Moby

Sur Play, Moby explore un nouveau territoire, abandonnant le rythme casse-cou de la techno-punk pour des structures plus souples, plus groovy, retranchées dans un hip-hop orienté dance -- une évolution qui ajoute une toute nouvelle corde à l'arc sonique vaste et varié de Moby. Plusieurs chansons, dont le tube "Honey", sont honorées de l'apparition d'enregistrements de bruits ambiants, de boucles de spirituals africo-américains et de chansons folk puisées dans le répertoire d'Alan Lomax. Le goût de Moby pour la composition compliquée est mis en évidence sur ce disque, où les superpositions de couches de synthétiseurs et de percussions (plus guitares et chants) créent une tapisserie riche et profondément texturée. Play prouve que Moby n'a pas perdu son talent raffiné pour le collage sonore et la combinaison de ces expériences soniques extrêmement variées avec des samples à valeur historique unique et des beats plus roots, plus accessibles reflètent la vision en constante évolution de l'artiste.

Sur Play, Moby explore un nouveau territoire, abandonnant le rythme casse-cou de la techno-punk pour des structures plus souples, plus groovy, retranchées dans un hip-hop orienté dance -- une évolution qui ajoute une toute nouvelle corde à l'arc sonique vaste et varié de Moby. Plusieurs chansons, dont le tube "Honey", sont honorées de l'apparition d'enregistrements de bruits ambiants, de boucles de spirituals africo-américains et de chansons folk puisées dans le répertoire d'Alan Lomax. Le goût de Moby pour la composition compliquée est mis en évidence sur ce disque, où les superpositions de couches de synthétiseurs et de percussions (plus guitares et chants) créent une tapisserie riche et profondément texturée. Play prouve que Moby n'a pas perdu son talent raffiné pour le collage sonore et la combinaison de ces expériences soniques extrêmement variées avec des samples à valeur historique unique et des beats plus roots, plus accessibles reflètent la vision en constante évolution de l'artiste. © TiVo

Le gourou new-yorkais de 47 printemps débarque avec un onzième album aux accents mystiques truffé d’envolées de nappes de synthés, de samples dévastateurs, d'un parterre de voix surprenantes et de compositions recherchées. On se méprend à établir des parallèles immédiats avec les meilleurs idées que Moby a déjà eues par le passé dans ses albums Play et 18. A elle-seule, l’ouverture de l’album avec Everything That Rises file des frissons. Quant aux onze morceaux qui lui emboitent le pas, ils signent le retour gagnant du Moby tel que son public l'a apprécié dans sa déjà longue carrière. Parmi les surprises attachantes de Innocents, notons l’étonnant Don’t You Love Me, puis Saints (un hommage à Unfinished Sympathy de Massive Attack), le ténébreux The Lonely Night avec le non moins ténébreux Mark Lanegan ou le tubesque The Perfect Life avec le leader des Flaming Lips, Wayne Coyne. Pas de doute à avoir, Moby est bel et bien de retour avec Innocents.

Féroce critique de Donald Trump, Moby était presque plus devenu une figure politique qu’un musicien dans le paysage médiatique ces derniers temps. Mais il a pourtant été très prolixe ces dernières années, sortant coup sur coup l’apocalyptique These Systems Are Failing en pleine campagne présidentielle en 2016, puis le trip-hop Everything Was Beautiful, and Nothing Hurt (2018), avant de lâcher le second volume de Long Ambients en 2019. Le revoici avec son disque le plus dance depuis longtemps, All Visible Objects. Si, comme Moby l’explique, Everything Was Beautiful and Nothing Hurt sonnait trip hop parce qu’il écoutait des vieux disques de soul et de reggae au moment de le composer, alors pour celui-ci, il y a de bonnes chances qu’il se soit fait une virée dans ses bacs house/techno du début des années 90. L’ouverture Morningside témoigne de la sobriété d’orchestration (un simple “yeah” étiré sur un beat early rave) d’un album qui va puiser dans les racines de Moby, entre early house, techno cyberpunk (Power Is Taken, avec le batteur de Dead Kennedys, D. H. Peligro), downtempo (One Last Time, qui rappelle l’ambiance de son album culte de 1999 Play), voire ambient (en clôture sur le morceau-titre), et même un clin d’œil à Brian Ferry sur la reprise de My Only Love de Roxy Music. La preuve qu’il faut toujours prendre soin de ses vieux pots… © Smaël Bouaici/Qobuz

Branché sur l’ambient depuis ses débuts (son deuxième album, en 1993, était intitulé Ambient), Moby y revient à l’aube de ses 30 ans de carrière, profitant du confinement du printemps 2020 pour se lancer dans un album à concept. Pour ce disque qui porte parfaitement son nom, le musicien américain s’était fixé trois règles. Il fallait d’abord que toute la musique soit improvisée et inédite. Ensuite, il s’est interdit d’éditer les parties déjà enregistrées et chaque partie du processus, de l’enregistrement au mixage jusqu’à l’écoute, devait être “relaxante”. Car l’intention de Moby est de guérir ses fans du stress de 2020 et leur offrir une occasion d’échapper à l’anxiété ambiante (sans mauvais jeu de mots). C’est plutôt réussi avec ces dix titres d’une dizaine de minutes de moyenne, portés par un piano effectivement très chill et des synthés réconfortants, renvoyant l’image d’un musicien enfin apaisé, loin de son activisme anti-Trump des quatre dernières années, une démarche un peu chaotique qui avait fini par devenir toxique pour lui et sa musique. © Smaël Bouaici/Qobuz

Féroce critique de Donald Trump, Moby était presque plus devenu une figure politique qu’un musicien dans le paysage médiatique ces derniers temps. Mais il a pourtant été très prolixe ces dernières années, sortant coup sur coup l’apocalyptique These Systems Are Failing en pleine campagne présidentielle en 2016, puis le trip-hop Everything Was Beautiful, and Nothing Hurt (2018), avant de lâcher le second volume de Long Ambients en 2019. Le revoici avec son disque le plus dance depuis longtemps, All Visible Objects. Si, comme Moby l’explique, Everything Was Beautiful and Nothing Hurt sonnait trip hop parce qu’il écoutait des vieux disques de soul et de reggae au moment de le composer, alors pour celui-ci, il y a de bonnes chances qu’il se soit fait une virée dans ses bacs house/techno du début des années 90. L’ouverture Morningside témoigne de la sobriété d’orchestration (un simple “yeah” étiré sur un beat early rave) d’un album qui va puiser dans les racines de Moby, entre early house, techno cyberpunk (Power Is Taken, avec le batteur de Dead Kennedys, D. H. Peligro), downtempo (One Last Time, qui rappelle l’ambiance de son album culte de 1999 Play), voire ambient (en clôture sur le morceau-titre), et même un clin d’œil à Brian Ferry sur la reprise de My Only Love de Roxy Music. La preuve qu’il faut toujours prendre soin de ses vieux pots… En bonus pour cette réédition de fin d'année, Moby livre un mix réalisé durant le confinement. © Smaël Bouaici/Qobuz

À la première écoute, on pourrait croit à un remix de Depeche Mode par un DJ electro. Mais la pochette rappelle qu’il s’agit bien d’un disque de Moby, l’auteur de Play et de I Like to Score. Une variation intéressante pour un artiste qui, depuis quelques albums (sous son nom propre ou sous l’étiquette Voodoo Child) laisse cours à un penchant trip-hop/house peu créatif et passablement facile. Ici, l’orientation est résolument new-wave, pop et rock et n’est pas sans rappeler la scène britannique des années 1980. Le contraste n’en est que plus saisissant. Moby revient où on ne l’attend pas et surprend à nouveau. © ©Copyright Music Story Benjamin D'Alguerre 2021

Nouvel album de l'artiste ney-yorkais avec la participation de Ken Thomas (Sigur Ros, Throbbing Gristle, M83)

Sur Last Night, Moby retourne à ses racines techno avec un album largement électro, taillé sur mesure pour une excursion joyeusement décadente dans les clubs de New York. Même si Moby a donné dans les instrumentaux rock menés à la guitare et maussades, il est clairement dans son élément lorsqu'il fait de la techno aux influences house, comme il l'a révélé avec son tube dance de 1992, "Go". Évitant consciencieusement les penchants chaleureux organiques de ce précédent opus, Moby se livre à un son cool, robotique, comme l'illustre l'étincelant "I Love to Move in Here" sur lequel Grandmaster Caz des Cold Crush Brothers fait une apparition, et "Alice", un autre titre énergique aux notes hip-hop. Last Night est un retour en grâce raffiné, les foules agitées armées de bâtons fluorescents peuvent donc se préparer à se réjouir. © Eric Schneider /TiVo

“Je me sens plus activiste que musicien.” La cinquantaine passée, Moby a ajusté ses priorités, canalisant l’énergie autodestructrice de sa jeunesse (étalée dans sa truculente autobiographie Porcelain) en pluri-militantisme – pour les droits des animaux et la défense de l’environnement, et contre la politique de Donald Trump, en gros. Avec ce nouvel album, Moby, toujours aussi actif sur les réseaux sociaux, s’attelle à raconter la confusion dans lequel vivent les Américains depuis la dernière élection présidentielle, et ce qui les a conduits à faire d’aussi “mauvais choix”. “J’ai envie de leur crier dessus, mais je veux essayer de comprendre et de faire preuve de compassion”, expliquait-il dans Billboard.Le portrait qu’il dresse de cette Amérique est – sans surprise – très morose, comme sur l’apocalyptique incipit Mere Anarchy, qu’on déconseille d’écouter avec un verre de whisky et un pistolet à portée de main. La suite du disque déploie le champ lexical de la déprime sur des productions trip-hop (sans doute pour le spleen inhérent au son de Bristol) avec The Tired and the Hurt (“les épuisés et les blessés”), Welcome to Hard Times (“bienvenue dans une époque difficile”), The Sorrow Tree (“l’arbre du chagrin”), pour finir par A Dark Cloud Is Coming (“un nuage sombre arrive”), ou encore la reprise du standard negro-spiritual Motherless Child (avec Raquel Rodriguez), symbole de la souffrance des esclaves. Un album tristement contemporain… © Smaël Bouaici/Qobuz

Entre un livre de photographies et la réalisation d’une bonne partie du dernier album de Mylène Farmer, Moby ne dort pas. C’est cette insomnie intercontinentale (quelque part entre une chambre d’hôtel de Cologne, un patio espagnol, et un studio de Manhattan) qui a nourri Destroyed, dixième album studio de Richard Melville Hall, et contraste évident avec deux ou trois choses que l’on connaissait de l’artiste, à commencer par sa capacité à trousser une musique ô combien séductrice pour les pistes de danse, et à générer les sentiments de jubilation extravertie qui vont avec. A l’instar de la dernière production de Gorillaz, le disque a été conçu comme un journal de tournée, et alimenté par la pratique solitaire de ProTools : la démarche, impressionniste, tente de capter l’atmosphère vaporeuse, et indécise, des mégalopoles, vers ces deux heures du matin où la nuit pèse sur les solitudes, ou à l’instant affreux et magique du lever du soleil. La musique qui en découle ne peut être exubérante, mais offrira assurément plus de chaleur humaine que des expressions diurnes, ouvertement festives. C’est riche de ces bases instrumentales que Moby a rallié son studio new-yorkais, et fait appel à quelques vocalistes de ses amis (dont Joy Malcolm), pour poser un chant pâle et décharné sur ces harmonies oniriques. Moby a alors parfait une démarche d’hommages multiples, en retrouvant les frissons nourriciers de l’adolescence, ces émotions si particulières qui font que quelques albums de Brian Eno, Heaven 17 ou Kraftwerk sont ressentis subitement comme plus proches que les membres de sa propre famille. Enfin, le musicien, mais également arrière-petit-neveu d’Herman Melville, immortel créateur du roman Moby Dick, a tenu à accoler à chaque pièce une appellation où perce l’érudition littéraire, en salut affectueux à ses écrivains favoris, de Flannery O’Connor à William Styron. In fine, débuté dans une angoisse de bas-quartier, Destroyed s’achève dans une atmosphère sereine, et quasiment liturgique : cela ravira les passionnés du bonhomme, mais également ceux qui se laisseront séduire par une musique électronique incertaine, floue, et aux antipodes du commercial. Avec Destroyed, Moby retrouve l’originalité de ses premières créations, et le processus créatif par la face de l’inventivité, et de la personnalisation absolues : deux bonnes nouvelles en une, donc. © ©Copyright Music Story Christian Larrède 2016

Fausse compilation, mais vrai patchwork instrumental, I Like to Score est un ensemble de reprises, de ré-orchestrations et d’éléments disparates venus d’autres univers musicaux tirés du cinéma. Connu surtout pour sa reprise electro du thème de James Bond, mais aussi pour les titres « Nash », « Ah-Ah » ou « Go », qui sont autant d’expérimentations country et rock, « I Like to Score » se réapproprie un pan de la culture musicale et cinématographique populaire, à la sauce trip-hop. Moby ne se met pas vraiment en danger avec cet album, mais le résultat, bien qu’un peu fouillis, est réussi. © ©Copyright Music Story Benjamin D'Alguerre 2021