Musique Post-romantique

Munich, septembre 1910. Un raz-de-marée submerge le monde de la musique. On vient de donner la première de la Symphonie n° 8 en mi bémol majeur de Mahler, dirigée par le compositeur en personne. L’assistance fait un triomphe à cette symphonie monumentale par sa durée, autant que par le nombre d'exécutants qu’elle mobilise. L’impresario de Mahler, Emil Gutmann, trouvera d’ailleurs le terme de “Symphonie des Mille” pour les besoins de la promotion, au grand dam du compositeur. Une formidable intuition cependant, puisque l’expression s’est maintenue jusqu'à aujourd’hui. L’oeuvre en deux parties utilise deux matériaux d’écriture très différents à tous points de vue : le Veni Creator Spiritus, poème latin du IXe siècle écrit probablement par le moine Raban Maur, et le dénouement du Faust de Goethe. C’est toutefois une impression de grande cohérence qui se dégage de l’ensemble : les deux textes convoquent chacun la notion de transcendance, mais une transcendance incarnée, terrestre, accessible à l’Homme. On appréciera cette production qui réunit le London Philharmonic avec trois ensembles vocaux dont l’homogénéité est impressionnante (le London Symphony Chorus, le Choir of Clare College de Cambridge et le Tiffin Boy’s Choir). © Pierre Lamy/Qobuz

On avait quelque peu oublié Wolfram Gehring, connu notamment pour avoir inauguré les orgues Allen d'un grand nombre d'églises aux quatre coins de l'Allemagne. Passé sous les radars depuis plusieurs années, l'organiste de Cologne s'était pourtant illustré comme un excellent ambassadeur de l'orgue moderne – son enregistrement en 1973 du Chemin de la Croix de Marcel Dupré avait durablement marqué les esprits. La réédition, près de quarante ans plus tard, de l'album « Virtuose Orgel » est l'occasion de savourer cette madeleine musicale, malheureusement aussi agréable que courte en bouche. Résumé à la seule Symphonie pour orgue n° 5 de Charles-Marie Widor, et au dernier mouvement, Final-Allegro, de la Symphonie n° 1 en ré mineur de Louis Vierne, cet ancien LP, publié sur le label Laudate et reproduit ici à l’identique, donne un petit air de déjà-vu, les deux pièces étant devenues de vrais passages obligés – le titre de l'album « Virtuose Orgel » suppose aisément que l’on ne va de toute façon trouver aucune rareté ici. Bien capté sur l’instrument de St. Lucia Kirche de Stolberg, Wolfram Gehring pourra séduire les mélomanes adeptes avant tout de clarté, même s’ils n’y trouveront pas le panache luxuriant et les phrasés aériens d’un Daniel Chorzempa (Philips). C'est indéniablement virtuose, propre et d’une grande maîtrise, et Gehring y montre sans nul doute la variété des registrations de son instrument. © Pierre Lamy/Qobuz

Dans un élan de créativité volcanique, Gustav Mahler, alors âgé de 27 ans, a écrit sa première symphonie en quelques semaines seulement. Il a ensuite lutté beaucoup plus longtemps pour trouver une forme définitive à cette œuvre d'une nouveauté sans précédent, qui a secoué le public musical comme un tremblement de terre et consommé le divorce entre défenseurs et détracteurs de Mahler. Personne n'est resté indifférent au son écrasant de cette œuvre qu'il a d'abord intitulée Titan (d'après le roman de Jean Paul). Elle commence par un frémissement ("Wie ein Naturlaut" - "Comme un son de la nature") d'où émergent des idées motiviques - fanfare et fragments de cris d'oiseaux proches et lointains, y compris un coucou obstiné - jusqu'à ce qu'une mélodie s'articule, dérivée des Lieder eines fahrenden Gesellen (Chants d'un voyageur), où elle est chantée sur les mots "Ging heut Morgen übers Feld... Wird's nicht eine schöne Welt ? ("Ce matin, j'ai traversé les champs... Le monde n'est-il pas beau ?"). Dans les indications de jeu, qu'il a retirées par la suite, Mahler décrit le mouvement comme "le réveil de la nature après un long sommeil d'hiver". Le ländler-scherzo terreux est suivi d'une parodie de marche funèbre fantaisiste basée sur une version en mode mineur du canon de la chanson populaire Bruder Jakob (Frère Jacques). L'humour naïf et la tragédie obscure s'affrontent comme dans les écrits de Jean Paul. Le "cri d'horreur" qui lance le finale met définitivement à nu l'ambiguïté du "beau monde". La violence de ce dernier mouvement ouvre un abîme rugissant. Selon Mahler, dans les masses sonores tumultueuses, le "héros" - est-ce le compositeur lui-même ? - est engagé dans une terrible bataille "avec toutes les douleurs de ce monde". Puis, presque imperceptiblement, à partir d'une réminiscence des sons chatoyants de la nature qui ont ouvert la symphonie, un "choral de la victoire" prend forme et, avec la mobilisation de toutes les forces, s'élève en une apothéose gigantesque. La Première Symphonie de Mahler : une vie de héros - ou bien une commedia humana ? © 2020 Berlin Phil Media GmbH 

On ne saura pas grand-chose du Verona Quartet en consultant le livret de cette parution assortie d’un intitulé bref, « Diffusion ». La biographie présente sur le site de l’ensemble ne donne guère plus d’éléments réellement significatifs. Les quatre musiciens (Jonathan Ong, Dorothy Ro, violons – Abigail Rojansky, alto – Jonathan Dormand, violoncelle) de ce quatuor nord-américain, en résidence depuis août 2020 au sein du prestigieux Oberlin College and Conservatory, entretiendraient-ils quelque peu le mystère ? Il faudra donc se plonger dans la musique, et quelle magnifique surprise ! Plaisir de sons, de textures, de timbres. Ce qui frappe immédiatement à l’écoute de ce programme original, couplant trois quatuors envoûtants et captivants du début du XXe siècle, en forme de résumé des esthétiques les plus marquantes de l’époque en Europe, c’est la balance inhérente à l’ensemble. La polyphonie est d’une clarté inouïe ; les attaques se distinguent par leur captivante netteté, exempte de sécheresse ; les textures se parent de teintes constamment renouvelées, qui tiennent en haleine l’auditeur – écoutez le très bel Allegro moderato du Quatuor de Ravel (1903), véritablement « très doux », dans les phrasés autant que dans les respirations, et les intentions expressives. La douceur ravélienne est assurément – aussi – une histoire de tendresse. Impressionnant ! Le désir de précision des quatre membres du Quatuor Verona ne les emmène jamais sur le terrain de l’objectivité stricte ou de l’analyse froide ; si le Quatuor de Ravel clôt cet album sur quelques moments d’une très rare poésie, il y a toujours présent dans le son des Verona un je-ne-sais-quoi de doucement joueur, ou de légèrement espiègle (Ravel, Assez vif), qui éclaire d’une lumière insolite les ambivalences expressives des Lettres intimes de Janáček (janvier-février 1928), très adroitement équilibrées entre le nostalgique et le malicieux. Et le Szymanowski ? Les Verona le situent exactement entre deux mondes, aussi soucieux de l’ascendance viennoise que de l’esprit slave populaire : les amples lignes mélodiques (Moderato dolce e tranquillo) et les jeux polyphoniques (Lento) rayonnent d’un même élan que l’esprit de rupture qui permet des frottements harmoniques parfois très épicés (Vivace, scherzando). Fortement recommandé. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

Après Rachmaninov, Scriabine et Prokofiev, Vadym Kholodenko continue son exploration du répertoire russe avec deux œuvres trop rarement enregistrées : les deux Sonates pour piano seul de Tchaïkovski. Imaginatif, coloré et rêveur, capable d’une infinie palette d’émotions, il en révèle autant l’architecture magistrale que les subtilités d’écriture souvent sacrifiées à la seule démonstration de virtuosité. © harmonia mundi

Conductor Gustavo Dudamel has recorded Mahler's Symphony No. 8 in E flat major ("Symphony of a Thousand") once before. In 2012, he took the work's subtitle (which is not Mahler's) at its word and performed the work with a giant ensemble of more than a thousand players and singers, expanded to an awe-inspiring 1,400 in a Venezuelan performance a few weeks later. Those performances featured not only Dudamel's Los Angeles Philharmonic but the Simon Bolívar Orchestra of Venezuela, plus several massed choirs. Here, the forces are cut down to a more usual 350 or so, and the performance, at the orchestra's usual Walt Disney Hall, is several minutes quicker than the earlier version. It's a good example of Dudamel's work in this phase of his career. He's no longer the wunderkind from the south, compelled to produce miraculous performances, but can, and indeed must, think through a work in greater detail, and so he does. The earth-shattering moments are there, but they move past more quickly. Of course, one's reactions to this will depend on one's conception of the work, which Mahler himself, to some extent, conceived of as being over the top. However, the quieter passages emerge more clearly here, and the Philharmonic's players dispatch them with crackling precision. The three choirs involved have a remarkable sense of cohesion, fully justifying their Grammy nomination (eventually, an award) for Best Choral Performance. The soloists, led by the resonant bass Morris Robinson, are wonderful. This album earned a second Grammy nomination (for Best Engineering), and this too will inspire varying reactions. The live 2019 performance was recorded in a kind of surround sound that to these ears favors the soloists (they seem to be coming at the listener from all sides) but slightly muddies the big choral passages. Listeners are invited to sample for themselves; the effect is clearly audible, without the need for high-end audio equipment. At any rate, the performance hangs together uncommonly well. Those in search of maximal impact may wish to go back to Leonard Bernstein's epochal recording of this most extreme of Mahler's works. © TiVo

"Spezl" : camaraderie en bavarois. L'étroite amitié musicale des musiciens de ce duo fait écho à celle des compositeurs dont ils jouent ici les œuvres. Richard Strauss et Ludwig Thuille sont restés des amis proches tout au long de leur vie, étudiant ensemble et partageant leurs idées musicales. Alors que Strauss a acquis une reconnaissance mondiale en tant que compositeur, on se souvient surtout de Thuille comme professeur de théorie musicale et de composition. Jelger Blanken au piano répond avec effusion et sensibilité au violon farouche et tendre de Floris Mijnders. Leur amitié les amène à remettre sans cesse en question les choix musicaux de l'autre, suscitant ici un dialogue pétillant, allant et inspiré. Laissez-vous séduire par l'univers sonore intime de ce duo irrésistible ! © 7 Mountain Records

« Pour écrire ça, il faut être un poète », confie Massenet à Reynaldo Hahn en lisant la partition de L'Île du rêve. Composé alors que le jeune homme n'a pas encore dix-huit ans, ce « lever de rideau » possède déjà les qualités des grandes oeuvres de l'époque. S'y révèlent les talents de coloriste d'un Bizet, les élans passionnés d'un Massenet et même l'originalité prosodique du premier Debussy. L'intrigue narre les amours d'un officier français pour une jeune Polynésienne qu'il devra abandonner. Ce sujet - également mis en musique par Puccini (Madame Butterfly) et Delibes (Lakmé) - est envisagé d'une manière quasi symboliste : au romantisme de la musique s'oppose un traitement contemplatif et introspectif de la narration. C'est là que brille particulièrement Reynaldo Hahn : dès les premières mesures (Hymne à Bora-Bora), dans les diverses situations amoureuses entre Loti et Mahénu (notamment le duo « Restons encore les paupières mi-closes ») et jusque dans le prélude néo-haendélien de l'Acte II. © Bru Zane

L’imitation des roulements de tonnerre, des hurlements du vent et du bêlement des moutons est-elle une forme de composition musicale digne de ce nom ? Peut-on prendre au sérieux un musicien qui se vante d’être capable de « mettre en musique, au besoin, un menu de restaurant » ? Tel était le genre de questions qu’a dû se poser Richard Strauss, l’un des compositeurs les plus virtuoses de ce qu’on appelle la « musique à programme ». Sa réponse : « Je suis un musicien de la tête aux pieds, pour moi, tous les “programmes” ne sont que des incitations à inventer de nouvelles formes, rien d’autre ». L’orchestre de la NDR, sous la direction de Krzysztof Urbański, a choisi de consacrer ce sixième enregistrement chez Alpha Classics à trois des plus célèbres poèmes symphoniques de Richard Strauss : Also sprach Zarathustra, Op. 30, Till Eulenspiegels lustige Streiche, Op. 28 et Don Juan, Op. 20. © Alpha Classics

Conductor Vasily Petrenko has proven to have a really distinctive way with Elgar's music at the helm of his Royal Liverpool Philharmonic, and even those not on board with his free tempos and perhaps a somewhat overheated approach to Elgar have to concede, at the very least, that it's never dull. Those interested in sampling this Elgar series might try the Petrenko-Liverpool recording of the Symphony No. 2 in E flat major, Op. 63, instead, but there's plenty to recommend this pair of vocal works. The orchestral song cycle Sea Pictures, Op. 37, is worth hearing just for the vocal contributions of Kathryn Rudge, whose instrument lies right on the line between contralto and mezzo-soprano. She can stand with the various greats who have recorded this work, including Sarah Connolly (in the same pairing as is heard here), Janet Baker, and Clara Butt. However, the real attraction is The Music Makers, Op. 69, a kind of choral cantata that seems to have reflected Elgar's inner musical dictates in a way: he wrote it with no particular commission or performance occasion in mind. It is a setting of a poem by Arthur O'Shaughnessy about musical artists ("We are the music makers / And we are the dreamers of dreams"). Elgar quotes his own music and veers from dreamy to splashy. The work is not often performed, but Petrenko finds the key: to embrace the rather unbalanced quality of the music and its powerhouse, emotionally triumphant finale, which is right in this conductor's wheelhouse. For digital purchasers in need of a state-of-the-art Pomp and Circumstance March No. 1, Petrenko winds down the program with one. This album will fill a hole on many Elgar shelves or hard drives. © TiVo

Certains mélomanes connaissent Ce qu’on entend sur la montagne, poème symphonique de Liszt inspiré de Victor Hugo. Mais qui sait que César Franck, dix ans plus tôt, s’était inspiré du même poème ? C’est cette partition de jeunesse qu’a enregistrée l’Orchestre Philharmonique de Radio France sous la direction de Mikko Franck. Ils y associent la célèbre Symphonie en ré mineur : dédiée à Henri Duparc, cette œuvre fut créée, sans grand succès, en 1889. Même si elle est assez connue aujourd’hui, on l’entend finalement assez peu, elle a pourtant tout d’un chef-d’œuvre : inspiration mélodique et harmonique, orchestration raffinée, variété des climats, intelligence de la construction... Deux œuvres de Franck... by Franck ! Cet album inaugure la collaboration entre Alpha et l’Orchestre Philharmonique de Radio France qui portera sur des répertoires très différents. © Alpha Classics

Après avoir enregistré les 24 Préludes de Rachmaninov et un récital dédié à Claude Debussy pour son nouvel éditeur Harmonia Mundi, le pianiste Nikolaï Lugansky étend encore un peu plus son répertoire avec un album monographique consacré au seul César Franck. Le corpus pour piano de ce compositeur organiste n’étant pas très étendu, Lugansky a choisi d’interpréter au piano le Prélude, Fugue et Variation Op. 18, et le Choral n° 2, tous deux dans la même tonalité. Composés expressément pour le piano les deux triptyques, Prélude, Choral et Fugue et Prélude, Aria et Final, inspirés à la fois de Bach et de Liszt, ont eu une influence évidente sur la musique française postérieure, particulièrement auprès d’Albéric Magnard (Symphonie n° 3) jusqu’à Francis Poulenc (Concerto pour orgue). Nikolaï Lugansky construit ces pièces à la manière d’un architecte, avec une solidité à toute épreuve. Il en fait ressortir la charpente comme les saillies avec puissance et plénitude, tout en cherchant ce qu’il appelle « un son français, une beauté de sonorité et un son raffiné sans lourdeur ». © François Hudry/Qobuz

NOTA : La version numérique ne comporte pas Burlesque (avec au piano Daniil Trifonov).« [...] Cet Also sprach Zarathustra (1896) est le seul enregistrement officiel de Jansons. Il y apparaît assez méditatif, étranger au spectaculaire facile : la fameuse introduction expose certes un timbalier très énergique, mais le temps est allant, sans course aux décibels ni emphase surajoutée. [...] Chaque épisode est phrasé et dessiné avec soin ; tous sont galbés avec une précision instrumentale et un grand souci d'équilibre (l'articulation toujours attentive des bois et cuivres libère les couleurs somptueuses de la Radio bavaroise). [...] Jansons a du style, et son sens aigu de la forme est comme toujours rehaussé par sa maîtrise des transitions. [...]» (Diapason, avril 2020 / Rémy Louis)

Après le succès retentissant du Volume 1 (Gramophone Editor’s Choice, Preis der Deutschen Schallplattenkritik, Diapason d’Or, Choc Classica, ffff Télérama), l’intégrale des symphonies de Sibelius se poursuit avec l’orchestre symphonique de Göteborg et Santtu-Matias Rouvali, alors que sa carrière de chef explose et qu’il vient d’être nommé à la tête du Philharmonia Orchestra à Londres. Au tournant du XXe siècle, alors que la Finlande a du mal à s’affranchir du règne russe, les Sibelius affrontent plusieurs difficultés familiales dont la perte d’une de leurs filles, Kirsti, emportée par la fièvre typhoïde. La Deuxième Symphonie, écrite dans la tonalité brillante de ré majeur, semble marquée par les événements de la vie privée du compositeur, mais beaucoup de ses contemporains y voient malgré tout un manifeste politique ! En 1898, Sibelius compose la musique de scène de la pièce d’Adolf Paul, Le Roi Christian II, histoire de la chute du roi de Scandinavie (Danemark, Suède et Norvège) au XVIe siècle. La suite qui en est tirée fut jouée avec succès dans plusieurs villes d’Europe. © Alpha Classics« Santtu-Matias Rouvali compte désormais parmi les chefs finlandais de haut vol. Après l'impressionnante réussite d'une Symphonie n° 1 couplée avec En saga (Diapason découverte), il aborde ici la Symphonie n° 2 (1902) [...]. Son style effervescent s'apparente davantage à la vision à la fois granitique et incandescente d'un Barbirolli qu'à la transparence et au lumineux classicisme d'un Colin Davis pour ne citer que deux références suprêmes. Rouvali est puissant, dramatique, interrogatif à souhait dans l'erratique premier mouvement. [...] L'orchestre symphonique de Göteborg répond comme un seul homma à la science du détail et de la mise en espace dont fait preuve son jeune chef titulaire. [...]» (Diapason, mars 2020 / Patrick Szersnovicz)

« Raphaela Gromes et Julian Riem ne font pas que nous dévoiler la version princeps (1881) de la Sonate en fa majeur, ils la confrontent magistralement à sa rédaction définitive (1883) bien connue, publiée comme opus 6. [...] Les fées se sont penchées sur le berceau de la violoncelliste munichoise de vingt-huit ans [...]. Technique exceptionnelle, vibrato subtil et expressif, sonorité chaude (quel mangifique Vuillaume !), archet incisif, tempérament de feu maîtrisé. D'autant que Gromes a pour complice un pianiste au pedigree impeccable (élève de Schäfer, Béroff, Buchbinder). À la beauté de l'interprétation s'ajoute le travail exemplaire des techniciens de la Radio bavaroise [...]. Les différences entre les deux versions — la première beaucoup plus lumineuse que la seconde — culminent dans le finale : celui de 1881, aux allures de scherzo, devrait contribuer à pousser vers les estrades de concert cette partition récemment éditée, même si sa redoutable difficulté la réserve à des interprètes aussi habiles et complices que nos deux héros. [...]» (Diapason, mai 2020 / Michel Stockhem)

Sir Mark Elder termine ici son intégrale Sibelius, alors que commence tout juste chez Alpha celle du très jeune chef finlandais Santtu-Matias Rouvali, qui se distingue déjà – dès le second volume – par une étonnante lourdeur et des hésitations récurrentes dans l’architecture. Point de cela avec Elder, qui pâtit certes d’une prise de son un peu uniforme, mais qui se distingue par la justesse de ses tempos et ses équilibres raffinés. Sir Mark Elder propose des versions assez classiques, fluides, avec une réelle tension organique et un vrai sens du lyrisme, notamment dans les registres médiums (Symphonie n° 4, III. Il tempo largo). Sir Mark Elder a su raviver l’intensité propre à cet orchestre dans ce répertoire, devenu sujet de prédilection depuis que Barbirolli l’installa définitivement dans les années 1940 avant de graver des interprétations définitives pour His Master’s Voice entre 1966 et 1969, ensemble discographique qui n’a jamais été surpassé. Sir Mark Elder est moins dans l’exacerbation – bien sûr fascinante – de la modernité de Sibelius que son prédécesseur, le battement intérieur – plutôt calme – crée à plusieurs reprises des ponts évidents avec Bruckner et Wagner par exemple ; pour autant, il n’édulcore en rien ce qui rend Sibelius si singulier, à commencer par les motifs en ostinato que l’on n’a pas entendus depuis très longtemps aussi obsédants (Symphonie n° 4, encore une fois). Quant à la Sixième Symphonie, ici, elle sourit presque. En tout cas, elle sonne heureuse, parfois même badine (III. Poco vivace), toujours loin des tonalités froides qu'on y entend régulièrement. Magnifique vision, fermant une intégrale que tous les fanatiques de la musique de Sibelius ne devront pas manquer. © Pierre-Yves Lascar/Qobuz

« [...] Paavo Järvi privilégie d'abord la puissance narrative des timbres et ne relâche jamais la tension. C'est clair dès le deuxième thème du premier volet, totalement intégré à un discours tenu que le chef ne fait pas éclater en îlots expressifs. [...] L'intense engagement de la phalange nipponne et le soin porté à la caractérisation (thème central "altväterisch" du Scherzo, point faible chez Currentzis, si bien croqué et amené ici) ne font pas oublier le cri ultime, la sensation de vie, de mort et d'enfer qui manquent dans cette lecture [...]. À la fin du Scherzo, Bernstein, Haitink ou Barbirolli parviennent à une impression d'épuisement, du poids du monde porté par le compositeur sur ses épaules. Avec Paavo Järvi, cela reste un passage admirablement réalisé. [...]» (Diapason, avril 2020 / Christophe Huss)

« [...] Les qualités de ces huit partitions rarement jouées du dernier tiers du XIXe siècle et l'entrain de leur interprétation nous conquièrent sans peine. L'invention mélodique y est permanente [...] Au plaisir de la découverte s'ajoute le charme d'une interprétation peaufinée, qui jongle continuellement avec la ligne mélodique. Les couleurs variées et soyeuses de la flûte de Juliette Hurel s'apparient à merveille au piano élancé d'Hélène Couvert, à la richesse de ses nuances et à la chaleur de sa sonorité. Un superbe panorama de la flûte au féminin.» (Diapason, mars 2020 / Jérôme Bastianelli)