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Gli album

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Fusion & Jazz rock - Uscito il 01 luglio 1972 | ECM

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La jazz fusion ha dato origine a tanti album terribili, ma fortunatamente nel mucchio ci sono anche molti capolavori. Come questo disco, che è stato registrato il 2 e 3 febbraio 1972 a New York. Intitolato Return to Forever, il pianista Chick Corea (che aveva appena lasciato Miles Davis) ha riunito il dio del basso Stanley Clarke, il flautista e sassofonista sottovalutato Joe Farrell, nonché la cantante brasiliana Flora Purimet e suo marito / percussionista Airto Moreira. Il leggero “tocco brasiliano” è uno degli elementi più interessanti di questa fusione jazz e il disco offre un’alternativa agli incontri di artisti come Miles o Mahavishnu Orchestra di John McLaughlin, che erano molto più interessati al rock. Seduto dietro le sue tastiere elettriche, Corea rimase in gran parte attaccato alla struttura melodica delle sue composizioni. Di certo, l’incontinenza di note (che ha contaminato così tanti progetti elettronici) non è mai all’ordine del giorno in questo lavoro. Su Crystal Silence, l’assolo di sax di Farrell è squisito, e l’assolo di Corea, leggero come una piuma, è altrettanto abile. Accusato di essere troppo virtuoso dai suoi critici, Stanley Clarke sa anche essere sorprendentemente sottile e la sua performance su Sometime Ago - La Fiesta è uno dei suoi pezzi più commoventi. Return to Forever è considerato uno dei più grandi album di jazz fusion di sempre, forse anche perché ha distrutto tutti luoghi comuni. Nonostante una line-up regolarmente rinnovata, il successo che ebbe la band in seguito fu colossale (con sei album in studio in cinque anni), indubbiamente perché si rivolsero ad una formula molto più “rock”, con un suono che andò altrove rispetto a questo primo capitolo.
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Jazz - Uscito il 01 marzo 1973 | ECM

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Jazz - Uscito il 01 marzo 1973 | ECM

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Jazz - Uscito il 28 novembre 1973 | ECM

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Jazz - Uscito il 01 aprile 1974 | ECM

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Jazz - Uscito il 01 gennaio 1975 | ECM

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Come la Gioconda al Louvre, il Köln Concert di Keith Jarrett è un po’ come l’opera più preziosa della ECM. Avendo venduto 4 milioni di copie, non è solo l’album più venduto nella storia dell’etichetta, ma anche l’album di pianoforte solista più venduto di tutti i tempi! Registrato al Teatro dell’Opera di Colonia il 24 gennaio 1975, molti di coloro che comprarono questo album non avevano altri dischi jazz nella loro collezione. Tuttavia, questo fenomeno globale iniziò col piede sbagliato. Quella sera, il pianista americano era stremato dal suo lungo viaggio in macchina, soffriva di mal di schiena e, soprattutto, il pianoforte sul palco non era il Bösendorfer che aveva chiesto, ma una versione più economica. “Penso che Keith abbia suonato così solo perché aveva un pianoforte mediocre”, ci raccontò più tardi il produttore Manfred Eicher. “Dato che non poteva innamorarsi del suono di quello strumento, doveva trovare il modo giusto di suonarlo per trarne il massimo, comunque”. Jarrett aveva solo 30 anni il giorno in cui suonò quel concerto davanti a 1.400 spettatori. Aveva già avuto una carriera ricca, con quindici dischi al suo attivo e un’esperienza preziosa in gruppi con Charles Lloyd e Miles Davis. Nel 1975, il suo stile era già molto personale. Mentre l’influenza di Bill Evans era percepibile, le sue improvvisazioni erano meravigliosamente uniche e questo concerto di Colonia lo dimostra. Jarrett intrecciò melodie liriche con atmosfere meditative, enfatizzando la fluidità tra i generi, nutrendo il suo jazz con elementi della musica classica, gospel, latino-americana e folk. Un torrente di note uscì dal suo pianoforte anche se non perse mai il controllo. Nel 1992, ha raccontato alla rivista tedesca Der Spiegel che, nel corso del tempo, il Köln Concert non era diventato altro che una colonna sonora. “Dobbiamo imparare a dimenticare la musica”, aggiunse. “Altrimenti diventiamo dipendenti dal passato”.
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Jazz - Uscito il 30 novembre 1975 | ECM

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Jazz - Uscito il 01 marzo 1976 | ECM

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Per essere un primo tentativo, fu un colpo da maestro! Pubblicato nel 1976, Bright Size Life è stato il primo album di Pat Metheny come leader. A soli 21 anni, il chitarrista americano mostrava già una grande maturità come virtuoso compositore ed esecutore. Unì le forze con Jaco Pastorius al basso e Bob Moses su un batteria flessibile e dinamica. Questi complici ideali gli hanno permesso di sviluppare quello che in seguito sarebbe diventato il suo marchio di fabbrica: uno stile fluido e spesso lirico. Gli ampi spazi aperti del suo nativo Midwest si riflettono nella sua chitarra e nei titoli dei brani (Missouri Uncompromised, Midwestern Nights Dream e Omaha Celebration). Una grande saggezza emerge da questo album brillante e pulito (l’influenza di Jim Hall è evidente) che si chiude con Round Trip/Broadway Blues, un inaspettato mix di due pezzi di Ornette Coleman, uno degli idoli di Metheny, con cui avrebbe poi registrato Song X, dieci anni dopo. Ma dietro questa calma superficiale, questo giovane virtuoso voleva cambiare il mondo. Lo ha spiegato in un’intervista con Just Jazz Guitar nel 2001: “Anche se Bright Size Life potrebbe non darlo a vedere, eravamo davvero incazzati. Quell’album è una dichiarazione politica molto forte da parte nostra su come abbiamo sentito ciò che i nostri strumenti dovevano fare per essere appesi al jazz. Ascoltandolo ora, nella retrospettiva dei suoi 25 anni, penso che il nostro messaggio sia arrivato a destinazione, sono convinto che abbiamo cambiato qualcosa. Quell’album era un manifesto di alcune idee molto specifiche che sentivamo con profondamente, i termini di armonia, i termini di interazione, in termini di suono degli strumenti, più di quanto io possa spiegare. Devi ascoltare quell’album per sentire dove eravamo in quel momento”. © Marc Zisman/Qobuz
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Jazz - Uscito il 01 marzo 1976 | ECM

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Per essere un primo tentativo, fu un colpo da maestro! Pubblicato nel 1976, Bright Size Life è stato il primo album di Pat Metheny come leader. A soli 21 anni, il chitarrista americano mostrava già una grande maturità come virtuoso compositore ed esecutore. Unì le forze con Jaco Pastorius al basso e Bob Moses su un batteria flessibile e dinamica. Questi complici ideali gli hanno permesso di sviluppare quello che in seguito sarebbe diventato il suo marchio di fabbrica: uno stile fluido e spesso lirico. Gli ampi spazi aperti del suo nativo Midwest si riflettono nella sua chitarra e nei titoli dei brani (Missouri Uncompromised, Midwestern Nights Dream e Omaha Celebration). Una grande saggezza emerge da questo album brillante e pulito (l’influenza di Jim Hall è evidente) che si chiude con Round Trip/Broadway Blues, un inaspettato mix di due pezzi di Ornette Coleman, uno degli idoli di Metheny, con cui avrebbe poi registrato Song X, dieci anni dopo. Ma dietro questa calma superficiale, questo giovane virtuoso voleva cambiare il mondo. Lo ha spiegato in un’intervista con Just Jazz Guitar nel 2001: “Anche se Bright Size Life potrebbe non darlo a vedere, eravamo davvero incazzati. Quell’album è una dichiarazione politica molto forte da parte nostra su come abbiamo sentito ciò che i nostri strumenti dovevano fare per essere appesi al jazz. Ascoltandolo ora, nella retrospettiva dei suoi 25 anni, penso che il nostro messaggio sia arrivato a destinazione, sono convinto che abbiamo cambiato qualcosa. Quell’album era un manifesto di alcune idee molto specifiche che sentivamo con profondamente, i termini di armonia, i termini di interazione, in termini di suono degli strumenti, più di quanto io possa spiegare. Devi ascoltare quell’album per sentire dove eravamo in quel momento”. © Marc Zisman/Qobuz
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Jazz - Uscito il 01 ottobre 1976 | ECM

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Jazz - Uscito il 01 gennaio 1977 | ECM

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Jazz - Uscito il 01 settembre 1977 | ECM

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Jazz - Uscito il 01 gennaio 1978 | ECM

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Terje Rypdal pubblica quest’eclettico album che non ha ancora compiuto 30 anni. Fu il chiaro riflesso dello stile che aveva già sviluppato negli ultimi sei album per l’etichetta di Manfred Eicher. Registrato nella sua città natale di Oslo nel settembre 1977, Waves fa proprio il linguaggio della chitarra elettronica norvegese mentre si destreggia con le sue varie influenze; puro jazz, rock e persino new age. Come il canto incantato delle balene, le sue sei corde dipingono vasti paesaggi sonori capaci di ipnotizzare l’ascoltatore. Anche se Bitches Brew di Miles Davis ebbe un impatto enorme su di lui, la jazz fusion di Rypdal non si ispirò solo ai suoi contemporanei americani. Circondato dai suoi compatrioti - il bassista Sveinung Hovensjø e il batterista Jon Christensen - la sua musica, per quanto sensoriale e climatica, è anche piuttosto sincretica. E per sfidare i cliché del fluttuante e mistico virtuosismo scandinavo (molto simile ai paesaggi in cui è cresciuto), Terje Rypdal invita Palle Mikkelborg a bordo. Il trombettista danese è l’elemento centrale della rivoluzione che qui prende forma. Dopo un’intro piuttosto giocosa, composta su una accattivante drum machine (Per Ulv), il chitarrista entra in atmosfere più contemplative (Karusell), prima di precipitarsi a capofitto in una frenesia di jazz impregnato di rock (The Dain Curse). La sua collaborazione con Mikkelborg fu sorprendente e continuò per tutta la sua carriera.
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Jazz - Uscito il 01 gennaio 1978 | ECM

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Jazz - Uscito il 01 aprile 1979 | ECM

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Jazz - Uscito il 01 gennaio 1980 | ECM

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Jazz - Uscito il 01 febbraio 1981 | ECM

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Classica - Uscito il 01 settembre 1984 | ECM

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Classica - Uscito il 01 settembre 1984 | ECM

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Jazz - Uscito il 01 settembre 1990 | ECM

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Questo album è il lavoro di un uomo, uno solo: John Surman. Al sax soprano e baritono, clarinetto basso, tastiere, sintetizzatori e percussioni, il musicista britannico ha suonato tutto da solo, sovrapponendo abilmente ogni strumento in strati raffinatamente equilibrati. Il risultato è magnifico. Si alterna tra un viaggio introspettivo e una vasta gamma di paesaggi sonori. Quando pubblica questo disco all’età di 46 anni, Surman è già una figura importante nel jazz europeo e un artista di prim’ordine nella ECM, avendo già firmato diversi dischi sull’etichetta. Tuttavia, questo viaggio solitario, registrato nell’aprile del 1990 al Rainbow Studio di Oslo, ha dato al suo universo sonoro una nuova densità. La sua forza armonica la rende una delle sue più belle registrazioni. Road to Saint Ives è stato ispirato dal paesaggio e dalla storia della Cornovaglia, che lo hanno affascinato fin dall’infanzia, anche se il sassofonista insiste nelle note di copertina che viene da una città più a est e non è veramente originario di quei luoghi. “I brani non sono pensati per essere ritratti musicali di particolari luoghi o eventi, i titoli sono semplicemente una raccolta di alcuni intriganti nomi di luoghi trovati su e intorno alla strada per St. Ives...” L’ eclettismo di John Surman è ciò che rende il suo viaggio così affascinante. Percorre sentieri mistici di tempi antichi, radicati in una tradizione popolare attraverso sequenze sonore quasi futuristiche. Un viaggio come nessun altro...