiöse Themen in ihre Arbeit einzubeziehen und entfernten sich endgültig von der modernistischen Abstraktion ihrer frühen Werke. Schnittke hat drei große geistliche Werke geschrieben: ein Requiem aus dem Jahr 1975, das nur in versteckter, verschleierter Form aufgeführt werden konnte (welche Ironie…) und zwar als Bühnenmusik einer Moskauer Produktion von Schillers Don Carlos. Sein Konzert für Chor, ebenfalls mit religiösen Texten, wurde 1986 in Moskau uraufgeführt, nachdem er es eine beschwerliche Reihe bürokratischer Hindernisse überwunden hatte. Dagegen konnten die vorliegenden Psaumes pénitentiels von 1988 im Rahmen eines nationalen Festaktes anlässlich der Tausendjahrfeier der Einführung des Christentums in Russland ganz offen uraufgeführt werden. Der Stil dieses gewaltigen Werkes bleibt zwar im Einklang mit den orthodoxen liturgischen Traditionen. Schnittke weicht die traditionellen Prinzipien jedoch auf, um moderne Klänge zu schaffen – und erzielt durch Veränderungen vor allem in rhythmischer und harmonischer Hinsicht einen intensiven musikalischen Reichtum. So wie die Psaumes pénitentiels von Schnittke, sind das Magnificat und Nunc dimittis von Pärt in einem quasi-liturgischen Stil komponiert. Das Magnificat entstand ein Jahr nach Schnittkes Partitur im Jahr 1989. Pärt lebte seit 1981 in Berlin, wo er seine spezielle Technik des „Tintinnabuli“ ausgefeilt hat. Der Estnische Philharmonische Kammerchor, der hier diese Werke aufführt, ist eines der wichtigsten Ensembles Estlands. Es wurde 1981 gegründet und wird seit 2014 von Kaspars Putniņš geleitet. Sein Repertoire reicht von Gregorianik und Barock bis zu zeitgenössischer Musik, mit einem besonderen Schwerpunkt auf Werken estnischer Komponisten, die es über die Landesgrenzen hinaus bekannt macht. © SM/Qobuz

Natürlich sind seit Jahren die Sonaten und Partiten für Solovioline von Bach hundert Mal aufgenommen worden, auch von den weltallerbesten Solisten überhaupt. Aber wenn eine neue Aufnahme mit dem Geiger Christian Tetzlaff erscheint, kann man nur sagen: „Mitbürger, Freunde, hört Qobuz an“. Konzerte mit Christian Tetzlaff werden oft zu einer existenziellen Erfahrung für Interpret und Publikum gleichermaßen, altvertraute Stücke erscheinen plötzlich in völlig neuem Licht, auch natürlich im Rahmen einer Studioaufnahme wie dieser. Voraussetzung für Tetzlaffs Ansatz sind Mut zum Risiko und spieltechnische Souveränität, Offenheit und eine große Wachheit fürs Leben. So ist seine Interpretation dieser Werke ein rechtes und ganz neues Erlebnis. © SM/Qobuz

Wir finden hier die vier Werke für Quartett des dänischen Komponisten Hans Abrahamsen, in der Interpretation des berühmten Arditti Quartetts wieder, allerdings in umgekehrter Reihenfolge: das vierte von 2012, das dritte aus dem Jahre 2008, das zweite von 1981- man beachte die große Zeitspanne, die dadurch erklärt werden kann, dass der Komponist zwischen 1990 und 2000 den Stift niedergelegt hat und rein gar nichts geschrieben hat - und zu guter letzt das erste, das im Jahre 1973 das Tageslicht erblickte und in „zehn Präludien" aufgeteilt ist. Von Beginn seiner Karriere an zog Abrahamsen es vor, die avantgardistische Doktrin der "Darmstädter Schule" zu meiden und stattdessen eher der gesunden Lehre seines Meisters Ligeti zu folgen, dessen Stil als "Neue Einfachheit" bezeichnet wird. Und tatsächlich, beim Hören dieser vier Werke wird man von Abrahamsens Talent, wiedererkennbaren Linien, die zugleich modern wie altertümlich klingen, in den Bann gezogen. Dabei werden manchmal ein paar folkloristische Elemente benutzt und seine Vorliebe für sehr hohe, schwebende Tonlagen in seinem Harmonieverständnis schnell deutlich. Der Zuhörer versteht auf Anhieb, dass es sich hierbei um eine Musik von großer Originalität handelt, die sicherlich sehr modern klingt, dabei aber trotzdem keine besondere intellektuelle Leistung benötigt, um verstanden zu werden. Die vier Musiker des Arditti Quartetts liefern uns hier einen bezaubernden und interessanten Hörgenuss. © SM/Qobuz

Eigentlich paradox: Über Jahrzehnte hinweg war Bruckners erste Sinfonie dem Publikum nur in der späten Wiener Fassung von 1890/91 bekannt, bis Robert Haas 1935 im Rahmen der alten Bruckner-Gesamtausgabe erstmals auch die frühe Linzer Fassung veröffentlichte. Diese hat sich seither im Konzertleben immer mehr durchgesetzt – mittlerweile derart dominant, dass man es als einen seltenen Glücksfall schätzt, wenn irgendwo wieder einmal die Wiener Fassung erklingt. So auch hier in der Einspielung des Orchestre Philharmonique du Luxembourg unter der kundigen Leitung von Gustavo Gimeno. Sie überzeugt durch klar voneinander abgesetzte Stimmverläufe, was dem Hörer sozusagen einen dreidimensionalen Einblick in das kompositorische Gefüge ermöglicht. Seelenvoll ausmusizierte Streicherkantilenen sorgen immer wieder für emotionale Intensität, und auch die Holzbläser warten mit apartem Klangkolorit auf. Nur in den Fortissimo-Entladungen wirkt der eh recht basslastige Klang etwas bullig. So willkommen die Erste in der Wiener Fassung ist – die vier „Zugaben“ dürften auf noch größeres Interesse stoßen. Schularbeiten nannte Bruckner diese vier Orchesterstücke, die er 1863 in Linz schrieb, wobei der Marsch Bruckners allererster selbstständiger Orchestersatz ist. Vieles, was den reifen Bruckner ausmacht, ist bereits hier angelegt, unter anderem die für ihn so typische formale Stringenz. Die drei anderen Orchesterstücke zeigen deutlich, woher Bruckner seine Inspirationen nahm: So klingen das erste und dritte in ihrem melodischen und harmonischen Gestus stark nach Richard Wagner, während das leichtfüßige zweite an Mendelssohn erinnert. Es sind liebenswerte, gleichsam noch fest in der Erde verwurzelte Petitessen – nötigen uns aber ein umso größeres Staunen ab über die immense Entwicklung, die Bruckner von ihnen aus bis zu seiner dem Himmel zustrebenden Neunten genommen hat. © Pfister, Werner / www.fonoforum.de