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Musique de chambre - À paraître le 1 janvier 2021 | Glossa

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Classique - Paru le 6 novembre 2020 | Glossa

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L’immense Josquin des Prés est de plus en plus présent chaque semaine depuis le regain d’intérêt suscité par la musique de la Renaissance entraînée dans le sillage de la grande vague baroque mondiale. Contemporain de Leonard de Vinci, le compositeur franco-flamand jouissait de la même aura et du qualificatif de « génie » du siècle. Ce grand maître de la polyphonie naissante laisse une grande quantité d’œuvres vocales, en particulier des motets pour le culte marial. Enregistré dans diverses églises d’Italie, cet album de l’Ensemble Cantica Symphonica dirigé par Giuseppe Maletto propose un choix de motets dédiés à la Vierge, quelquefois rehaussés d’un accompagnement instrumental à l’unisson des voix. Le Stabat Mater à 5 voix qui ouvre le programme et lui donne son titre est d’une construction admirable dans laquelle domine la tierce majeure, intervalle agréable pour nos oreilles d’aujourd’hui mais qui constituait une dissonance pour celles des contemporains. On ne s’étonnera donc pas de son utilisation pour exprimer la douleur de la mère devant son fils cloué sur la croix. L’alternance avec des pièces instrumentales d’origine populaire a la double fonction de varier l’écoute en même temps qu’elle vient nous renseigner sur les sources d’inspiration à disposition du compositeur. De nombreuses pièces sacrées sont en effet directement dérivées de chansons connues des croyants qui remplissaient alors les églises. © François Hudry/Qobuz
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Opéra - Paru le 18 septembre 2020 | Glossa

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Classique - Paru le 17 juillet 2020 | Glossa

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Les oeuvres musicales de l’un des poètes les plus prolifiques du Siècle d’or néerlandais, Constantijn Huygens, font ici l’objet d’un brillant enregistrement Glossa dont l’interprétation est confiée à un fin connaisseur de la musique vocale du XVIIe siècle, Cyril Auvity. Doté d’une personnalité kaléidoscopique, Huygens, qui vécut pratiquement durant tout le XVIIe siècle, était non seulement le père du célèbre astronome mais encore un compositeur et interprète talentueux. Il était aussi en relation avec les personnalités les plus éminentes de son temps, Descartes, Rubens ou Corneille mais il devait cependant « gagner son pain » en tant que diplomate et conseiller des princes d’Orange ! La Pathodia sacra et profana de Huygens comprend une série de chansons en italien, français et latin dont la simplicité dément la complexité des émotions qu’elles contiennent. Ces émotions sont admirablement exprimées par un chanteur dont l’esprit aventureux l’emmène dans des chemins peu fréquentés (cf. les deux albums Charpentier publiés chez Glossa) et dont la voix chaleureuse et colorée est admirablement maîtrisée. Le chanteur et les instrumentistes ont choisi de dédier ce nouvel album à tous les airs de cour français inclus dans la Pathodia ainsi qu’un grand choix d’arias italiennes et de psaumes latins. Reflétant les interprétations de ces oeuvres par les riches amateurs de la République néerlandaise au temps du compositeur, Myriam Rignol joue de la viole de gambe et Marie van Rhijn du clavecin, de l’orgue positif et de l’énigmatique luth-clavecin. Chaque instrument peut aussi s’entendre en soliste dans des oeuvres de l’époque de Huygens. © Glossa
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Classique - Paru le 22 mai 2020 | Glossa

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Dans sa jeunesse à Venise (dans les années 1680/1690), Caldara s’est attiré des éloges pour son propre jeu du violoncelle, et sa compréhension de l’instrument et de ses possibilités lui est restée fidèle tout au long d’une carrière qui l’a vu s’immerger également dans les riches cultures musicales de Mantoue et de Rome avant de devenir un membre apprécié de la Hofkapelle de Vienne ; il y a travaillé pendant les vingt dernières années de sa vie, contribuant aux gloires du baroque austro-italien à la cour impériale du très musical Charles VI (que Caldara avait également servi à Barcelone). Ici, le violoncelle, allant du lyrique au virtuose, est sollicité comme soliste dans des pièces de concerto, de sinfonia et de sonate, mais cet enregistrement est encore enrichi par la présence de deux chanteuses, la soprano Eugenia Boix et la mezzo Luciana Mancini – une cantate, Porgete per pietà, pour la première, et trois arias pour la seconde. Mancini chante notamment Pompe inutile (de l’oratorio Maddalena ai piedi di Cristo), dont les ravissantes lignes vocales sont complétées par la partie de violoncelle obbligato. Josetxu Obregón a réalisé plusieurs enregistrements pour Glossa où il explore les débuts du violoncelle et, en compagnie de La Ritirata, il a également contribué à la réévaluation de cette figure majeure de l'histoire de la musique avec le programme "Caldara: The Cervantes Operas". Voici maintenant un récital vivant et varié pour commémorer les 350 ans de la naissance d’Antonio Caldara ! © Glossa
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Classique - Paru le 7 février 2020 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Le violoniste Fabio Biondi possède une singulière sagacité lui permettant de découvrir des facettes toujours nouvelles et surprenantes de l’œuvre kaléidoscopique de Vivaldi, qu’il nous offre dans ces "Concerti per La Pietà". Nous y trouvons un florilège de concertos réservés à des solistes du plus haut niveau, provenant ici de son ensemble l’Europa Galante. Vivaldi les composa pour ses élèves formant l’un des orchestres les plus étonnants de toute l’histoire de la musique, celui de l’Ospedale della Pietà, l’un des hospices vénitiens qui recueillait, prenait en charge et éduquait les orphelines et autres pauvrettes abandonnées. Leur éducation musicale était confiée aux meilleurs compositeurs et instrumentistes de la Sérénissime qui formèrent des virtuoses époustouflantes comme Chiaretta ou Anna Maria auxquelles Vivaldi dédia les concertos qui ouvrent et concluent cet album. Toutes les œuvres enregistrées ici ont été composées durant les trente années où Vivaldi travailla à la Pietà et incluent des concertos pour violon et deux violons, luth, violoncelle, orgue, et viole d’amour. Trente années sont aussi celles qui se sont écoulées depuis la naissance de l’Europa Galante de Fabio Biondi – cet album fut enregistré pour célébrer le 30e anniversaire de l’ensemble – qui conserve, à l’âge adulte, la fraîcheur et l’enthousiasme de l’adolescence en y ajoutant une intensité inouïe, somptueuse et sensuelle. © Glossa« [...] Avec ce bouquet anniversaire joliment contrasté, Biondi montre qu'il a fait "l'apprentissage du calme", sensualité et douceur revêtant désormais autant d'importance, dans cette musique vénitienne, que l'aspect gymnastique ou extravagant. [...] Une prise de son spacieuse, directe et colorée, aide à goûter toute la finesse et l'inspiration de ce programme où toutes les œuvres sont du premier choix. [...] Europa galante offre un miracle de rondeur et d'élasticitié, et Biondi, par son extraordinaire capacité d'évolution, confirme son statut d'artiste hors du commun. [...]» (Diapason, avril 2020 / Olivier Fourés)
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Musique de chambre - Paru le 17 janvier 2020 | Glossa

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Classique - Paru le 18 octobre 2019 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Choc de Classica
Le Deuxième Livre de madrigaux de Carlo Gesualdo est au cœur du nouveau projet de La Compagnia del Madrigale qui poursuit sa passionnante exploration du monde enchanté du madrigal italien. Composé par Gesualdo sans doute après avoir assassiné sa première épouse prise in flagranti dans les bras de son bel amant et avant de se remarier, ce livre pourrait surprendre par son caractère aimable et serein – surtout quand on le compare à l’écriture tourmentée et contournée de ses derniers livres – tout en présentant une maîtrise compositionnelle des plus sophistiquées. Quoi qu’il en soit, ce Secondo libro di madrigali a cinque voci d’une exigence extrême nous permet d’admirer la sensibilité de La Compagnia del Madrigale aux textes, elle fait montre d’une pleine pâte sonore et d’un contrôle dynamique exemplaire. Dans le livret, Marco Bizzarini et Maletto explorent la psychologie de ce compositeur toujours fascinant, plus de quatre siècles après sa mort. L’album propose une deuxième partie substantielle contrastant de mille façons avec le Deuxième Livre : neuf plages de madrigaux inspirés du style de Gesualdo, composés par ses contemporains Nenna, Jean de Macque ou Palazzotto Tagliavia et par le plus jeune Sigismondo d’India. Bonus étonnant ! © Glossa
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Classique - Paru le 18 octobre 2019 | Glossa

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Carl Philipp Emanuel Bach, le second fils de Johann Sebastian Bach, était son préféré et aussi celui qui eut le plus de succès. Personnage clé de la transition du Baroque au Classicisme, C.P.E. Bach eut sur Mozart et Beethoven une grande influence, due en partie à ses sonates pour clavier. Au XVIIIe siècle, le concerto pour violoncelle était une nouveauté relative et ni Boccherini ni Haydn n’avaient encore apporté leur contribution à ce genre quand C.P.E. Bach composa les siens entre 1750 y 1753. Le drame orageux qui souffle au début des concertos et la candeur insouciante des finales contrastent fortement avec la délicatesse et la profondeur d’émotion des mouvements lents. Le célèbre violoncelliste belge Roel Dieltiens et le légendaire Orchestre du XVIIIe siècle transforment, avec un art consommé de la narration, ces musiques en histoires fascinantes et hautes en couleurs. Cette édition inclut un texte émouvant et édifiant de la grande romancière et poète néerlandaise Anna Enquist, amie depuis des lustres de l’orchestre et du regretté Frans Brüggen. Prenant comme point de départ les sessions d’enregistrement du disque à Amsterdam auxquelles elle assista, Enquist explore la personnalité musicale de Carl Philipp Emanuel en se centrant particulièrement sur sa relation avec l’œuvre de son père. © Glossa
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Musique de chambre - Paru le 17 mai 2019 | Glossa

Hi-Res Livret
Au cours de sa carrière prestigieuse, Fabio Biondi a développé une empathie remarquable pour la musique italienne à travers les siècles et, en particulier, la sonate pour violon du premier Baroque dont le répertoire allait être projeté dans l’avenir d’une façon spectaculaire par Arcangelo Corelli et son légendaire Opus 5. Inspirée par cette empathie, l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Rome a prêté l’un des joyaux de sa collection d’instruments – le précieux Toscano construit en 1690 par Antonio Stradivari – à Biondi pour ce nouvel album du label Glossa. L’un des charmes, irrésistibles, de Biondi consiste en l’art de concevoir des programmes passionnants, au concert comme au disque ; ainsi, ce nouvel album dédié au violon du XVIIIe naissant illustre le rayonnement universel de Corelli surnommé « Arcangelo Bolognese », l’Archange de Bologne, et son influence sur ses collègues compositeurs de Dresde, Venise, Padoue, Londres ou Amsterdam. Soutenu par le continuo de son Europa Galante (Antonio Fantinuoli, violoncelle, Giangiacomo Pinardi, théorbe et Paola Poncet, clavecin), Biondi interprète des sonates de Vivaldi, Corelli, Geminiani, Tartini et Locatelli, ainsi qu’une Ciaccona de Veracini. Enregistré à Rome sur un instrument conçu pour la cour florentine de Ferdinand de Médicis (et qui a survécu miraculeusement à mille et une vicissitudes avant d’aboutir à Rome !), Fabio Biondi nous restitue avec délice le parfum enivrant de cette musique italienne du XVIIIe siècle. © Glossa
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Classique - Paru le 15 mars 2019 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Dans ce nouvel enregistrement dédié à Alessandro Scarlatti, La Ritirata de Josetxu Obregón montrent un art vocal et instrumental éblouissant : quatre cantates comprenant flûtes et violons, ainsi qu’une aria indépendante pour soprano, constituent un jalon de plus dans l’impressionnante série de musiques napolitaines chez Glossa. Provenant d’un catalogue d’environ 800 cantates séculaires, ces œuvres allient harmonieusement des récitatifs débordants d’imagination avec des arias expressives et dramatiques rythmées par des sinfonias et des ritornelli aux couleurs vives, formant un tout élégant et cohérent ; les textes des poèmes s’inscrivent dans l’esthétique raffinée de l’Accademia degli Arcadi, cercle littéraire actif à Rome au tournant du XVIIIe siècle. Le décor entourant la créativité du prolifique Scarlatti est brossé de main de maître par Stefano Russomanno dans l’essai accompagnant le livret. La partie vocale est confiée à trois des premiers interprètes du temps : la mezzo Giuseppina Bridelli, le contre-ténor Filippo Mineccia et la soprano Alicia Amo. Les défis instrumentaux élaborés par le maître palermitain sont relevés avec feu par les membres de longue date de La Ritirata, Tamar Lalo (flûte) et Hiro Kurosaki (violon), que rejoignent le flûtiste Michael Form et le violoniste Pablo Prieto. Avec le violoncelliste Josetxu Obregón, Lalo et Kurosaki sont aussi les protagonistes des « Concertos napolitains pour plusieurs instruments », le récent album de La Ritirata. © Glossa
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Musique vocale profane - Paru le 4 janvier 2019 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Avec Vieni, dolce Imeneo, La Compagnia del Madrigale nous invite une fois encore à découvrir l’inépuisable trésor de l’art vocal profane italien de la Renaissance finissante et du Baroque naissant. Ce nouvel album est dédié à Cipriano de Rore, l’un des compositeurs les plus importants de son temps, longtemps oublié et qui, aujourd’hui, est en passe de (re)devenir un compositeur-culte. D’origine flamande, Cyprien converti en Ciprianio illumina les cours de Ferrare et de Parme et son prestige s’étendit dans toute l’Europe. Il composa dans de nombreux genres mais c’est sans doute dans le madrigal profane – auquel est dédié cet enregistrement – où son art brilla le plus. On admirera entre autres l’innovation de sa ligne mélodique, ample et expressive, peuplée de pré-échos de la « seconda pratica » que Monteverdi perpétuera – avec les critiques que l’on sait. La grande expérience des membres de La Compagnia del Madrigale, mêlant avec une rare délicatesse les timbres vocaux et soulignant les dynamiques avec raffinement, qui nous a permis de goûter les plaisirs exquis d’autres albums Glossa de madrigaux de Marenzio, Gesualdo et Monteverdi, se retrouve dans ces dix-neuf madrigaux de Cipriano de Rore composés à l’apogée de sa carrière. L’art du compositeur volant à la même hauteur que celui des poètes qui inspirent ces madrigaux – entre autres, Pétrarque et l’Arioste – permet de consommer idéalement cette douce union de la musique et de la poésie, reflétée, comme l’indique le fascinant essai de Marco Bizzarini, dans le titre de l’album : Vieni, dolce Imeneo. © Glossa
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Messes, Passions, Requiems - Paru le 4 janvier 2019 | Glossa

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Réconfortante méditation, Un Requiem allemand de Johannes Brahms est présenté dans la version décapante et inspirée de Daniel Reuss à la tête de l’Orchestre du XVIIIe siècle. Cet ensemble prestigieux décida, après la mort encore récente de Frans Brüggen, de suivre la dynamique de son fondateur consistant à programmer plusieurs tournées par an et à enregistrer les œuvres en concert en choisissant les meilleures prises. Voulant conserver son indépendance, la formation préfère choisir un chef selon le répertoire : l’un d’eux, Daniel Reuss, est aussi le directeur artistique de la Cappella Amsterdam, chœur ayant assidûment collaboré avec l’Orchestre du XVIIIe siècle ces dernières années. La Missa solemnis de Beethoven enregistrée par ces deux ensembles trouve son pendant protestant et humaniste dans cette œuvre sacrée mais non liturgique de Brahms. Enregistré dans la salle De Doelen à Rotterdam, ce Requiem allemand, dont les deux solistes sont Carolyn Sampson (soprano) et André Morsch (baryton), respecte le plus possible (timbres, intentions, tempi) les indications du compositeur. L’œuvre, basée sur des textes de la Bible traduits par Luther, et d’une puissance émotionnelle constante sur toute sa durée (soixante-dix minutes), a sans doute été composée en souvenir de la mère du compositeur et de son cher Robert Schumann. © Glossa
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Classique - Paru le 19 octobre 2018 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 4F de Télérama - Gramophone Editor's Choice
L’un des plus grands compositeurs du Baroque français, Michel-Richard de Lalande, brillait par son absence dans la discographie et ce n’est que récemment qu’il y trouve sa juste place. Glossa se réjouit de participer à cette renaissance avec cet enregistrement de trois grands motets somptueux où Olivier Schneebeli dirige Les Pages et les Chantres du Centre de Musique Baroque de Versailles. Très influent durant le règne de Louis XIV, Lalande accapara à partir de 1680 les fonctions musicales les plus importantes de la cour. L’une d’elles consistait à composer de la musique sacrée pour la Chapelle Royale du château de Versailles. Bien que la consécration de la chapelle « définitive » n’ait eu lieu qu’en 1710, ce trio de grands motets (pièces vocales et chorales de grande dimension, avec accompagnement instrumental, se fondant généralement sur les textes des psaumes) fut conçu en pensant aux caractéristiques architecturales et acoustiques de ce nouvel espace. L’essai de Thomas Leconte, du CMBV, inclus dans le livret, situe cette musique dans son contexte historique. Nous disposons d’une information détaillée sur l’interprétation au temps de Lalande – incluant la configuration des effectifs instrumentaux ainsi que les révisions successives réalisées par le compositeur – qui a permis aux experts du CMBV de préparer méticuleusement l’enregistrement, dans la Chapelle Royale, de ces trois motets, Venite, exultemus Domino, De profundis et Dominus regnavit. À la qualité vocale de la maîtrise de cette institution s’ajoute l’art de quatre solistes experts en la matière, Chantal Santon-Jeffery, Reinoud Van Mechelen, François Joron et Lisandro Abadie, ainsi que l’environnement instrumental idéal du Collegium Marianum. © Glossa
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Musique de chambre - Paru le 22 juin 2018 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice
Si, d’habitude, on associe Paganini avec ses vingt-quatre Caprices et la diabolique virtuosité qu’ils exigent du violoniste, le voici sous un tout autre jour : celui des œuvres pour violon et guitare, autrement plus proches de Haydn et de Mozart que de la main du diable qui le guida pour les Caprices. Écrites soit au tout début du XIXe siècle pour les unes, et les années 1830 pour celles des recueils connus sous le nom de Centone di sonate, ces œuvres font la part belle autant au violon qu’à la guitare - on rappellera ici que Paganini était aussi un phénoménal guitariste. Quant au terme « Centone », il évoque une collection d’œuvres constituée d’éléments éventuellement repris à une ou plusieurs autres ; une sorte de patchwork, en quelque sorte, et en effet le compositeur y a intégré un peu tout ce qui pouvait être à la mode à l’époque, de la valse à la polonaise, de la pastorale à la marche – on ne sait pas forcément de qui ou quoi il l’a repris, ou s’il a seulement utilisé le terme pour caractériser l’aspect medley de la chose. Fabio Biondi au violon et Giangiacomo Pinardi à la guitare romantique (un instrument de 1825) s’en donnent à cœur joie, et nous prouvent que Paganini pouvait être tout autre chose qu’un simple dérouleur de virtuosité. © SM/Qobuz
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Musique vocale (profane et sacrée) - Paru le 2 mars 2018 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice - 5 Sterne Fono Forum Klassik
"Siface: l’amor castrato", tout un programme ! celui d’un opéra-pasticcio imaginaire et imaginé par le contreténor Filippo Mineccia, en compagnie de Javier Ulises Illán à la tête de l’ensemble Nereydas : la musique, la vie, l’amour, qui ne font qu’un pour ce castrat contralto surnommé Siface, d’après le rôle qui le lança. Né Giovanni Francesco Grossi en 1653 en Toscane, Siface, célébrissime pour son art, le devint encore plus par la tragédie qui couronna sa vie amoureuse. Il chanta dans les opéras et les oratorios des plus grands : Stradella, Pasquini, Bassani, Pallavicino ou Agostini. Longtemps au service de Francesco II d’Este à Modène, Siface était le chanteur étoile du « circuit ducal » dans la Péninsule italienne, et fut même envoyé en Angleterre pour chanter devant les monarques et où il rencontra et impressionna... Henry Purcell ! Filippo Mineccia fait sienne cette urgence des émotions kaléidoscopiques traversant ce choix d’arias qui reflètent le mode de vie torride et spectaculaire de la fin du XVIIe en Italie (et forment aussi une mise en miroir de la mort de Siface sur la route de Ferrare à Bologne). L’ensemble espagnol Nereydas s’inscrit entièrement dans l’esprit de cette célébration de la musique vocale et instrumentale, parfois colorée, toujours profonde et poignante, où l'on trouve aussi des pages d'Alessandro Scarlatti (l’émotive berceuse Dormi o fulmine), Francesco Cavalli ou Purcell (My song shall be alway). Dans son texte, Elena Bernardi donne corps à certains aspects encore peu compris du début de l’opéra à la fin du Seicento. © Glossa
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Opéra - Paru le 16 février 2018 | Glossa

Hi-Res Livret
Mirobolante Roberta Invernizzi ! L’éblouissante soprano ressuscite pour Glossa le compositeur baroque et, évidemment, italien Francesco Gasparini en interprétant quelques-unes de ses oeuvres vocales les plus spectaculaires. D’une intelligence égale à sa voix, Roberta prélève la sève des poèmes de Zeno, Piovene ou Salvi tout en s’ébattant avec une aisance époustouflante dans cette mer de musiques – créées à la fin du XVIIe siècle et à l’orée du suivant, elles influencèrent sans doute Handel, d’une vingtaine d’années plus jeune que Gasparini. Carlo Ipata, à la tête de ses Auser Musici, plonge lui aussi dans cette musique italienne avec un instinct infaillible – rappelons le tout aussi passionnant Il Bajazet pour Glossa – pour repêcher les meilleures arias à demi-oubliées d’un compositeur, Gasparini, qui écrivit environ soixante (!) opéras, sans compter oratorios et cantates. Pour Invernizzi, Ipata a donc fait un choix sur mesure d’oeuvres qui enthousiasmèrent les dilettantes fréquentant les soirées princières de Rome autant que le public payant des théâtres vénitiens. Dans ce disque tous azimuts, les arias proviennent d’opéras comme Il Roderigo et Amleto, d'oratorios comme L’oracolo del Fato et Atalia, pour rivaliser avec Andate o miei sospiri, cantate sans rivale (ou presque) écrite à l’occasion d’une de ces joutes dont le monde musical était alors si friand, et à laquelle participa aussi Alessandro Scarlatti. Un ravissant concerto pour flûte, écrit alors que notre compositeur enseignait à l’Ospedale della Pietà de Venise, complète ce récital vocal de haut vol. © Glossa
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Classique - Paru le 16 février 2018 | Glossa

Hi-Res Livret
Champion de la musique de Luigi Boccherini, Emilio Moreno écrit un nouveau chapitre de son entreprise de défense de l'oeuvre du compositeur espagnol - entamée il y a quelques années - avec ce nouvel album intitulé "Sonates apocryphes", un quatuor d’oeuvres dans une version pour violon et clavier. Moreno y fait voler son archet et Aarón Zapico fait danser les touches du clavecin. Durant la seconde moitié du XVIIIe, malgré la demande d’oeuvres pour violon et clavier de la part de musiciens professionnels et amateurs, et aussi malgré la l’abondance de sa musique de chambre, Boccherini ne semble avoir composé qu’une seule poignée de sonates pour violon (disponibles chez Glossa, avec Emilio Moreno et Jacques Ogg). Mais aussitôt composées, toutes les oeuvres de Boccherini se retrouvaient dans tous les coins de l’Europe (et au-delà !), dans des arrangements les plus divers. Ne nous étonnons donc pas que ses contemporains utilisèrent les trios, quatuors et quintettes de ce compositeur alors si populaire (Haydn l’admirait) afin de les transcrire pour violon et clavier – mais en conservant évidemment le nom "Boccherini" sur toutes les nouvelles partitions ! Moreno y Zapico, dont l’élégant parcours englobe un vaste spectre temporel de la carrière de Boccherini – de Milan à Madrid –, plongent eux-aussi dans le monde de la transcription pour produire deux sonates de Boccherini, dérivées des oeuvres surnommées La Tirana et La Seguidilla. © Glossa
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Musique de chambre - Paru le 19 janvier 2018 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Le Baroque napolitain, précisément celui de la première moitié du XVIIIe siècle, fut une époque vibrante et vitale pour la musique instrumentale, comme le démontrent Josetxu Obregón et La Ritirata dans ce nouvel enregistrement de six concertos de ce temps et de ce lieu. L’école napolitaine – qui doit tant à Francesco Provenzale – fleurit grâce aux Francesco Mancini, Nicola Porpora, Nicola Fiorenza, Giovanni Battista Pergolesi et Alessandro Scarlatti, tous réunis dans le cadre de ce nouveau projet édité par Glossa. Les quatre grands conservatoires de la ville formèrent un creuset immensément productif et innovateur, pour les étudiants autant que pour leurs maîtres. Les compositeurs représentés dans cet enregistrement étudièrent et travaillèrent dans ces conservatoires ou à la Chapelle Royale de Naples. Le concerto napolitain avait une structure différente de celle de son homologue vénitien ou vivaldien ; il reflétait aussi l’esprit de compétition féroce qui régnait parmi les solistes, désireux de prouver leur virtuosité. Comme nous avons pu le constater dans un précédent album Glossa, Il Spiritillo Brando, les membres de La Ritirata sont les héritiers idéals de leurs prédécesseurs napolitains, du point de vue du style comme de la technique. Les solistes réunis par Obregón sont des stars du panorama musical espagnol actuel : le violoniste Hiro Kurosaki (dans un concerto de Fiorenza), Tamar Lalo qui joue de la flûte douce (Scarlatti et Mancini), Ignacio Prego et Daniel Oyarzabal au clavecin (Pergolesi) et, bien sûr, Obregón dans les concerts pour violoncelle de Fiorenza et de Porpora.© Glossa
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Classique - Paru le 19 janvier 2018 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Dans ce CD d’œuvres tardives de Chopin, Late piano works, Edoardo Torbianelli mêle une fois encore la poésie de son art pianistique à la rigueur de ses recherches musicologiques. Aux côtés de l’experte Jeanne Roudet qui signe l’essai contenu dans le livret, Torbianelli affronte d’un regard innovateur la musique composée par Frédéric Chopin au cours de ses quinze dernières années. Dans la collection de la Schola Cantorum Basiliensis comme chez Glossa, Torbianelli avait déjà signé la production Pian e forte. Aujourd’hui, il choisit un grand piano d’Ignace Pleyel pour enregistrer, à la Fondation Royaumont, des œuvres comme la Polonaise-Fantaisie op. 61, la Sonate en si mineur op. 58 ainsi qu’un choix de Mazurkas et de Nocturnes. Par ce programme, Edoardo Torbianelli rapproche Chopin de ses racines polonaises ; avant son exil, le compositeur était en effet à Varsovie à la veille du Soulèvement de Novembre 1830. Au contraire de Berlioz et de Liszt, selon l’essai de cet album, Chopin évitait de s’inspirer directement de la littérature et – encore une fois, à la différence de Liszt – la technique et le style interprétatif de sa musique pour le piano emprunte certains traits au bel canto, descendant de l’art des castrati du XVIIIe siècle et perpétué au XIXe par des chanteurs italiens que Chopin connut à Paris. De ce fait, ses œuvres sont imprégnées d’une qualité vocale que Torbianelli retrouve dans son interprétation pour nous offrir non seulement une façon nouvelle d’aborder le compositeur mais encore une réflexion magistrale sur son génie. © Glossa

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