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Les albums

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Quatuors - Paru le 26 avril 2019 | Alpha

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or - Le Choix de France Musique - Choc de Classica - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Formé au Royal College of Music de Londres en 1994, le Belcea Quartet a déjà une riche discographie, dont une intégrale des quatuors à cordes de Beethoven. Pour ce nouvel enregistrement, l’ensemble a choisi d'enregistrer trois quatuors de deux compositeurs emblématiques du XXe siècle, Leos Janáček & György Ligeti. Quinze après une première gravure chez Zig-Zag et alors que la composition de l'ensemble a évolué, ils ont choisi d'enregistrer à nouveau les deux quatuors de Janáček. Le premier s'inspire de la célèbre œuvre de Leon Toslstoï, La Sonate à Kreutzer : l'oeuvre en quatre mouvements suit la chronologie de la nouvelle, jusqu'au meurtre final. Le second quatuor est surnommé "Lettres Intimes", en hommage à Kamila Stösslova avec qui le compositeur eut une importante relation épistolaire dans ses dernière années, et qui marqua sa vie et son œuvre. Enfin, le premier quatuor de Ligeti est sous-titré "Métamorphoses nocturnes" en raison de sa forme : l'œuvre est décrite par le compositeur comme une sorte de thème et variations, mais sans "thème" spécifique qui soit ensuite varié. C'est plutôt un même concept musical qui apparaît sous des formes constamment nouvelles - c'est pourquoi les « métamorphoses » sont plus appropriées que les « variations ». © Alpha Classics
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Musique vocale sacrée - Paru le 14 juin 2019 | Ondine

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Effaré par la pauvreté de la musique liturgique à Kiev, Tchaikovski, baigné par le chant orthodoxe dès son enfance, avait rédigé en 1875 un Bref manuel d’harmonie adapté à l’étude du chant religieux en Russie pour une institution moscovite. Peu après, il commence à réviser les œuvres complètes de Bortnianski en vue d’une nouvelle édition de « l’Orphée de la Neva » qui avait su renouveler la musique sacrée russe en combinant les styles orientaux et occidentaux. Quelquefois critiquée pour son hésitation entre plusieurs styles, la Liturgie de Saint-Jean Chrysostome de Tchaikovski veut redonner un nouveau souffle au culte orthodoxe. Elle a ouvert la voie à une pléiade de compositeurs purement religieux ou attirés par la tradition de l’Église russe, le plus génial étant Rachmaninov qui parviendra à réellement concrétiser le rêve de Tchaïkovski. Basé à Riga, le Chœur de la Radio Lettone (en anglais, le « Latvian Radio Choir ») est un ensemble de professionnels de très haut niveau possédant un répertoire particulièrement vaste et varié. Il fait souvent office de laboratoire de création en encourageant par sa qualité les compositeurs à écrire de nouvelles œuvres qui repoussent sans cesse les limites de la voix humaine. Fondé en 1940 par Teodors Kalniņš, un musicien légendaire dans son pays, le Chœur de la Radio Lettone est aujourd’hui co-dirigé par Sigvards Kļava, son chef principal et par Kaspars Putniņš. © François Hudry/Qobuz
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Classique - Paru le 1 mars 2019 | Alpha

Hi-Res Livret Distinctions 4F de Télérama - Gramophone Editor's Choice - 5 Sterne Fono Forum Klassik
À la croisée du romantisme de Berlioz et de Franck, du langage wagnérien et du symbolisme du jeune Debussy, Ernest Chausson est une figure singulière de la musique française. Le Poème de l’amour et de la mer, partition unique dans le paysage musical de l’époque, certainement son chef-d’œuvre, à la fois cantate profane, monologue, cycle de mélodies, est composé entre 1882 et 1892. Dès 1886 cependant, la dernière section de la partition, Le Temps des lilas, est publiée isolément en tant que mélodie pour voix et piano. Véronique Gens enregistre ici ce cycle pour la première fois, mais elle a déjà gravé Le Temps des lilas, avec Susan Manoff au piano dans le cadre de son programme "Néère" qui « hypnotise par la justesse des couleurs, la précision allusive de chaque mot vocal », écrivait Classiquenews … Véronique Gens retrouve ici un orchestre qu’elle connaît très bien, l’Orchestre National de Lille, sous la direction de son nouveau chef, Alexandre Bloch, dont l’engagement et les premiers concerts et enregistrements font sensation. La Symphonie en si bémol majeur complète ce programme, sommet du répertoire français, jalon aussi décisif que la Symphonie en ré de Franck (maître de Chausson) selon certains ! © Outhere Music
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Musique de chambre - Paru le 15 mars 2019 | La Dolce Volta

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Choc de Classica - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Plus haut bastion de la musique absolue (du moins en apparence), la musique de chambre semble n’avoir plus guère, vers 1860, qu’un défenseur de premier plan en terres austro-allemandes : Brahms reprend un flambeau hérité de Beethoven, de Schubert, de Mendelssohn et du maître Schumann. Le genre, totalement dédaigné – ou presque – par Liszt et Wagner, les hérauts de la « musique nouvelle », sera exploré par Brahms tout au long de sa vie, d’abord comme interprète dès les années quarante, puis à plus de vingt reprises comme compositeur dès 1853, avec le Trio Op. 8 (dont l’année 1891 donnera, près de quarante ans plus tard, une nouvelle version), et jusqu’en 1894. Le piano sera vecteur privilégié de l’expression des vertes années, comme en témoigne entre autres le Quintette Op. 34. Œuvre protéiforme, ce quintette fut d’abord rédigé pour cordes seules dès 1861. En septembre 1862, Brahms le signale sous cette forme (avec deux violoncelles) à l’attention du compositeur Albert Dietrich, puis il consulte ses deux experts, Joseph Joachim et Clara (Schumann), qui lui écrit : « Je ne sais comment te dire la grande joie que ton Quintette à cordes m’a donnée », tandis que le violoniste se montre plus réservé : « C’est d’une écriture complexe et je crains que, sans une interprétation vigoureuse, ce quintette ne sonne pas avec clarté ». Une séance privée en 1863 confirme son jugement. Brahms transcrit alors l’œuvre pour deux pianos et en donne la première audition à Vienne le 17 avril 1864, avec Carl Tausig : accueil sans enthousiasme. L’année suivante, exécution à Baden, devant la princesse Anna de hesse, dédicataire de l’œuvre. C’est alors que l’intuition de Clara lui fait deviner le point faible : « C’est une œuvre si pleine d’idées qu’elle demande tout l’orchestre. Je t’en prie, revois-la encore ». Son ami et critique hermann Levi lui suggère l’équilibre piano/quatuor à cordes. Le compositeur suit ce dernier avis et achève cette ultime « ré-orchestration » durant l’été 1864. La création eut lieu le 24 mars 1868, à Paris, salle Erard, avec Louise Japha au piano. Hermann Levi écrit alors au compositeur : « Le Quintette est beau au-delà de ce que l’on peut dire… Il ne contient pas une note qui puisse faire soupçonner qu’il s’agit d’un arrangement… D’une œuvre monotone pour deux pianos, vous avez fait une chose d’une grande beauté, un chef-d’œuvre de la musique de chambre ». © La Dolce Volta
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Musique chorale (pour chœur) - Paru le 9 août 2019 | SWR Classic

Livret Distinctions 5 de Diapason - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Chargé de deux mille ans d’histoire, le Japon a su développer son propre langage musical avec des moyens d’expression exclusivement liés au théâtre et à la danse. La récente occidentalisation du pays a contribué à l’émergence d’un style nouveau tenant compte à la fois des racines japonaises et des influences extérieures. Cet album présente une sélection d’œuvres chorales composées après 1950, à une époque où beaucoup de compositeurs japonais se libèrent peu à peu des influences extérieures.C’est le cas de Toshio Hosokawa (né en 1953) qui commence par composer dans le style de « l’avant-garde occidentale » avant de s’inspirer de la musique traditionnelle de son pays natal. Le Lotus, d’après le Buch der Lieder de Heinrich Heine déjà mis en musique par Schumann, utilise un ensemble vocal et une percussion légère et discrète, bols sonores japonais et carillons à vent.Töru Takemitsu (1930-1996) est considéré, tant dans son pays qu’à travers le monde, comme un des plus grands compositeurs japonais. Peu nombreuses, ses œuvres chorales sont très évocatrices et font appel à des souvenirs d’enfance, des « sakura » (fleurs de cerisiers) aux chansons populaires qu’il arrange à sa manière. Sa musique est d’une subtilité fascinante.Michio Mamiya (né en 1929) s’est très tôt penché sur l’étude des chansons folkloriques, à la manière de Bartók et Kodály. Il collectionne et transcrit les chants de tradition orale qu’il introduit ensuite dans sa musique. Enfin, Jô Kondô (né en 1947) s’inspire des grands polyphonistes flamands, tel Johannes Ockeghem, en mettant en musique des textes de la littérature japonaise moderne. Sa musique, complexe, renforce et cache tout à la fois l’ambiguïté du poème, avec des constants changements de rythme dans une poly-textualité héritée de la musique du Moyen Âge occidental. © François Hudry/Qobuz
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Classique - Paru le 3 mai 2019 | Carus

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Classique - Paru le 8 février 2019 | Ondine

Hi-Res Livret Distinctions Choc de Classica - 5 Sterne Fono Forum Klassik
À la différence notable des suites d’opéras habituelles, celle de Die Soldaten de Zimmermann (qu’il a intitulée Vokal-Sinfonie) a été conçue avant l’opéra, une sorte de « carte de visite » avec laquelle il souhaitait prouver que l’ouvrage était jouable. Car la partition définitive de l’opéra est rien moins qu’un défi pour les chanteurs, pour l’orchestre, pour les théâtres et pour le public ! Seize rôles chantés, une dizaine de rôles parlés, un orchestre d’une bonne centaine de musiciens, un instrumentarium de percussions délirant, des projecteurs de cinéma, une partie pour bande magnétique, des effets sonores extra-musicaux, il y a de quoi faire frémir n’importe quelle direction d’opéra soucieuse des finances de sa maison ; quant au public, il est soumis au strict régime dodécaphonique, sans même parler de la superposition temporelle de certaines scènes… Et encore, à l’origine, Zimmermann aurait voulu que l’œuvre soit présentée sur douze scènes différentes entourant le public, qui serait assis sur des chaises tournantes afin de s’orienter selon le déroulement – l’idée fut rejetée par le théâtre où devait avoir lieu la création, et le compositeur finit par abandonner l’idée et remodela son ouvrage pour le rendre à peu près jouable. C’est ici la Vokal-Sinfonie de 1963 que l’on entendra, un intense moment post-Berg dont la parenté expressionniste, avec Wozzeck notamment, est évidente, y compris dans l’âpre et bouleversant lyrisme du matériau vocal. La Sinfonie est précédée de Photoptosis pour grand orchestre de 1968, l’un des derniers ouvrages du compositeur qui devait se donner la mort deux ans plus tard, miné par la dépression – cela s'entend ô combien ! Une partition sombre et rutilante à la fois, dans laquelle il fait preuve d’un invraisemblable génie de l’orchestration. L’album s’ouvre avec le Concerto pour violon de 1950, dont la forme apparemment classique (Sonata-Fantasia-Rondo) est un leurre : Zimmermann y explore tout le modernisme possible et imaginable, là encore dans un intense lyrisme noir d’une intense beauté. © SM/Qobuz
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Lieder (Allemagne) - Paru le 9 novembre 2018 | Orfeo

Livret Distinctions 5 de Diapason - 5 Sterne Fono Forum Klassik
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Opérette - Paru le 8 mars 2019 | Oehms Classics

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Musique de chambre - Paru le 4 janvier 2019 | Toccata Classics

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Symphonies - Paru le 5 avril 2019 | CPO

Livret Distinctions Choc de Classica - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Compositeur, pianiste et critique musical, Joseph Marx laisse un catalogue dans lequel la musique orchestrale prédomine. Sa maîtrise de l’orchestration est manifeste dans la Herbstsymphonie (« Symphonie de l’automne ») présentée ici, même si elle a de la peine en son début à se démarquer du Lever du jour du ballet Daphnis et Chloé de Ravel, que le compositeur parodie sans aucun complexe. Les influences de Joseph Marx ne s’arrêtent pas à Ravel puisque Wagner, Bruckner et Richard Strauss sont omniprésents dans cette vaste fresque symphonique qui dure plus d’une heure. Créée en 1922 sous la direction de Felix Weingartner, cette Symphonie de l’automne fut l’objet d’un scandale retentissant avant d’obtenir un succès triomphal peu après sous la direction de Clemens Krauss. Œuvre colossale appartenant au post-romantisme viennois, ce n’est pas vraiment une symphonie, mais plutôt un immense poème symphonique panthéiste en quatre mouvements. Démesurée dans sa forme comme dans son expression, elle est d’une très grande difficulté de mise en place pour le chef et pour l’orchestre. Devenu mythique, ce gigantesque monument symphonique qui peut s’apparenter à un savant collage, trouve ici son tout premier enregistrement sous la direction précise et passionnée de Johannes Wildner à la tête de l’Orchestre Philharmonique de Graz, lequel n’est pas très éloigné de Vienne… © François Hudry/Qobuz
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Classique - Paru le 18 janvier 2019 | haenssler CLASSIC

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Classique - Paru le 22 mars 2019 | Arcana

Hi-Res Livret Distinctions 5 Sterne Fono Forum Klassik
Johann Sebastian Bach a toujours été considéré comme l’un des plus grands transcripteurs de l'histoire. Beaucoup de ses transcriptions (et surtout celles des compositeurs italiens Vivaldi et Marcello) sont rapidement devenues des classiques, et sont encore considérées comme des chefs-d’œuvres du répertoire baroque. Bach a aussi beaucoup œuvré à la transcription de ses propres œuvres. Sa magistrale transcription de sa Sonate pour viole de gambe et clavecin n° 1, qu’il transforma en une sonate en trio pour deux flûtes et continuo, a été la source d’inspiration de cet enregistrement. Tripla Concordia et Walter van Hauwe ont décidé de transcrire les deux autres sonates pour viole, marchant sur les pas de Bach. Ainsi, les membres de l’ensemble ont réalisé leur désir d’offrir une nouvelle expérience d’écoute de cet ensemble de sonates, avec des couleurs et des textures neuves. Tripla Concordia espère sincèrement que ces nouvelles versions jetteront une lumière nouvelle sur ces œuvres, donnant ainsi à l’auditeur l’opportunité d’en découvrir de nouveaux détails et des combinaisons instrumentales inédites. La transcription de deux autres chefs-d’œuvre de Bach, la Sonate en trio (pour orgue) n° 3 (ici transcrite par Sour Cream) et la Partita pour luth BWV 997, complètent cet enregistrement. © Arcana
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Classique - Paru le 18 janvier 2019 | Telos Music

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Classique - Paru le 25 janvier 2019 | L'Encelade

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Le monde de l'antiquité nous fascine depuis toujours. Aujourd'hui encore, les histoires de dieux, de déesses, de créatures mythologiques et de mortels continuent d’exciter notre imagination. C'est à nous de décider si nous les considérons comme une tentative d'expliquer l'incompréhensible, comme des symboles de nos vies, ou simplement comme du matériel narratif passionnant. Cet enregistrement de « musique à programme » rassemble des œuvres qui chacune raconte une histoire inspirée de ce monde des mythes. La variété de sons que l'on peut tirer du magnifique clavecin de Pascal Taskin de 1787 conservé au Musée des Arts et Métiers de Hambourg correspond à celle du théâtre de figurines mythologiques représenté ici. Les formes, la structure musicale et le style narratif sont tout aussi variés. On y trouve tout un éventail de pièces, de celles qui ressemblent à des paysages aux miniatures de scènes d'opéra dramatiques. L'éventail des compositeurs s'étend depuis les débuts du clavecin français jusqu'à son chant du cygne : des transcriptions de D’Anglebert d’opéras de Jean-Baptiste Lully, ce dernier considéré comme étant « l'inventeur » de la musique baroque française, en passant par le chanteur, compositeur d'opéra et virtuose du clavier Pancrace Royer jusqu’aux grands maîtres du clavecin tels que François Couperin, Jean-Philippe Rameau, ou Jacques Duphly. La musique de ce dernier représente l'apogée finale de ce répertoire avant la césure brutale provoquée par la Révolution française - sa mort au lendemain de la prise de la Bastille symbolise tragiquement la déchéance du clavecin, perçu alors comme un symbole de l’Ancien Régime. […] Les instruments historiques émeuvent avec leur sonorité particulière et leur aura presque mythique. Le clavecin Taskin de Hambourg en est un exemple incroyablement beau et coloré, un instrument unique à tous égards, qui m'a beaucoup apporté en tant qu’interprète. Si vous décidez d'enregistrer sur un tel instrument, vous acceptez volontiers ses petites imperfections techniques et mécaniques. © Anne Marie Dragosits/L'Encelade
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Musique de chambre - Paru le 5 avril 2019 | audite Musikproduktion

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Classique - Paru le 8 février 2019 | harmonia mundi

Hi-Res Livret Distinctions 5 Sterne Fono Forum Klassik
Tous deux fauchés par la mort à moins de quarante ans, l’un par la tuberculose et l’autre par la syphilis, Weber et Schubert ont laissé des sonates pour piano qui ont été longuement oubliées, voire inconnues des pianistes et du public. Le mal est réparé pour Schubert grâce à des pianistes pionniers comme Artur Schnabel ou Wilhelm Kempff, mais il reste encore du travail pour les œuvres pianistiques de Carl Maria von Weber dont l’opéra Der Freischütz occulte presque tout le reste de sa production. Il faut des musiciens exceptionnels pour faire revivre des musiques oubliées et c’est tout l’intérêt de ce disque de Paul Lewis dont on aime tant les interprétations de Beethoven et de Schubert pour son éditeur français harmonia mundi qui lui est fidèle. Weber fut, en même temps que Beethoven, un des premiers virtuoses du piano au début du XIXe siècle. Son éblouissante technique est perceptible dans cette Sonate n° 2 en la bémol majeur qui alterne la virtuosité et une écriture classique qui ouvre la porte au romantisme dans lequel les compositeurs allaient s’engouffrer après lui. La Sonate en si majeur D. 575 consacre les vingt ans de Schubert, l’année où il s’émancipe de la tutelle de ses parents pour devenir un compositeur très productif avec tous les aléas représentés par une carrière d’artiste indépendant à cette époque. Un couplage passionnant et inédit représentant le début du romantisme avec des compositeurs qui s’appréciaient mutuellement, mais dont les styles sont diamétralement opposés. La lumière vive et le panache pour Weber, la mélancolie chevillée à l’âme pour Schubert. © François Hudry/Qobuz
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Classique - Paru le 10 mai 2019 | Berlin Classics

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Classique - Paru le 3 mai 2019 | CPO

Livret Distinctions 5 Sterne Fono Forum Klassik
Principalement connu hors de son pays pour sa très populaire Rhapsodie suédoise No. 1 (Midsommarvaka), Hugo Alfvén était un créateur aux talents multiples. Excellent aquarelliste, il avait d’ailleurs hésité à devenir peintre à part entière, il était également un bon écrivain, mais c’est finalement la musique qui l’a emporté. Né à Stockholm en 1872, grand voyageur à travers l’Europe, polyglotte, il a suffisamment étudié le violon à Bruxelles pour intégrer l’Orchestre de l’Opéra Royal de sa ville natale, avant de diriger des chœurs et des orchestres sur tout le continent européen. Alfvén est devenu l’un des principaux compositeurs de son pays aux côtés de son contemporain Wilhelm Stenhammar. Sa musique est celle d’un romantisme tardif, dans une orchestration habile et colorée à la manière de Richard Strauss. Il est souvent considéré comme le chantre de la Suède comme Sibelius l’est pour la Finlande. C’est d’ailleurs immédiatement à Finlandia que les premières mesures de la suite orchestrale du Roi de la montagne (Bergakungen) font penser, avec ce crescendo spectaculaire ouvrant la scène de ballet. Sa Troisième Symphonie, composée en 1905 durant un voyage dans cette Italie qui ensorcèle tous les Nordiques, est un véritable hymne au bonheur. Dédiée à Marie, la jeune femme qu’il aimait passionnément et qui allait devenir sa première épouse, cette partition est légère, positive, et célèbre tout simplement la joie et la reconnaissance d’être au monde. La Rhapsodie suédoise No. 2 (Uppsalarapsodi) a été écrite pour la commémoration du 200e anniversaire de la naissance du célèbre botaniste suédois Carl von Linné, le père du concept de biodiversité auquel on doit l’identification de plus de dix mille espèces végétales et animales. Comme Brahms l’avait déjà fait quelques années plutôt pour son Ouverture pour une fête académique, Alfvén emploie dans cette oeuvre joyeuse de nombreux chants d’étudiants qui sont étroitement mêlés à la trame symphonique. © François Hudry/Qobuz
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Musique de chambre - Paru le 7 juin 2019 | Orfeo

Hi-Res Livret Distinctions 5 Sterne Fono Forum Klassik
Exclusivement féminin, le Skride Piano Quartet (du nom des deux sœurs qui en font partie) a placé son nouvel album sous la double bannière du mode mineur et de Vienne. Avant tout c’est la matière sonore qui attire aussitôt l’attention dès les premières mesures de cet enregistrement. Les cordes sont amples et généreuses, le piano sonne presque charnellement et l’ensemble déborde de générosité et d’une noble expression. Datant de 1785, le Quatuor en sol mineur de Mozart est une œuvre capitale de l’histoire de cette formation et de toute la musique de chambre. Sa tonalité sombre permet de mélanger tragédie et lyrisme et a inspiré par ailleurs au compositeur quelques chefs-d’œuvre comme ses Symphonies n° 25 et 40, ou encore le sublime Quintette à cordes K. 516. C’est la même tonalité que Johannes Brahms choisit ensuite pour le premier de ses trois quatuors avec piano dont le Finale se termine par une « tziganerie » endiablée. C’est une des œuvres majeures de Brahms, par sa complexité d’écriture, son originalité et sa construction aussi impressionnante qu’originale. Mais, comme pour toutes les grandes œuvres artistiques, c’est d’abord la beauté et l’expression que l’auditeur va percevoir immédiatement. Coincé entre ces deux chefs-d’œuvre, le mouvement en la mineur destiné originellement à un quatuor avec piano inachevé (Klavierquartettsatz) et composé en 1876 pendant ses années d’études par Gustav Mahler ne démérite pas. Son effusion romantique nous touche et l’on sent que Mahler semble étouffer dans les limites restreintes offertes par une telle formation. Bientôt il s’essayera à l’orchestre avec le bonheur que l’on sait. La volupté sonore, la puissance de jeu et l’engagement total des interprètes dans ces trois œuvres procurent un bonheur total. © François Hudry/Qobuz

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