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Artistas similares

Los álbumes

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Dúos - Publicado el 10 de noviembre de 2017 | Evidence

Hi-Res Libreto
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Rock - Publicado el 26 de septiembre de 1969 | UMC (Universal Music Catalogue)

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So

Rock - Publicado el 18 de mayo de 1986 | Real World Productions Ltd.

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Pop - Publicado el 12 de junio de 2020 | Blue Note Records

Hi-Res
A veces se producen malentendidos en torno a Norah Jones. Existe un cierto cliché que considera a la tejana sólo una agradable cantante de jazz ligero cuyos discos sirven de música de fondo indolora para veladas de ejecutivos limpios y ordenados. Pero en sus eclécticas composiciones, interpretaciones y colaboraciones obviamente ha demostrado ser mucho más interesante que esta idea de ella. Y este álbum de 2020 es otra ilustración de su complejidad. Y como suele ocurrir con Norah Jones, Pick Me Up Off the Floor no es realmente jazz, ni pop, ni blues, ni country, ... Su música apátrida está principalmente al servicio de las canciones, como estas que dejó de lado tras sesiones con Jeff Tweedy de Wilco, Thomas Bartlett, Mavis Staples, Rodrigo Amarante y algunos otros, y que componen su nuevo trabajo.El resultado no es, sin embargo, un mero collage. Todas las composiciones son llevadas por un groove más bien suave (presente en seis de los 11 temas del disco, con la batería de Brian Blade haciendo milagros de delicadeza) y un estilo apagado que se mueve entre la poesía pura y la realidad. “Son todas ellas canciones muy fuertes de los últimos dos años, que no había publicado antes. Y me enamoré de ellas, escuchando las mezclas crudas en mi teléfono mientras paseaba a mi perro. Se me quedaron impresas en la cabeza y me di cuenta de que todas tenían una conexión surrealista entre ellas. Como un sueño loco que tenía lugar en algún lugar entre Dios, el diablo, el corazón, el país, el planeta y yo.” Rara vez Norah Jones había cantado con tanta profundidad como en I’m Alive, donde habla de la resistencia de las mujeres, o en How I Weep, donde canta acerca de la pérdida y el dolor con una gracia incomparable. © Marc Zisman/Qobuz
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Rock - Publicado el 26 de septiembre de 1969 | UMC (Universal Music Catalogue)

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Rock - Publicado el 17 de septiembre de 1996 | RCA Records Label

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Rock - Publicado el 25 de octubre de 2019 | Exile

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Alternativa & Indie - Publicado el 10 de abril de 2020 | Cult Records - RCA Records

Hi-Res Libreto
¡Ya era hora! The Strokes nunca se habían sentido tan cómodos en sus Converse desde su debut hace veinte años. Es decir, ha sido una travesía del desierto... hasta este año 2021. En 2001, con Is This It, consiguen resucitar un rock que parecía ya enterrado. Influenciados por Velvet Underground y Television, y sorprendentemente también por Pearl Jam y Nirvana (citado en su momento por Albert Hammond Jr.), los cinco chicos liderados por Julian Casablancas (hijo del fundador de Elite Model Management y Miss Dinamarca 1965), tienen la misma actitud punk desapegada de las bandas en las que se inspiraron. Y el perfecto sonido de rock minimalista lo-fi, naturalmente construido a su medida: “Debe sonar viejo, pero viejo como de 2001”, le pidió entonces Casablancas al ingeniero de sonido. Una vuelta a las guitarras, bajo y batería un tanto desordenados. Nada de electrónica. Pero la milagrosa fórmula de aquel primer trabajo se erosiona después, álbum tras álbum, entre excesivas experimentaciones de sintetizador y duelos de ego, terminando en 2013 con el flojo Comedown Machine, que convierte a los neoyorquinos en un recuerdo igualmente desdibujado.En cambio, The New Abnormal es un álbum inspirado, empezando por su título profético. Con una portada que recoge Bird On Money, el espléndido tributo de 1981 de Basquiat a Charlie Parker. Con esta imagen, The Strokes se mueve por la delgada línea entre el underground y lo popular, una actitud que se vivió mucho en los 80. Estamos ante un álbum que trae consigo la atmósfera de la Gran Manzana, junto con la new wave de Blondie. Pero también del reino de Isabel: es imposible no pensar en Don’t You Want Me de Human League al escuchar Brooklyn Bridge Circus. O en Bad Decisions, acordarse del lirismo exacerbado de las voces de Billy Idol y Morrissey. Desde el principio, y a lo largo de sus 45 minutos, este trabajo engancha sin descanso. Desde The Adults Are Talking, una pista inexorablemente pegadiza gracias también al característico falsete de Casablancas, hasta el genial Eternal Summer que evoca Pigs de Roger Waters, pasando por el melancólico Selfless donde, a la manera de Chris Martin, la voz de Casablancas de nuevo nos cautiva por completo: por fin tiene algo que decir. Para extraer la frescura de su madurez, y poner aceite nuevo en un motor parado, el quinteto llamó al “salvador” Rick Rubin, fundador de Def Jam, para producir el disco. Y lo han clavado. Canciones meticulosamente elaboradas pero sin que ello se note demasiado, texturas sintéticas de sabor retro, guitarras apoyadas en tempos deconstruidos, y el motor vuelve a funcionar de forma perfecta. Una obra de belleza rota pero refinada, tan solar como lunar, destinada a perdurar. © Charlotte Saintoin/Qobuz
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Rock - Publicado el 27 de marzo de 2020 | Republic Records

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Alternativa & Indie - Publicado el 23 de junio de 2017 | XL Recordings

Hi-Res Premios Pitchfork: Best New Reissue
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Soul/Funk/R&B - Publicado el 31 de enero de 2020 | Wagram Music - 3ème Bureau

Hi-Res
Su discográfica le propuso inicialmente realizar un álbum de versiones, pero Ayo tenía demasiadas cosas nuevas que expresar como para poder aceptar tal oferta. Como vestigios de esta primera idea, sin embargo, tres canciones preexistentes están presentes en este quinto opus de la cantante germano-nigeriana: Né quelque part de Maxime Le Forestier, Throw It Away de Abbey Lincoln y Fool’s Gold del difunto Lhasa. La cantante que se hizo famosa en 2007 con el éxito Down On My Knees guarda la guitarra folk de la que parecía inseparable en el armario, y aquí se concentra en su voz, destacada especialmente gracias a los arreglos desnudos de Freddy Koella. Ayo lleva su timbre claro y su cálida interpretación al corazón de canciones infinitamente delicadas (Rest Assured, con su vacilante piano), tiernamente desolladas (Fix Me Up y sus guitarras de blues), pero también, en ocasiones, groovy (Afro Blue, cuya orquestación sólo incluye un platillo y un contrabajo en pizzicato). Otras pepitas del álbum incluyen una canción lenta con un toque retro (Just Like I Can't) y un tema increíble que mezcla ritmo reggae y jazz nostálgico (I'm in Love). En la encrucijada entre el soul y el folclore, las elegantes, sensibles e íntimas melodías de Ayo no hacen para nada que nos arrepintamos de su gran elección de presentarnos nuevas canciones. © Nicolas Magenham/Qobuz
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Jazz - Publicado el 1 de noviembre de 2019 | ECM

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Desde 1971, Keith Jarrett graba en exclusiva para ECM, en uno de los pactos más sólidos y productivos entre un artista y su sello de todos los tiempos. El 16 de julio de 2016, el pianista norteamericano ofreció el último concierto de su gira estival en Múnich, ciudad en la que se encuentra el cuartel general de sello y de su legendario productor, Michael Eicher. Esa noche, Jarrett desplegó ante el público bávaro un torrente improvisacional como sólo él sabe hacer. Pero al contrario de experiencias de décadas ya pasadas, la entrega se realiza aquí en segmentos cortos. Quedaron atrás esas pistas de 20-30 minutos como en el famoso Köln Concert de 1975, los Sun Bear Concerts de 1976, el Paris Concert de 1990 o el Vienna Concert de 1992… En Munich 2016 encontramos una docena de secuencias que proporcionan una visión de conjunto de los gustos de este poliédrico artista «extra» «ordinario» (literalmente), capaz de hacer que su música enganche con los antiguos maestros del jazz, pero también de producir frases de una enorme complejidad rítmica y armónica, a menudo incluso atrevidas. A lo largo de los 86 minutos de este Munich 2016, se alternan frenesí de notas con malabarismo de silencios, motivos blues con miniaturas de cámara. Jarrett sigue diluyendo las líneas entre el jazz y la música clásica en un ejercicio arrebatador. Este tour de force se concluye con la relectura de tres standards (Answer Me My Love, tan querido por Nat King Cole, It’s a Lonesome Old Town popularizado por Sinatra y Somewhere Over the Rainbow tomado de El mago de Oz). Es divertido recordar una anécdota extramusical que se produjo al final del concierto. Tras su versión de Over the Rainbow, y en medio de los aplausos, con el público puesto en pie, algunos espectadores fotografiaron al pianista que, furioso, no dudó en agarrar el micrófono: «No voy a hablar acerca de los tontos del culo que me apuntan con sus smartphones. Solamente tengo una pregunta para ellos: “¿Por qué habéis venido?”» © Marc Zisman/Qobuz
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Soul/Funk/R&B - Publicado el 30 de noviembre de 1982 | Epic

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Puede que estuviera previsto que Thriller atrajera a un público de lo más variopinto pero la osadía de esos cálculos (a nadie más se le podría haber ocurrido que un virtuoso del metal como Eddie Van Halen tocara en un corte de disco) se vio eclipsada por su éxito. En este disco una canción tan bonita como "Human Nature" convive sin problemas con la dura "Beat It", el sensiblero dúo con Paul McCartney en "The Girl Is Mine" y la chispeante "P.Y.T.". Aunque no se puede negar que es divertido, la paranoia hace presencia en "Billie Jean" y la delirante "Wanna Be Startin' Something", que le da a Thriller un ancla emocional. © Stephen Thomas Erlewine /TiVo
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Rock - Publicado el 4 de febrero de 1977 | Rhino - Warner Records

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Las tensiones personales alimentaron casi cada canción en Rumours, lo que hace que la audición del álbum sea casi voyeurista. Los miembros de la banda cantaron dolorosas verdades sobre los demás, difundiendo desagradables mentiras y rumores y retorciéndose en su dolor, todo ello en presencia de la persona que lo provocó. Ideado de nuevo por el productor/compositor/guitarrista Lindsey Buckingham, Rumours es una obra musical excepcional: endurece a Christine McVie y suaviza a Stevie Nicks, añadiendo giros extraños a obras melódicas accesibles, dándole a las canciones una resonancia cautivadora, encubriendo una cruda emoción en arreglos aparentemente aceptables, algo que convirtió a una canción tan torturada como "Go Your Own Way" en un himno de éxito. Pero eso es lo que hace que Rumours sea un gran logro, convierte el dolor personal en algo universal. © Stephen Thomas Erlewine /TiVo
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Reggae - Publicado el 22 de septiembre de 2002 | Island Records (The Island Def Jam Music Group / Universal Music)

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En diciembre de 2017, a los 33 años de su lanzamiento, Legend cumplía 500 semanas consecutivas en la lista de los 200 álbumes más vendidos de la revista norteamericana Billboard. Un récord solo superado por el Dark Side of the Moon de Pink Floyd. Este recopilatorio, publicado tres años después de la muerte de Bob Marley (en 1981) y que vende todavía hoy varios miles de ejemplares al mes, ha dejado ampliamente atrás la cifra de 30 millones de copias, situando al artista en el mismo nivel que otros iconos del pop como Madonna, Michael Jackson o Queen. Único músico “no occidental” en esa categoría superior reservada generalmente a británicos y norteamericanos, el jamaicano se beneficiaría indudablemente del gancho comercial del sello londinense Island y de los “pulidos” tratamientos aplicados por sus ingenieros de sonido. Pues pese a que no puede obviarse la garra y universalidad del mensaje de Marley, debe tenerse en cuenta que las crudas sonoridades confeccionadas por Lee Perry en su estudio a comienzos de los 70 no habrían gozado ni de lejos, y es un hecho objetivo, del mismo éxito.Aunque este recopilatorio póstumo haya sido en ocasiones criticado por su escasa representatividad, no puede negarse la potencia de su tracklisting, que cumple sobradamente su objetivo: llegar al mayor número de oyentes posible. Y es que contiene las canciones más populares de Bob, muchas de ellas extraídas de Exodus, elaborado mayormente en Londres –Jamming, Punky Reggae Party, Three Little Birds, One Love, Waiting in Vain–, y además los temás más crossovers aparecidos en el sello Tuff Gong, puesto que a lo largo de su carrera sus oídos se abrirían a otras corrientes, como el soul, la disco music, el rock e incluso el punk. De este modo encontramos himnos como No Woman No Cry y Redemption Song, que convirtieron a Marley en el imaginario de muchos fans en un Dylan negro, pero ningún corte de los discos Natty Dread, Rastaman Vibration, Babylon by Bus y Survival. Ni tampoco canciones con letras demasiado políticas o violentas, como War, que retoma el discurso del emperador de Etiopía Haile Selassie en la ONU, ni tampoco tan dolorosas como Burning and Looting (la única excepción sería I Shot The Sheriff, que no podía faltar a causa de la versión realizada por Clapton). Parfecta introducción al reggae para neófitos, Legend fue durante mucho tiempo el árbol que escondió ese bosque integrado por tantos y tantos artistas jamaicanos de talento, ocultos tras la fama de Bob Marley. Claro que, en un momento en que los sonidos jamaicanos predominan como nunca, el hecho de que todavía haya millones de copias de este Legend sonando en hogares de todo el mundo resulta de lo más revelador. © Smaël Bouaici/Qobuz
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Alternativa & Indie - Publicado el 1 de enero de 2011 | Geffen

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WHO

Rock - Publicado el 22 de noviembre de 2019 | Polydor Records

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Jazz - Publicado el 27 de marzo de 2020 | Blue Note Records

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Su mentor, Prince, dijo que su voz podría derretir la nieve. Un don confirmado en The Women Who Raised Me, el tercer álbum de Kandace Springs, que, sin hacer demasiado ruido, está destacando cada día más dentro de la vasta familia de cantantes de jazz’n’soul contemporáneos. Como sugiere el título de su trabajo de 2020 (“Las mujeres que me educaron”), la nativa de Nashville instalada en Nueva York rinde homenaje a todas aquellas que le han servido de inspiración, desde Ella Fitzgerald hasta Roberta Flack, incluyendo a Astrud Gilberto, Lauryn Hill, Billie Holiday, Diana Krall, Carmen McRae, Bonnie Raitt, Sade, Nina Simone, Dusty Springfield y especialmente Norah Jones, uno de sus ídolos, presente en una de las pistas del álbum (Angel Eyes). Producido al igual que Soul Eyes (su álbum debut de 2016) por Larry Klein, The Women Who Raised Me también cuenta con los saxofonistas David Sanborn (I Put a Spell on You) y Chris Potter (Gentle Rain y Solitude), el trompetista Avishai Cohen (I Can’t Make You Love Me y Pearls), el contrabajista Christian McBride (Devil May Care) y la flautista Elena Pinderhughes (Ex-Factor y Killing Me Softly With His Song). Todos estos virtuosos aportan un refinamiento extra a este disco de versiones muy bien elegidas. Menciones especiales a Pearls de Sade, estimuladas por un Avishai Cohen más felino que nunca, y a Ex-Factor de Lauryn Hill. Este álbum también confirma el talento de Kandace Springs como instrumentista, tan cómoda en el piano como en el Fender Rhodes. Una virtuosa muy contenida, apoyada por un trío nunca invasivo compuesto por Steve Cardenas en la guitarra, Scott Colley en el bajo y Clarence Penn en la batería. Es este océano de sutileza y perfecta dosificación lo que hace que estas versiones, cantadas con sensualidad y convicción, sean tan entrañables. © Clotilde Maréchal/Qobuz
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Rock - Publicado el 6 de abril de 1993 | RCA Records Label

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