Grâce au travail réalisé en amont avec les studios d'enregistrement, et en collaboration avec des labels de plus en plus nombreux, indépendants et majors (Plus Loin Music, Bee Jaz, Ambronay Editions, Zig Zag Territoires, ECM, Mirare, Aeolus, Ondine, Winter & Winter, Laborie etc.), Qobuz propose de plus en plus de nouveautés et une sélection croissante de son fond de catalogue en qualité Hi-Res 24 bits. Ces albums reproduisent à l'identique le son fourni par le studio en sortie de console, et offrent un confort d'écoute inégalé, supérieur à celui des CD (généralement \"réduits\" pour le mastering en 44,1 kHz / 16 bits). Les fichiers \"Qobuz Hi-Res\" sont sans DRM et sont 100% compatibles Mac et PC. Loin de la démarche du tout-MP3 qui s'est développée ces dernières années au détriment de la qualité sonore, Qobuz renoue ainsi avec l'exigence sonore pour faire bénéficier les mélomanes tout à la fois du confort de la musique en ligne et de l'exigence audiophile.

Note Les albums vendus par Qobuz en qualité Hi-Res 24 bits nous sont fournis par les labels directement. Ils ne sont pas ré-encodés depuis des SACD et nous garantissons leur provenance directe. Nous nous interdisons, pour faire grossir plus vite cette offre, les tripatouillages suspects.

513 albums triés par Date : du plus récent au moins récent et filtrés par Classique et Chandos
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Classique - Paru le 2 novembre 2018 | Chandos

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Les trois œuvres majeures proposées dans le cadre de ce quatrième volume de l’intégrale symphonique de Copland firent toutes l’objet d’une commande bien spécifique. La Troisième Symphonie de 1946 avait été destinée à la Fondation Koussevitzky (la même qui avait permis au Concerto pour orchestre de Bartók, Peter Grimes de Britten ou à la Turangalîla-Symphonie de Messiaen de voir le jour) ; le compositeur y « recycle » sa fameuse Fanfare for the Common Man dans le dernier mouvement, mais en l’étendant et la retravaillant de manière fort judicieuse. On peut d’ailleurs percevoir dans les autres mouvements aussi de courtes auto-citations, fort détournées d’ailleurs, de ce grand moment de joie et d’enthousiasme. Il est vrai que la guerre était enfin finie, et l’optimisme de mise. Connotations de 1963 avait été commandé par Leonard Bernstein à l’occasion de l’inauguration de la salle philharmonique du Lincoln Center ; le langage y est autrement ésotérique et âpre que celui de la Troisième Symphonie, un défi lancé aux oreilles nord-américaines d’alors, et sans doute aussi une démonstration qu’il savait aussi faire dans le moderne ! Enfin, Letter from Home de 1944 fut commandé par… Paul Whiteman, ce même Whiteman qui avait commandé la Rhapsody in Blue à Gershwin vingt ans auparavant. Au cours des années, Copland réécrivit l’œuvre, en voici la version de 1962 pour cordes – l’original faisait appel à un ensemble très jazzeux. La musique de Copland mérite vraiment d’être bien plus mise à l’honneur en France, où l’on se limite plus ou moins à la Fanfare et ses quelques ballets caractéristiques que sont Billy the Kid, Rodeo et Appalachian Spring, certes des splendeurs mais son répertoire est autrement plus étendu. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 2 novembre 2018 | Chandos

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Que diable le pianiste Barry Douglas entend-il par son titre « Tchaikovsky plus one » ? Très simple : ayant remporté en 1986 le prestigieux Concours Tchaikovsky, il souhaite ainsi rendre hommage au compositeur en publiant une (courte) série d’enregistrements, dans lequel il présente d’abord une des (trop rares) œuvres pour piano de Tchaïkovski, puis un choix d’œuvres d’autres compositeurs russes ayant gravité, de près ou de loin, dans sa sphère musicale ou pédagogique. Pour ce premier volume, Douglas vise haut puisqu’aux côtés des assez simples et concises Saisons, conçues comme des livraisons mensuelles tout au cours d’une année à partir de décembre 1875 pour un journal musical pétersbourgeois, il nous propose l’un des sommets de la littérature pianistique russe, les Tableaux d’une exposition de Moussorgski. Il est à noter que ces Tableaux datent pratiquement de la même époque, 1874, et que la différence de modernité est frappante. Certes, Tchaïkovski écrivit ses Saisons à destinations des pianistes amateurs abonnés à la revue, Moussorgski concevait son œuvre dans l’absolu, quasiment abstrait, en hommage à son ami le peintre Hartmann dont les tableaux avait effectivement orné une exposition. La juxtaposition ne manque pas de piquant ! Et Douglas se plaît à souligner les oppositions, mais aussi les parallèles harmoniques et mélodiques. © SM/Qobuz
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Musique de chambre - Paru le 2 novembre 2018 | Chandos

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Classique - Paru le 2 novembre 2018 | Chandos

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Classique - Paru le 2 novembre 2018 | Chandos

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Cet album présente les deux ultimes grandes œuvres chorales-orchestrales d’Elgar : The Music Makers de 1912 et The Spirit of England de 1917. Quel parcours depuis son premier grand ouvrage choral qu’était The Dream of Gerontius de 1899, qui est pourtant un immense chef-d’œuvre ! Mais entre-temps, il avait écrit ses deux symphonies, la plupart de ses marches Pomp and Circumstance, son Concerto pour violon, un richissime terreau d’expérimentation orchestrale qui lui donnerait encore bien des outils pour ces deux ouvrages. Des outils et du matériau, car Elgar n’hésite pas à se citer lui-même, certes de manière très détournée et subtile. The Music Makers fait la part belle au chœur, véritable soliste, au même plan que la mezzo-soprano – ici la somptueuse Sarah Connolly. Plus tardif encore, The Spirit of England boucle la boucle avec Gerontius puisque là encore, le compositeur se cite lui-même à certains moments. L’ouvrage est clairement conçu comme un monument aux morts de la Guerre, les morts déjà tombés et hélas ceux qui allaient tomber encore. Bien sûr, l’aspect patriotique et un peu solennel de l’ouvrage n’échappera à personne, mais c’est malgré tout une œuvre de la grande maturité du compositeur, qui sait doser ses effets et colorer son orchestration de mille facettes. Ici encore, le chœur est l’égal du ténor solo – Andrew Staples, pour cet enregistrement. Ces deux œuvres, rarement données en dehors de la sphère britannique, mériteraient cent fois d’être aussi jouées de ce côté de la Manche. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 2 novembre 2018 | Chandos

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Classique - Paru le 5 octobre 2018 | Chandos

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Pauvre Holst ! Rester à jamais célèbre dans l’esprit des mélomanes de la postérité pour une seule et unique œuvre, Les Planètes, alors qu’on a à son actif huit opéras, autant de musiques de scène, des dizaines de pièces orchestrales – surtout des suites –, autant d’œuvres pour piano et de musique de chambre, encore plus de mélodies et un déluge de pièces chorales… De cette intégrale des œuvres orchestrales, voici le quatrième volume, dont la pièce maîtresse est sans doute la Symphonie « The Cotswolds » de 1900, son unique incursion dans cette forme – si l’on exclut une symphonie chorale sous forme de suite. Il s’était bien lancé dans une seconde symphonie à la toute fin de sa vie, mais n’en écrivit jamais que le Scherzo, que l’on entend aussi dans ce volume ; un mouvement d’une extraordinaire verdeur, insolent et vif, mais il est vrai que Holst n’avait alors que cinquante-huit ans et aucun plan particulier pour s’éteindre l’année suivante. La merveilleuse Moorside Suite, originellement pour orchestre de vents, 1928, le montre en pleine possession de ses moyens et débordant d’imagination. À découvrir aussi, Indra de 1903, écrit à Berlin sous influence de Wagner sans doute, de l’orientalisme ambiant bien évidemment. D’ailleurs, Holst sera très attiré par la musique et les cultures indiennes, au point d’écrire un opéra Sita d’après des sources sanskrites. L’Orchestre Philharmonique de la BBC est placé sous la direction de Sir Andrew Davis. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 5 octobre 2018 | Chandos

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S’il est un compositeur britannique que l’on oublie trop souvent, c’est bien Hubert Parry. Est-ce parce qu’il est de mise de considérer que le XIXe siècle anglais (étiré jusqu’à 1918 dans le cas de Parry) n’a produit aucun compositeur de renom ? Dommage. Sans compter même que Parry fut le maître de Vaughan Williams, Gustav Holst ou Frank Bridge, ce pour quoi il mérite toutes les attentions. Sa Quatrième symphonie, créée en 1889 par rien moins que Hans Richter ; elle est jetée en quatre amples mouvements, ainsi qu’un court et adorable Intermezzo. Notez que c’est ici la version originale de 1899 que nous donne l’Orchestre de la BBC du Pays de Galles, version qui est restée inédite et in-jouée pendant des décennies alors qu’on donnait volontiers une version totalement remaniée par le compositeur en 1909. Les esprits curieux pourront être tentés d’écouter les deux versions en parallèle, l’autre étant disponible sur le label Chandos. Proserpine suit, œuvre de l’ultime maturité puisqu’écrite en 1912 ; il n’est pas interdit d’y voir certaines inclinations liszto-wagnériennes, toutefois très tempérées par une évidente légèreté à la française qui pourrait avoir été inspirée par Massenet ou Saint-Saëns. L’aimable lecteur l’aura compris, Parry fut une sorte de creuset anglais de tout ce qui se faisait alors sur le continent, et qu’il léguerait à la génération suivante de compositeurs britanniques. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 5 octobre 2018 | Chandos

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Classique - Paru le 7 septembre 2018 | Chandos

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Le Concerto pour violoncelle de Gerald Finzi est son ultime œuvre majeure, créée peu de mois avant sa disparition prématurée en 1956 par rien moins que sous la direction de Sir John Barbirolli. L’ouvrage avait été commencé quelque dix ans plus tôt, à l’époque où le compositeur apprenait qu’il était atteint d’une maladie incurable qui ne lui laissait que quelques années à vivre… On ne s’étonnera donc pas du caractère sombre du concerto, ici joué par Paul Watkins. Les autres œuvres sur cet album comportent le mouvement isolé Eclogue, pour piano et cordes, retrouvé dans les manuscrits du compositeur et créé de manière posthume, même si l’ouvrage existait déjà en 1920 – il devait servir de mouvement lent à un concerto abandonné. Remarque identique d’ailleurs pour la Grande fantaisie et Toccata de 1928, partie d’un concerto tout aussi abandonné. Dans les deux cas, la partie soliste est ici tenue par Louis Lortie. Enfin, New Year Music célèbre l’an nouveau… sans l’ombre d’une gaieté festive, voire avec une certaine tristesse froide, comme si Finzi voulait ainsi souligner que l’année nouvelle signifiait surtout qu’il restait une année de moins à vivre. Le langage du compositeur (100% anglais, bien que son père fût italien et sa mère allemande), initialement façonné par Holst et Vaughan Williams, garde toujours cet ample lyrisme toujours un brin nostalgique si intimement britannique. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 7 septembre 2018 | Chandos

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Classique - Paru le 7 septembre 2018 | Chandos

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Il est de bon ton aujourd’hui en France de bouder la musique de Camille Saint-Saëns considérée comme le parangon de l’académisme le plus convenu. Souvenons pourtant qu’en écrivant ses deux concertos, Maurice Ravel voulait faire « aussi bien que Monsieur Saint-Saëns ». À l’âge de vingt-trois ans, Saint-Saëns, pianiste ébouriffant et compositeur fécond, donne à la France son premier concerto digne de ce nom. Commençant par un appel de cors de chasse entendu dans la forêt de Fontainebleau par son jeune auteur, le Concerto n° 1 en ré majeur, Op. 17 sottement négligé par tant de pianistes, part à la conquête de son public avec une fraîcheur juvénile joyeusement optimiste. Ce premier volume de l’intégrale des cinq concertos de Saint-Saëns est magistralement servi par le pianiste canadien Louis Lortie dont la virtuosité intrépide n’a jamais caché l’instinct musical le plus fin. Sous ses doigts, le compositeur français devient l’égal de Liszt ou de Grieg, avec un toucher d’une infinie variété qui sait varier les climats avec une grande subtilité. Les Second et Quatrième qui figurent sur ce premier album étaient autrefois les chevaux de bataille de monstres-sacrés comme Arthur Rubinstein ou Alfred Cortot. Le pianiste canadien ne leur cède en rien, tant il renouvèle la vision de ces œuvres classées comme mineures et qui témoignent au contraire d’une inventivité qui n’a rien perdu de sa force ni de son originalité. Louis Lortie trouve en Edward Gardner et l’Orchestre Philharmonique de la BBC des partenaires de choix épousant idéalement les sonorités variées du piano tout en soulignant les qualités d’orchestrateur de Camille Saint-Saëns. © François Hudry/Qobuz
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Classique - Paru le 7 septembre 2018 | Chandos

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À une époque où l’avant-gardisme effréné et le tout-sériel-obligatoire ravageaient la scène musicale européenne, il fallait un sacré culot pour oser écrire des symphonies tonales – et oser les faire jouer ! –, encore plus de culot pour avoir le cran de s’opposer à cette dictature, le faire savoir haut et fort, et le culot suprême de quitter son poste de professeur de composition au prestigieux Royal College of Music de Londres en 1977 quand celui-ci commençait à céder à la pression sérielle… Et quand on est une femme, la chose confine au scandale ! C’est pourtant bien là le parcours de Ruth Gipps (1921-1999), tout aussi connue en son temps comme compositrice, pianiste virtuose et hautbois/cor anglais de l’Orchestre de Birmingham. Bien sûr, elle dût batailler ferme pour faire donner ses œuvres, quand bien même elle avait comme champions de sa musique rien moins que Henry Wood, Arthur Bliss ou John Pritchard. Voici donc quelques-unes de ses œuvres orchestrales les plus emblématiques : la magnifique et énergique Quatrième Symphonie de 1972 (en effet, à mille lieues du moindre sérialisme !), la non moins enthousiasmante Deuxième de 1945, et le très scénique – cinématographique même ! – Knight in Armour (« Chevalier en armure ») d’après le célèbre tableau de Rembrandt L’Homme en armure, créé avec un éclatant succès par Henry Wood aux Proms de Londres, cuvée 1942. Sans l’ombre d’un doute, voilà une compositrice qu’il convient de découvrir : digne disciple de son maître Vaughan Williams, elle représente un chaînon manquant dans la production britannique de l’après-guerre. © SM/Qobuz
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Musique de chambre - Paru le 7 septembre 2018 | Chandos

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Musique de chambre - Paru le 6 juillet 2018 | Chandos

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Classique - Paru le 6 juillet 2018 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice
Bon, admettons que l’expression « 120 ans de mélodie du Royal College of Music » est un soupçon tirée par les cheveux, puisque le premier des compositeurs qui y fit ses études fut Thomas Dunhill en 1893, et le dernier à en sortir Anthony Turnage en 1982, mais comme il y est maintenant professeur, admettons, admettons. Quoi qu’il en soit, le choix qu’a fait Sarah Connolly de ce magnifique éventail de songs anglais tout au long du XXe et jusqu’au début du XXIe siècle témoigne de la richissime scène mélodique anglaise : Britten bien sûr, Holst, Somervell, Gurney et Tippett parmi les plus célèbres y compris hors des îles britanniques, mais aussi des compositeurs plus confidentiels peut-être mais ô combien fondamentaux comme Morean, Rebecca Clarke, Stanford, Bridge et Parry, voilà de quoi offrir un beau voyage à travers le temps. On notera que l’album comporte trois premières discographiques mondiales, une évidente – Farewell de Turnage, écrit spécifiquement pour Sarah Connolly pour cet enregistrement – et une stupéfiante, deux mélodies de Britten que le compositeur avait initialement conçues pour son magique Charm of Lullabies de 1947 et laissées de côté, car il était de son habitude, dans ses cycles de mélodies, d’en faire un peu plus afin de se laisser la possibilité de retrancher. Ces deux « lullabies » sont donc restées sous forme de manuscrit, assez difficile à déchiffrer mais suffisamment clair pour que les deux pièces sortent finalement de leur sommeil de Blanche-Neige, soixante ans après leur composition. Ajoutons que la riche et somptueuse voix de Connolly, délicatement accompagnée par Joseph Middleton, fait merveille dans cet exquis répertoire. © SM/Qobuz
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Concertos pour instruments à vent - Paru le 6 juillet 2018 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 5 Sterne Fono Forum Klassik
« […] Compositeur, pianiste, le musicien britannique a trempé sa plume dans l’audace estivale de Darmstadt (1955) et des cours parisiens (1957-1959) de Pierre Boulez avant de se diriger vers des territoires sonores moins escarpés. Installé à New York à partir de la fin des années 1970, il s’est joué des frontières entre le savant et le populaire, écrivant pour le cinéma (Le Crime de l’Orient-Express de Sidney Lumet, 1974), assumant son amour pour le jazz, donnant même de sa voix de crooner, au piano, pour quelques songs…[…] Sur le versant « classique » de sa production, deux volumes enregistrés l’an dernier regroupent des œuvres orchestrales et concertantes couvrant près de trois décennies, et témoignent d’une évolution polarisée, pour le dire vite, entre postsérialisme et néoromantisme, avec des bonheurs divers. La plus incontestable réussite, à nos oreilles : une Symphonie n° 2 d’un seul mouvement, que Leonard Bernstein a créée à New York en 1968 et que Bennett considérait comme « un essai de mise en place d’une structure forte et satisfaisante sur le plan émotionnel ». Il y est parvenu au-delà de ses attentes, bousculant sa syntaxe sérielle par une grande liberté expressive et en faisant le pari de contrastes saisissants […] Le BBC Scottish Symphony a assez de talents, d’énergie et de discipline dans ses rangs pour composer ce bouquet très olfactif tout en le faisant tenir droit. […] Le compositeur a également le don d’offrir de très beaux rôles à des instruments peu courus dans le champ concertant : une aubaine aussi pour le saxophone ténor de Howard McGill tant le Concerto pour Stan Getz (1990), créé après la mort du dédicataire, flatte le potentiel bondissant, fluide et coruscant de l’instrument. À la baguette, John Wilson connaît assez la muse populaire de Broadway et Hollywood comme un répertoire XXe siècle plus savant pour ne réduire Bennett ni à l’un ni à l’autre, et veiller sur la flamme de cette grande liberté qui fait son charme.» (Diapason, octobre 2018 / Benoît Fauchet)
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Piano solo - Paru le 6 juillet 2018 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice - 5 étoiles de Classica
« L'esprit de Haydn est ravivé dans cette intégrale dont les six premiers volumes ont déjà été chaleureusement accueillis dans nos colonnes. Ce septième offre, lui aussi, une abondance d'idées intelligentes et de couleurs pétillantes à travers cinq sonates rarement entendues. [...] Bavouzet souligne la densité de l'écriture de ces sonates dont les dimensions symphoniques et la complexité polyphonique impressionnent. [...] un Haydn poétique et puissant. » (Classica, septembre 2018 / Melissa Khong)
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Classique - Paru le 1 juin 2018 | Chandos

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Ce troisième album des œuvres pour orchestre du grand compositeur argentin réunit trois œuvres emblématiques, virtuoses et colorées, d’Alberto Ginastera, en même temps qu’elles illustrent trois époques fort différentes de sa vie et de son langage. Ecrit en 1961, le Concerto pour piano n° 1 reprend comme base une sonate pour piano écrite antérieurement et flirte avec l’atonalisme dans un langage largement inspiré de l’écriture de Bartók. Les Variations concertantes de 1953 sont d’un langage tout à fait différent, très tonal et joyeux, sorte de concerto pour orchestre de son auteur et constituent une porte d’entrée idéale pour avoir accès à son œuvre si variée et foisonnante. Chacun des douze mouvements utilise les instruments de l’orchestre en solistes comme Bartók, Lutoslawski (exactement contemporain) et Britten l’avaient fait avant lui. Le Concierto Argentino est encore plus ancien. C’est un travail de conservatoire composé à l’âge de dix-neuf ans que Ginastera songeait à réviser, ce qu’il n’a jamais fait. Tant mieux, car, avec ses imperfections et son inexpérience, il est le témoignage d’un compositeur surdoué qui maîtrisait, sinon son propre langage, du moins une aisance déconcertante pour ce premier essai très réussi. Comme pour les deux albums précédents, on retrouve ici le soin et la verve du chef d’orchestre espagnol Juanjo Mena et le toucher subtil et imaginatif de la pianiste sino-américaine Xiayin Wang. © François Hudry/Qobuz
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Classique - Paru le 1 juin 2018 | Chandos

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Ce n’est pas à proprement parler un opéra ; cet Acis and Galatea de Haendel, probablement daté de 1718, s’apparente plutôt au genre très anglais du « masque » ou encore du divertissement pastoral. Même si sa durée d’une heure et demie rappelle bien des opéras d’alors… Selon toute évidence, Haendel l’écrivit pour un riche mécène privé, en cette époque politiquement troublée où le Théâtre Royal vivait plus de bas que de hauts ; James Brydges, le comte de Carnarvon, avait assemblé en son manoir une véritable petite troupe de chanteurs et de musiciens, ainsi qu’un chœur, lui permettant de s’offrir à titre purement privé des divertissements musicaux de belle qualité. Bien sûr, l’ouvrage se chante en anglais ; l’orchestration, des plus originales, fait appel entre autres à une flûte à bec sopranino pour figurer les petits oiseaux, et développe nombre de « trucs » théâtraux pour souligner les caractères des divers personnages. Vingt ans plus tard, Haendel remania son ouvrage pour des représentations publiques à Londres, mais c’est bien la version originale de 1718 que voici enregistrée. Élégance, sensualité, une forte dose d’humour malgré le sujet parfois très sombre, c’est là le meilleur de Haendel, et il est notable que le compositeur n’usa pratiquement pas de son habituel « recyclage » : hormis un air, toute la musique est originale ici, et ne fut pas non plus réutilisée dans d’autres ouvrages. Il faut dire que Acis and Galatea fut l’une des œuvres les plus souvent jouées du vivant de Haendel, de sorte qu’il ne pouvait pas trop se permettre de réutiliser les numéros, comme il l’aurait pu faire avec une pièce moins célèbre. Quant à la Early Opera Company dirigée par Christian Curnyn, elle nous prouve que des entreprises lyriques privées, soutenues par du « crowdfunding » et des souscriptions de généreux mécènes, ont encore de beaux jours devant elles. © SM/Qobuz