Gramophone Editor's Choice

While Vladimir Jurowski isn't recognized as a Mahler specialist, having recorded only three of the symphonies over the course of a decade, his recording of the Symphony No. 4 in G major may at least indicate an abiding interest in the composer's work, promising more recordings to come. Previously, Jurowski and the London Philharmonic Orchestra recorded Mahler's Symphony No. 2 in C minor, "Resurrection," and the Symphony No. 1 in D major, released in 2011 and 2013 respectively, and even though these recordings have pleased Jurowski's fans, they didn't raise wider expectations for a great Mahler cycle. This 2016 performance of the Fourth, released on LPO in 2019, is a bit like its predecessors, perhaps too relaxed and subdued to signify deep passions, while the gemütlich interpretation over-emphasizes the symphony's cheerfulness at the expense of its melancholy and macabre aspects. Add to this the shallow sound of the live recording in London's Southbank Centre Royal Festival Hall, and it might seem that this presentation is a bit underwhelming and of little interest to Mahler devotees. Yet for its low-key approach, this performance is consistent and unobtrusively controlled within its own modest parameters, and neither Jurowski nor the London Philharmonic Orchestra overdo Mahler's eccentricities, so this is as straightforward a reading of the Fourth as one is likely to find. © TiVo

Mentre la capitale francese ignorava Mozart, l’Académie Royale de Musique (Opéra de Paris) commissionava opere a Antonio Salieri, collaborazione fruttuosa che venne interrotta di colpo dalla Rivoluzione. Dopo il successo della sua opera Les Danaïdes, composta per Parigi nel 1784, Salieri lavora intensamente con Beaumarchais, coronato dal successo e dagli scandali del suo Figaro, a un nuovo progetto che diventerà Tarare. Beaumarchais si mette spudoratamente in primo piano, organizzando abilmente la sua autopromozione e seguendo le prove per accertarsi che l’orchestra suoni pianissimo in modo che i suoi versi predominino sullo spettacolo. Peraltro trova che la musica sia invadente quando dovrebbe piuttosto «abbellire la parola». Creata un anno dopo Le Nozze di Figaro di Mozart, moderatamente apprezzata a Vienna prima del suo trionfo a Praga, Tarare fu un immenso successo parigino che riuscì a rimanere nei programmi malgrado le agitazioni politiche, prima di cadere nel dimenticatoio verso il 1826– anno a partire dal quale si smetterà di rappresentarla. Il libretto di Beaumarchais fu subito adattato in italiano da… Lorenzo Da Ponte, per essere presentato con un pari successo a Vienna. In parte tragedia-lirica e opera-comica, Tarare è resa piccante da un certo orientalismo. Dopo aver resuscitato Les Danaïdes e Les Horaces, Christophe Rousset conclude il ciclo delle sue registrazioni dedicate alle opere scritte in francese da Salieri per il pubblico parigino. Tarare appartiene all’epoca dell’Illuminismo, in questo senso si serve del potere delle arti per combattere il dispotismo in tutte le sue forme. Grazie alla sua eccellente distribuzione e alla vivacità della direzione di Christophe Rousset, questa registrazione permette di giudicare prove alla mano e di valutare appieno l’abisso che separa un onesto musicista di talento da un genio solitario e solare come Mozart. © François Hudry/Qobuz

This release is likely to get a good deal of publicity due to its status as the final release of Stephen Cleobury as director of the Choir of King's College, Cambridge. However, as president of the Herbert Howells Society, he may not be through with performing the music of this composer just yet. Cleobury deserves kudos for this rather challenging double album; he might easily have compiled a set of favorites of some kind, and enjoyed general acclaim. Instead, he has chosen to go out with a piece of work that makes a deeper connection with tradition. Even though he did not succeed Howells as an organist at Cambridge, he certainly lived and breathed his music, and is as fine an interpreter of it as anyone alive. So, this music is a little Howells survey as well as a Cleobury valedictory, and it succeeds notably on both counts. In addition to choral music, and a set of organ pieces brilliantly realized by Cleobury, there's the lyrical Cello Concerto, performed by Guy Johnston on cello, with the Britten Sinfonia under Christopher Seaman. It's a fine, somehow intimate reading. For Cleobury in his element, sample around on CD 1: the English Mass of 1956, which represented an intentional simplification of Howells' dense, ornate style, is ideally suited to Cleobury and his boys-and-men choristers, but perhaps the highlight of the whole is the limpid Magnificat, a gloriously lyrical, unique response to that text. A fine bookend to Cleobury's Cambridge career. © TiVo

Nata in un paesino norvegese nel 1987 (e dunque immancabilmente paragonata alla sua lontana compatriota Kirsten Flagstad), il soprano Lise Davidsen sembra fatto per incarnare le eroine wagneriane e straussiane. Per il suo primo disco presso Decca, etichetta per la quale ha firmato un contratto esclusivo, ha scelto di presentare diversi aspetti femminili nei tratti vocali di Elisabeth (Tannhäuser), di Arianna (Arianna a Naxos) e di… Pauline, la moglie beneamata di Richard Strauss alla quale ha consacrato numerosi Lieder a partire dal suo opus 27, il ciclo del 1894 offerto a sua moglie come regalo di matrimonio, fino agli ultimi Vier letzte Lieder («quattro ultimi Lieder») del 1948. Sotto l’agile bacchetta di Esa-Pekka Salonen, la Philharmonia Orchestra sposa la voce del soprano norvegese con finezza e eleganza. È chiaro, questo album dal programma minuziosamente strutturato oscilla tra la giovinezza e la vecchiaia dove si aggirano i fantasmi e la morte. Ci si può chiedere come è possibile esprimere la mortalità quando si ha trent’anni, un timbro potente, una salute raggiante e tutta una vita davanti. La risposta si trova nella voce di Lise Davidsen che si innalza insieme alle allodole come una promessa di immortalità, quella della musica dell’ultimo Strauss con lo sguardo rivolto verso il passato in un’Europa in rovina. Scoperto nel 1984, dopo la morte della sua dedicataria, la cantatrice Maria Jeritza, che lo aveva conservato segretamente, Malven è davvero «l’ultimo Lied» di Richard Strauss. Con un tono più leggero rispetto ai Vier letzte Lieder, ai quali doveva forse appartenere, è qui presentato in un’orchestrazione di Wolfgang Rihm. © François Hudry/Qobuz

"Zwiegespräche" is a meeting of spirits. “We compose the same way,” said György Kurtág to Heinz Holliger on hearing this recording, which emphasises works for oboe by these two major composers. Both of them reference the entire history of music in their pieces, both incorporate dedications and messages to friends and colleagues in the fabric of their work, and both draw upon literature as an inspirational source. Both, moreover, love the miniature as an expressive form; short pieces by Kurtág and Holliger are interwoven. Holliger’s sequence Airs (2015/6) is inspired by seven texts by Swiss poet Philippe Jaccottet, whose voice is heard here. Heinz Holliger turns 80 on May 21, his creativity as composer and his resourcefulness as instrumentalist undimmed. The album concludes with Holliger’s Sonate für Oboe solo, composed in 1956, and still played by its author with absolute authority. © ECM Records

Gli amanti dei fasti della famiglia reale britannica resteranno soddisfatti da questo doppio album che riproduce la «Musica per l’incoronazione» dei quattro sovrani del XXesimo secolo: Edoardo VII nel 1902, Giorgio V nel 1911, Giorgio VI nel 1937 e l’attuale sovrana Elisabetta II nel 1953. Poche sono le cerimonie al giorno d’oggi che raggiungono un tale grado di magnificenza. Punto d’incontro tra tradizione e innovazione, queste feste dell’incoronamento sono caratterizzate musicalmente dall’evocazione di opere patrimoniali del passato alle quali vengono confrontate numerose musiche commissionate per l’occasione ai migliori compositori del regno. Per portare a termine una tale impresa, bisogna chiudere l’abbazia di Westminster per diversi mesi affinché un esercito di operai possa erigere gallerie monumentali in grado di ricevere quasi mille invitati. Bisogna poi fare le prove con importanti effettivi corali composti da quattrocento voci la cui metà comprende voci di bambini, un’immensa orchestra e il grande e onnipresente organo. La presente registrazione è costituita da una selezione dei migliori momenti di tutte queste cerimonie, presentate come un’unica struttura liturgica. Questa vasta ricostituzione diretta da Paul McCreesh segue principalmente la cerimonia del 1937, abbandonando tuttavia lo stile tipico di quell’epoca nell’interpretazione di Haendel. L’approccio alla sua musica è talmente cambiato che viene presentato qui nello stile «barocco» tipico dell’inizio del XXIesimo secolo. È stato necessario fare scelte dolorose, soprattutto per quanto riguarda il Te Deum, pezzo forte e punto culminante della cerimonia. Dilemma corneliano tra quello di Stanford (1902), Parry (1911), Vaughan Williams (1937) e William Walton (1953). Alla fine, è proprio quest’ultimo ad essere scelto per il suo splendore e per il suo slancio teatrale. © François Hudry/Qobuz