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Los álbumes

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Rock - Publicado el 30 de agosto de 2019 | RCA Records Label

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Luego de 13 largos años, la enigmática banda de metal alternativo Tool finalmente volvió a sacar un disco en 2019. De 80 minutos de duración y apenas 7 temas, Fear Inoculum es más un viaje alucinante que un disco de rock, en el que las canciones parecen movimientos de una sinfonía compleja y ambiciosa. El virtuosismo instrumental del grupo alcanza nuevos picos, mientras que las letras son mucho más maduras y reflexivas. Considerando el tiempo transcurrido desde su último álbum, no pocos temían que Tool ya no estuviera a la altura de su leyenda. Afortunadamente Fear Inoculum vuelve a demostrar la impresionante capacidad del grupo para continuar perfeccionando su propuesta y realizar uno de los mejores trabajos de su catálogo. La espera valió la pena.
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Pop/Rock - Publicado el 24 de mayo de 2019 | A&M - Interscope Records

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«Estas canciones forman parte de mi vida. Reconstruidas, reelaboradas e incluso situadas en nuevos contextos, siguen sonando muy actuales», como puede leerse en el comunicado que acompaña un disco que es, por lo tanto, bastante más que una simple recopilación de éxitos de Sting (tanto en solitario como con Police). Y lo que el cantante ha trabajado aquí con mayor tesón es el aspecto rítmico, a fin de eliminar los elementos más «datados» de algunos temas (según explica el propio Sting). Con más percusión que las versiones originales, las baterías de Demolition man, If You Love Somebody Set Them Free, Desert rose o Englishman in New York sorprenderán, pues, a más de un oyente; aunque debe señalarse, en cuanto a ese célebre homenaje al icono gay Quentin Crisp, que se han conservado los pizzicati y el solo de saxo soprano que dotaban de encanto a esa canción de 1988. Por lo demás, las texturas y derroches vocales típicos del artista británico han sido igualmente sometidos a nuevos tratamientos. Menos nítida pero más contundente, la voz de Sting aporta uns nueva dimensión a Fields of gold y Fragile, dos temas que demuestran que el talento melódico de Sting no ha envejecido ni un ápice. Y lo mismo cabe decir de los cortes procedentes del periodo Police, como Message in a bottle, Walking on the moon o la imprescindible Roxanne (presente aquí en versión live). ©Nicolas Magenham/Qobuz
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Rock - Publicado el 26 de abril de 2019 | JJ Cale

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Lo suyo fue el blues al ralentí y exquisitamente cool. Su atípica aleación de rock, folk, country, blues y jazz convirtió a J.J. Cale en uno de los ermitaños más influyentes del planeta rock. Venerado por Clapton, autor de un hit como Cocaine y residente la mayor parte del tiempo en una caravana, sigue siendo la encarnación más reconocida de ese estilo tan lento como relajado. Así que, para sus fans, Stay Around supondrá un auténtico regalo del cielo, porque este disco póstumo de abril de 2019 reúne quince temas inéditos mezclados y producidos por el propio Cale, recopilados por su viuda, Christine Lakeland, y su viejo cómplice y manager Mike Kappus. «Me planteé poner efectos nunca escuchados a fin de optimizar el ‘factor Cale’», precisa Lakeland…«Pero al final me he limitado a sacar el máximo partido de cuanto salió del corazón y los dedos de John, así como de sus sonoridades, optando por utilizar sus mezclas. Las cosas pueden hacerse de modo tan repetitivo que, al final, pierden el latido humano. Pero John conservó siempre ese aspecto. Y dejó un amplio margen a la interpretación.» Por supuesto, todas estas pequeñas gemas –del tema más despojado (Oh My My) al más dinámico (Chasing You)– no aportan nada sustancialmente nuevo a la música de este rey del cool, que tan bien conocíamos y apreciábamos. Pero Stay Around, que no suena en absoluto como el típico recopilatorio a base de descartes, demuestra, por su calidad, que nuestro hombre se tomaba en serio cada segundo que pasaba en el estudio. Y como siempre en su caso, uno termina de escuchar este álbum póstumo con la impresión de haber vivido la experiencia más humana y cálida imaginable. Una música absorbente y sincera, hecha con el alma y las tripas. © Marc Zisman/Qobuz
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Rock - Publicado el 14 de junio de 2019 | Columbia

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A pocos meses de cumplir los 70, el Boss lanza un álbum que rompe por completo con sus esquemas conocidos. Un disco que no se parece a ningún otro de los que haya grabado hasta la fecha. ¡Adiós a la E Street Band, eficaz y contundente banda de acompañamiento con la que enardece al público en grandes estadios, y hola a las cuerdas, los metales y los coros! Y es que en Western Stars Bruce Springsteen se metamorfosea en una suerte de Glen Campbell del nuevo milenio, en ese cantante fallecido en 2017 que tendió sólidos puentes entre el pop, el country y el soul, de voz tan icónica como las de Sinatra o Elvis y que nos dejó hits tan brillantes como Gentle on My Mind, By the Time I Get to Phoenix, Wichita Lineman, Galveston o Rhinestone Cowboy… Y al igual que el desaparecido maestro, Springsteen ha querido desmarcarse de la actualidad para apostar por la siempre bienvenida carta de la inocencia y la placidez, en lugar de por el enfrentamiento y la provocación. A esta atmósfera ocasionalmente ingenua, con fragancias de la California de fines de los sixties/principios de los seventies (el Boss parece haberse empapado de los sonidos de Jimmy Webb, Harry Nilsson y Burt Bacharach), se añade una ambientación cinematográfica cortesía de la sedosa y aterciopelada producción de Ron Aniello, con quien ya trabajara en Wrecking Ball (2012) y High Hopes (2014). Poco rock’n’roll, por lo tanto, en este suntuoso álbum que gana considerado en conjunto. Adscrito a la melancolía, Western Stars parece más una novela o un film que un simple cancionero de trece temas. Novela o film al que conviene volver una y otra vez para ir descubriendo progresivamente su belleza e interrogar sus misterios. © Marc Zisman/Qobuz
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Pop/Rock - Publicado el 12 de abril de 2019 | Blue Note Records

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Las etiquetas no parecen atraerla demasiado… Jazz, pop, country, folk, world; Norah Jones ha hecho siempre la música que le ha salido de dentro, difuminando de paso cualquier frontera musical. Y pese a haber trabajado con leyendas del jazz como Wayne Shorter, del soul como Ray Charles, del country como Willie Nelson, del rap como Q-Tip o del rock’n’roll como Keith Richards, la norteamericana se ha aplicado incansablemente a la tarea de ser, ante todo, ella misma, en virtud de una voz serena y hermosamente indolente capaz tanto de bordar sus propias composiciones como de revisitar el más inesperado cancionero ajeno… Tres años después del ambicioso Day Breaks, este Begin Again (que se antoja algo breve, 28 minutos y 7 temas) no supone la enésima mezcolanza de sonidos dispersos sino una ocasión para pintarnos un nuevo autorretrato, que alterna el pop más desacomplejado (My Heart Is Full) con el soul más emocional (It Was You) y el jazz uptempo (Begin Again). Y a fin de seguir rodeándose de gente interesante, ha invitado a Jeff Tweedy, de Wilco, a colaborar en las estupendas A Song With No Name y Wintertime. Así, no hay más que dejarse llevar por el cautivador arte de la vocalista, acompañada como siempre por la crème de la crème musical (¡qué maravilla esa aterciopelada batería de Brian Blade!) e instalada en su no man’s land un punto jazzy, un punto folk, un punto pop, un punto soul. Y es que suena siempre tan bien, independiente de la carta a la que juegue… © Clotilde Maréchal/Qobuz
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Metal - Publicado el 17 de mayo de 2019 | Rammstein

Acaban de cumplirse diez años del lanzamiento de su último álbum, y Rammstein vuelve a la palestra con un nuevo trabajo que puede considerarse, como el resto, todo un acontecimiento. Y es que a lo largo de 25 años de carrera han vendido nada menos que 20 millones de discos e impuesto la lengua alemana en el metal, incluso en el país del Tío Sam. Deutschland, el primer corte, tiene por lo demás su punto de ironía pese al estremecedor repaso a la historia de su país, aunque por encima de todo es un tema arrollador, sombrio y ultracontundente, imparable a causa de ese estribillo que nos obliga a cantarlo a coro con la banda hasta desgañitarnose. Pero en contraste con esas guitarras metal introductorias, el tema siguiente, Radio, suena casi pop, incluyéndose también, hacia el final, un interludio acústico (Diamant). Por su parte, Auslander nos proporciona una nueva excusa para ponernos a saltar, con una letra llena de palabras en francés, italiano e inglés y que conquista con sus sonoridades absolutamente hipnóticas: difícil no escucharla en bucle, una y otra vez. Y al mismo tiempo cabe desconfiar de los seductores timbres orientales de Puppe, que camuflan las letales sevicias ejercidas sobre la muñeca del título… Rammstein se mueve entre el hielo y el fuego con similar arte, talento y brío, y eso es lo que más nos seduce del grupo. © Christian Eudeline/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 3 de octubre de 2019 | Ghosteen Ltd

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Alternativa & Indie - Publicado el 30 de agosto de 2019 | Polydor Records

Premios Pitchfork: Best New Music
El magnetismo de su carnal voz es intangible. Elizabeth Grant, conocida como Lana Del Rey, podría susurrar las instrucciones de una aspiradora inalámbrica, o incluso invitar a la Tierra entera a una de sus fiestas (A$AP Rocky, The Weeknd, Stevie Nicks y Sean Lennon en Lust for Life, su álbum de 2017), mientras sigue deambulando por su pequeño planeta hecho de lentitud y melancolía. Es su manera de hablar de su tiempo, de sus contemporáneos, del sueño americano y, también, porqué no, de sí misma... Con su impactante título, su portada de estética pop (con Duke Nicholson, nieto de Jack Nicholson, a bordo de un bote alejándose de una costa en llamas) y su ritmo particularmente lento (solo baladas, sin títulos grandilocuentes), Norman Fucking Rockwell! está impregnado de un ADN más bien folk. Una cascada sonora en la que la cantante se regodea, más melancólica y evanescente que nunca. Un disco diseñado especialmente con Jack Antonoff, autor/productor preferido de estrellas del pop como Taylor Swift, St. Vincent, Lorde, Carly Rae Jepsen y Pink, quien viste su estado de ánimo con tanta sobriedad como eficiencia. Singular y hermoso álbum en cámara lenta en este mundo de matones, una versión de Doin’Time (1996) de Sublime (a su vez una especie de relectura del Summertime Gershwin), una prueba más de la originalidad del caso Lana Del Rey, mucho más complejo de lo que algunos nos quieren hacer creer... © Marc Zisman/Qobuz
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Pop - Publicado el 8 de marzo de 2019 | BMG Rights Management (UK) Ltd

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Alternativa & Indie - Publicado el 29 de marzo de 2019 | Darkroom - Interscope Records

La adolescente norteamericana Billie Eilish se transformó en una de las grandes sensaciones de la música pop de 2019 con su álbum debut When We All Fall Asleep, Where Do We Go? Una suerte de traviesa hermana menor de Lorde, Eilish posee una gran habilidad para encarnar el espíritu de su generación, renegando abiertamente de esquemas tradicionales y comprometiéndose totalmente con la confusión de géneros. El disco, producido junto a su hermano Finneas, es un astuto y juvenil híbrido de pop, hip-hop y electrónica indie que funciona como plataforma para las letras confesionales y en ocasiones deliberadamente provocativas de Eilish. Incluye los sencillos "You Should See Me in a Crown", "When the Party's Over", "Bury a Friend" y "Bad Guy".
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Alternativa & Indie - Publicado el 28 de junio de 2019 | Nonesuch

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Hace casi dos décadas que Dan y Pat vienen predicando a quien quiera escucharles el manual de uso del rock’n’roll. Y eso a cualquiera con buen gusto. Diez años después de haber dejado Akron, en su Ohio natal, para trasladarse a Nashville, The Black Keys sacan Let’s Rock, que en cierto modo supone su retorno a las fuentes de un rock original, por cuyas cuyas venas corre un blues espeso y en constante ebullición. Lo que implica, claro está, que la guitarra eléctrica se sitúe en primer plano desde el minuto uno. Por eso puede decirse que el título del álbum no se aparta ni un ápice de la verdad… Tienen mucho por decir aún, claro está, aunque para ello deban hacerlo, a veces, cada uno por su lado. Dan Auerbach ha creado el sello Easy Eye Sound, a partir del nombre de su estudio en Nashville, donde ha lanzado su segundo trabajo en solitario, Waiting on a Song, produciendo al mismo tiempo una serie de álbumes firmados por Yola, Shannon & The Clams, Dee White, Sonny Smith, Robert Finley o The Gibson Brothers. Por su parte, Pat Carney ha producido y grabado composiciones de Calvin Johnson, Michelle Branch, Tobias Jesso Jr., Jessy Wilson, Tennis, Repeat Repeat, Wild Belle, Sad Planets o Turbo Fruits, entre otros. Y eso por no hablar de la banda sonora de BoJack Horseman, por encargo de Netflix. Pero tales infidelidades ha intensificado su deseo de volver a trabajar juntos. «Este periodo me ha hecho ver las cosas con más claridad», precisa Auerbach. «Y gracias a esta larga separación, el reencuentro con Pat ha resultado todavía más agradable. Este disco funciona como documento de esas sensaciones.»Sea como fuere, Let’s Rock pasa revista a los mejores y más pesadas guitarras de los 70, veneradas por el tándem. De esta forma el abanico estilístico abarca desde Glenn Schwartz, Joe Walsh o James Gang a Billy Gibbons de ZZ Top, pasando por Stealers Wheel (Sit Around and Miss You se parece enormemente a Stuck in the Middle With You), T. Rex, Link Wray (periodo Polydor), Blue Öyster Cult y muchos más. «No quería que hubiera demasiada reflexión», añade Auerbach. «Era preciso destacar esa espontaneidad. Quería grabar algo similar a Louie Louie y que quedara bien. Es decir, ¡quería sonar como The Troggs!» «Por mi parte, el modelo a seguir era Down on the Street de The Stooges», señala Carney, que insiste en su amor por las «buenas canciones hard que apenas lo parecen». «¡Esas son mis favoritas! Y en este álbum, Dan y yo hemos logrado lo que pretendíamos. Hacía un año que me dedicaba a tocar la eléctrica en mi estudio, y por primera vez desde hacía tiempo, él también estaba tocando mucho. Así pues, el disco supone una especie de homenaje al instrumento… Por eso hemos intentado un acercamiento emocional, eliminando todo lo accesorio, como se hacía antaño.» El objetivo está claro; una nueva apuesta por lo esencial… © Marc Zisman/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 17 de mayo de 2019 | 4AD

Hi-Res Premios 4F de Télérama
Este octavo álbum de The National enriquece con pequeñas y felices novedades la bien engrasada maquinaria de la banda norteamericana, comenzando por la aparición de numerosas cantantes que escoltan vocalmente a su líder, Matt Berninger, en la mayor parte de los temas. Y así como cabe resaltar la presencia de Gail Ann Dorsey (bajista de David Bowie) en You Had Your Soul With You, debe hacerse lo propio con las bienvenidas colaboraciones de Lisa Hannigan y Mina Tindle, respectivamente, en So Far So Fast y en la muy emotiva Oblivions. Pero, ¿cuál es la razón de tal participación femenina, teniendo en cuenta que el grupo había sido hasta hoy exclusivamente masculino? Pues porque en el germen del disco está el cineasta Mike Mills, que propuso a los chicos de The National ilustrar musicalmente su mediometraje I Am Easy to find, que no por casualidad consiste en el retrato de una mujer. Así que, en realidad, es esta relación con el cine lo que ha alterado el universo pop de la banda de Brooklyn, percibiéndose aquí y allá diferentes referencias a ciertos clásicos del séptimo arte, y en concreto a Vacaciones en Roma de William Wyler (1953). Pero al margen de tales novedades cinematográfico-femeninas, los fans de The National podrán disfrutar una vez más de la legendaria melancolía de la banda, que inunda tanto letras como música. Y en ese sentido se encuadra la desgarradora elocuencia de unas fluidas cuerdas en todos los cortes (con una única salvedad, los violines en staccato de Where Is Her Head), así como un recurrente piano introspectivo (especialmente en un tema tan hermoso como Light Years). Por su parte, la singular guitarra rítmica de Bryan Devendorf despliega múltiples contrastes, desde las más arrolladoras sacudidas (Rylan, The Pull of You) al toque más sensual (Hairpin Turns, I Am Easy to Find). © Nicolas Magenham/Qobuz
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Metal - Publicado el 22 de febrero de 2019 | InsideOutMusic

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Luego de haber dividido la opinión de sus seguidores al inclinar perentoriamente la balanza hacia el rock progresivo en el conceptual The Astonishing, en Distance Over Time Dream Theater optó por un giro de 180 grados y un regreso al heavy metal de sus primeras épocas. El resultado final no hace más que reafirmar la identidad del grupo de manera realmente impactante, dejando a las claras su ansia por demostrar su vigencia a través de un proceso de redescubrimiento musical pletórico de energía y creatividad. Este álbum debería reparar cualquier cisma existente entre los fanáticos de la banda e incluso procurarle hordas de nuevos admiradores.
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Alternativa & Indie - Publicado el 12 de abril de 2019 | Partisan Records

Hi-Res Premios 4F de Télérama - Qobuzissime
Apenas recuperados de Songs of Praise, primer Qobuzissime de los londinenses Shame, el ojo del huracán rock’n’roll se traslada ahora más al norte, a Dublín. Allá, una banda igualmente virulenta llamada Fontaines D.C., aprieta los dientes para demostrarnos que el actual revival postpunk tiene todavía más de un gancho, rodillazo, patada y directo al estómago que propinarnos. Y aunque el álbum de presentación de Fontaines D.C., Dogrel, se enraíce en territorios conocidos (The Fall, Joy Division, Gang Of Four, Public Image Ltd.), el abono es diferente. En primer lugar, por esa singularidad irlandesa que exuda este disco nostálgico de un Dublín de postal, desaparecido a causa de la globalización y la gentrificación. Dogrel termina, por lo demás, con Dublin City Sky, balada acústica alusiva a los viejos pubs y la Guinness bien tirada, y que parece salida de un disco de los Pogues, su grupo de referencia. Pero el combo de Grian Chatten tiene también la particularidad de venerar la literatura y la poesía tanto como el rock’n’roll y la folk music. De ahí esa constante sensación de estar escuchando un panfleto de puro y reivindicativo postpunk, pero nunca burdo. Ese es el punto fuerte de Dogrel, sonar culto sin parecerlo, agitado pero audible. En un posible hit como Big Chatten aúlla «my childhood was small, but I'm gonna be big» (mi infancia fue pequeña, pero voy a ser grande). Y precisamente eso, grandes, es lo que parece que Fontaines D.C. están destinados a ser muy pero que muy pronto… © Marc Zisman/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 3 de mayo de 2019 | Columbia

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Surgieron hace una década, pero desde entonces los Vampire Weekend se lo han tomado con calma. Tras un epónimo Vampire Weekend (2008) y de los posteriores Contra (2010) y Modern Vampires of the City (2013), la banda de Ezra Koenig abandona ahora, por fin, su silencio de seis años, periodo marcado por la deserción de uno de sus puntales, Rostam Batmanglij, que en 2017 editaba en solitario el excelente Half-Light… Último álbum en estudio hasta hoy, Modern Vampires Of The City mostraba una interesante evolución por parte del combo neoyorquino. Y es que los toques étnicos a lo Talking Heads eran marginados en beneficio de un pop más pulido, tanto en lo referente a melodías y armonías como a sonoridades. Actual líder y prácticamente único cerebro del grupo, Koenig, que ha sustituido NY por LA, confirma con Father of the Bride que se encuentra en muy buena forma. La columna vertebral sigue siendo, claro está, el pop, pero estas 18 canciones dibujan paisajes ciertamente distintos. Y es que aquí hay un poco de todo, como en botica, porque el disco apunta en múltiples direcciones: Beatles, Beach Boys, Fleetwood Mac, Supertramp, Paul Simon, Wilco, Grateful Dead y mil influencias más. En cuanto a invitados, Vampire Weekend tiende también a la variedad, recurriendo al pedal steel y la guitarra impresionista de Greg Leisz, a la voz de Danielle Haim de HAIM, a la guitarra de Dave Longstreth de los Dirty Projectors, a Steve Lacy de The Internet e, incluso, a un Rostam vuelto momentáneamente, en dos temas, al redil. Tras sucesivas escuchas, cabe preguntarse si Ezra Koenig no habrá querido firmar con este disco, él solito, su Doble blanco (el álbum más ecléctico de los Beatles)… © Marc Zisman/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 21 de junio de 2019 | Third Man Records

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Es difícil creer que hayan pasado once años desde la edición de Consolers of the Lonely, último disco en estudio del cuarteto de Detroit, galardonado con un Grammy gracias a su impecable producción. En ese tiempo The Raconteurs han lanzado cuatro álbumes en directo y guardado un silencio que hacía temer la separación de la banda. Pero, por fortuna para los fans del rock’n’roll y de los riffs más mugrientos, el power-duo formado por Jack White y Brendan Benson está de vuelta con Help Us Stranger, respaldados como siempre por Vance Powell en tareas de producción. ¿La causa de tan larga ausencia? Los (muy) numerosos proyectos del ex-White Stripes, quien en ese tiempo ha fundado un sello (Third Man Records), montado otro grupo (The Dead Weather) y desarrollado una carrera en solitario (cuya última aportación es el disco Boarding House Reach, lanzado en 2018)… Pero este 2019 The Raconteurs entregan un álbum explosivo, hecho de cemento armado, como vibrante homenaje al rock garage y a la música de finales de los 60. Sobre los preparativos del trabajo Benson ha dicho que «no hablamos demasiado, apenas lo planificamos, como suele ser habitual en el caso de The Raconteurs». Esa actitud impulsiva, casi adolescente, se percibe especialmente en Don’t Bother Me, cuyas sacudidas rítmicas no dejan de recordar al primer disco, epónimo, de Motörhead, así como a ciertos temas del Beck-Ola de Jeff Beck. Y la producción habla por sí sola: el peso de las guitarras, así como la importancia concedida a la sección rítmica (Jack Lawrence al bajo, Patrick Keeler a la batería), retoman claramente la estética «heavy» del blues-rock británico, antes de convertirse en heavy metal. Referencias que Jack White asume sin problemas. «Estamos en un momento en que los grupos de rock’n’roll parecen haber desaparecido del panorama musical. Para nosotros, ello suponía una invitación: ¿por qué no hacer el disco de rock’n’roll que nos gustaría escuchar?» Por supuesto, han salido triunfantes del envite. Help Us Stranger es un álbum 100% rock’n’roll, de sorprendente simplicidad, sin artificios, sin pretensiones: un contundente retorno, que se ha hecho esperar demasiado. © Alexis Renaudat/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 9 de agosto de 2019 | Jagjaguwar

Hi-Res Premios Pitchfork: Best New Music
Tras haber llevado al límite la experimentación sónica en el precedente 22, A Million, Bon Iver regresa a un terreno más familiar y menos desconcertante en I,I, su cuarto álbum de estudio lanzado en 2019. Secundado por un extenso equipo de colaboradores, Justin Vernon da forma a un disco que combina todos los elementos de sus anteriores trabajos en un todo más sombrío y expresivo, a la vez más íntimo y más expansivo. La excesiva extravagancia de algunos arreglos, desafortunadamente, a menudo atenta contra el espíritu de las canciones y otorga al disco un carácter confuso. Incluye los sencillos "Hey, Ma" y "U (Man Like)" y la participación de James Blake, Aaron Dessner, Bruce Hornsby y Moses Sumney, entre otros.
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Alternativa & Indie - Publicado el 10 de mayo de 2019 | Dangervisit

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Rock - Publicado el 15 de julio de 1990 | Rhino

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Un año después de ...But Seriously, el álbum más vendido en Reino Unido en el momento de su edición, en 1989, Phil Collins entregaba el live de la consiguiente gira por todo el planeta. El antiguo batería de Genesis estaba por entonces en la cima de la gloria. Y este concierto berlinés del 15 julio de 1990 documenta de manera impecable el aspecto monumental de aquellas actuaciones. Flanqueado por cuatro virtuosos (Leland Sklar al bajo, Daryl Stuermer a la guitarra, Chester Thompson a la batería y Brad Cole a los teclados), Phil Collins desgrana aquí una suerte de «best of» donde destacan éxitos como Against All Odds (Take a Look at Me Now), One More Night, In the Air Tonight y una hipervitaminada versión del You Can't Hurry Love de las Supremes. ¡Y lo cierto es que todo suena grandioso! Los metales, las rítmicas, las melodías. En cuanto a la remasterización de este directo en calidad Hi-Res 24Bit, decir que convierte la experiencia en algo aún más colosal. © Clotilde Maréchal/Qobuz
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Pop - Publicado el 26 de abril de 2019 | RCA Records Label

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El género

Pop/Rock en el Magazine