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Ce cinquième épisode de la saga Bootleg est – comme ses prédécesseurs – avant tout destiné aux grands aficionados et aux complétistes de Miles Davis. Sur trois CD, Miles Davis Quintet : Freedom Jazz Dance: The Bootleg Series, Vol. 5 donne un beau coup de zoom sur l’album Miles Smiles conçu avec le mythique second quintet du trompettiste. Le point de départ est évidemment la prise master de chaque titre, agrémentée ici de nombreuses alternative takes permettant de comprendre le cheminement pour arriver à ces chefs-d’œuvre… Le pianiste Herbie Hancock, le saxophoniste Wayne Shorter, le contrebassiste Ron Carter, le batteur Tony Williams et leur patron inventent lors de ces sessions de 1966 un style bien à eux. Une musique complexe, au tempo plutôt lent, mais surtout jamais prévisible. Les échanges, les solos, tout ici est d’une inventivité, d’une richesse et d’une musicalité impressionnantes. Assister grâce à ce coffret au processus créatif de ce jazz novateur est un véritable plaisir. © MD/Qobuz« Comment ne pas recommander Fredom Jazz Dance de Miles Davis ? Le disque réunit les prises masters de Miles Smiles, Nefertiti et Water Babies, albums devenus classiques du second quintet (avec Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter, Tony Williams), et ajoute deux heures inédites et un blues joué par Miles... au piano ? C'est là une édition de référence absolument indispensable.» (Classica, décembre 2016 / Jean-Pierre Jackson)

Enregistré au studio Columbia Records à New York en mai 1972, Living Time est une pièce « expérimentale » de forme concertante écrite par George Russell, aux frontières de la third stream music, du jazz modal, du free jazz, du jazz fusion, de la musique contemporaine et du rock. C'est le deuxième et dernier album de Bill Evans pour Columbia Records. Les dirigeants voulaient diversifier la production du pianiste. Ici, ils avaient commandé une sorte de concerto expérimental pour trio de jazz et grand orchestre. Les témoignages sur la genèse de cette œuvres divergent : Evans a déclaré que l’œuvre a été écrite spécialement pour son trio, mais Marty Morell affirme qu'elle était déjà composée et n’était pas originellement destinée à être jouée avec le trio de Bill Evans. Il est probable que la deuxième affirmation soit exacte. Certes, la partition de Russell est intéressante, mais, force est de constater qu’il y a peu de synergie entre ce que joue le trio et ce que joue l’orchestre. Au milieu de grooves binaires et de passages totalement atonaux, Bill Evans semble être utilisé à contre-emploi. Russell en était conscient, mais fut pourtant satisfait du résultat. Il avait déclaré à l’époque : « Bill played like he was pushed into some other level, hit over head, kicked in the behind ».

Paru en 1989, ce magnifique coffret rassemble quasiment 100 titres extraits des albums enregistré par le pianiste, entre 1973 et 1978, pour le compte du label Fantasy : From The 70's (1973-1974), Eloquence (1973-1975), The Tokyo Concert (1973), Since We Met (1974), Re : Person I Knew (1974), Intuition (1974), Alone (Again) (1975), The Tony Bennett: Bill Evans Album (1975), The Paris Concert (1976), Quintessence (1976), Montreux III (1976), I Will Say Goodbye (1977), Crosscurrents (1977) et Marian McPartland's piano jazz interview (1978). Une vraie somme et, sans doute, parmi les plus impressionnantes pages de l'histoire du piano jazz. © CM/Qobuz

C'est à la suite de la défection de Josef Krips que Carlos Kleiber le remplace pour diriger ce concert du 7 juin 1967. Le jeune chef se trouve confronté non seulement à un ouvrage qu'il n'a jamais travaillé et à un orchestre qu'il ne connaît pas, mais aussi et surtout à un manque de répétitions, ce qui le mécontentera. À cela s'ajoute que Carlos Kleiber s'est toujours tenu à l'écart de Mahler dont le besoin de se dévoiler et de se mettre à nu lui reste étranger. Mais peut-on vraiment juger sur pièce, sans être injuste, un chef qui assure un remplacement au pied levé ? Si cet enregistrement, déjà connu à travers des captations pirates, a le bénéfice d'être la première édition officielle de cette bande de radio, donc bien meilleure car remasterisée avec soin, il reste en deça de l'éloquence mahlérienne attendue, surtout par les aficionados de Mahler, malgré la belle participation de Christa Ludwig et Waldemar Kmentt. Mais il est certain que les kleiberophiles seront contents de l'ajouter à la discographie trop maigre de ce grand chef resté impénétrable. (GG)

Frank Woeste, clavier - Jérôme Regard, contrebasse - Matthieu Chazarenc, batterie - Malik Mezzadr, flûte - Sylvain Rifflet, clarinette - François Bonhomme, cor

Clara Ponty, chant - Jean-Luc Ponty & Nigel Kennedy, violons - Stuart Bruce, basse - Xavier Tribolet, batterie

A tout juste trente ans, Harold Lopez Nussa impressionne par sa maturité, peaufinant son style et ajoutant des couleurs à sa palette artistique cultivées à l'ombre des grands maîtres comme Keith Jarrett et Wayne Shorter, mais aussi Ravel et Villa-Lobos. Marqué par ses ainés, Peruchin, Bebo et Chucho Valdes, Gozalo Rubalcaba, Danilo Perez, Michel Camillo, Harold Lopez Nussa se hisse au niveau de ces virtuoses ancestraux. Il les prolonge, les transcende, faisant bénéficier son jeu de sa double nationalité cubaines et européennes.

La Belgique a produit de beaux musiciens de jazz, inspirés, mélodiques, créatifs : Bobby Jaspar, René Thomas, Toots Thielemans, Philip Catherine, Jacques Pelzer, … Parmi ceux-ci, et pas des moindres, Francy Boland, pianiste-compositeur-chef d’orchestre qui codirigea avec le batteur Kenny Clarke l’un des grands orchestres de jazz les plus excitants des années 60, le Clarke-Boland Big Band. Né à Namur le 6 novembre 1929, mort à Genève le 12 août 2005, Francy Boland laisse une oeuvre qui conserve toute sa modernité des années après. L’entendre en trio est plutôt rare et ce disque est le bienvenu pour nous replonger dans son swing subtil et rudement efficace.

Il fallait bien la force de conviction de Jacques Canetti (initiateur de toute une génération de chanteurs francophones, de Brel à Serge Gainsbourg, en passant par Barbara et Félix Leclerc), et le parfum inédit de la découverte d’une œuvre comme celle de Vian, pour convaincre un quadragénaire, néophyte dans l’univers de la chanson, mais vedette de cinéma adulée, comme Serge Reggiani, de sauter le pas, et de franchir, pour la première fois, une porte de studio d’enregistrement. En 1964, Boris Vian n’a en effet pas encore bénéficié de la réédition (de romans, sous son nom, ou sous le pseudonyme de Vernon Sullivan avec J’Irai Cracher Sur Vos Tombes, de poèmes, ou d’articles de critique musical) en éditions de poche de son œuvre. On a oublié qu’il a composé (avec Henri Salvador, sous le pseudonyme d’Henri Cording), les premiers rocks en français. Et il n’est pas encore l’écrivain salué par une jeunesse séduite par son approche libertaire de la chanson, et les interactions permanentes entre jazz et poésie, qu’on peut retrouver dans ses vers. Reggiani contribue donc à une authentique relecture d’un univers bouleversant, et original. Dandy désespéré (« Je bois »), pessimiste actif (« Que tu es impatiente, la mort »), maître avéré de la chanson de genre (« Le Régiment des mal-aimés »), ou antimilitariste avéré (l’emblématique « Le Déserteur »), Vian aborde tous ces registres, et Reggiani l’incarne de brillante manière. Certes, les orchestrations choisies dénotent un goût particulier pour une certaine chanson française de qualité. Mais on peut considérer que le talent de comédien du jeune chanteur, ici mis au service de son galop d’essai, et de maître, se déploie dans le plus pur talent dans « Arthur où t’as mis le corps » : cette chanson de rôles (comme on dit d’un jeu) permet à Reggiani d’incarner tour à tour plusieurs personnages (donc, plusieurs voix), dans un climat très proche des Tontons flingueurs, aux dialogues ciselés deux années auparavant par Michel Audiard. Le résultat, prodigieux, est hilarant, en évocation finalement assez nostalgique d’un temps où les bandits étaient d’honneur, et les policiers susceptibles.La réédition en CD de cet album bénéficie de l’ajout de quatre chansons supplémentaires. ©Copyright Music Story 2015