Téléchargez ou écoutez les meilleurs albums et artistes de Musique chorale (pour chœur)

Un programme original permet de découvrir une nouvelle œuvre de Mason Bates, le lion de la création musicale aux États-Unis qui a reçu ici commande du Richmond Symphony pour le soixantième anniversaire de la formation. Il en résulte donc Children of Adam, cycle fondé sur des textes célébrant la Création, de poètes américains ou issus d'écrits sacrés des « Américains natifs ». Structurée en sept parties, cette partition de Bates (né en 1977) fait la part belle au chœur, et tire un peu à la ligne – Bates, de toute évidence, est davantage inspiré par l'orchestre que par les voix, et il faut à cet égard découvrir le somptueux enregistrement de son Anthology of Fantastic Zoology (« Anthologie de zoologie fantastique ») par Riccardo Muti et le Chicago Symphony Orchestra (CSO Resound). La lumière, dans cet album, arrive véritablement avec l’incipit du Dona nobis pacem de Vaughan Williams, composé en 1936, une œuvre assez rarement enregistrée et qui fut commandée pour le centième anniversaire de la très active Société chorale d’Huddersfield (Huddersfield Choral Society), et non sans parenté avec le ton plutôt rude, anxiogène de la Symphonie n° 4 achevée deux ans plus tôt. Le texte de l’œuvre se fonde sur un extrait de l’Agnus Dei de la messe catholique romaine, sur des passages du Livre des Prophètes de l’Ancien Testament, sur un discours de John Bright donné à la Chambre des communes durant la Guerre de Crimée, ainsi que sur trois magnifiques poèmes de Walt Whitman, poète très cher à Vaughan Williams. Ce nouvel album permet de mesurer une nouvelle fois l’importance de Vaughan Williams dans l’histoire musicale du XXe siècle, et la profonde singularité de son monde sonore. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

Né en 1986, Jake Runestad, originaire de l'État de l'Illinois aux États-Unis, a étudié avec des personnalités aussi importantes que Bernard Rands, David Lang, Tania León, Christopher Rouse ou Jake Heggie, des compositeurs aux esthétiques très diverses. Runestad est de toute évidence influencé par une simplicité dans l'harmonie et un classicisme dans les textures, empruntés à Heggie, Lang, ou Rands dans une moindre mesure. Son but en tant que compositeur d'œuvres vocales ? « Un désir de beauté ». La musique est un viatique à des textes inspirés du poète Todd Boss (grand ami du compositeur et rencontre marquante) qui racontent des histoires authentiques autour d'expériences profondément humaines, le tout dans le cadre d'une écriture immédiate, séduisante, encourageant la communion avec autrui. Jake Runestad fait donc dans l'œcuménique.Les œuvres ici présentes, dont la très belle pièce intitulée Waves en ouverture de cet album, sont magistralement interprétées, dans toute leur splendeur harmonique, et non sans la naïveté qui s’impose parfois, par l’ensemble Conspirare de Craig Hella Johnson, habitué des musiques d’aujourd’hui et auteur d’autres albums magnifiques sur le label harmonia mundi. Comment ne pas goûter ici au très enveloppant Let My Love Be Heard, d’où s’échappent de très lointains échos de l'Adagio (ou Agnus Dei) de Barber ? © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

Chargé de deux mille ans d’histoire, le Japon a su développer son propre langage musical avec des moyens d’expression exclusivement liés au théâtre et à la danse. La récente occidentalisation du pays a contribué à l’émergence d’un style nouveau tenant compte à la fois des racines japonaises et des influences extérieures. Cet album présente une sélection d’œuvres chorales composées après 1950, à une époque où beaucoup de compositeurs japonais se libèrent peu à peu des influences extérieures.C’est le cas de Toshio Hosokawa (né en 1953) qui commence par composer dans le style de « l’avant-garde occidentale » avant de s’inspirer de la musique traditionnelle de son pays natal. Le Lotus, d’après le Buch der Lieder de Heinrich Heine déjà mis en musique par Schumann, utilise un ensemble vocal et une percussion légère et discrète, bols sonores japonais et carillons à vent.Töru Takemitsu (1930-1996) est considéré, tant dans son pays qu’à travers le monde, comme un des plus grands compositeurs japonais. Peu nombreuses, ses œuvres chorales sont très évocatrices et font appel à des souvenirs d’enfance, des « sakura » (fleurs de cerisiers) aux chansons populaires qu’il arrange à sa manière. Sa musique est d’une subtilité fascinante.Michio Mamiya (né en 1929) s’est très tôt penché sur l’étude des chansons folkloriques, à la manière de Bartók et Kodály. Il collectionne et transcrit les chants de tradition orale qu’il introduit ensuite dans sa musique. Enfin, Jô Kondô (né en 1947) s’inspire des grands polyphonistes flamands, tel Johannes Ockeghem, en mettant en musique des textes de la littérature japonaise moderne. Sa musique, complexe, renforce et cache tout à la fois l’ambiguïté du poème, avec des constants changements de rythme dans une poly-textualité héritée de la musique du Moyen Âge occidental. © François Hudry/Qobuz

Téléchargement indisponible