LSO Live

Sir Antonio Pappano (né le 30 décembre 1959 à Epping, dans l'Essex) s’embarque dans l’un des univers les plus complexes et essentiels du patrimoine musical anglais, les symphonies de Ralph Vaughan Williams (1872-1958), à la tête d’une des formations les plus aguerries dans ce domaine, le London Symphony Orchestra, dont les deux intégrales Chandos, l’une avec Bryden Thomson – référence absolue – et l’autre avec Richard Hickox, demeurent des pierres angulaires de la discographie. Quel bonheur de voir Pappano se plonger dans cet univers, non pas avec la London Symphony ou la Cinquième, mais avec les deux plus ardues, soit les Symphonies No. 4 (1932-1934) et No. 6 (1947) qui couvrent donc la période de tensions liées à la Seconde Guerre mondiale. Austère et très sombre, la Quatrième, en fa mineur, présente une écriture très concentrée, dominée par une forme de tension et de majesté, qui, en dépit de passages plus clairs dans les textures, évoque par son caractère obstiné et noir la menace, très présente dans les années 1930, d’un conflit majeur. Sir Antonio Pappano en propose ici une interprétation très convaincante, virtuose (Scherzo) et pourtant implacable (superbe cataclysme du Finale con epilogo fugato. Allegro molto), qui rappelle par moments le geste de Paavo Berglund (Royal Philharmonic Orchestra - His Master's Voice, 1980). Composée en 1947, l’extraordinaire Sixième Symphonie demeure l’une des partitions les plus riches du compositeur britannique, il y exprime toute la désolation devant les destructions et les souffrances qu’engrangea le conflit de 1939-1945. Son mouvement initial reprend une esthétique similaire à celle du mouvement final de l’œuvre d’avant-guerre, il y ajoute cependant un esprit sarcastique glaçant qui, d’emblée, inscrit l’œuvre dans une ambiguïté plus disruptive – esprit formidablement imagé dans la fausse valse rêvée par le compositeur au centre de son Allegro initial.Cousine de la Musique pour cordes, percussion et célesta de Béla Bartók, avec qui elle partage de nombreuses atmosphères et une écriture de cordes cristalline, cette partition d’un seul tenant devient terrifiante dès le second mouvement (Moderato) qui ne peut cacher son amertume, et développe un climat très anxiogène et résigné. La résignation finira par triompher clairement dans l’Epilogue. Ici, Sir Antonio Pappano ne renouvelle pas tout à fait la réussite de sa 4e, à l’élan et l’éclat plus nets. Tous les amoureux de Ralph Vaughan Williams ne pourront laisser passer cette nouvelle proposition, que l’on espère être l’amorce d’une nouvelle intégrale, que l’on suivra naturellement avec ardeur. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

There are two sides to the music of Sergei Rachmaninoff. There's the lush melodist who took Russian Romanticism well into the middle of the 20th century and compelled attention even as other composers were going in wholly different directions, and, though it's less recognized, there's the technician. The master orchestrator who rivaled Tchaikovsky in sustaining a musical arc over vast periods and in the variety of devices he used to do so. It is too simple to say that "Russian" Rachmaninoff emphasizes the first, and "British" Rachmaninoff the second, but it's accurate enough for Sir Simon Rattle, who has conducted a lot of Rachmaninoff and has already recorded the Symphony No. 2 in E minor, Op. 27 twice, once on video. Those who love Rachmaninoff for the big tunes and heavily nostalgic chains of suspensions might look elsewhere, perhaps to an oldie-but-goodie recording of the work by these same forces, the London Symphony Orchestra, led by Gennady Rozhdestvensky. However, the inner workings of the symphony have rarely been as clearly defined as they are here. Listen to the slow movement, which won't make one cry but which sustains its long line superbly. Feasibly, this is a result of the fact that Rattle conducted the work from memory; more likely, it's just general familiarity and a satisfying feeling of delving deeply into this work that is still hard to pin down, despite its supposed accessibility. The performance was spliced together from two live LSO evenings, and the orchestra's engineering team has captured Rattle's carefully wrought balances and his subtly ominous rumblings of the double basses at the beginning very well. © TiVo

Gianandrea Noseda is not the kind of conductor whose innovations reach out and grab the listener. His expertise resides partly in his work in preparing an orchestra, and the ease throughout with which the London Symphony Orchestra masters the variety of Shostakovich textures here is part of the key to the success of this pair of symphonies. These two pieces do not have the moods one would expect. The Symphony No. 9 in E flat major, Op. 70, was written just as World War II was ending; in place of the desired and planned heroic celebration, Shostakovich delivered a light, almost Mozartian work, hardly reflecting the chaos that surrounded the composer except perhaps in the oddly nervous finale. Although there is nothing terribly progressive about it, the work helped put Shostakovich in hot water once again with Soviet authorities. It is almost as if Shostakovich felt ill-equipped to deal with the tragedies of the war until he came to the Symphony No. 10 in E minor, Op. 93, of 1953, after he had survived his second denunciation. Shostakovich biographer Solomon Volkov claimed that the work was intended as a portrait of the deceased Joseph Stalin, but sketches for the work date back as far as 1946. It has a vast 23-minute first movement, followed by three much shorter pieces. The opening movement perhaps represented Shostakovich's delayed attempt to deal with the horrors of the war. As a whole, the work marks one of the first instances of Shostakovich's late style, with its very Mahlerian combination of gloom and sarcasm. Noseda nails the balance beautifully, not overdoing the somber first movement with histrionics other conductors have added. His Symphony No. 9 is as lively and light as could be desired. There is nothing "new" about Noseda's readings here, but they are well-considered and accurate, which is no small thing considering the musical and interpretive difficulties Shostakovich poses. The live London Symphony Orchestra sound gives a real feeling of immediacy, and that's all to the good. A very strong Shostakovich from a conductor who is emerging as a master with regard to this composer. © TiVo

Les enregistrements de l’unique oratorio de Beethoven écrit sous le coup de ceux de Haendel, de La Création et des Saisons de Haydn ne sont pas légion. La révélation était venue de Philadelphie en 1966 avec le bel enregistrement d’Eugene Ormandy suivi de quelques autres dans la foulée, mais l’ouvrage de Beethoven ne s’est jamais vraiment imposé au répertoire et constitue toujours une curiosité. Même la monumentale édition Beethoven publiée en 1970 par Deutsche Grammophon pour le bicentenaire de sa naissance omettait cet oratorio pourtant digne d’intérêt. L’écriture et la théâtralité du Christ au Mont des Oliviers se présentent par bien des côtés comme une sorte de laboratoire d’où allait sortir Leonore l’année suivante, puis Fidelio dix ans plus tard. Beethoven semble osciller entre plusieurs genres dans une écriture mêlant académisme, virtuosité vocale opératique et innovations dues à son propre langage. L’insuccès de la création de 1803 semble poursuivre cet oratorio comme une malédiction. Le nouvel enregistrement qu’en donne Sir Simon Rattle, capté lors de deux concerts donnés au Barbican Center de Londres en février 2020, donne un salutaire coup de projecteur à une oeuvre trop souvent négligée. Elsa Dreisig est un Seraph d’une grande virtuosité, Pavol Breslik un Christ aux états d’âme plein de force. C’est la première fois qu’un compositeur faisait chanter le Christ par un ténor et non par une basse comme le voulait la tradition. David Soar incarne avec justesse le rôle de Pierre, un peu secondaire dans la partition. Les chœurs sont omniprésents dans cet oratorio, représentant la foule (la « turba ») entre cris et chuchotements. Les cent vingt-cinq chanteurs du London Symphony Chorus sont les véritables héros de cette vigoureuse interprétation animée avec énergie et dramatisme par un Sir Simon d’une inspiration particulièrement exaltée. © François Hudry/Qobuz

Since the appointment of François-Xavier Roth as guest conductor of the London Symphony Orchestra, Debussy and Ravel have been showing up increasingly often on concert programs there, and this is all to the good. This release from the orchestra's LSO Live label collects music from three such concerts, touching on three of the most familiar French Impressionist pieces of all. Yet there's no sense of going through the motions in these performances. There are enough interesting details in Roth's readings to make it difficult to summarize his approach, but in general, he manages the difficult trick of taking quick tempos without skating over Debussy's complex surfaces. Consider the Prélude a l'après-midi d'une Faune, which hardly seems to need another recording to add to the hundreds on the market, but Roth's reading is distinctive. At 9:37, he's a good minute faster than many of his competitors, including the Mark Elder Hallé version (although slower than that of the famously dry Pierre Boulez with the Cleveland Orchestra). The result is a performance that has a good deal of tension even as the faun frolics among the nymphs. La Mer is delicate and remarkably controlled with an uncannily glassy "De l'aube à midi sur la mer," and Ravel's Rhapsodie espagnole is crisply rhythmic while never sinking to mannerism. In all, despite a somewhat unconventional quality, these recordings of French standards are as absorbing as one could wish. © TiVo

Chef-d’œuvre absolu de son auteur, La Petite renarde rusée parle de la nature, du cycle de la vie, c’est une espèce unique d’idylle forestière, de fable animale joyeuse avec une fin triste. Aucune action théâtrale dans cette description naturaliste d’une fraîcheur et d’une innocence déconcertantes qui transforme les chanteurs en animaux : renards, grenouilles, moustiques, chiens, grillons, sauterelles, poules et coqs. Janáček a longuement observé la nature pour composer cette œuvre singulière dont le pouvoir évocateur est si chargé de tendresse. Sir Simon Rattle connaît cette œuvre depuis ses années de jeunesse lorsqu’il en jouait la partie de célesta lors d’une production des étudiants de la Royal Academy of Music et qu’il dirigeait le chœur en coulisses. Une expérience qui avait alors bouleversé sa vie au point de lui donner envie de diriger lui-même des opéras. Enregistré lors de deux soirées données en 2019 au Barbican Center de Londres, La Petite renarde rusée a été présentée dans une version semi-scénique de Peter Sellars avec une distribution internationale dans laquelle chacun s’efforce de maîtriser la difficile langue tchèque dans une musique subtile qui épouse étroitement son rythme et ses accents. Sir Simon Rattle dirige cet opéra avec une joie adolescente, faisant ressortir les mille et un détails d’une partition étincelante. Généreux, l’éditeur propose en complément un des plus autres chefs-d’œuvre de Janáček, la radieuse Sinfonietta dont les somptueuses fanfares initiales glorifient la ville de Brno qui a vu naître le compositeur. © François Hudry/Qobuz

Conductor François-Xavier Roth leads the London Symphony Orchestra on the third album in the Panufnik Legacies series, which showcases new music by some of the most exciting young composers working in the UK today. All of the composers featured on this recording are alumni of the LSO Discovery Panufnik Composers Scheme, which offers six composers each year the opportunity to write for a world-class symphony orchestra, guided by renowned composer Colin Matthews. The Panufnik Legacies III contains world premiere recordings of compositions by Ayanna Witter-Johnson, Ewan Campbell, Cevanne Horrocks-Hopayian, Donghoon Shin, Alex Roth, Matthew Sergeant, Patrick Giguère, Sasha Siem, Bethan Morgan-Williams, Michael Taplin, Benjamin Ashby and Joanna Lee. This recording has been generously supported by The Boltini Trust. The LSO Panufnik Composers Scheme is generously supported by The Helen Hamlyn Trust. © LSO Live

While the full opera is now rarely performed, Weber's Overture to Euryanthe has taken on a life of its own in the concert hall and serves as a window onto some of the most exciting moments in the whole work. Gardiner programmed and recorded this piece as part of his Schumann series with the London Symphony Orchestra, and the brooding intensity of Weber's score hints at the music to come from his fellow countryman. © LSO Live

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Sir John Eliot Gardiner and the London Symphony Orchestra bring their survey of Schumann's symphonic works to a close with the Overture, Scherzo & Finale. Dating from 1841, Schumann's Overture, Scherzo & Finale was originally conceived as a symphony, or 'symphonette' as he liked to call it, but having no slow movement he eventually republished it as this three-movement work. The work begins with a graceful and delicate Overture, which quickly transforms into a stormy Scherzo. The lyrical trio section that follows provides a welcome contrast before the fast, fugato style Finale brings the work to a rousing close. © LSO Live

Gianandrea Noseda and the London Symphony Orchestra continue their Shostakovich cycle with a pairing of the iconic Fifth Symphony alongside the composer's First. Few pieces of classical music have been the subject of so much debate and discussion as the Fifth Symphony of Dmitri Shostakovich. Following the 'justified criticism' of his opera Lady Macbeth of Mtsensk, the Fifth marked a turning point in his career, after which he balanced an even more precarious position as an artist under Stalin’s brutal regime. Completed by the composer at just 18 years old, Shostakovich’s First Symphony propelled him into the international spotlight. Breathtakingly unpredictable, the piece charts a course through soundscapes of blazing passion, melancholy introspection and caustic humour. © LSO Live

Distinguished orchestral players, the LSO Percussion Ensemble returns with a vibrant, jazz-infused album of music by Gwilym Simcock, Steve Reich, Chick Corea, Makoto Ozone & Joe Locke. Quartet Quintet centres around the world premiere of Quintet, a five-movement suite by the British pianist and composer Gwilym Simcock that pulls inspiration from seminal jazz fusion acts Steps Ahead, Yellowjackets and Weather Report, and Steve Reich's 2013 Quartet for two vibes and two pianos. The album also includes new arrangements of classic pieces by jazz legends Chick Corea, Makoto Ozone and Joe Locke. © LSO Live

« Fidèle au premier volet qui montrait un Orchestre symphonique de Londres parfaitement rompu à la pratique historiquement informée et à la ligne de John Eliot Gardiner, ce second volume confirme la réussite de cette entreprise. Expurgée de toute grandiloquence, l’introduction de la Symphonie n°1 [...], le naturel du Larghetto, idéalement pulsé sur un trois temps presque berceur, et la belle floraison du finale, à la pugnacité beethovénienne, sont de premier plan. La "Rhénane" demeure la plus délicate à conduire ; elle nécessite une attention constante portée aux méandres du fleuve, tout en différenciant nettement, et avec une marge de tempo ténue, les contrastes internes de ses mouvements centraux.[...]» (Classica, avril 2020 / Yannick Millon) 

Overshadowed by the beloved Fourth and Seventh symphonies, Anton Bruckner's Symphony No. 6 in A major is underrepresented in the concert hall and on recordings. A presumed lack of recognizable Brucknerian characteristics may be to blame for the symphony's relative neglect, though it may be overlooked simply because there are no biographical or editorial controversies attached to it to make it a cause célèbre. Even so, the Sixth is one of Bruckner's most original and surprising works, as it offers a variety of gorgeous themes, rich harmonies, and dynamic motives that change kaleidoscopically and keep the listener guessing, so its gradual acceptance may have more to do with changing critical attitudes than with what's actually found in the music. Simon Rattle has slowly added Bruckner's symphonies to his long discography, and he has already produced what may be the most enlightening Bruckner recording of the decade with the 2012 release of the Symphony No. 9 in D minor, featuring a restored Finale completed by Nicola Samale, Giuseppe Mazzuca, Benjamin-Gunnar Cohrs, and John Alan Phillips. Turning to Cohrs' 2015 Urtext edition of the Sixth, Rattle makes a strong case, giving it a matter-of-fact reading that lets the music speak for itself without preconceived notions or received traditions, almost as if it's being played for the first time. The London Symphony Orchestra plays with extraordinary clarity and vitality and responds to Rattle's steady direction with alertness and energy. LSO Live's glorious multichannel sound accounts for every note and gives this performance-focused instrumental details and sonic lushness, possibly the best recorded sound this symphony has ever received. © TiVo

« Transfigurer le chaos en une narration structurée, tel est le défi posé par la Symphonie n° 4 [...] aussi extravagante qu'exigeante. [...] Après son enregistrement vibrant et puissamment maîtrisé de l'essentielle 8e, Gianandrea Noseda retrouve un London Symphony aux timbres plus ductiles et lumineux qu'à l'accoutumée. Son dosage "stratégique" des contrastes prête une certaine unité à une œuvre d'apparence très disparate [...]. Approchant la demi-heure, l'Allegretto poco moderato [...] se révèle incisif et subtil. [...] L'attention prêtée aux épisodes lents, dans lesquels basson, harpe, clarinette basse sont traités en solistes, lui permet de respirer large. Le bref mouvement central offre au chef l'occasion de déployer sa sciences des nuances. Le finale [...] suscite un climat angoissé de course à l'abîme [...]. Noseda privilégie l'instrospection, l'ampleur de phrasé. [...]» (Diapason, janvier 2020 / Patrick Szersnovicz)

« [...] Un mot pour caractériser le Schumann de Gardiner : l'inquiétude — l'immédiateté, aussi. Magnifiquement phrasée, l'introduction lente de Genoveva vient du lointain, des profondeurs [...] Nerveuse, très claire de lignes et de structure, la vision se hisse jusqu'à l'exaltation dans la conclusion. Elle synthétise en fait le propos général de ce CD. À son tour, la Symphonie n° 4 [...] est tout entière portée par cette constante flamme intérieure. Voix secondaires et contre-chants sont pleins de relief, les phrasés sont creusés sans lourdeur, mais sans jamais lisser ruptures et contrastes. [...] Cette poussée de sève qui projette le discours imprègne également la Symphonie n° 2. [...] Gardiner croit profondément en Schumann, et il y est combatif, plus que poète. [...] » (Diapason, novembre 2019 / Rémy Louis)

« This is Rattle ». C’est le nom d’un festival de dix jours donné en 2017 au Barbican Center de Londres pour célébrer le retour au pays et les débuts de Sir Simon Rattle à la tête du London Symphony Orchestra. Un des grands moments fut la présentation de La Damnation de Faust de Berlioz, donnée deux fois, une œuvre que Rattle connaît bien et qu’il a également dirigée à Berlin. Mi-opéra, mi-cantate, l’œuvre n’était pas destinée à la scène. Comme dans la Symphonie fantastique, écrite quinze ans plus tôt, et comme le sera son opéra Benvenuto Cellini, cette Damnation de Faust est largement autobiographique ; Berlioz s’identifie aux souffrances métaphysiques de Faust, entre idéalisme déçu, amour impossible et démons intérieurs. L’Orchestre Symphonique de Londres connaît bien son Berlioz qu’il a si souvent joué depuis les années 1970 sous la direction de son ancien chef, feu Sir Colin Davis. On soulignera le Faust brillant du ténor américain Bryan Hymel et la Marguerite rayonnante de la mezzo-soprano britannique Karen Cargill, en admirant une fois encore l’excellente diction française de chanteurs internationaux. Remplaçant Gerald Finley au pied levé, Christopher Purves campe un Méphisto de grande allure. Une pierre de plus à l’édifice discographique qui se construit autour des 150 ans de la disparition du bouillonnant compositeur français. © François Hudry/Qobuz

Le London Symphony Orchestra célèbre en grande pompe les quatre-vingt-dix ans d’un des chefs d’orchestre les plus importants de sa génération : Bernard Haitink. Peu d’artistes ont eu une interprétation aussi claire et intelligente de la musique de Beethoven que le chef néerlandais. Cet album propose un couplage entre le Concerto pour piano No. 2, interprété par la célèbre pianiste portugaise Maria João Pires, et la performance virtuose du Triple Concerto par Lars Vogt, Gordan Nikolitch et Tim Hugh. © LSO Live

A duo of pianists from the London Symphony Orchestra’s percussion ensemble present the world premiere recording of Roll Over Beethoven by John Adams. Roll Over Beethoven pays homage to the electric vitality of Beethoven’s intensely physical, expressive world, and takes fragments from his Diabelli Variations and the Piano Sonata No. 31 Opus 110 and transforms them in the unique black box of Adams’ own musical language. In only twenty short minutes, Adams manages to generate an absorbing structure that, in his words, ‘takes these tiny musical fractals through a grand tour of a harmonic and rhythmic hall of mirrors. © LSO Live