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Los álbumes

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Pop - Publicado el 20 de septiembre de 2019 | Columbia

Hi-Res Premios 4F de Télérama - Pitchfork: Best New Music - Qobuzissime
¡A todo el mundo le gusta el soul y el funk “vintage”! Pero aunque parece que aparecen herederos de Curtis Mayfield, Al Green, Prince, Sly Stone etc. todos los días, el verdadero interés parece limitado… Pero ya con solamente dos álbumes, el grupo Alabama Shakes ha mostrado su fuertemente original y tórrida versión de un funk de garaje sureño. ¿Su ingrediente secreto? Brittany Howard, esa cantante con un carácter y carisma XXL. Y con ese carisma se ha lanzado a realizar su primer e impresionante álbum a solo, que conserva los valores esenciales de los Alabama Shakes pero incorpora líneas menos convencionales, más originales. Howard firma aquí un disco de funk delirante y sicodélico, en las fronteras de lo experimental, como en History Repeats, con sus vivaces guitarras, sus ritmos irregulares y una voz alborotada.La nativa de Athens se rodea de un reducido grupo de músicos de confianza (Zac Cockrell, bajista de Alabama Shakes, y dos jazzmen curtidos y singulares, Robert Glasper al piano y teclados y Nate Smith a la batería). Es una base reducida pero rica a la vez, y sobre ella, Howard despliega su particular estudio acerca de sus referencias vitales. ¡Todo está aquí! La homosexualidad (Georgia), la muerte (el título del álbum, Jaime, es el nombre de su hermana mayor, que murió de cáncer a los 13 años, cuando Brittany tenía 8), la religión (He Loves Me), y el racismo, que ella misma, hija de una madre blanca y de un padre negro, ha sufrido (Goat Head relata esa mañana en la que su madre encontró las cuatro ruedas de su coche pinchadas y la cabeza cortada de una cabra en el banco del jardín). Es un disco que no deja indiferente. Las referencias e influencias de Howard son evidentes (Prince, Curtis, Sly), o eso parece, pero al final el resultado es de una gran originalidad. © Marc Zisman/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 16 de agosto de 2019 | Human Season Records

Hi-Res Premios 4F de Télérama - Qobuzissime
¿Podría ser Dublín el epicentro de un nuevo terremoto post-punk? Siguiendo los pasos de Fontaines D.C. y Girl Band, con los que compartieron espacio de ensayo, ahora llegan estos 5 irlandeses de The Murder Capital para sumergirnos en su claustrofobia urbana. Son post-apocalípticos, furiosos, emocionados y emocionantes. Retomando códigos de Joy Division, The Cure o Fugazi, su primer álbum se titula When I Have Fears, como el famoso poema de John Keats. El frontman de la banda, James McGovern, lo tiene claro: “Sería facilísimo para nosotros escribir un álbum de 10 canciones punk a 170 bpm […] pero no podemos estar enfadados durante tanto tiempo, preferimos reflejar lo que está en nuestras cabezas.” Y así nos encontramos con romanticismo melancólico y explosiones furiosas a partes iguales, expresión de las preocupaciones socio-políticas de McGovern. La semilla de When I Have Fears parece haber sido un evento traumático: “Un amigo muy cercano se suicidó en febrero, y quisimos reflejar la negligencia del sistema irlandés con respecto a la salud mental. Ocurren muertes innecesarias debidas a esta falta de atención, y también por la deficiente inteligencia emocional de nuestra sociedad. Mi amigo simplemente no se podía permitir pagar la ayuda que necesitaba.”El barítono se inspira en la vasta tradición literaria de su país para construir un mordaz retrato de la juventud, a menudo plagada por una cultura de borrachera. Su mensaje queda subrayado por afiladísimos arreglos que rozan el minimalismo. Su simpleza contribuye a resaltar una sensación de urgencia en muchas de las canciones. Por lo demás, el hiperactivo batería Diarmuid Brennan –¡esos hi-hats!– en Don’t Cling To Life, o el piano y los sombríos gruñidos en The Street Adores Me Now demuestran que la banda es más que capaz de ir mucho más allá de los mimbres formales establecidos durante el revival post-punk de los primeros años 2000. When I Have Fears es un disco genuinamente dublinés, que trasciende la frialdad y la miseria sin abandonar nunca la sinceridad y la energía – un Qobuzissime contundente y sensible. © Alexis Renaudat / Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 11 de octubre de 2019 | 4AD

Hi-Res Premios 4F de Télérama - Pitchfork: Best New Music
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Alternativa & Indie - Publicado el 30 de agosto de 2019 | Polydor Records

Premios Pitchfork: Best New Music
El magnetismo de su carnal voz es intangible. Elizabeth Grant, conocida como Lana Del Rey, podría susurrar las instrucciones de una aspiradora inalámbrica, o incluso invitar a la Tierra entera a una de sus fiestas (A$AP Rocky, The Weeknd, Stevie Nicks y Sean Lennon en Lust for Life, su álbum de 2017), mientras sigue deambulando por su pequeño planeta hecho de lentitud y melancolía. Es su manera de hablar de su tiempo, de sus contemporáneos, del sueño americano y, también, porqué no, de sí misma... Con su impactante título, su portada de estética pop (con Duke Nicholson, nieto de Jack Nicholson, a bordo de un bote alejándose de una costa en llamas) y su ritmo particularmente lento (solo baladas, sin títulos grandilocuentes), Norman Fucking Rockwell! está impregnado de un ADN más bien folk. Una cascada sonora en la que la cantante se regodea, más melancólica y evanescente que nunca. Un disco diseñado especialmente con Jack Antonoff, autor/productor preferido de estrellas del pop como Taylor Swift, St. Vincent, Lorde, Carly Rae Jepsen y Pink, quien viste su estado de ánimo con tanta sobriedad como eficiencia. Singular y hermoso álbum en cámara lenta en este mundo de matones, una versión de Doin’Time (1996) de Sublime (a su vez una especie de relectura del Summertime Gershwin), una prueba más de la originalidad del caso Lana Del Rey, mucho más complejo de lo que algunos nos quieren hacer creer... © Marc Zisman/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 3 de octubre de 2019 | Ghosteen Ltd

Hi-Res Premios Pitchfork: Best New Music
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Pop - Publicado el 20 de septiembre de 2019 | Verve Forecast

Hi-Res Premios Qobuzissime
El American dream es un tema aparentemente inagotable. Ya se aborde frontal o lateralmente, por un lado u otro, supone el carburante último de una verdadera horda de songwriters; y ello aunque alguno ni siquiera haya nacido ahí, en las Américas. Es el caso de J.S. Ondara. Porque este joven keniata, a quien su sello califica de «eslabón perdido entre Tracy Chapman y Michael Kiwanuka» (referencias evidentes pero ciertas), se ha sumado igualmente al carro. En 2013 Ondara se instalaba en casa de su tía de Minneapolis. Bares, clubs y calles se convierten, así, en escenario de las canciones de un chaval que hasta entonces no había salido de su Nairobi natal, canciones construidas a base de guitarra acústica con el objetivo, seguramente, de convertirse en el Bob Dylan del tercer milenio. En el Dylan de The Freewheelin’, su disco fetiche, junto al Nebraska de Springsteen… Pero, claro, si se hubiera limitado a clonar a esos colosos el asunto no tendría mayor interés. Y en Tales of America elude tal peligro. Porque J.S. Ondara dispone de una voz propia: es ese tono quejumbroso y una pizca andrógino lo que marca la diferencia. En cuanto a la instrumentación, se añaden las bienvenidas aportaciones, especialmente, del gran Andrew Bird, de Griffin Goldsmith (de Dawes) o de Joey Ryan (del dúo Milk Carton Kids). Para una América enfrentada, para un mundo más confuso que nunca, las canciones de J.S. Ondara son bastante más que simples apósitos. Suponen más bien poderosos bálsamos que atraviesan la piel del oyente y reconfortan su corazón. Un Qobuzissime, en cierto modo, necesario… © Marc Zisman/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 4 de octubre de 2019 | Jagjaguwar

Hi-Res Libreto Premios Pitchfork: Best New Music
Tres años tras su My Woman, un álbum que la vio alejarse más de sus principales influencias (Cat Power, Hope Sandoval de Mazzy Star, Kate Bush, PJ Harvey) para ir a un terreno grunge/indie/folk (con incorporación de toques de Americana y sonoridades vintage), aquí Angel Olsen firma un álbum más sedoso, reluciente, hasta lujurioso. No hay sin embargo concesiones comerciales en este All Mirrors, sino solamente un deseo de conducir su música hacia unas aguas quizás menos turbulentas. El sonido es claramente más denso, los arreglos más elaborados, incluyendo incluso cuerdas que sin embargo están siempre exquisitamente dosificadas. Como Annie Clark a.k.a. St Vincent, Olsen mezcla una poderosa explosión de furia con una fuerte dosis de auto-aceptación, siempre apoyadas por melodías impresionantes. La cantante norteamericana se siente también enormemente cómoda moviéndose desde atmósferas oscuras a secuencias casi lúdicas. Estamos ante una riqueza estilística que se aprecia mejora a cada nueva escucha. © Marc Zisman/Qobuz
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Ma

Alternativa & Indie - Publicado el 13 de septiembre de 2019 | Nonesuch

Hi-Res Libreto Premios 4F de Télérama
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Pop - Publicado el 6 de septiembre de 2019 | tôt Ou tard

Hi-Res Premios 4F de Télérama
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Rock - Publicado el 27 de septiembre de 2019 | Rhino - Warner Records

Hi-Res Premios Best New Reissue
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Alternativa & Indie - Publicado el 13 de septiembre de 2019 | Sacred Bones Records

Premios Pitchfork: Best New Music
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Alternativa & Indie - Publicado el 11 de octubre de 2019 | Matador

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Alternativa & Indie - Publicado el 6 de septiembre de 2019 | 30th Century Records

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Alternativa & Indie - Publicado el 13 de septiembre de 2019 | Domino Recording Co

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Alternativa & Indie - Publicado el 16 de agosto de 2019 | Castle Face

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Alternativa & Indie - Publicado el 16 de agosto de 2019 | Triple Crown Records

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Alternativa & Indie - Publicado el 27 de septiembre de 2019 | Tapete Records

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Rock - Publicado el 19 de septiembre de 2019 | Debemur Morti Productions

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Pop/Rock - Publicado el 13 de septiembre de 2019 | Numero Group

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Metal - Publicado el 30 de agosto de 2019 | RCA Records Label

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Luego de 13 largos años, la enigmática banda de metal alternativo Tool finalmente volvió a sacar un disco en 2019. De 80 minutos de duración y apenas 7 temas, Fear Inoculum es más un viaje alucinante que un disco de rock, en el que las canciones parecen movimientos de una sinfonía compleja y ambiciosa. El virtuosismo instrumental del grupo alcanza nuevos picos, mientras que las letras son mucho más maduras y reflexivas. Considerando el tiempo transcurrido desde su último álbum, no pocos temían que Tool ya no estuviera a la altura de su leyenda. Afortunadamente Fear Inoculum vuelve a demostrar la impresionante capacidad del grupo para continuar perfeccionando su propuesta y realizar uno de los mejores trabajos de su catálogo. La espera valió la pena.

El género

Pop/Rock en el Magazine