Musique Classique

Chaque nouvelle livraison de cette intégrale des Symphonies de Haydn, dont la parution finale est prévue en 2032 pour les 300 ans de la naissance du compositeur, est attendue avec impatience tant la direction généreuse et dynamique de Giovanni Antonini vient donner un souffle nouveau aux œuvres du « père de la symphonie ». Ce volume 13 démarre sur les chapeaux de roues  avec la fanfare initiale de la Symphonie N° 31 en ré majeur, « mit dem Hornsignal » (avec le signal du cor) employant quatre cors, un effectif rarissime avant la Symphonie N° 25 que Mozart écrira huit ans plus tard, et, bien sûr, la Neuvième de Beethoven. Probablement conçue comme musique de scène pour un singspiel de marionnettes, la Symphonie N° 59, en la majeur « Der Feuer » (le feu) est particulièrement tonique avec son premier thème joyeux et presque grotesque qui annonce la couleur joyeuse de la pièce entière.La Symphonie N° 48 en ut majeur « Maria Theresia » (l’impératrice Marie-Thérèse d’Autriche, mère de la reine Marie-Antoinette de France) a été longtemps confondue avec la Symphonie N° 50 qui, elle, fut réellement écrite à l’occasion d’une visite de la souveraine au château des Esterhazy où travaillait Haydn. La postérité a cependant conservé ce titre et cette confusion à l’œuvre présentée ici. C’est une des symphonies les plus originales et des plus représentatives de la période Sturm und Drang, ce mouvement politique et littéraire allemand qui a traversé tous les arts à la seconde moitié du XVIIIe siècle. Comme pour tous les volumes de cette collection qui placent en miroir des œuvres du corpus de Haydn pour mieux l’éclairer, c’est le Concerto pour flûte à bec, cor & continuo de Georg Philipp Telemann que Giovanni Antonini a choisi en écho à la symphonie de chasse qui ouvre le programme. © François Hudry/Qobuz

« [...] Est-ce leur génial cycle Beethoven, en 2013, qui a montré aux Hagen la voie d'un Mozart aussi expérimental ? Est-ce d'avoir à leur disposition depuis deux ans le "quatuor Paganini" ? Il faut croire que ce lot de Stradivarius, longtemps joué par le Quatuor de Tokyo, a stimulé jusqu'aux racines de leur imagination et ouvert de nouvelles possibilités sous leurs doigts. On devine partout, sous l'évidente sophistication, une tendresse plus épanouie qu'hier. Et la couleur s'émancipe. [...] La domination intellectuelle et technique du propos a de quoi sidérer, et pourtant elle se fait oublier derrière sa force magnétique de séduction. » (Diapason, février 2016 / Gaëtan Naulleau) « Le Quatuor Hagen semble avoir appris son Mozart auprès du compositeur. Il en révèle la singularité et la modernité dans cette interprétation aboutie au raffinement sonore inouï. » (Classica, février 2016 / Antoine Mignon)

On compte assez peu d’enregistrements de l'opéra de Haydn, L'Isola disabitata (1779), racontant l'histoire de deux sœurs naufragées sur une île déserte et finalement sauvées respectivement par leur mari et leur amant. Cela n’est toutefois pas tellement surprenant si l'on considère le contexte chaotique dans lequel l’œuvre a été créée. Conçu pour la fête du prince Nicolas d'Esterházy, L’Isola disabitata aurait dû bénéficier d'une première mise en scène somptueuse. Mais un mois avant la première, l'opéra d'Esterháza a brûlé, si bien que la représentation a été transférée d’urgence au palais, probablement sans décor. Par ailleurs, Haydn lui-même n'était pas entièrement convaincu par sa composition, et a fait remarquer plus tard qu'il fallait raccourcir l'œuvre, notamment à cause du tempo lent d'une grande partie de la musique. Rappelons tout de même que les opéras qui fonctionnent brillamment sur scène ne se traduisent pas toujours aussi bien en version audio dans le salon. A l’inverse, les œuvres lyriques qui peinent à décoller au théâtre peuvent soudainement se sublimer depuis notre fauteuil, quand l'intrigue et le rythme deviennent moins importants que la qualité générale de la musique et des interprétations.Heureusement, cet enregistrement particulier de L'Isola disabitata s'inscrit parfaitement dans cette dernière catégorie. En effet, c'est le seul opéra de Haydn pour lequel les récitatifs bénéficient d’un accompagnement orchestral. Et alors que Haydn a fini par supprimer volontairement de sa partition un grand nombre de sections instrumentales, craignant qu'elles ne soient trop exigeantes pour les musiciens et le public, Bernhard Forck et l'Akademie für Alte Music Berlin les ont toutes réintégrées, en utilisant une édition récente de Thomas Busse. Ils les présentent ici dans des lectures toujours aussi nettes, chaleureuses, engagées et éminemment convaincantes. Cette interprétation aurait probablement amené Haydn lui-même à redécouvrir les plaisirs de son opéra.Quant aux solistes vocaux, il s'agit d'Anett Fritsch (Costanza), André Morsch (Enrico), Sunhae Im (Silvia) et Krystian Adam (Gernando) : tous les quatre sont si talentueux qu'il serait vain d'en distinguer un. Cela dit, si vous cherchez des moments forts, passez directement au Fra un dolce deliro de Sunhae Im, qui tient absolument ses promesses, la voix brillante et souple de la soprano sonnant de manière délicieusement douce et vive, complétée par une couleur de bois tout aussi charmante. A noter aussi, l'élégant et persuasif Non turbar quand'io mi lagno du ténor Krystian Adam. © Charlotte Gardner/Qobuz

Voilà plusieurs années que Giovanni Antonini et le label Alpha Classics ont entamé une passionnante intégrale des cent-quatre symphonies de Haydn mises en miroir avec des compositeurs d’époques différentes pour mieux souligner leur actualité. Cette monumentale édition devrait s’achever en 2032, à l’occasion du tricentenaire de la naissance du compositeur austro-hongrois. Le projet s’enrichit au fur et à mesure par d’autres productions rendant hommage au génie de Haydn. Au sein de son catalogue, l’oratorio Die Schöpfung (La Création) prend une place majeure. Haydn en avait eu l’inspiration après avoir entendu un oratorio de Haendel à Londres lors d’un grand concert commémoratif. L’évènement était d’importance car on ne jouait guère d’œuvres anciennes à l’époque, et les quelque mille interprètes avaient fait une grande impression sur Haydn peu habitué à de tels effectifs. Il en résulta La Création, oratorio composé avec fébrilité, lui demandant un travail préparatoire colossal qui fit chanceler sa santé. Le jeu en valait la chandelle, car l’œuvre obtint un immense succès qui ne s’est jamais démenti depuis. Giovanni Antonini en donne une version chambriste très vivante avec un excellent ensemble instrumental, un trio vocal d’un équilibre parfait avec la soprano Anna Lucia Richter, le ténor Maximilian Schmitt et le baryton Florian Boesch sans oublier la participation du merveilleux Chœur de la Radio de Bavière. Ce nouvel enregistrement se place au plus haut niveau d’une longue série de belles réalisations du chef-d’œuvre de Haydn par son interprétation radieuse où l’amour de la musique se mêle à la contemplation simple et naïve de la nature. Une parfaite réussite. © François Hudry/Qobuz

Opéra en 2 actes / Soile Isokoski (Fiordiligi), Monica Groop (Dorabella), Nancy Argenta (Despina), Markus Schäfer (Ferrando)... - Chœur & Orchestre de La Petite Bande, dir. Sigiswald Kuijken

Les véritables « raretés » annoncées par le titre de cet album sont de petites pièces de circonstance, des marches pour la plupart, écrites par Luigi Cherubini durant son installation à Paris où il était directeur du Conservatoire. Mais le plat de résistance de ce programme, dirigé par Riccardo Chailly à la tête de la Philharmonie de la Scala de Milan, est bien sûr l’unique symphonie écrite par le compositeur d’origine italienne à la demande de Londres qui attendait vainement de pouvoir présenter la Neuvième Symphonie de Beethoven pas disponible dans les délais. Malgré la grande admiration du compositeur allemand pour son collègue italien, Cherubini n’est pas Beethoven, loin s’en faut. Sa Symphonie en ré majeur, ardemment défendue autrefois par Arturo Toscanini, est bien troussée mais ne saurait prétendre à une comparaison avec celles de Beethoven. Chailly lui influe une belle énergie qui ne suffit pas à en faire un chef-d’œuvre. L’intérêt de cet album publié dans le cadre de l’anniversaire Beethoven 2020 avant tout de découvrir un compositeur très estimé du géant allemand. © François Hudry/Qobuz

Joseph Haydn a laissé une quinzaine de messes composées entre 1748 et 1802. La Missa Cellensis in honorem Beatissimae Virginis Mariae, présentée sur cette nouvelle production de l’Akademie für Alte Musik et de l’excellent RIAS-Kammerchor Berlin et dirigée par Justin Doyle, est plus connue sous le nom de Missa Sanctae Caeciliae (« Messe à Sainte-Cécile ») qui lui fut donné ultérieurement. C’est la plus vaste des messes de Haydn et sa seule messe-cantate solennelle à la napolitaine, avec des numéros alternant airs, ensembles et chœurs. On dirait que Haydn a décidé de frapper un grand coup en composant cette messe qui mélange adroitement l’écriture « moderne » de son temps et l’écriture « baroque » de ses prédécesseurs. Dans sa monumentale biographie consacrée au compositeur, Marc Vignal rappelle avec justesse combien les messes de Haydn sont au premier rang non seulement de sa production, à l’égal de ses quatuors ou de ses symphonies, mais également de la production religieuse de son époque. Le présent enregistrement, réalisé lors d’un concert donné en juin 2018 au Konzerthaus de Berlin, vient compléter une discographie du RIAS-Kammerchor déjà riche d’œuvres chorales mais qui n’avait pas encore abordé les chefs-d’œuvre de Haydn. © François Hudry/Qobuz

Six quatuors pour faire entendre ce que Joseph Haydn a apporté à l’histoire de la musique occidentale. Le pari des tout jeunes musiciens du Quatuor Hanson est réussi car ils ont su construire et exprimer la quintessence de son art subtil grâce à leurs fascinantes qualités instrumentales. Après l'écoute de ce premier album éblouissant, on est ébahi devant le génie du compositeur qui invente, avec Boccherini, un genre nouveau, aussitôt abouti. Son titre, All shall not die, est la traduction internationale de l'épitaphe gravée en latin sur la tombe de Haydn (non omnis moriar). Le choix de la formule dit la permanence et l'universalité d'une œuvre.  Soigneusement choisis parmi les différents opus d'un vaste corpus, ces six quatuors touchent autant par leur expression que par la perfection de leur écriture. Rien de superflu, un équilibre parfait des quatre voix et une inspiration de chaque instant. L'ultime Opus 77, inachevé, est contemporain des premiers Quatuors, Op. 18 de Beethoven - chez qui l'on entend la leçon du maître. Plus de deux cents ans après sa mort, Haydn est encore en mal de reconnaissance, un statut qui lui était pourtant octroyé de son vivant. Plus qu’un précurseur, Haydn est un fondateur, un génie dont l’influence a continué d’agir sur ceux qui l’ont suivi, au premier rang desquels Beethoven et Schubert. Ce splendide album le (re)met à sa vraie et juste place en même temps qu'il fait entrer les Hanson de plain-pied dans la discographie des grands. © François Hudry/Qobuz

Concerto n°9 K.271 - Concerto n°12 K.414 / Musica Florea - Pianoforte & dir. Paul Badura-Skoda

C’est en 1774 que Joseph Haydn fait graver son premier opus pour clavier seul et que Mozart aborde à son tour ce genre musical. Les cinq sonates présentées ici datent toutes des années 1773-1783, décennie qui va voir très vite le pianoforte devenir le medium favori d’un nouveau style d’écriture pour le clavier, au détriment du clavecin. Restait à trouver l’instrument pour parler cette langue nouvelle : le pianoforte allemand de la fin du XVIIIe enregistré par Jérôme Hantaï nous fait entendre une voix unique, expressive et chantante. © Mirare« [...] Douze ans plus tard, Jérôme Hantai revient à ce compositeur sur un instrument (anonyme) aux parfums puissants [...] La variété de la palette et la légèreté sont toujours au rendez-vous... et peut-être même davantage encore. [...] L'inventivité de l'interprète fait mouche : ici un accent idéalement dosé, là un ralenti suggestif, ici encore une nuance tendrement posée. Les mélodies mozartiennes et les surprises de Haydn s'enchaînent dans une belle transparence, parsemée de rêverie et de clairs-obscurs. C'est pétillant, spirituel, ardent et toujours subtilement construit. [...] » (Diapason, octobre 2019 / Jérôme Bastianelli)

Le nouvel album du pianiste Fabrizio Chiovetta réunit une sélection de pages solistes où Mozart, à différents moments de sa vie, s’est confié au piano. Ces confidences musicales nous plongent dans le laboratoire intime de la création mozartienne. Les Sonates K. 282, K. 332, K. 310 et le Rondo K. 511 sont la caisse de résonance de l’évolution esthétique du compositeur. De l’immédiate sensibilité de la jeunesse au tragique plus intérieur et techniquement plus exigeant du musicien épanoui, le pianiste Fabrizio Chiovetta joue au plus près de l’émotion. Un disque en forme d’hommage à l’art de Mozart, génie aux multiples facettes. © Aparté

Devenir une star planétaire à quatre-vingt-dix ans n’est certes pas banal, enregistrer les neuf symphonies de Beethoven à cet âge l’est encore moins, surtout quand ces enregistrements renouvellent notre approche d’un corpus qui semblait avoir livré tous ses secrets. C’est ainsi que les paysages les plus familiers peuvent prendre une tournure tout à fait nouvelle selon leur éclairage ou l’angle adopté pour les regarder. Le Suédois Herbert Blomstedt, fils d’un pasteur droit et sévère dans le même cas de figure que pour son compatriote Ingmar Bergman, garde une fraîcheur et une forme physique confondantes au moment d’entamer sa dixième décennie, tout au plus a-t-il réduit le nombre de ses concerts qui est passé de cent à soixante-dix par année, dirigeant les meilleurs orchestres du monde. Après sa récente relecture rafraîchissante de Beethoven, le voici dans les deux dernières symphonies de Mozart, captées en concert en janvier 2013 (K. 550) et en décembre 2017 (K. 551) à la Herkulessaal de la Résidence de Munich, à la tête de l’Orchestre de la Radio de Bavière, toujours l’un des meilleurs d’Allemagne. On retrouve dans ces deux interprétations à la fois la vivacité des tempos, le lyrisme et la mélancolie qui caractérisaient déjà son intégrale Beethoven et sa première version de ces ultimes pages mozartiennes avec la Staatskapelle de Dresde. Pour cet analyste sensible et adventiste fervent, le concert s’apparente à un service sacré et le chef-d’orchestre à un coordonateur qui écoute ses musiciens en cherchant une solution avec eux et non comme un demi-dieu ou un démiurge imposant ses vues à la collectivité. Pourtant, avec un fini parfait dont peu d’orchestres sont capables en concert, Herbert Blomstedt nous livre ici le Mozart le plus humain, éclairé d’une lumière radieuse mais sans s’encombrer d’un quelconque poids philosophique ou pseudo-testamentaire. © François Hudry/Qobuz

« [...] Hans Rosbaud (1895-1962) fut un frère d’armes d’Hermann Scherchen. Même militantisme en faveur de la musique du XXe siècle, même approche incisive, philologique avant l’heure, du répertoire classique, Haydn en tête. Une anthologie, composée d’enregistrements effectués dans le studio du Südwestfunk de Baden-Baden de 1952 à sa mort, se concentre sur ce domaine d’élection. La Symphonie n° 87 constitue l’emblème de ces lectures franches, vertes même, à l’opposé du dramatisme et du pathos de Furtwängler. [...] L’intérêt documentaire et historique de l’ensemble est indéniable, le plaisir qu’on prend à l’écouter un peu moins, d’autant que les solistes des concertos – Maurice Gendron excepté – ne sont que d’honnêtes seconds couteaux. La perle du coffret est dans ses marges : une Symphonie n° 45 « Les Adieux » de 1958, enregistrée en stéréo pour Electrola avec les Berliner Philharmoniker. Interprétation sensiblement plus fouillée, d’une charge poétique plus prononcée, qui nous rappelle que Rosbaud avait signé, en 1956 et 1957, avec les mêmes, d’électrisantes Symphonies n° 92 « Oxford » et n° 104 pour DG.» (Diapason, septembre 2018 / Hugues Mousseau) 

On suppose que ces Quatuors, Op. 8 parus au début de 1772 à Londres furent destinés au hautboïste Johann Christian Fischer, arrivé dans la capitale anglaise en 1768, ou à Johann Baptist Wendling, flûtiste dans l'orchestre de Mannheim, qui y séjournait également depuis l'année précédente. Mais on a récemment découvert des manuscrits de cinq de ces quatuors, où l'alto est remplacé par la viole de gambe — dont la partie est d'ailleurs manquante dans ces partitions (elle a été reconstituée par Thomas Fritzsch) — : le gambiste virtuose Carl Friedrich Abel, qui était très lié à Jean-Chrétien Bach, les aurait-il donc joués ? Ils sont ici très bien défendus par les quatre interprètes.« [...] Sauf erreur, cet opus 8 n'a jamais été enregistré intégralement. C'est donc une sorte de première mondiale qu'on a ici, réalisée dans les meilleures conditions par des instrumentistes tout à fait à la hauteur. » (Classica, février 2018 / Marc Vignal)